Арт-альбом

Тобольский кремль — единственный каменный кремль Сибири и последний по времени постройки кремль. В деревянном городе часто случались опустошающие пожары, и в 1677 году сюда пришло предписание: «…впредь город Тобольск делать каменный». Так в конце XVII века в столице Сибири появился проект каменного Тобольска. Его подготовил местный картограф и географ Семён Ремезов, всю жизнь трудившийся «ко утешней всенародной пользе», чьими усилиями был заложен «стольный град Сибири» — так именовали Тобольск в пору его расцвета, в XVIII веке. А сердце града — тобольский, единственный за Уралом кремль, белеющий на высоких Алафеевских горах, поражал воображение людское во все последующие времена. И хотя в начале XIX века, когда резиденцией генерал-губернаторов Сибири стал Омск и значение Тобольска уменьшилось, с историей этого города связано множество замечательных российских имён. Ершов, автор «Конька-Горбунка», композитор Алябьев, историк Словцов, декабристы, среди которых Фонвизин, Кюхельбекер, Батеньков, выдающийся учёный Менделеев, Достоевский, Чернышевский, Короленко, — все они были связаны с Тобольском, кто рождением, кто судьбой. И пусть большинство из них оказалось там не по своей воле, а на поселении, в ссылке или пройдя через Тобольский острог, именно эти люди создавали в городе атмосферу, необыкновенную притягательность которой отмечали многие. Фото: источник sobory.ru

В 1909 году Валентин Серов создаёт афишу для «Русских сезонов» в Париже — так называемых Дягилевских сезонов — ежегодных гастролей русских артистов во Франции, организованных русским театральным деятелем, антрепренером Сергеем Дягилевым. До этого, в 1907 году, в Париже прошли Русские исторические концерты с участием Римского-Корсакова, Рахманинова, Глазунова. Затем, в 1908 году состоялись оперные сезоны. В 1909 году Дягилев решил, помимо оперы, организовать гастроли русского балета. Подход Дягилева к постановкам был совершенно новаторским. Он выступил не только как организатор, но и как театральный режиссер высочайшего класса, работавший одновременно с музыкой, танцем и живописью. В обсуждении постановки принимали участие не только хореографы, но и танцоры, композиторы, музыканты, художники. Вместе они придумывали сюжет, создавали декорации и костюмы, продумывали характер музыки и танца. Зрителям были представлены пять постановок: «Пир», «Половецкие пляски», «Клеопатра», «Павильон Армиды» и «Сильфиды». Балет произвёл невероятное впечатление. Жан Кокто говорил о Русских сезонах: «Красный занавес поднимается над праздниками, которые перевернули Францию и которые увлекли толпу в экстазе вслед за колесницей Диониса». Благодаря афише к Дягилевским «Русским сезонам», созданной Серовым, стало возможным сразу заявить о балете Дягилева как о синтезе музыки, танца и живописи. На тонированном холсте углём, темпером и мелом Серов изображает Анну Павлову — легендарную балерину, изящную, невесомую, словно некое неземное создание, танцующее не на сцене, а в воздухе, поднявшись над суетой жизни. Фактически во многом благодаря именно афише Серова Павлова стала олицетворением русского балета начала XX века, и участие в «Русских сезонах» Сергея Дягилева в 1909 году, стало началом её мировой известности. Фото 1: Анна Павлова в балете «Сильфиды». 1909 г. Холст тонированный, уголь, темпера, мел. 194x170. Эскиз афиши-плаката Русских сезонов в Париже. Источник: rusmuseumvrm.ru Фото 2: плакат Валентина Серова, созданный им по заказу Сергея Дягилева к гастролям балерины Анны Павловой в Париже в 1909 году, навсегда стал эмблемой «Русских сезонов». Источник: rsl.ru

Церулеум, или египетский синий — один из самых древних известных человеку пигментов. Он вырабатывался ещё в Древнем Египте, его можно найти на головном уборе всемирно известного бюста Нефертити — древнейшей реликвии, сохранившейся до наших дней. Ещё одно его название — александрийская лазурь, которая в течение древнего периода была самой популярной синей краской в бассейне Средиземного моря и по своему значению превосходила остальные синие пигменты — азурит и ляпис-лазурь. В 2020 году, учёные изучив свойства вещества, из которого состоит пигмент египетского синего — силиката меди и кальция CaCuSi4O10, выяснили, что оно идеально подходит для применения в экспериментах с использованием ближней инфракрасной спектроскопии и микроскопии. Микроскопия и оптическая визуализация являются важными инструментами в фундаментальных исследованиях и биомедицине. Они используют вещества, которые при возбуждении выделяют свет. Такие вещества, известные как флюорофоры, используются для окрашивания биологических микроструктур в образцах, что позволяет получать чёткие изображения с использованием современных микроскопов. Большинство флюорофоров светятся в диапазоне видимой части спектра, но часто бывает необходимо сделать снимки в ближнем инфракрасном диапазоне с длиной волны более 800 нанометров. Такой свет глубже проникает в ткани и меньше искажает изображение. Оказалось, что сверхтонкие чешуйки египетского синего обладают свойствами флюорофора, способного светиться в ближнем инфракрасном спектре. Исследователи смогли отделить от силиката кальция и меди чрезвычайно тонкие нанослои толщиной около 1 нанометра, что в 100 000 раз тоньше человеческого волоса. Потенциал использования этого материала в современной микроскопии настолько высок, что с ним связывают ожидания новых открытий в биомедицинских исследованиях. Фото из открытого источника

Одно из примечательных мест Смоленщины — небольшое село Талашкино, расположенное в восемнадцати километрах от Смоленска. Талашкино — один из значительных художественных центров России конца XIX—начала XX века, связанный с изучением и возрождением традиций русского прикладного искусства, и получивший европейскую известность. Создательницей этого художественного центра была известная меценатка, коллекционер и художница Мария Клавдиевна Тенишева (1867-1928). Сегодня все сохранившиеся сооружения бывшей усадьбы Тенишевых входят в историко-архитектурный комплекс «Теремок» Смоленского государственного музея-заповедника. Знаменитый сказочный домик «Теремок» — бревенчатое сооружение, выполненное по проекту Сергея Малютина, представляет собой подлинный шедевр русского малого зодчества. Окна, двери, карнизы, наличники — всё искусно выпилено, ажурно вырезано. В «Теремке» можно увидеть изделия талашкинских мастерских и, конечно же, произведения тех, кто принёс Талашкино славу, — мебель, изготовленную по эскизам С. В. Малютина, акварели М. А. Врубеля, керамику Н. К. Рериха, расписные балалайки, произведшие фурор на Всемирной выставке в Париже. Почему в художественном разделе музея музыкальные инструменты? Ведь для их сохранения и экспонирования, если они представляют собой историческую ценность, существуют специальные музеи. Но балалайки эти непростые. Никто на них никогда не играл. Зато сами по себе они — произведения изобразительного искусства. Их деревянную поверхность расписывали именитые художники России, составившие гордость нашего Отечества: Михаил Александрович Врубель — автор сказочных картин нарисовал Царевну-лебедь, поединок русского богатыря Добрыни Никитича со Змеем Горынычем; художник Сергей Васильевич Малютин изобразил былинного певца Баяна с гуслями, гриф балалайки заканчивается вырезом в виде конской головы, украшенной цветами. Когда-то эти балалайки входили в коллекцию, подобной которой не было в мире. Владела ею М. К. Тенишева, человек одарённый, обладавшая тонким вкусом и богатым воображением. В 1900 году она показала в Париже на Всемирной выставке своё собрание — четырнадцать балалаек, которое имело громкий успех. Тенишева получила соблазнительные предложения о продаже коллекции — оптом или в розницу — за баснословные деньги. Однако она отказалась от сделки, привезла работы в Россию и передала их в историко-этнографический музей «Русская старина», ею же организованный в Смоленске. Балалайки возвратились туда, где были созданы — в Талашкино, сыгравшее в истории отечественной культуры конца XIX — начала XX века такую же благотворную роль, как и небезызвестное Абрамцево. «Талашкино наравне с Абрамцевым, — писал академик Игорь Эммануилович Грабарь, — были самыми известными пунктами дореволюционной России, где ряд славных русских художников прошлого — Врубель, Малютин, Поленов, Васнецов и другие — с большим успехом работали над возрождением народного искусства, применительно к быту и потребностям современной жизни. Их деятельность в этом направлении дала толчок к возрождению передового русского искусства...» Неожиданную мысль расписать балалайки подала Мария Клавдиевна, а друзья её — художники из Москвы и Петербурга с увлечением подхватили эту идею. Врубель сделал десять рисунков на сказочные сюжеты, щедро украсил балалайки растительным узором. Дальнейшая же судьба удивительной коллекции сложилась печально. Из четырнадцати балалаек, которые экспонировались в Париже, сохранилось лишь пять: четыре — кисти Врубеля, одна — Головина. Часть их находится в Смоленске, а часть в Москве — в Третьяковской галерее. Уцелело ещё четыре расписанные Малютиным балалайки, но Сергей Васильевич расписал их уже после парижского триумфа коллекции. Фото 1: историко-архитектурный комплекс «Теремок». Источник: tass.ru Фото 2: К. А. Коровин. Портрет М. К. Тенишевой (фрагмент). 1899 г. Источник: culture.ru Фото 3. 4. 5. Источник: akvareltula.ru

Максимилиан Волошин известен как талантливый и своеобразный поэт. Когда у него спрашивали, кто он, поэт или художник, он всегда говорил: «Конечно, поэт», а затем добавлял: «И художник». Его акварели восхищают плавностью линий, гармонией тонких цветовых сочетаний, сдержанной цветовой гаммой и непременно блистательным исполнением. Большую часть работ он сопровождал стихотворными подписями, чем-то вроде поэтического комментария, родившегося одновременно с образами пейзажей, навеянных во время прогулок по окрестностям крымского посёлка Коктебель. Здесь Волошин прожил несколько десятков лет до самой смерти в 1932 году. Ныне в его доме расположился мемориальный музей. Фото: Акварель «Вид Коктебеля». 1931 г. Источник: hhistrf.ru

Сегодня отправила заявку на участие в открытом городском интернет-конкурсе «ЧитаЯтворю», посвященном 135-летию Бориса Пастернака и 165-летию А. П. Чехова В полном восторге от названия — «ЧитаЯтворю» Работу выполнила масляной пастелью на бумаге для пастели Техника для меня новая. Тем более в портрете. Здесь сам художественный материал располагает к декоративности, как осень — к разноцветности и яркости. Фото 2: источник: официальная страница конкурса «ЧитаЯтворю» ВК

Гнёздовские курганы — археологический комплекс из древних курганных могильников и городищ в Смоленской области. Это самый крупный археологический комплекс, относящийся к периоду Древней Руси, его площадь составляет 207,4 га. В начале X столетия здесь находился целый город, который лежал на торговом пути «из варяг в греки». Именно здесь, у поселка Гнёздово Смоленского района, в 1949 году во время раскопок языческих погребений в курганах, произведённых археологической экспедицией МГУ под руководством профессора Д. А. Авдусина среди остатков кремации купца-воина и вещей, сопровождавших умершего, была найдена знаменитая глиняная амфора с древнеславянской надписью «гороушна». Существует несколько вариантов прочтения этого начертания: «горчица» (горчичное семя/масло), «горючее» (некое горючее вещество), «Гороуна» — мужское имя, написанное в родительном падеже (возможно имя владельца амфоры). Надпись «Гороушна» — самый древний образец славянской письменности, который дошёл до наших дней. Надпись, произведённая на кириллице, датирована примерно началом Х века, то есть моментом формирования древнерусского государства. Сейчас амфора хранится в фондах Смоленского музея-заповедника. Фото: smolsmolensk.izbirkom.ru

Модест Петрович Мусоргский (1839-1881) вошёл в историю мировой музыкальной культуры как великий русский композитор, автор масштабных произведений «Борис Годунов», «Хованщина», «Сорочинская ярмарка», фортепианных и вокальных циклов. Большой поклонник композитора И. Е. Репин, узнав о тяжёлой болезни, срочно выехал в Петербург с надеждой написать его портрет. В начале Великого поста болезнь ненадолго отступила, словно давая шанс художнику работать, а композитору позировать. Вдобавок ко всему погода стояла чудесная, и большая, с высокими окнами комната, где помещался Мусоргский, была вся залита солнечным светом. Со второго по пятое марта Репин приезжал в Николаевский военный госпиталь, где в течение четырёх сеансов был написан портрет. Писался этот портрет со всякими неудобствами: у живописца не было даже мольберта, и он должен был кое-как примоститься у столика, перед которым сидел в больничном кресле Мусоргский. Художник сумел создать яркий, во многом нетипичный для жанра классического портрета образ композитора, без прикрас изображая его в халате с малиновыми бархатными отворотами и обшлагами, на фоне белой стены палаты. Репин не скрывает признаков болезни Мусоргского, однако за нездоровой внешностью чувствуются, прежде всего, душевная боль, ранимость, растерянность перед неизбежно надвигающимся концом. Сходство черт лица и выражение поразительны. Из всех, знавших Мусоргского, не было никого, кто не остался бы в восторге от этого портрета — так он жизнен, так он похож, так он верно и просто передаёт всю натуру, весь характер, весь внешний облик композитора. Мусоргский скончался 16 марта 1881 года. Портрет композитора кисти Репина сразу же доставили на IX передвижную выставку, открывшуюся 1 марта в доме Юсупова на Невском проспекте. По воспоминаниям современников, перед обёрнутом в чёрное сукно портретом, ещё не «одетым» в раму, долго сидел потрясённый И. Н. Крамской. П. М. Третьяков приобрёл работу для своей галереи портретов «лучших людей России» заочно, не видя его, поверив единодушно хвалебным отзывам. Деньги, полученные за портрет, Репин пожертвовал на памятник Мусоргскому. Фото: my.tretyakov.ru

Павла Андреевича Федотова называли «Гоголем русской живописи». Этот удивительный художник-самоучка (посещал рисовальные курсы при Императорской Академии художеств) стал основоположником критического реализма в отечественном изобразительном искусстве, а именно бытовой картины и сатирического рисунка. Эта новизна вызвала небывалый прилив воодушевления у современников и неослабевающий интерес у потомков. Передвижники считали Федотова своим предшественником, символисты говорили о нём как о «чарующей личности русского искусства», советские исследователи подчёркивали «демократические идеи и жизненность творчества», и все они признавали большой и оригинальный талант художника. 10-летним мальчиком Федотов был помещён в Московский кадетский корпус, и лишь через 18 лет он смог оставить военную службу. Одной из причин, побудивших Федотова выйти в отставку и всецело отдаться искусству, явилась высокая оценка, данная его работам великим русским баснописцем И. А. Крыловым. Во время службы, после парада, художник показал великому князю Михаилу Павловичу неоконченную картину и решился попросить пособие на краски и бумагу. Князь не только выделил Федотову деньги, но и пообещал показать начатое произведение Николаю I. Вскоре живописцу пришло письмо: «Государь Император, удостоив внимания способности рисующего офицера, Высочайше повелеть соизволил предоставить ему добровольно оставить службу и посвятить себя живописи, с содержанием по 100 рублей ассигнациями в месяц, и потребовать от него письменного на это ответа». Павел Федотов долго думал над предложением императора. Он сомневался в своём таланте и даже обратился с советом к  «великому Карлу» Брюллову. Мастер посмотрел работы офицера и посоветовал ему не бросать военную карьеру: по мнению Брюллова, художнику не хватало техники. Федотов остался на службе, но рисовать не бросил. «Он вполне веровал ещё в «высокое искусство», олицетворением которого казался ему, как и всем тогда в России, Брюллов. Он, наверное, и сам не воображал, что настоящее высокое искусство и есть то самое, которое зачиналось в ту минуту на его маленьких холстиках и которое он, конечно, считал искусством второстепенным, подчинённым. Как бы он удивился, я думаю, если бы ему кто-нибудь тогда сказал, что именно с него только и начнётся настоящее русское искусство. «А Карл Павлыч куда?» — наверное, спросил бы он, видя тогдашнее всеобщее поклонение России Брюллову... наверное, спрашивал бы он это — не по чувству благодушной скромности и праведного смирения, а потому, что в самом деле так веровал и исповедовал. Конечно, он чувствовал правду своего таланта и истину трактуемого им нового материала, но он не чувствовал силы и значения начатого им дела, он был за тысячу вёрст от мысли, что он — родоначальник нового русского искусства». — писал художественный критик В. В. Стасов. Не имея специального образования, Павел Федотов удостоился звания академика живописи, а его картинами «Сватовство майора», «Свежий кавалер» и «Завтрак аристократа» восхищался Карл Брюллов. Фото 1: Автопортрет. 1848 г. Источник: история.рф Фото 2: Павел Федотов и его товарищи по службе (фрагмент эскиза). 1840 г. Источник: portal-kultura.mirtesen.ru Фото 3: «Господа! Женитесь — пригодится!» (фрагмент). 1840-е гг. Источник: artchive.ru

В 1953 году новозеландец Эдмунд Хиллари с шерпом Тенцингом Норгеем стали первыми покорителями знаменитого восьмитысячника — Джомолунгмы, или Эвереста, самой высокой горы в мире. После покорения Эвереста Эдмунд Хиллари посвятил себя благополучию народа шерпа в Непале. В 1960 году он основал Гималайский фонд, благодаря которому в отдалённых районах Гималаев были построены многочисленные школы и больницы. Вместе со своим младшим братом Рексом построил 27 школ и 12 больниц. А ещё — 2 аэродрома, чтобы было легче доставлять в этот регион продукты, стройматериалы и другие припасы. «Не знаю, хочу ли я, чтобы меня запомнили, — говорил Хиллари. — Восхождение на Эверест порадовало меня. Но главное дело моей жизни — строительство школ и больниц. Это приносит больше удовлетворения, чем покорённые вершины». В 1964 году Хиллари написал книгу «Школа в облаках», в которой откровенно говорил о необходимости помощи беднейшим и самым удалённым регионам мира. «Медленно и болезненно мы начинаем осознавать тот факт, что богатые и технологически развитые страны обязаны помогать менее развитым, — писал он. — Это не просто благотворительность, но единственный путь к постоянному покою и безопасности для всех нас». Фото: Тенцинг Норгей (слева) и Эдмунд Хиллари. Источник indiatoday.in