Анна Ульман

Бумага для пастели - Главное о фактуре. Начинаете с пастели? Первое правило: не берите первую попавшуюся бумагу! Ваша основа ДОЛЖНА иметь фактуру. Мелкие шероховатости – как "липучка" для частиц пастели. Без них рисунок просто осыплется. Осторожно с "буграми"! Слишком грубая фактура – тоже проблема. Пастель не сможет ровно перекрыть глубокие ямки, цвет будет ложиться пятнами. Абсолютное табу: гладкая или глянцевая бумага! Пастель на ней просто не задержится. Совет новичку: Ищите бумагу с пометкой "пастельная" или "для сухих техник". Потрогайте! Она должна быть слегка шероховатой, как тонкая наждачка, но не колючей. #азбука_пастели #пастель #сухаяпастель

Видели ли древние греки синий цвет? Древние греки и римляне не просто не любили синий — они его практически не замечали! В их языке не было точного слова для этого цвета, а в искусстве и одежде он встречался крайне редко. Для них синий был цветом варваров, траура и потустороннего мира. Художник: Михаэль Зено Димер

«Красные рыбы» — одна из самых очаровательных работ Анри Матисса, созданная в 1911 году. Четыре яркие рыбки, плавающие в прозрачной воде, приковывают взгляд зрителя. Цветовой колорит картины, яркий и контрастный, кажется настолько непосредственным и восхищённым, что его мог бы создать только ребёнок. Однако в этой работе есть и нечто необычное. Слишком сочные, нереалистичные цвета, странная, нелогичная композиция, абсолютное пренебрежение пропорциями и перспективой — всё это создаёт ощущение детской непосредственности и неправильности. Поверхность стола нарисована так, как будто мы смотрим на него сверху. Но ниже мы видим изящную ножку, как если бы стол был изображён сбоку. Аквариум также соответствует боковому изображению, иначе мы бы видели рыбок сверху. Удивительно, но эти очевидные искажения действительности не портят полотно. Композиция выглядит удивительно гармонично. Сегодня эта картина находится в Москве благодаря С. И. Щукину, который купил полотно у самого автора, с которым его связывала тёплая дружба.

«Японский нищий», 1904 год Художник: Василий Верещагин В 1903 году Василий Верещагин наконец-то осуществил свою давнюю мечту и посетил Японию. Он провел время в Токио, Киото и Никко, где изучал местные традиции и обычаи, стараясь собрать как можно больше этнографического материала, который мог бы дополнить его будущие выставки. Его небольшой портрет «Японский нищий» представляет собой своеобразную путевую заметку. Верещагин с удивительной точностью передал экзотический ритуальный костюм мужчины, играющего на флейте и держащего на голове плетеную корзину. Хотя черты лица скрыты и не позволяют сделать портрет этого персонажа, внутреннее достоинство японского нищего, который на самом деле является монахом-комусо, создает обобщенный образ всей цивилизации, о которой в то время в Европе было мало известно. Комусо (яп. 虚無僧, букв. — «монахи пустоты») — это монахи дзэнской школы Фукэ в Японии. Наименование последователей Фукэ словом «комусо» связано с самураем Кусуноки Масакацу. «Повесть о Великом мире» XIV века рассказывает о том, как Масакацу храбро служил своему сюзерену, который проиграл войну. После того как сюзерен передал знаки власти противнику, Масакацу стал ронином — самураем без хозяина. Согласно тексту «Кётаку Дэнки», ронин Масакацу, заложивший основы внешней формы Фукэ, носил одежду нищего и самурая одновременно. Его большая шляпа, закрывавшая лицо, имела маленькие вертикальные прорези напротив глаз. С позиции учения дзэн такая шляпа символизировала абсолютную отрешенность самурая-нищего от мирской суеты. С самурайской точки зрения, такая шляпа помогала Масакацу оставаться неузнанным врагами его сюзерена. После того как Масакацу стал монахом, он принял буддийское имя Кёму, которое являлось сокращением от Кёмукудзяку («Пустота и Небытие»). Кёму путешествовал по стране, играя мелодию «Колокольчик пустоты», и на часто задаваемый вопрос о своей личности отвечал: «монах Пустоты и Небытия».

Фердинанд дю Пюиго был французским художником. Он родился в Нанте 4 апреля 1864 года и умер в Круазике 19 сентября 1930 года. С детства дю Пюиго был близок со своим дядей Анри де Шатобрианом, который поддерживал его в увлечении искусством. Он получил обычное образование и учился в разных школах-интернатах от Парижа до Ниццы. В 1882 году дю Пюиго поехал в Италию, потом в Тунис и сам научился рисовать. Первая работа, которую точно можно отнести дю Пюиго, — это 1886 год, когда он был в Пон-Авене и подружился с Шарлем Лавалем и Полем Гогеном. Они хотели поехать в Панаму и на Мартинику, но не смогли, потому что дю Пюиго призвали на военную службу. В 1890 году дю Пюиго показал одну из своих работ на Салоне Национального общества изящных искусств. В это время его отец познакомил его с торговцем Полем Дюран-Рюэлем. В 1893 году дю Пюиго женился в Сен-Назере, у него родилась дочь Одетт дю Пюигод, путешественница и этнограф. В 1895 году он переехал в Пон-Авен и прожил там три года. В 1903 году он поссорился с Дюран-Рюэлем и в 1904 году поехал в Венецию, где написал много картин. Потом он вернулся в Бац-сюр-Мер, но у него были серьёзные финансовые проблемы. В 1907 году он переехал в особняк Керводу в Ле-Круазике, который ему дали друзья. Во время Первой мировой войны дю Пюиго был оторван от мира. Дега называл его «отшельником из Керводу» за его уединённый образ жизни. В 1919 году дю Пюиго начал готовить выставку в Нью-Йорке и работал над ней четыре года. Но в последний момент её отменили. Это было для него тяжело, он впал в депрессию и начал пить. Он умер 19 сентября 1930 года. Дю Пюиго писал много бретонских пейзажей. Он любил традицию поминовения усопших с шествиями и ритуалами, как и многие художники. Ещё он любил писать бретонских женщин. Некоторые его картины можно увидеть ниже. В его работах заметно, как он любит играть со светом свечей.