В практике академического рисунка существует один приём, который способен мгновенно улучшить качество работы как у начинающего, так и у опытного художника. Речь идёт о работе с контрформой — изображением не самого объекта, а пространства рядом с ним. Контрформа, или негативное пространство — это «пустота», которая на самом деле является ключом к пониманию формы, пропорций и композиции.
Ошибка многих начинающих художников заключается в том, что они пытаются рисовать «как есть»: просто глаз, вазу, руку и т.д. Взгляд цепляется за знакомый объект, и мозг подменяет его на привычный руке силуэт, заставляя рисовать не то, что мы видим, а то, что мы «помним» об этом предмете. В таких ситуациях спасает контрформа. Когда мы переключаем внимание с фигуры на пространство рядом с ней, объект теряет свою «предметность» и превращается в абстрактное пятно. Мы начинаем видеть его чистый силуэт и точные границы, что позволяет гораздо точнее передать пропорции.
Великие мастера Возрождения уже пользовались этим правилом, хотя сам термин вошёл в обиход гораздо позже. Леонардо да Винчи в своих записях советовал рассматривать пятна на стенах, чтобы разбудить фантазию, но в рисунке важнее другое: точное срисовывание промежутков. Если вы рисуете натюрморт, попробуйте копировать не форму яблока, а пространство между яблоком и стоящей рядом вазой. Как только этот промежуток будет построен верно, и яблоко, и ваза автоматически встанут на свои места.
Кроме того, работа с негативным пространством — это мощный инструмент построения композиции. Китайская живопись и японская гравюра веками эксплуатировали эстетику пустоты, понимая, что паузы и интервалы не менее выразительны, чем заполненные участки. В европейском искусстве этот принцип блестяще использовали голландские художники и импрессионисты. Пустота вокруг объекта создаёт «воздух», дышит и придаёт рисунку глубину, не позволяя объекту «приклеиться» к плоскости листа.
Подпишитесь, чтобы не пропустить выход новых статей!
А нам будем приятно)
Мы в Telegram | Мы ВКонтакте | Наш сайт