В середине XIX века провокационное и чувственное эстетическое движение (Aesthetic Movement) бросило вызов чопорным, подавляющим и консервативным викторианским традициям Британии, грозя их разрушить. Будучи больше, чем просто направление в изящных искусствах, эстетизм проник во все сферы жизни — от музыки и литературы до дизайна интерьеров и моды. В основе эстетизма лежало стремление создавать «искусство ради искусства», возвеличивать вкус, поиск красоты и самовыражение над моральными предписаниями и ограничивающими условностями. Свобода творческого выражения и чувственность, которые проповедовал эстетизм, воодушевляли его приверженцев, но также сделали их объектом насмешек со стороны консервативных викторианцев. Тем не менее, отвергнув традиционные дидактические обязательства искусства и сфокусировавшись на самовыражении, эстетическое движение помогло подготовить почву для мирового модернистского искусства XX века.
Ключевые идеи и достижения эстетизма
1. Бунтуя против викторианской вещественности и современного им индустриализма (особенно против того, что они критиковали как обеднённый и повторяющийся дизайн потребительских товаров, созданных дёшево «бездушными» машинами), художники-эстеты делали ставку на высокое качество ремесленного исполнения в создании любого предмета искусства. Некоторые даже возрождали доиндустриальные техники.
2. Эстеты провозглашали лозунг «искусство ради искусства», отделяя искусство от его традиционной обязанности нести моральное или социально-политическое послание. Вместо этого они сосредоточились на исследовании цвета, формы и композиции в погоне за красотой.
3. В отличие от викторианского пристрастия к вычурному декору, плавным формам и обилию деталей, искусство эстетов характеризуется приглушёнными цветами, геометрическими узорами и упрощёнными линейными формами. Источниками вдохновения для движения служили картины прерафаэлитов с изображением огненно-рыжих красавиц, средневековые геометрические орнаменты, а также японские мотивы и эстетика.
4. Движение эстетов утверждало, что искусство не должно ограничиваться живописью, скульптурой и архитектурой, а должно быть частью повседневной жизни. С этой целью эстетизм охватывал не только «высокие» искусства, но и керамику, изделия из металла, моду, мебельное производство и дизайн интерьеров.
Ключевые работы и художники эстетизма
1. Ноктюрн в синем и золотом: Старый мост Баттерси, 1872-75
На этой картине изображён ночной вид на деревянный мост Баттерси на Темзе в Лондоне (позже заменённый современным). Вид написан в сумерках, с туманом над рекой, смутными огнями зданий вдалеке и фейерверком в небе.
Не стремясь к правдоподобному изображению, Уистлер сосредоточился на том, чтобы вызвать у зрителя эмоциональный отклик с помощью успокаивающей палитры, мягкого мазка и гармонии форм. Эффект получился безмятежным и романтичным, скрывающим шумную реальность городской жизни.
Будучи давним поклонником японского художника укиё-э Кацусики Хокусая, Уистлер построил композицию моста, похожую на гравюр Хокусая «Под мостом Маннэн в Фукугаве». Именно через такие образы Уистлер познакомил британских последователей эстетизма с характерными чертами японской эстетики: силуэтными формами, воздушными мазками и плоскостными композициями.
Название «ноктюрн» отсылает к музыкальной пьесе, вдохновлённой ночью. Уистлер видел глубокую связь между живописью в эстетическом стиле и музыкой, называя свои картины в честь музыкальных форм, чтобы подчеркнуть их «тональное» сходство (сравнивая ноты с красками) и сместить акцент на их визуальную природу, а не на повествовательное содержание. Он утверждал, что «Искусство должно быть независимо от всякой дешёвки... должно стоять особняком и обращаться к художественному чувству глаза или уха, не смешивая его с эмоциями, совершенно ему чуждыми...».
2. La Ghirlandata («Увенчанная гирляндой»), 1873
Эту работу обычно понимают как «воплощение любви и красоты». В отличие от более ранних прерафаэлитских картин Россетти, здесь видно смягчение линий, характерное для так называемой «чувственной» фазы художника, более близкой эстетизму. Композиция сбалансирована и почти симметрична.
Женщина нежно перебирает струны арфы, её фигура скрыта струящимися драпировками и цветочными гирляндами. Её нежные черты лица повторяются в ликах двух ангелов. Цветовая палитра яркая и гармоничная: зелёное платье сливается с листвой, отчего тёплые телесные тона и огненные пряди волн кажутся ещё ярче.
Моделью стала Алекса Уайлдинг, которую Россетти писал многократно. Её большие выразительные глаза, губы и пышные рыжие волосы указывают на присущую работе чувственность. Этот образ резко контрастировал с миниатюрными чертами, традиционно считавшимися эталоном красоты в викторианскую эпоху.
Россетти воспел роскошные каштаново-рыжие волосы своей модели — черту, ассоциировавшуюся в викторианской Англии с распущенностью, — как прекрасную и соблазнительную. Рыжеволосые красавицы Россетти стали важным мотивом эстетизма, появляясь в картинах, а позже и на улицах Лондона, где в моду вошло окрашивание волос хной.
3. Гармония в синем и золотом: Павлинья комната, 1876-77
Судовладелец Фредерик Лейланд пригласил архитектора Томаса Джекила спроектировать столовую для его лондонского дома, которая должна была дополнить картину Уистлера «Принцесса из страны фарфора» и выгодно представить коллекцию сине-белого фарфора хозяина.
Из-за болезни Джекил не смог закончить работу, и его сменил Уистлер, которому поручили внести завершающие штрихи. Однако Уистлер воспринял это как carte blanche и полностью переделал пространство на свой вкус. Он покрыл стены бирюзово-синими и золотыми росписями, расписал потолок золотом и украсил его узором из синих павлиньих перьев (типичный мотив эстетизма). Позже Уистлер объяснял:
«Я просто писал. Я продолжал — без эскиза или наброска — она росла по мере того, как я писал. И в конце я достиг [...] точки совершенства».
Готовая комната, по его словам, воплощала «гармонию в синего и золотого».
Однако Лейланд, обнаружив самоуправство Уистлера, был не впечатлён. Они долго спорили о гонораре. В ярости Уистлер, как гласит история, вернулся в комнату и нарисовал фреску с двумя дерущимися павлинами-самцами — намёк на ссору художника и заказчика.
Уистлер назвал эту панель «Искусство и Деньги, или История комнаты».
Павлинья комната считается важнейшим примером применения принципов эстетизма в дизайне интерьера для создания вдохновляющей среды. Такие эстетские интерьеры возводили дизайн в ранг изящного искусства.
4. Чайник, 1879
Это один из многих чайников, созданных Кристофером Дрессером в эстетическом стиле. Его чистые линии и угловатость контрастируют с традиционным викторианским дизайном, который эстеты клеймили как вычурный и переусложненный. Дрессер был одним из первых, кто осознал важность промышленного дизайна для предметов быта и возможность делать его модным и художественным. Его работы по металлу считаются важным предшественником дизайна Баухауса. Музей Виктории и Альберта описывает Дрессера как «промышленного дизайнера до того, как такая профессия была изобретена», человека, который «блестяще адаптировал свои дизайнерские и эстетические решения к свойствам материалов и процессам производства».
Дрессер интересовался японским искусством и дизайном, много путешествуя по Востоку. Простота дизайна чайника, геометрические формы, диагонали и ручка из эбенового дерева свидетельствуют о его увлечении японской эстетикой. Как и Уильям Моррис, Дрессер стремился привнести красоту и качественный практичный дизайн в каждую сферу жизни, говоря:
«Пусть у нас будут предметы полезные, но пусть они будут и красивыми».
Он стал одним из самых влиятельных дизайнеров, которые помогли внедрить эстетизм в дома среднего класса.
5. Золотая лестница, 1880
Созданная для выставки в Галерее Гросвенор в 1880 году, «Золотая лестница» — картина Берн-Джонса, наиболее полно соответствует идеалам эстетизма. Хотя многие его работы содержат повествование и моральный посыл, здесь он отказывается от этого, создавая композицию, целиком основанную на эстетике. Каждая из женщин, спускающихся по изящному изгибу золотой лестницы, одета в античное платье, все фигуры удлинены, стройны и повторяют форму самого холста. Платья слегка различаются, обеспечивая декоративное разнообразие. Каждая держит музыкальный инструмент, ритмично спускаясь по лестнице, которая визуально отсылает к музыкальной гамме.
Изначально картина называлась «Музыка на лестницах» — несомненная отсылка к известному утверждению Уолтера Патера о том, что «все искусства стремятся к состоянию музыки».
Берн-Джонс был ключевой фигурой, связавшей прерафаэлитизм и эстетизм. Хотя лица и одежды фигур похожи на его более ранние работы и образы Россетти, композиция указывает на ценности эстетизма: у картины нет литературного источника, палитра нежна и гармонична, отсутствует сложный нарратив. Удлинённый формат (около 274 x 122 см) напоминает скорее декоративную стеновую панель, чем традиционное повествовательное полотно.
6. Чтение вслух, 1884
Картины Альберта Мура часто изображают женщин в моменты досуга, одетых в замысловато драпированные платья в классическом стиле. Здесь две женщины прислонились к экстравагантной софе, внимательно слушая, как третья, полулёжа, читает книгу. Атмосфера — томная и расслабленная, сцена лишена какого-либо импульса повествования, так что эффект плоскостной, линейной композиции — чисто декоративный. Мур часто давал названия картинам уже после их завершения, что подчёркивало его намерение создавать в первую очередь декоративные, а не повествовательные сцены.
Вдохновлённый классическим искусством, Мур не копировал конкретные источники, а заимствовал лишь то, что нужно для создания приятного глазу образа. Его классицизм подчинён эстетизму. Как и его друг Уистлер, Мур сосредоточен на тональной гармонии и эстетическом эффекте, а не на исторической точности. Он виртуозно изображал драпировки, что демонстрирует обилие тканей на этой картине с тонкими цветовыми и текстурными вариациями. Такие классические образы стали его визитной карточкой и помогли утвердить эту тему в эстетическом искусстве.
7. Декоративное блюдо (Charger), 1888
Это большое блюдо украшает изображение павлина в полном оперении. Изгиб распушённого хвоста павлина повторяет округлую форму тарелки. Красочное оперение контрастирует с более сдержанным, но не менее сложным растительным орнаментом, создавая гармоничную и сбалансированную композицию. Павлин-самец был ключевым мотивом эстетизма, символизируя показную, экспрессивную внешность самих эстетов.
В таких работах, как это блюдо, Уильям де Морган возродил средневековую технику люстра (глазури с металлическим отблеском). Он активно экспериментировал с глазурями и обжигом, подняв декоративно-прикладное искусство до уровня высокого.
8. Купание Психеи, 1889-90
Поклонник классического искусства, Лейтон изображает Психею из легенды об Амуре и Психее, повторяя позу древнегреческой скульптуры «Венера Каллипига». Героиня, кажется, раздевается перед купанием, заворожённая своим отражением в воде. Ассоциация Психеи с зеркальным отражением перекликается с акцентом эстетизма на визуальном и культе идеальной красоты.
Лейтон возродил жанр ню в викторианской Англии. Викторианская ханжеская мораль привела к тому, что к 1850 году ню почти исчезла из британского искусства. Её возвращение в работах Лейтона и его единомышленников-эстетов в 1880-х вызвало скандал и горячие споры. Помимо нарушения приличий, критиковали и «восковую», безжизненную плоть его фигур.
Изначально это должна была быть одна из нескольких панелей, заказанных художником Лоуренсом Альма-Тадемой для своего дома. Однако Лейтон, президент Королевской академии, счёл предложенный узкий формат невозможным. В итоге высота панели осталась большой, а ширина увеличилась, но форма всё равно осталась необычно вытянутой для станковой картины. Это указывает на эстетический вкус к использованию живописи как декоративного элемента — стеновой панели, гармонирующей с архитектурой.
9. Дом-музей Лейтона (Leighton House), 1864-95
В 1864 году Лейтон заказал архитектору Джорджу Эйтчисону строительство дома со студией в Челси. Изначально здание было скромным, с элегантным классическим фасадом. Но в течение 30 лет Лейтон достраивал и переделывал его, создав уникальный памятник эстетической архитектуры и дизайна. Задуманный как «частный дворец искусства», дом был наполнен произведениями, подобранными по эстетическому эффекту, без оглядки на их историческую ценность.
Жемчужина дома — двухэтажный «Арабский зал», вдохновлённый дворцом Ла-Дзиза в Палермо. Он был создан для коллекции изразцов, керамики и ковров, собранных Лейтоном в Турции, Сирии и Египте. Зал украшает купол с сусальным золотом, мозаичный фриз работы Уолтера Крейна, изящные деревянные решётки на окнах и диваны, обитые тканями Уильяма Морриса. Последней, в 1895 году, была пристроена Картинная галерея («Шёлковая комната»), наполненная светом и работами Лейтона и его друзей — Милле, Сарджента и других.
Интересный контраст роскоши — единственная спальня в доме с простой железной кроватью Лейтона. Это, возможно, указывает на тот факт, что для многих людей чувственные наслаждения эстетического движения были чисто визуальными и не обязательно воплощались в реальной жизни.
10. Чайный халат, 1897
Этот халат с пышными рукавами напоминает средневековое платье. Подобная одежда часто фигурировала на картинах Россетти. Этот тип свободной моды и концепция идеальной женской красоты прерафаэлитов были восприняты женщинами в последующие
Эта одежда была разработана и произведена Liberty of London, одним из первых универмагов, который удовлетворил современный вкус модных эстетов.
.Сдержанные коричнево-золотые тона считались «художественными», а свободный силуэт — более здоровой альтернативой тугим корсетам викторианской моды. Популярность такого наряда — свидетельство того, насколько глубоко эстетизм проник в потребительскую сферу.
Вдохновлённые чувственными женскими портретами Россетти, идеи эстетизма впервые ярко проявились именно в живописи, а оттуда распространились на другие области. Из всех художников-эстетов живописцы, возможно, лучше всех были подготовлены для реализации цели «искусства ради искусства», так как живопись, в отличие от декоративного искусства или моды, легко отделима от утилитарной функции. Такие художники, как Мур, Уистлер и Лейтон, могли полностью сосредоточиться на создании красивых, приятных глазу композиций. Масляные краски, позволяющие достигать тончайших тональных переходов, идеально подходили для изучения цветовых гармоний.
🫶 Поддержка канала донатом