Кто не читал статью про четырнадцатую церемонию Оскар и не видел оттуда фильмов, то милости просим сюда, а затем обратно.
1942 год.
События в мире:
· Таиланд объявляет войну США и Великобритании.
· Японская Империя вторгается в Индонезию и Бирму. Занимает Сингапур.
· Мексика, Эфиопия и Бразилия объявляют войну Третьему Рейху, Фашистской Италии и Японской Империи.
· Генерал Власов попадает в плен к нацистам. Там предлагает создать Русскую Освободительную Армию, против "сталинской тирании".
События в Америке:
· США объявляют войну Болгарии, Венгрии и Румынии.
· Подписано соглашения между СССР и США о принципах, применяемых к взаимной помощи в ведении войны против агрессии и о сотрудничестве в послевоенное время в целях обеспечения мира и безопасности.
· Человеком года по версии TIME становится Иосиф Виссарионович Сталин.
· Близ Вашингтона состоялась встреча Франклина Рузвельта и Уинстона Черчилля, в ходе которой лидеры договорились об объединении усилий в создании ядерного оружия.
А 4 марта 1943 года состоялась пятнадцатая церемония Оскар.
Впервые Голливуд добровольно пошёл на сотрудничество с Белым Домом. Результатом этого, по инициативе самого Рузвельта, было создано Бюро Киноискусства. Правительство США, хотело убедиться, что все фильмы с этого момента несут патриотический посыл с чёткими героями и злодеями. Кривотолков и сложных персонажей теперь просто не было. Правительство
проверяло сценарии, отсекало нежелательные сюжетные линии и теперь почти каждая картина обязана должна была ответить всего на один вопрос: "Поможет ли она выиграть войну?". Голливуд с охотой старался ответить на этот вопрос каждой картиной. Шпионские триллеры или мюзиклы боевого духа стали неотъемлемой частью американских экранов. Даже комедианты Лорел и Харди облачились в киношную военную форму, а Багз Банни сражался с «япошками». Можно было бы подумать, что пропаганда оттолкнёт зрителя, но он с энтузиазмом отдавал деньги за билет, а потом шёл в военкомат. Люди хотели соответствовать своим героям.
К концу 1943 года 264 из 545 фильмов, находящихся в производстве или разработке, были связаны с войной. Когда-то табуированная Кодексом Хейсом и некоторыми студиями, война теперь стала движущей силой американского кино. Это не могло не отразиться на церемонии. Даже наоборот, она эту подводную лодку только раскачивала, когда называла военные фильмы лучшими. Пять из десяти Лучших фильмов года посвящены напрямую войне. А в общей сложности из 95 картин, участников церемонии, было 55 военных фильмов и ещё плюс один, если мы засчитываем "В котором мы служим", получивший почётный Оскар, хотя не был в конкурсе. Это больше половины. Если ещё не считать ура-патриотические и воодушевляющие своей любовью к стране "Янки Дудл Денди" и "Гордость Янки", где нет тематики войны, но американским флагом там размахивают на каждые пять метров плёнки.
Война продолжается, но Оскар в 1943 году был ещё более пышным, чем годом ранее. И хотя вся предыдущая церемония была направлена на то, чтобы смягчить пафос и сильно не святить бриллиантами вечерних платьев, в этот раз дух мероприятия был другого калибра, который был идеально пропущен через газетные заголовки.
Во-первых, церемония вновь переместилась из театра в банкетный зал. Осуждений со стороны прессы не было, потому что банкет напоминал корпоратив совета безопасности, а не голливудскую тусовку. Академия снова ввела запрет на излишне нарядную одежду. Джанет Макдональд спела несколько куплетов национального гимна, а ещё действующий президент Академии Уолтер Вангер зачитал письмо Теодора Рузвельта, восхваляющего киноиндустрию за
"... превращение огромной силы кинематографа в эффективный военный инструмент".
Среди гостей были почётные, не связанные с кинематографом: от представителей вооружённых сил до консулов из Латинской Америки; зал был настолько переполнен, что многим гостям было трудно стоять во время исполнения гимна. Когда люди обрадовались, что будет спет не весь гимн и уже все готовы были рассесться, Макдональд начала петь второй куплет. Пока она пела, рядовой морской пехоты и по совместительству звезда бокс-офиса Тайрон Пауэр и рядовой армии Алан Лэдд вынесли флаг. Как многие отмечали "самым захватывающим событием ужина Академии стало открытие американского флага с 27 677 именами голливудских звёзд, откликнувшихся на призыв дяди Сэма". Собственно победители получали награды перед этим гигантским баннером. Этот символизм работал лучше любого льстивого газетного заголовка в адрес Голливуда, который лишний раз показал, что готов не только снимать фильмы о войне, но и непосредственно участвовать в ней.
Изменения в номинациях: ...
Подверглась изменению прошлогодняя номинация!
"Лучший документальный короткометражный" фильм превратился просто в "Лучший документальный фильм". Ныне номинанты никак не ограничивались хронометражём. Это первый и последний раз, когда короткометражки и полные метры соревновались на равных в рамках одной категории. Уже со следующей церемонии, документальная секция будет разделена на привычные два сегмента. Также стоит отметить, что Академия изо всех сил старалась отметить кинематографические заслуги на фронте, как можно больше стран. В первый и последний раз, победителей в этой категории было несколько.
"Лучшая музыка" опять подверглась изменению. Академикам захотелось особо выделить мюзиклы, поэтому две номинации Лучшая музыка в драматическом фильме и Лучшая музыка в комедийном фильме объединились в одну — Лучшая музыка для драматических/комедийных картин. И на свет появилась новая, которая чествовала музыку исключительно к музыкальным фильмам — Лучшая музыка. Мюзикл.
Особенности и рекорды этой церемонии: ...
В целях экономии металла, Академия объявила, что статуэтки в этом году будут сделаны из гипса, но после войны их можно будет обменять на позолоченные.
Номинант на премию Лучшая песня Ирвинг Берлин нашёл в себе смелость и чувство юмора вручить награду за лучшую песню... самому себе.
«Это человек, которого я знаю много лет... Он славный парень, и я думаю, он этого заслуживает».
Он стал вторым человеком в истории премии, который вручил Оскар самому себе. Первым был Дисней.
Почётные Оскары были вручены:
- Шарлю Буайе
"За его прогрессивные культурные достижения в создании Французского исследовательского фонда в Лос-Анджелесе, как источника информации для Голливудской киноиндустрии".
- Компании MGM
"За вклад в отображение американского образа жизни в серии фильмов «Энди Харди»".
- И продюсеру Ноэлю Кауарду.
"За выдающийся продюсерский успех в «В котором мы служим»".
Мемориальная награда имени Ирвинга Тальберга была вручена режиссёру и продюсеру Сидни Франклину. Он спродюсировал два фильма в один год и оба они были номинированы на лучший в году, а один из них даже взял награду. Но, увы, принять он её не смог, по причине болезни. Принимала награду его супруга из рук Уолта Диснея.
Тем временем, не сразу, но к середине вечера было замечено, что вдова Ирвинга Тальберга впервые не присутствовала. Когда-то убитая горем Норма Ширер, к этому моменту ушла из кино и вышла замуж за инструктора по лыжам вдвое моложе себя.
Фильмы, которые точно стоит посмотреть.
1. В котором мы служим.
Почётный Оскар продюсеру за создание фильма.
Hollywood Reporter написал в день премьеры фильма, что зрители "были настолько тронуты, что не могли двигаться". И это идеальное описание военного фильма, где тишины больше, чем взрывов и выстрелов. Создаётся полное ощущение, что ты являешься частью экипажа. Пропагандистский толк, конечно, здесь присутствует, но вместе с этим, британцы показывают далеко не только победы и высокий командный дух. Морякам свойственно тосковать по дому, думать о родных, петь песни с комом в горле, хоронить друзей и просто молчать, будто минута молчания длится столько же сколько идёт и будет идти эта война.
Это "Гражданин Кейн", только на военную тематику. Ноэля Кауарда называли гениальным в каждом своём проявлении над этим фильмом; он был сценаристом, режиссёром, композитором, продюсером и исполнителем главной роли. Мэри Пикфорд была от него в восторге, а Хамфри Богарт язвительно пошутил:
"Ноэл Кауард – является тем, кем себя только лишь считает Орсон Уэллс".
Фильм гениален за счёт своего тона и его драматизм также глубок, как и океан, в котором плавает боевой корабль. Фильм наполнен флэшбеками, где одна из жён произносит невероятной силы монолог:
"Жена моряка - существо достойное всякого сожаления. Она не знает, что такое стабильность... И в её жизни всегда есть постоянный и очень сильный соперник. Корабль мужа. Будь это шлюпка или авианосец, он всегда занимает первое место в сердце мужа. Некоторые сражаются с этим кораблём и всё равно проигрывают... Странно, что так можно привязаться и так сильно гордиться своим заклятым врагом. Этим кораблём... Боже храни этот корабль и всех, кто на нём".
И хотя этот фильм считали вехой и был признан последним словом реализма в кино, эта метафора наисильнейшая, потому что под кораблём зритель понимает чувство долга и принципы. Реалистичный фильм изобилует речами, не воодушевляющими перед битвой, но командными. Капитан ставит цель и её нужно выполнить. Этим и подкупает фильм, который напоминает документалку, но каждое слово перед битвой, всё равно отливается пулями в сознании зрителей того времени, которые тут же захотят поразить захватчиков. Фильм основан на реальных событиях и Кауард использовал в конце фильма реальную речь, которую говорил адмирал после потопления корабля.
"Вас осталось меньше половины, но каждый из вас стал в два раза опытнее и у него появилась гораздо больше причин пойти в следующий бой и выиграть".
Корабль здесь обретал сильный символ, тем не менее, его хотел потопить Кодекс Хейса. Ему не понравилось, как разговаривают некоторые
британские моряки, поэтому британцам пришлось воевать ещё и с цензурой. Дело дошло до того, что британский министр раскритиковал офис Хейса и назвал его поведение "схожим со старой девой". Британские продюсеры тоже бастовали против цензуры, но United Artists указывала на "непредвзятость" Кодекса, потому что исключения для американских картин не было, почему они должны быть для британских? Представитель Уиллы Хейса объяснил свою смехотворную позицию: "Морально мы обязаны защищать молодёжь от обсценной лексики". И это самое нелепое оправдание в истории цензуры, когда военный фильм в военное время ругают за пару матерных слов. Газета The New Yorker писала:
"Можем лишь сказать, что сочувствуем бедняге."
Кауард очень хотел, чтобы фильм удался, не только потому, что это был его первый кинопроект, но и потому, что он считал его своим вкладом в военные действия. По итогу официальная, государственная повестка США впервые разнилась с политикой Хейса. Это был первый звоночек в сторону того, что Хейс был не бесогоном, а мракобесом, который мешал не только искусству, но теперь и государственной политике. Фильм всё-таки вышел в американский прокат, но попасть в шорт и лонг-лист Академии смог только на следующий год. Впрочем, Оскар выказал своё мнение касательно Кодекса Хейса, когда вручил почётный Оскар британскому фильму.
Так что корабль, конечно, потрепали, но ко дну он не пошёл.
2. "Разгром немецких войск под Москвой".
Победа за Лучший документальный фильм.
Награду за Лучший документальный фильм вручал Дэвид О. Селзник и перед ним была довольно непростая задача — объявить всех номинантов, коих было в общей сложности 25. Эта категория была также первая в ночь церемонии, в которой раздали статуэтки, а вернее, таблички, подобные тем, которые давали второстепенным актёрам. Вообще, это крайне экзотическая категория, потому что слишком многое бросается в глаза и кажется не естественным для Оскара в плане своего регламента и правил.
Появление самой категории было политическим шагом, но теперь он был направлен в сторону союзников. Здесь были номинированы США, Великобритания, СССР, Австралия, Канада и Бельгия. Киноакадемия даже отказалась от незыблемого правила: одна статуэтка — один победитель, и вручила четыре Оскара в этой категории: австралийским и русским союзникам, а также один Фрэнку Капре и армии США за "Прелюдию к войне", и Джону Форду и ВМС США за "Битву при Мидуэй".
Среди номинантов в этой категории можно было обнаружить таких "продюсеров" как: Военно-Морской флот США, Австралийское бюро новостей и информации, Министерство сельского хозяйства Соединённых Штатов, Национальный совет кинематографии Канады... Самым неожиданным гостем тут является Уолт Дисней аж с двумя анимационными документалками. Но самое интересное то, что продвижением советской картины "Разгром немецких войск под Москвой" занималась в Америке Арткино. Оно было посредником между прокатом СССР и Штатами, но фактически в ряде продюсеров должен был быть сам Иосиф Сталин, потому что идея фильма и его спонсирование, дело рук вождя. Какого уровня исторического события было бы для Академии, если бы Оскар вручили самом Сталину... Который, наверно, даже не узнал бы о номинации...
Он требовал готовый фильм в кратчайшие сроки и лично отсматривал проявленный материал и даже вносил пару правок, требуя того, чтобы фильм не был похож на агитку. Он готовил мощную контратаку и верил в её победу. Поэтому и хотел создать не менее мощный фильм, где было бы видно, как немцев берут в плен, как они убегают, какой варварский след оставили на русской земле.
"Мы собираемся нанести немцам удар огромной силы. Думаю, что они его не выдержат и покатятся назад… Надо всё это заснять на плёнку и сделать хороший фильм".
Он возлагал огромные надежды на этот фильм.
Это был первый Оскар для Советского Союза. Фильм также принёс её создателям Сталинскую премию I степени, которая равнялось 100 тыс. рублям. Сложно даже вообразить, что это были за деньги в то время, но жаль, что все эти призы — следствие войны.
Документалка в довольно патетичной манере рассказывала о битве при Москве. Самое сильное в ней это монтаж. Особенно когда дело касается артиллерийских залпов. Столь умелое монтирование держит зрителя целый час. Всё развивается настолько стремительно, насколько быстро и оперативно был снят фильм. Кажется только все готовились к обороне и воздвигали баррикады, но вот уже немцев берут в плен. И, конечно, самое гениальное, это съёмка руин в Ясной Поляне и дома Чайковского. Именно это и несли нацисты за собой: отмена культуры на чужой земле, отмена нации, обесчеловечивание. Кадры повешенных детей монтируются с этим актом вандализма, такого же бессмысленного, как теория о высшей расе и её последствий. Фильм оставил неизгладимый след и для американских жителей. "Разгром немецких войск под Москвой" посмотрело около 16 миллионов американцев, что крайне неплохо для зарубежного документального фильма. Дифирамбы пели и критики.
The New-York Times:
"Работа русских фронтовых операторов войдёт в архивы нашего времени. Фильм не поддаётся описанию обычными словами. Это не было голливудскими павильонами. Это всё по-настоящему. Этот фильм пощёчина нашему самодовольству".
Налогоплательщикам надо было объяснить почему их налоги ушли в ленд-лиз Советскому Союзу в размере рекордного миллиарда долларов, и этот фильм у них не оставлял больше никаких вопросов.
Однако документальная лента потерпела изменение в американском прокате. Во-первых, он стал короче. Было убрано 14 минут фильма, в большинстве своём сталинская речь и почти вся советская идеология. Во-вторых, он был перемонтирован. В-третьих, закадровый голос был не дублирован, а полностью заменён на американский. Текст читал Эдвард Г. Робинсон. В-четвёртых, было изменено название фильма — "Москва наносит ответный удар"... Иные скажут, что этот вандализм мало отличается от немецкого, но тут лучше будет сказать, что фильм адаптировали для американской публики. Это видно из (объективно) более продаваемого переименования. Афиша фильма также была сделана по-голливудски привлекательно. И потом, как именно был перемонтирован фильм? Советскому гражданину не надо объяснять, как выглядела Красная Площадь до войны, но в американской версии следовало показать, насколько это был цветущий город, с полнотой жизни на лицах молодых девушек и юношей. Затем монтажная склейка, и мы видим дым, ямы, мешки, и вот уже юноши в танках едут по площади, а молодые девушки штампуют боевые снаряды... Что такое Ясная Поляна американцы тоже понимали весьма и весьма абстрактно. Поэтому кадры Льва Толстого и его усадьбы до войны были необходимы для контекста. Чтобы в памяти раз и навсегда отпечаталось: как было и как стало... Добавлен был и юмор, дабы разбавить тяжёлые кадры для американцев и не терять их внимание на протяжении часового хронометража. Вот немцы замерзают от русской зимы, перетаптываясь с ноги на ногу и с места на места — монтажная склейка — "бравые" нацисты маршируют у себя в Третьем Рейхе — снова монтажная склейка, замёрзших нацистов. "Кажется ваш марш уже не такой уверенный?" — говорит диктор.
И новое название кажется идеальным для мирового контекста. Битва за Москву, была первой великой победой СССР на момент годовалого сражения. До этого Гитлер продвигался по России семимильными шагами, клеймя каждый город свастикой. Сталин знал, что это решающая битва для всей войны.
"На Вас смотрит вся Европа..."
Говорит с трибуны товарищ Сталин, но он преуменьшил значимость этого события. Весь мир смотрел на эту битву и случись поражение, этих строк бы сейчас не было. Или они были бы, но не на русском и в совершенно в другом контексте. Именно поэтому это не просто "Разгром немецких войск под Москвой", это "Москва наносит ответный удар" после череды проигрышей. Ответный удар после которого следующий документальный фильм от Советского Союза должен был бы называться проще и лаконичнее — "На Берлин!".
3. Битва при Мидуэй.
Победа за Лучший документальный фильм.
Когда президент Рузвельт посмотрел "Битву за Мидуэй", он повернулся к своему начальнику штаба и сказал: «Я хочу, чтобы каждая мать в Америке посмотрела этот фильм». Короткометражная документалка дала публике неизгладимое представление о войне на Тихоокеанском рубеже. Снимал всё это Джон Форд. Он выбрал цветную плёнку для фильма и она идеально вписывалась в атмосферу райского острова, провалившегося в ад. Это было сильным контрастом, когда лазурное небо буквально пачкалось черным дымом от выстрелов ПВО по вражеским самолётам. Вид умирающих людей, с которыми он встречался и которых снимал, привёл в ужас бывалого режиссёра.
"Я настоящий трус... В сравнении с теми, кто сражается".
Форд переживал, что из и так короткометражного фильма, вырежут смерти этих солдат. Опасения были понятны. Теперь цветная плёнка только усугубляла возможное цензурное влияние, потому что одно дело видеть кровь на черно-белом изображении и совершенно другое на цветном... Но нашёлся человек авторитетнее Уиллы Хейса и это был президент Соединённых Штатов. Ножницы фильма не коснулись.
Когда Джон Форд узнал о выигрыше, он проявил пренебрежение, ведь военное дело сейчас намного важнее, но именно он показал фильм президенту Академии Уолтеру Вангеру и убедил его открыть новую категорию документальных фильмов для нескольких победителей. Альтруизм такого масштаба просто не мог отсутствовать у человека, который добровольно поехал на фронт, чтобы снимать документальные фильмы под свист истребителей и вражеские крики "банзай!".
4. Кокода, линия фронта!
Победа за Лучший документальный фильм.
Фильм снят при поддержке Австралийского бюро новостей и информации. Это был первый австралийский фильм, получивший Оскар. Его снял австралийский военный фотограф Дэмиен Парер, а режиссёром выступил Кен Дж. Холл. Короткометражка начинается с того, что военный произносит то, что обычно в пропагандистских фильмах не услышишь. Без всякого монтажного наложения и других архивных кадров, солдат на среднем плане говорит, что японцы весьма и весьма опасные противники. Они превосходно подготовленные и всегда видят вас раньше, чем вы их. Он лично видел, как около 40% солдат умирало или было ранено ещё до того, как заметить японца в кустах. Это настоящий обучающий фильм, который честно и без ура-музыки, какая обычно сопровождает документальные фильмы о Второй Мировой того времени, рассказывал о войне без прикрас. Битва в джунглях имеет совершенно другой характер, к которому чужестранцу сходу не совладать. Транспортировка раненных требует отдельного внимания, потому что нельзя просто взять и приехать за солдатом в джунгли. Помощь осуществляется с воздуха, да и то не всегда. От носильщиков требуется хороший запас выносливости. И это если не считать лихорадку, вечные дожди и враждебную фауну.
Самое ценное здесь контраст между словами австралийского солдата и видеорядом. Австралиец говорит, что у него на родине люди не придают большого значения войне, так как думают, что она слишком далека от них, но Япония ближе, чем они думают. Индифферентность земляков сильно конфликтует с туземцами-островитянами, готовыми помочь чужакам провизией, ночлегом, заботой и даже воинами. Для них тоже война казалась далёким и будто не существующим сновидением, но они очнулись. И фильм пытался разбудить австралийцев. Материк уже вовсю воевал с Третьим Рейхом ещё с 1939 года, но фильм призывал не расслабляться, потому что война распространилась по всему земному шару и как бы далеко не находилась Австралия от Европы, война придёт и к ней.
5. Прелюдия к войне.
Победа за Лучший документальный фильм.
Это первый случай в истории, когда Академия и правительство Соединённых Штатов объединились, чтобы снять фильм. Доверили режиссировать его Фрэнку Капре. Оператором выступил Роберт Дж. Флаэрти, который снимал документальные фильмы ещё тогда, когда это не было актуально или модно. Собственно, он лично создал моду на этот формат, когда в свет вышел его "Нанук с Севера" и в дальнейшем "Моана".
Фильм стал первым из цикла "Почему мы сражаемся". И это просто идеальный для погружения в контекст подход, потому что фильм и сейчас брифли рассказывает о причинах, мотивах и характеристиках войны. Он буквально отвечает на все самые важные вопросы: почему началась война, как она началась и почему мы должны сражаться. Рузвельту было необходимо объяснить американцам почему им следует лететь на другой конец земли, чтобы защищать Америку. Фильм доступным языком говорил, что троица диктаторов не остановится, чтобы завоевать весь мир. Дуче Бенито Муссолини, Император Хирохито и фюрер Адольф Гитлер — в фильме чётко акцентирует на этих именах, каждое из которых источает зло, ненависть и пропаганду диктатуры, где пренебрегают человеческими жизнями, уничтожают религиозный след в стране и прославляют культ личности. Личности, каждая из которых, виновна в этой войне. Муссолини в Эфиопии, Хирохито в Китае и Гитлер в Польше. Вторая Мировая началась намного раньше 1939 года. Примерно с момента, когда каждый из этих диктаторов пришёл к власти. И фильм Капры описывал эту гидру в мельчайших подробностях, призывая американцев отрубить сразу три головы.
Это не только уместный и правильный фильм в момент истории, но также потрясающий обучающий документ, по которому можно понять суть этой войны в общих чертах.
6. Быть или не быть.
Одна номинация: Лучшая музыка для драматических/комедийных картин. Без победы.
Комедия про Вторую Мировую Войну? Почему бы нет, если мир уже видел "Великого Диктатора". Эрнст Любич не менее великий комедийный режиссёр. Но публика и Академия не оценили то, что немец снял комедию о Европе в тот час, когда вся она была в огне. Чаплин высмеивал диктатора, а Любич невольно шутил про европейцев. Конечно, он тоже издевается над нацистами, как только может, но тон был слишком едким. Это чувство юмора проедало экран. И всех зрителей слишком чувствительных к такому запаху, заставляло воротить нос и даже плакать. Оккупированная Варшава ещё на момент выхода фильма не была освобождена. Сложно себе представить, что кто-то в Европе будет смеяться над юмористической сценкой, после того, как увидел авианалёт на город. Любой европейский населённый пункт переживал это же, но это не было комедией... Газеты отмечали, что у Любича очень странное чувство юмора и его сложно разделить в тёмный военный час. Когда-то Бастеру Китону предъявляли за его фильм "Паровоз «Генерал»" о временах Гражданской Войны и даже тогда критики писали:
"Кто-то должен объяснить господину Бастеру Китону, что сложно рассмеяться, при виде людей, убиваемых в бою".
И это они писали в мирное время, спустя полвека с окончания Гражданской Войны. А тут Любич смеётся над событиями в час, когда, возможно, бомбы летят на мирных жителей! Даже если положительный актёр разыгрывает сценку с трупом гестаповца, это всё равно вызов моральным ценностям того времени. Фильм называли "бессердечной, безвкусной попыткой найти удовольствие в бомбардировке Варшавы". Некоторых особенно обидела и возмутила реплика одного из нацистов: "О, да, я однажды видел этого актёра. Он играл Гамлета... То, что он сделал с Шекспиром, мы сейчас делаем с Польшей...". И конечно, это гениальная комедийная фраза, но не в момент, когда Польша в огне, а о зверствах холокоста, мир ещё даже не подозревает. А ведь пускай режиссёр давным-давно живёт в Америке, он родом из Германии. И это тоже могло вызвать некую предвзятость. Земляк агрессора шутит над жертвами. И хотя были положительные отзывы о фильме, сам Любич был вынужден защитить себя в открытом письме:
"В этой картине я высмеял нацистов и их нелепую идеологию... Можно поспорить о том, стоит ли совмещать реальную трагедию в Польше с сатирой моего фильма... Я, как и зрители в зале, за которыми я наблюдал, мы считаем, что это возможно; но это предмет для дискуссий, и каждый имеет право на свою точку зрения. Но отмечу, что она должна быть далека от мнения, что «я берлинский режиссёр, который находит забавным бомбардировку Варшавы»".
Также стоит отметить актёрские работы. Упоительная Кэрол Ломбард будто вышла из под кисти средневековых картин Петруса Кристуса, только намного сексуальнее и раскрепощенней. Это был её последний фильм. Она продавала военные облигации и самолёт не справился с управлением. Злая шутка в стиле Любича была вырезана, но она в точности олицетворяет неуместность всей картины режиссёра. У Кэрол Ломбард была реплика: "Да что может случиться в самолете?". После трагической гибели актрисы в авиакатастрофе, эту фразу изъяли. Актриса погибла за два месяца до премьеры. То есть, создателям фильма хватило ума понять, что такая шутка в час утраты великой актрисы неуместна, но шутки про Варшаву всё-таки решили оставить.
В любом случае, фильм стал классикой комедии спустя время. Он и тогда заслуживал большего в плане своих номинаций. Здесь очень органично бы смотрелись Лучший фильм, режиссёр, актриса, сценарий, оригинальный сюжет... Но люди просто не знали, как им относится к этой картине.
Когда Мэл Брукс ремейкнул фильм в 80-х, никто ему не предъявлял за черноту юмора, а ведь комик снял всё почти кадр в кадр. Нет, сатира Любича, как никогда остра, точна и юмористична. Просто сложно быть смешным на похоронах. А именно это и пытался сделать режиссёр. Развеселить в подобных обстоятельствах.
7. Книга Джунглей.
Четыре номинации без победы: Лучший художник-постановщик. Цвет, Лучшие визуальные эффекты, Лучшая оригинальная музыка, Лучшая операторская работа. Цвет.
Британская чета продолжает снимать приключенческие фильмы всей семьёй. Режиссёром выступил Золтан, продюсером Александр, а художником Винсент Корда. Три брата на свои деньги экранизировали Редьярда Киплинга. То есть, это своего рода независимый фильм! Неплохо для британцев в разгар войны, когда можешь позволить себе снять цветной боевик. Конечно, братья хотели снимать на родине, но из-за Второй Мировой перенесли производство в Голливуд. Это был их третий фильм в таких условиях. Остальные два: "Багдадский Вор" и "Леди Гамильтон".
Адаптацию критиковали и это было очевидно после частых разногласий между братьями Александром и Золтаном. Последний хотел снять сдержанную реалистичную историю, что называется, по правде жизни, в то время как Александр отдавал предпочтение яркому фантастическому эпосу. Ему хотелось больше эскапизма, но актуального в момент, когда Маугли защищает свою землю. В конце концов, Александр Корда, видимо, на правах старшего брата и опытного коллеги, всё-таки смог убедить режиссёра-родственника. И, наверно, не зря. Фильм имел огромный коммерческий успех в прокате при том, что сам был недешёвым удовольствием. New-York Times отмечала, что фильм обзавёлся целым зверинцем и очень умело им распоряжается.
"Никогда ещё не было такого количества разных, диких и даже экзотических животных на экране разом!"
Однако тут же добавил, что именно поэтому, человеческие актёры выглядят на их фоне хуже. И вроде цвет здесь дышит природой, визуальные эффекты, будь то механические животные или сцены пламени просто отличные. Окружение и музыка тоже. Но Los-Angeles Times подметила интересную мысль, что у многих будет соблазн сравнить этот хороший фильм с "Багдадским Вором", и, возможно, они будут правы, но какой-то ингредиент всё-таки утерян... Что здесь на месте, так это актёр индийского происхождения — Сабу. Ему было около 18 лет на момент съёмок. Сабу здесь играет с такой же лёгкостью, с какой он проходит через джунгли. От реплики к реплике, как от лианы к лиане. Будь это Голливуд, едва ли главную роль доверили бы индийцу. Скорее белого актёра обмазали бы гримом, тогда как лучшего Маугли на тот момент просто не было. Это может показаться клеветой, мол, парню не дадут работу в Голливуде, ведь он ныне на волне успеха и его охотно зовут в те же "Арабские Ночи", только вот главную роль в нём играет намазанный сверху донизу гримом американец, а на второстепенной подхватывает Сабу. Индиец получит американское гражданство, добровольно пойдёт на войну в 1944, а после не появится в каком либо солидном фильме производства США. А те редкие исключения, которые будут после войны, не станут такими же кассовыми хитами, вроде "Багдадского Вора" или "Книги Джунглей".
8. Бэмби.
Три номинации без победы: Лучший звук, Лучшая музыка для драматических/комедийных картин, Лучшая песня.
Именно "Бэмби" мог стать первым полнометражным фильмом, когда Диснею пришла в голову эта идея. Однако оригинальный роман, который планировалось экранизировать, был написан для взрослой аудитории и считался слишком «мрачным» и «угрюмым» для рядового беззаботного диснеевского мультфильма. Художники также обнаружили, что реалистично анимировать оленей будет непросто. Да, они потренировались создавать животных в "Белоснежке", но они не являются там главными героями на протяжении всего мультфильма.. Из-за этих трудностей Дисней приостановил производство, пока студия работала над несколькими другими проектами, и в итоге "Пиноккио" стал вторым фильмом студии. В 1938 году Дисней поручил работать над раскадровкой фильма, но вскоре их внимание переключилось на "Фантазию".
Уж если Дисней не поскупился арендовать слонов для "Дамбо", чтобы аниматоры могли срисовывать с них их повадки, манеры и физику, то что уж говорить про целый зверинец. У Диснея была собственная "Книга Джунглей" для его художников, хотя нельзя сказать с уверенностью, что финансово Дисней был также всемогущ. Баснословный "Пиноккио" и дорогостоящая "Фантазия" провалились в прокате. Шла война. Европейский рынок закрыт наглухо и нет даже намёка на то, что он в скором времени откроется. Кажется, что 12 минут, которые вырезал Дисней из финального сценарного варианта не существенны, но для человека, который мыслил категориями: либо как должно быть, либо вообще не делать — это очень тяжкий компромисс, который в итоге дал свои плоды по всем сферам от бизнеса до искусства.
Когда началась разработка "Бэмби", великий мультипликатор был одержим не сколько идеей создания, сколько количеством интерпретацией этой идеи. Ему безумно нравилось развивать сюжет в разных направлениях. Одна из них была довольно экзистенциальна. Дисней подумывал о том, что можно было бы заставить Бэмби наступить на муравейник, после чего, он заглянул бы внутрь и увидел, какой ущерб он нанёс муравьиной цивилизации. Аниматоры неделями разрабатывали муравьёв, а потом Дисней вдруг решил, что отошёл от сюжета этим фрагментом и это не имеет никакого отношения к истории о Бэмби.
Мотив о последствиях, тем временем, сохранился. Дисней хотел сказать, что каждый поступок отражается на жизни, может, не нашей собственной, но его иногда кровавый след неизбежен. "Человек" в мультфильме признан одним из главных злодеев кинематографа, как раз по причине того, что он не осознаёт последствий. Эта параллель очень точно проходила с войной. Человек уничтожает, завоёвывает, убивает, но не осознаёт ответственности за свои поступки. И нагнетание ужаса как раз происходило за счёт того, что этот человек постоянно в тени. Зло свершилось и исчезло в лесу, как будто бы ничего и не было... А том числе и восстановление справедливости. Неудивительна при таком раскладе номинация на Лучшую музыку в драматическом/комедийном фильме, хотя мы имеем дело с музыкальным мультфильмом, где есть весёлые песни, но при этом чистой комедией или мюзиклом, конечно, этот мультфильм назвать нельзя.
Сборы проходили с трудом. Фильм буквально вторил ранению, о котором он был снят, но всё же не свалился замертво. Он принёс хорошую прибыль и даже смог встретить мировую премьеру в Лондоне, а не в США, но если бы не война, возможно, это был бы второй самый прибыльный мультфильм Дисней. Сыграла также и щедрость мультипликатора. После победы во Второй Мировой Войне, Дисней подарил "Бэмби" Советскому Союза. В любом случае, было множество переизданий после войны, которые почти повторили успех первоначального проката, как будто его и не было вовсе. В общей сложности, с учётом всех переизданий, "Бэмби" собрал 267 миллионов долларов. Часть из них деньги с инфляцией ещё с 40-х, а значит, фильм в худшем случае точно набрал по 300 миллионов долларов. И это без учёта разового проката, который был в 2023 году в честь столетия кинокомпании Диснея.
Но что там с критиками на момент выхода?
Диснея всё же упрекнули в том, что присущая фэнтезийность его студии ушла. Создатели доверились реализму, хотя каждый мультфильм до этого был в жанре фэнтези. "Микки не за что бы в нём не снялся" — удручённо говорили критики. Конечно, в год, когда чьи-то матери умирают от пули незваных людей и это же можно увидеть на экране в детском мультике, скорее всего это отпугнёт не только детей. Даже дочь Диснея сказала, что мать Бэмби должна была жить! На что отец ответил, что просто следовал книге. И, возможно, в любой другой год, он дал бы себе вольности, какие позволял во время экранизаций, но на сей раз реализм был сильнее. И закрыть на правду глаза, как раз было бы более фэнтезийным элементом, чем летающий слон и говорящая марионетка.
9. Джонни Игер.
Победа за Лучшую второстепенную мужскую роль.
Слово supporting иногда сложно интерпретировать как "второстепенная". Иной раз хочется её перевести дословно — поддерживающий. Так вот лауреат этого фильма, который более ни на что не был номинирован, Ван Хефлин не является главным персонажем, но без него и главный персонаж не был бы таким. Вся история была бы с такого рода швами, что Монстр Франкенштейна сказал бы:"Слушайте, вас бы подлатать...". Многие критики жаловались на то, что сюжет «не имеет никакого смысла». Однако каждый и безоговорочно хвалил Ван Хефлина за то, что тот «крал каждую сцену, в которой появлялся». На 25 минуте фильме выходит человек, чей визуальный образ просто на уровне внешнего вида отличается от нуарных, мрачных и, честно сказать, однотипных, чем-то всегда похожих друг на друге героях. Он идеально "поддерживает" главного героя, потому что является олицетворением его слабости. В этом плане, номинация просто идеальная. Это один и тот же человек, который просто разделён на два разных состояния и они друг без друга не могут.
— Выпей это и через пару минут тебе станет легче.
— За эти пару минут я умру тысячью смертей.
Он и яд и антидот одновременно. Рядом с ним любой партнёр выглядит неубедительным на фоне его искренности и спокойствия. Это шаг в сторону максимального реализма, тогда как Роберт Тейлор по прежнему играет, как голливудец, а не актёр в понимании перевоплощения.
Самая сильная роль в этой категории. Победа неудивительна.
10. Женщина Года.
Номинация на Лучшую женскую роль.
Победа за Лучший оригинальный сценарий.
Феминистский фильм, снятый шовинистом. Так можно было бы охарактеризовать эту картину.
Прототипом этой женщины года была Дороти Томпсон, весьма популярная и влиятельная в своё время радиоведущая и журналистка. За созданием фильма также стояла не менее великая особа — сама Кэтрин Хёпбэрн. Сценарий был создан под неё и актриса в свою очередь передала его Манкевичу, чтобы тот вложился в проект. По правилам контракта, Хёпбэрн могла сама выбирать себе партнёров и её перст упал на Спенсера Трейси. Это был их первый из девяти совместных фильмов.
С одной стороны, фильм демонстрирует нам сильную богатую и независимую женщину, но по другую сторону этой медали — отсутствие женственности. Она женщина, а не может даже приготовить завтрак! Дожила до своих лет, а даже яйца разбивать не умеет. Ей не хватает время на мужчину, ведь ей постоянно нужно работать! Концовка сводит отношения к балансу, но за счёт принижения женщины. Конечно, разумна финальная мысль о том, что нужно жить в гармонии и быть более внимательными друг другу, но весь фильм напоминает немного токсичный, но всё-таки ромком, где актёрские работы и, собственно, сюжетная завязка действительно лучшее, хотя и темы иногда поднимаются настолько острые, что выходят за рамки жанра. Усыновление греческого беженца переворачивает весь фильм и заново открывает нам персонажей. Мужчина, который не хочет брать ответственность, вдруг её обретает, а женщина игнорирует материнский инстинкт: если изначально хотелось искренне помочь маленькому мальчику, то теперь он просто пройденная сделка.
"Как тебе такая сенсация? Женщина года - женщиной не является!"
Луи Б. Майер хотел изменить концовку, дабы показать, как будет тяжело женщине в мире мужчин. И вот она уже стоит на коленях и умоляет простить героя Спенсера Трейси за то, что она не такая женщина, какой должна быть женщина. Однако это не отменяет того, что она значимей в обществе, носит мужскую одежду, у неё больше достаток и есть ещё куда расти по всем направлениям в отличии от мужчины. Фильм старается сохранить баланс и угодить всем. В 1942 это получилось, потому что сценарий действительно свеж в плане своей идеи и подчёркивает значимость женщины как раз не только, когда она на кухне. Но это также не отнимет того, что "Женщина года" всё-таки снята мужчинами и это выпячивается сильнее, чем того хотелось бы про-феминистским зрителям.
11. Вперёд Путешественник.
Две номинации: Лучшая женская роль и Лучшая женская роль второго плана.
Победа за Лучшую музыка для драматических/комедийных картин.
Казалось бы, критики должны быть уже научены тем, что не стоит торопиться называть каждую новую роль Бетт Дэвис — лучшей в её карьере. Но нет. Вновь ей поют дифирамбы, называя эту роль шедевром в тот момент, когда академики номинируют Бетт Дэвис в пятый раз подряд, что является рекордом!
На сей раз актриса, решила попробовать хамелеоновский подход к созданию роли. Ей хотелось полностью перевоплотиться. Она покрасила волосы, отрастила густые брови, надела очки с широкими линзами, чуть сгорбилась и вместе с художником по костюмам нашла для себя максимально кричащее и неуместное для окружающей её локации платья. Изменился и тон роли. Она уже пробовала себя в положительном амплуа, играя персонажей без червоточины, но теперь здесь вызов ещё более интересный: положительный персонаж с червоточиной. Эта особа на грани патологии. Об этом говорят напрямую, когда в начале фильма к ней приходит доктор, чтобы удостовериться в её ментальном состоянии, но если бы фильм был немой, то усомниться в этом можно было бы и без доктора и всё благодаря игре Бетт Дэвис. В тандеме с ней тут музыка Макса Штайнера. Это вторая его победа, после "Осведомителя". Саундтрек вторит её недоверию, когда того требует сцена, но композитору хватает самодостаточности, чтобы замолкнуть, когда героиня внимательно слушает или хочет, что-то сказать. Замолкание или тишина в эти моменты лучше раскрывает персонажа.
К сожалению, или, к счастью, но такая внешняя метаморфоза заканчивается после четверти фильма и картина усредняется до голливудской мелодрамы того времени. Персонаж Бетт Дэвис "исцеляется", но вместе с этим, теряет свою чудинку.
Название фильма отсылает к поэме Уолта Уитмена «Невысказанная тоска», которое полностью звучит так:
"Невосполнимая утрата жизни и земли, которые никогда не были дарованы,
Вперёд, путешественник, отправляйся на поиски и обретение".
В каком-то смысле, героиня Бетт Дэвис отправляется на эти поиски, храня в себе невысказанную тоску. Всё её путешествие стоит воспринимать, как терапевтическую практику и тогда её персонаж обретает нужный вес и мы видим перед собой конкретного человека с конкретной судьбой. Пускай и в довольно стандартной мелодраме, которая изначально обманула зрителей, заявив психологическую драму.
12. Весь город говорит.
Семь номинаций без побед: Лучший фильм, Лучший оригинальный сюжет, Лучший адаптированный сценарий, Лучшая работа оператора (ч/б), Лучшая работа художника (ч/б), Лучший монтаж, Лучшая музыка для драматических/комедийных картин.
Вот уж фильм, который не притворяется ничем иным, а просто и честно является комедией. И для своего жанра, целых семь номинаций это весьма и весьма солидно, но, увы, победных здесь нет.
Эта чистая комедия положения в стиле Фрэнка Капры, разве что нет одного яркого маленького героя. Вызов системе есть, но у персонажей Капры, всё выходит само собой. Здесь же, герой Кэри Гранта намеренно заявляет о своей позиции и несогласие с общественным мнением. Картину также продюсировала Colambia, как ленты Капры, но всё же Джин Артур называла Джорджа Стивенса своим любимым режиссёром, а тот в свою очередь называл её любимой актрисой.
Комедия также строилась на необычной интриге. Участие двух главных героев, а именно Кэри Гранта и Рональда Колмана, заставляло зрителей гадать до самого конца, на ком женится героиня Джин Артур, учитывая, что до этого актёры почти не делили фильмы сразу с двумя мужскими кинозвёздами.
Весь фильм в принципе был довольно хитроумным со всех сторон. Критики отмечали, что основная цель этой истории — развлечь зрителя всевозможными дилеммами и двойной концовкой, заставляя его фантазировать на тему, как будет развиваться сюжет. В любом другом сценарии была бы простая трёхактная структура с известным тропом "разоблачения", но здесь третий акт имеет, как минимум два подпункта. Один смешнее и одновременно серьёзнее другого. Не будь сценарий "умным и живым", как говорили критики, это бы не сработало.
Возможно, комедия опоздала для того, чтобы стать Лучшим фильмом в год войны. Картину не упрекали в том, что она эскапистская, но ясно давали это понять в рецензиях. Мол, это хорошо и картина ладная, вон аж семь номинаций, четыре из которых технические, то есть, это качественная кинолента, но есть фильмы важнее. Время комедий прошло. Кто-то скажет, что оно и не наступало вовсе, а фильм "Это случилось однажды ночью" и "С собой не унесёшь" исключения, преподнесённые всё тем же Фрэнком Капрой, а вот "Весь город говорит" в этот комедийный бомонд не входит.
13. 49-я Параллель.
Две номинации: Лучший фильм, Лучший адаптированный сценарий.
Победа за Лучший оригинальный сюжет.
Совместный фильм Великобритании и Канады. Фильм начинается с того, что объясняет своё название:
"Около века назад эта граница была добровольно определена двумя державами и с тех пор ни разу не нарушалась. Единственная неохраняемая граница в мире".
Речь идёт о границе между США и Канадой, где нет войск и каких-либо вооружённых КПП. Суть фильма раскрывалась одним лишь вступлением, где доказывалось вековое братство между двумя странами и как бы намекало на то, что если одного брата атакуют, то второй должен помочь. Весь фильм имел пропагандистский толк. Он вышел ещё в 1941 году и рассказывал американцам о том, что их участие необходимо для победы. В 1942 они уже и сами это знали. К тому же, для жителей Америки британские актёры из этого фильма давным-давно стали соотечественниками. Лесли Говард и Лоуренс Оливье, согласившиеся сыграть в фильме за половину от своего гонорара, были номинантами на Оскар и часто снимались в американских фильмах. Они уже давно стали родные. Это работало на мысль о том, что брат в опасности и ему надо помочь. Особенно остра эта мысль в минуту гибели одного из этих персонажей. Будто умирает кто-то свой, кого ты видел и знал всё это время.
Наши проблемы параллельны друг другу и идут в одном направлении в сторону врага. Враг здесь, кстати, обретает лицо в том плане, что зрителю объясняются его мотивы и причины для этой войны. Оказывается Третий Рейх борется за свободу. И когда нацист говорит канадцу французского происхождения о том, что с победой фюрера, он сможет говорить на своём языке и быть свободным в перемещении, герой Лоуренса Оливье ему отвечает:
"Так я и так свободен. Был свободен, пока вы не пришли. Может, ваш не очень умный фюрер не знает, что мы вольны выбирать в каких школах учиться и на каком языке. Может, он не знает, что у нас тут свобода слова и свобода перемещения?"
То есть, фильм не только показывал очевидную истину о том, что враг это зло, но также обесценивал его помыслы и надуманные причины войны.
Фильм стал одним из самых кассовых в Британии в год выхода.
Liverpool Evening Express: "Одна из лучших картин, когда-либо снятых в этой стране. Это великолепный фильм, справедливый до скрупулезности и раскрывающий во всей своей безжалостности дикость типичного нациста".
The Daily Telegraph: "... наша точка зрения представлена честно, энергично и человечно через захватывающий, яркий сюжет...".
The New York Times: "Среди лучших антинацистских фильмов, которые когда-либо демонстрировались в наших краях, можно назвать британский фильм "Захватчики" (именно так называлась картина в американском прокате)... Потому что это действительно фильм, который не только убедительно аргументирован, но также снят и сыгран с таким умом, что создаёт иллюзию документальной правды".
Единственный британский фильм в списке лучших на этой церемонии.
14. Кингз-Роу.
Три номинации без победы: Лучший фильм, Лучший режиссёр, Лучшая работа оператора (ч/б).
Вольфганг Райнхардт отказался от предложения продюсировать фильм, заявив:
«Что касается сюжета, то материал в "Кингс-Роу" по большей части либо подпадает под цензуру, либо слишком жуткий и депрессивный, чтобы его оставлять таким, какой он есть".
Герой узнаёт, что его девушка состояла в кровосмесительной связи с её отцом, множество персонажей, страдали идиотизмом или другими психическими расстройствами. Люди умирают от рака. Провинциальный городок полон самоубийц. Мог ли такой фильм выйти в эпоху Кодекса Хейса? Разумеется, нет. И, разумеется, цензура испоганила фильм, как только могла. Сценарист Кейси Робинсон считал, что из-за Кодекса проект был обречён на провал. Продюсер Хэл Б. Уоллис назвал сценариста "безумцем" из-за того, что тот купил такое унылое чтиво, дабы адаптировать его под сценарий. В итоге Робинсон понял, что может превратить это месиво из правонарушений в историю "молодого врача-идеалиста, столкнувшегося с реалиями жестокого и ужасного мира". Голландские углы, хорошо передающие психически неуравновешенное состояние героев, принесли номинацию оператору.
На выходе фильм всё равно получил смешанные отзывы, а кто-то называл его грубейшей ошибкой самого Голливуда. Сложности возникали и на стадии выбора актёров: на разные роли пробовались и рассматривались Генри Фонда, Бетт Дэвис, Джинджер Роджерс, Диана Дурбин, Тайрон Пауэр, Оливия де Хэвилленд, Кэтрин Хепбёрн, Франшо Тоун.
Но в итоге фильм всё-таки принёс миру кино пару имён, весьма значимых для истории в общем и целом. Энн Шеридан стала новым секс-символом 40-х. Гарбо больше нет на экранах. Джоан Кроуфорд переживает не лучшие годы и покидает MGM, сделавшей её звездой. Марлен Дитрих самой уже было под 45. А Энн Шеридан была глотком свежего воздуха реализма. Красавица, но при этом максимально живая и настоящая. Выщипанные тонкие брови больше не в моде. Секс-символ, но не в экзотических локациях, а для провинциального города. Как-то раз только за одну неделю она получила от поклонников 250 предложений руки и сердца. Но её партнёр по съёмкам тоже оказался в итоге интересной личностью, ставшей в итоге президентом Соединённых Штатов. Рональд Рейган сыграл роль своей жизни, но кинозвездой он стал всего только на один год, ведь сразу после фильма отправился в армию.
Это отлично работало и на смысл фильма. Перед нами добротный маленький чистый городок. Тут самое то, чтобы воспитывать детей, а после отправлять их в свободный полёт. Но за внешним спокойствием провинциального городка скрывалось нечто очень ужасное. Цензура не даёт в полной мере объяснить, что именно, но при этом атмосфера всё равно была гнетущая.
Слоган фильма отражал характер города:
«Город, о котором говорят шёпотом».
Фильм можно разделить на условные пролог и сам фильм. Детство героев в провинциальном городе выглядит безмятежным. Нагое купание детей в местном пруду — символ детства. Это целый образ жизни, полный доброты, чести и достоинства. И весь фильм сетует на то, что всё это постепенно уходит... И, возможно, никогда не вернётся в этот мир. А так думал каждый, когда началась Вторая Мировая. И это детство становится лишь воспоминанием, которого как будто и не было вовсе. Рейгана сделала звездой сцена, где он обнаруживает, что ему ампутировали ноги. После пробуждения, он вопит:
"Где остальная часть меня!?"
И это вторило людям, пришедшим с войны, а также отзывалась у всех поколений, помнящих мирное время. "Где остальная часть меня" — это ностальгический зов по тем временам, когда ты был счастлив и вот этой частички больше нет. Готовясь к съёмкам этой ключевой сцены, Рональд Рейган встречался и разговаривал со многими людьми с ампутированными конечностями, а также с врачами, которые эти конечности им ампутировали. Перед съёмками сцены он специально не спал ночью, чтобы придать себе болезненный вид. Вдобавок ко всему прочему, режиссёр Сэм Вуд не позволил ему эту сцену заранее отрепетировать. Её сняли с первого и одного дубля.
Другой разговор, что, посмотрев "Кингс-Роу", фильм мог бы точно также спросить у Кодекса Хейса "где остальная часть меня". И точно также остаться без ответа...
15. Плоды Случайности.
Семь номинаций без победы: Лучший фильм, Лучший режиссёр, Лучший актёр, Лучшая актриса второго плана, Лучший сценарий, Лучшая музыка для драматических/комедийных картин, Лучший художник-постановщик (ч/б).
Это был год Рональда Колмана. Последний раз он выдавал такой сильный перфоманс в картине "Повесть о двух городах" аж в середине 30-х. Наконец, он поднакопил сил, чтобы потратить их все на роль контуженного солдата с амнезией. Как бы забавно это не читалось, но до того момента, пока он с потерянной памятью — его игра стоит двух Оскаров. Ему буквально нет равных. Он бесподобен и абсолютно точен и хотя не изучал систему Станиславского, кажется, овладел ею в совершенстве... Но вот когда память возвращается, ужимки и былые штампы спешат на помощь. Нечто похожее в этому году и у Бетт Дэвис в фильме "Вперёд, Путешественник". Герой, которого так тщательно выстраивал Рональд Колман, слился с персонажами прошлых кинолент. Харизма безусловно осталась, но на ней строились все предыдущие образы, тогда как в фильме "Плоды Случайности", он показал нечто такое, чего до этого просто не было. Сработало и его прошлое, ведь он был ветераном Первой Мировой и этот жизненный опыт, который также в духе системы Станиславского, хорошо был использован в фильме.
Также фильму повезло и с главной героиней. Грир Гарсон больше всего времени на съёмочной площадке проводила в компании своего любимого оператора Джозефа Руттенберга. Ей очень нравилось, как он руководствуется светом на её лице. Он также понимал, что её лучше снимать с правой стороны. Более того, даже декорации первой половины фильма, конечно, хороши и самодостаточны для номинации на Оскар, но зачастую сооружались иной раз так, чтобы её асимметричные черты лица были зрителю незаметны.
"Плоды Случайности" стал вторым самым кассовым фильмом года. Фильм шёл рекордные 11 недель в Нью-Йорке. Этот рекорд продержался как минимум до 1960-х годов. Несмотря на кассовый успех, в то время фильм не впечатлил критиков. Джеймс Эйджи — самый влиятельный кинокритик 40-х, — ругал картину. Многие посчитали неестественным само действие фильма и небывалые предлагаемые обстоятельства, от чего актёры тоже пострадали, хотя в меньшей степени. Во многом помешало то, что это экранизация. Возможно, впервые фильм на Оскаре подвергся критике из серии "книга лучше". Адаптация была умелой, но очень многое пришлось изменить в угоду популизма. Фильм старался понравиться всем, хотя, нельзя сказать, что ему это не удалось, если фильм занял второе место среди самых кассовых в году. Однако во времена полномасштабной войны люди стали всё больше обращать внимание на нуары, а не волшебные сказки, где герой возвращается с войны и его ждёт хэппи-енд в виде возвращения памяти и любящей девушки. Публика хотела быть этим обманута, но все и всё прекрасно понимали. Критики были просто честнее с реальностью, поэтому и писали правду. По прошествию времени, они всё-таки стали снисходительны и говорили, что весь фильм превращает "невероятное в правдоподобное".
Может ли случится чудо на войне? Этот фильм говорил, что да. И зрители безумно хотели в это верить. "Плоды Случайности" — идеальное для такого фильма название. Это мыльный пузырь, в котором так приятно пребывать, но в отличии от многих других, этот не лопался, за что зрители были ему благодарны. Символично и то, что у него семь номинаций и ни одной победы. Академики понимали, что это сиюминутная слабость и не хотели ей противиться, но и увековечивать не собирались изначально. Этот фильм про инвалидов Первой Мировой, которые воевали, чтобы спасти человечество, но ему будто отшибло память. Будто всё было зря. И это поколение не понимает, не может вспомнить, а за что оно вообще боролось, если всё повторяется? Фильм отвечает на все вопросы одним ответом — любовь. Вернее, он именно вспоминает этот ответ под конец фильма и зритель вместе с главными героями, осознаёт, что всё это было не зря.
16. Гордость Янки.
Десять номинаций на Оскар: Лучший фильм, Лучший актёр, Лучшая актриса, Лучший художник-постановщик (ч/б), Лучший оператор (ч/б), Лучшие спецэффекты, Лучшая музыка для драматических/комедийных картин, Лучший звук, Лучший оригинальный сюжет, Лучший адаптированный сценарий.
Победа за Лучший монтаж.
Вдохновляющая спортивная драма, где о спорте рассказано очень мало, но это не делает фильм хуже.
Это хроника жизни и карьеры легендарного первого игрока нью-йоркских Янки и многократного чемпиона Лу Герига. Он вошел в историю, сыграв в 2130 играх в течение 14-ти лет, ни разу не взяв отпуск, тем самым поставив самый знаменитый из бейсбольных рекордов и получив прозвище "Железный человек". Лу Гериг умер за год до выхода фильма в возрасте 37 лет от бокового амиотрофического склероза, который позже стал известен широкой публике как "болезнь Лу Герига". Его безвременная кончина потрясла всю страну, что также способствовало популярности фильма, которому очень скептически дали зелёный свет.
Сэмюэл Голдвин не проявил особого интереса к первоначальному предложению Сэма Вуда снять фильм в память о Гериге, поскольку он ничего не знал о бейсболе и не интересовался им. Кроме того, в Голливуде бытовало мнение, что спортивные фильмы либо не окупаются, либо не приносят добротной прибыли, если там нет элементов мюзикла и множество черлидерш. Спортивные фильмы должны были либо привлечь очень много мужчин, либо содержать в себе водевильные или мелодраматичные линии для женщин, но такой подход, как правило, отсекал мужскую аудиторию. Найти баланс тут было практически невозможно. Однако после того, как Вуд показал кадры из кинохроники, на которых Гериг произносит свою знаменитую речь "Я самый везучий человек на свете", Голдвин со слезами на глазах согласился снять фильм, хотя и умело подстраховался в лучших продюсерских традициях. Перед премьерой фильма состоялся показ короткометражного анимационного фильма под названием "Как играть в бейсбол", созданного студией Уолта Диснея по просьбе Голдвина, как раз для таких как он, кто не умеет или даже не знает, как играть в эту мистическую и сугубо американскую игру. При этом фильм идеально выдержал баланс: получалась мелодраматическая спортивная драма.
Многое спасло и выбор главного героя. Гэри Купер, видимо, решил закрепить за собой звание "парня из народа". Он идеально подходил на эту роль из-за внешнего сходства с Геригом и стержня, присущего рабочему человеку. Хотя кинозвезда очень долго не хотела соглашаться на эту роль, потому что, как и Голдвин, не интересовался бейсболом. Более того, он ни разу не смотрел матчи этих игр и даже не держал в руках биту. Возможно, это сыграло не в пользу Купера, когда речь пошла о голосовании за Лучшего актёра. Роль буквально была на сопротивление. Проблема состояла ещё в том, что Гэри Купер был правшой, а Лу Гериг левшой. Актёру пришлось научиться отбивать мяч левой рукой.
"Купер бросал мяч, как старуха — горячее печенье"
Так сказал Лефти О’Даул, который безуспешно пытался научить его убедительному броску левой. Можно себе представить сложность такого обучения, когда сорокалетний актёр на площадке впервые в руки взял биту, а не то, что бросать мяч левой рукой. В итоге, всё-таки понадобился дублёр. А в одной сцене прибегнули к хитрости. Единственный Оскар за монтаж не останавливается только на бейсбольной динамике и размеренной любовной линии. Одна сцена была перемонтирована так, что пришлось реверсировать пару кадров, дабы Гэри Купер убедительно бросал левой рукой, хотя на самом деле, в такой сцене он бросает правой. Просто кадр развёрнут на 180°.
Другой проблемой был возраст Купера. 41 год. Тогда как Лу Гериг погиб в 37. А надо было снимать его в молодом возрасте, якобы дело происходит с начала 30-х годов. Оператор Рудольф Мате в этих ранних сценах придумал решение этой проблемы. Он освещал Купера снизу, чтобы скрыть морщины, а затем постепенно уменьшал свет по мере фильма и, наконец, полностью убрал эффект освещения под конец картины. Таким образом, все цеха работали на то, чтобы Гэри Купер выглядел убедительным бейсболистом, который на самом деле, не знал даже как выглядит поле и форма Янки.
Тем не менее, фильм получился, может, слишком грузным в плане объёма событий для такой маленькой и простой истории, но при этом очень человечным и нужным для своего времени.
"Это история о герое мирных будней. О добром молодом человеке, который, находясь на пике своей славы, был примером простоты и скромности для американской молодёжи..."
С этого титра начинается фильм. Фильм хотел показать, что такими мирными людьми полнится Америка. На поле боя или на гражданке — каждый американец герой своего времени. Гэри Купер уже созывал молодых людей в военкоматы своим фильмом "Сержант Йорк", играя также национального героя. На этот раз пропаганда была более тонкой, но не менее эффективной.
Фильм занял восьмое место самых кассовых фильмов года.
17. Великолепие Амберсонов.
Четыре номинации без победы: Лучший фильм, Лучшая женская роль второго плана, Лучший оператор (ч/б), Лучший художник-постановщик (ч/б).
Второй полнометражный фильм Орсона Уэллса не заставил себя долго ждать. Ровно как и сценарий. Он был написан Уэллсом всего за девять дней, что сильно идёт на контрасте с "Гражданином Кейном".
Фильм о том, как рушится благополучие богатой семьи на фоне социальных изменений, вызванных эпохой автомобилей. Похожую тему поднимал Чаплин в "Новых Временах". Машинизация делает мир удобнее и лучше, но при этом губит человечество. Однако не все разделяли эту мысль. Комфорт и прогресс уже давно в быту по состоянию 40-х, но до масштаба и просто осознания экологических проблем ещё очень далеко. Люди и даже критики просто не понимали к чему эта паника.
"Исключительно хорошо снятый фильм, затрагивающий тему, едва ли стоящую того внимания, которое ей уделялось"
Но художественная составляющая была на высоте.
Журнал TIME:
"Великолепная, взрослая и требовательная картина. С художественной точки зрения это учебник по продвинутой кинематографической технике. Новаторское использование бокового освещения и преувеличенной перспективы, благодаря которым "Кейн" не похож ни на один другой фильм, наполняет "Амберсонов" таким же откровенным красноречием, исследуя лица, ванные комнаты, улицы с такой свежей точки зрения, что это создаёт визуальную интригу даже в те моменты, когда завеса тайны растворяется в воздухе".
Декорации особняка Амберсонов были построены как настоящий дом, но у них были мобильные стены, которые можно было отодвигать, поднимать или опускать, чтобы камера могла проходить сквозь них во время съёмки.
При этом такой фильм не мог быть успешным в прокате, ведь в нём нет ни одного контрастного момента; он нагромождает одну печальную историю на другую и находились критики, которые говорили, что при этом, он ни разу не задевает за живое.
Но не это убило фильм...
Уэллс передал контроль над монтажом компании RKO, потому что должен был снимать фильм в Бразилии для этой же студии. Чисто физически он не смог бы смонтировать свой фильм. Студия вырезала более часа отснятого материала, а также сняла и вставила более счастливый финал! Вырезанные кадры были уничтожены! Даже музыкальной партитуре досталось! Композитор Бернард Херрманн настоял на том, чтобы его имя убрали из титров. Первоначальная монтажная версия длилась 131 минуту, а сокращенная — всего 88 минут, включая как оригинальные, так и переснятые кадры.
Но магия Орсона Уэллса заключается в том, что даже такая купированная версия вышла в прокат и её до сих пор часто называют одним из величайших фильмов всех времён.
"Я просто боялся, что фильм получится мрачным, и знал, что мне придётся с этим столкнуться, но я думал, что у меня вот-вот получится такой хороший фильм — я был абсолютно уверен в его ценности, гораздо большей, чем была у "Гражданина Кейна"…"
"Великолепие Амберсонов" — один из первых фильмов в истории кинематографа, в котором почти все титры озвучены закадровым голосом и не отображаются на экране. Одинокий и обязательный логотип RKO, а затем название фильма. В конце голос Уэллса объявляет все основные титры. Когда он произносит каждый технический департамент, ему показывают машину, выполняющую эту функцию. Уэллс зачитывает собственное имя — "Меня зовут Орсон Уэллс" — поверх изображения микрофона, которое затем исчезает вдали.
"Из-за этого на меня обрушился шквал критики. Люди считают это проявлением эгоизма. На самом деле я просто обращался к публике, которая знала меня по радио, так, как они привыкли слышать мой голос в радиошоу. В те дни у нас была огромная аудитория — миллионы людей — которые слушали нас каждую неделю, поэтому завершение фильма в нашем радиостиле не казалось напыщенным".
Но даже суть не в этом. Были авторы в кино и до Орсона Уэллса, но так, чтобы его духом и безумствами сквозил весь фильм — таких практически не было. Он был первым, кто бросил вызов студиям и был при этом бесподобным творцом. Можно спорить насчёт его нарциссизма или даже художественных решений, но они были его собственными, а не навязанными студией или внешними обстоятельствами. На сей раз, Орсон Уэллс проиграл, но даже если бы фильм назывался "Великолепие Уэллса", название не было бы столь кричащим и имело бы полное право на существование, а главное: выражало бы суть этого фильма.
18. Янки Дудл Денди.
Пять номинаций: Лучший фильм, Лучшая мужская роль второго плана, Лучший режиссер, Лучший оригинальный сюжет, Лучший монтаж.
Три победы: Лучшая мужская роль, Лучший звук, Лучшая музыка. Мюзикл.
Сложно себе представить более явного победителя в категории Лучший фильм года, когда страна нуждается в духоподъёмных фильмах. Смешной, остроумный, музыкальный фильм, без единого выстрела, если не считать хлопушки и салюты, показывал величие американского народа, способного преодолеть любые невзгоды.
Один из Уорнеров как-то похвалил сам себя в газете, сказав:
«У всех нас в Warner Brothers, — актёров, сценаристов, режиссёров, технических специалистов, — есть одна и единственная цель: дать вам развлечение, которое поднимет вам настроение и поможет скрасить любой день. Мы рады, что люди так полюбили "Янки Дудл Денди". Они чувствуют себя хорошо после просмотра, а это то, к чему мы, американцы, стремимся».
И действительно! Это один из величайших, грандиозных и блестящих мюзиклов Голливуда. Ностальгический и бесстыдно патриотический. Ещё один байопик о национальном герое — Джордже Коэне. Также были приложены все усилия, чтобы декорации, костюмы и хореография соответствовали оригинальным сценическим постановкам. Критики называли это "одной из самых точных биографий, перенесённых на экран за всё время". Это "Великий Зигфельд" только более радостный, смешной, задиристый и далёкий от экзистенциальных мыслей.
Конечно же, фильм был адаптирован под современные реалии: первые дни Второй Мировой и вот Коэн возвращается на сцену, чтобы сыграть президента Рузвельта, но тут же его вызывают в Белый Дом на встречу с настоящим президентом, который вручает ему Золотую медаль Конгресса. Растроганный артист беседует с Рузвельтом, вспоминая свои первые дни на сцене. Так начинается байопик.
Самый главный вопрос любого биографического фильма — кто будет играть главную роль. Возможно, этот вопрос самый насущный, чем в любом другом жанре. И вот многие дают понять продюсеру Джеку Уорнеру, что на эту роль идеально подходит Фред Астер, который к тому же был очень похож на Коэна. Но великий танцор неоднократно отказывался, потому что эксцентричные, ломкие и даже несуразные танцевальные движения Коэна сильно отличались от безотрывного и плавного стиля Астера. И кто бы мог так хулигански и оттопыренно сыграть водевильного повесу? Джеймс Кэгни кардинально сменил амплуа и смог удивить всех: зрителей, критиков и академиков. Его самобытный природный танцевальный стиль и даже само телосложение идеально работали на роль. Сложно было найти столь гуттаперчевого, но при этом дурашливого, одновременно пластичного и абсолютно аляповатого в движениях актёра.
Кто-то скажет, что бедному Гэри Куперу приходилось из кожи вон лезть, чтобы освоить бросок левой, а тут актёр идеально подходит по всем параметрам, и в чём спрашивается работа над образом? Но никто даже подумать не мог, что Кэгни будет настолько идеален. Он сам танцует и поёт, идеально чувствует жанр и, как всегда, лишён переигрывания. Режиссёр Майкл Кёртис был известен как строгий постановщик, но доверился природе Джеймса Кэгни. Он вместе с другими актёрами даже придумывал целые импровизационные эпизоды. Плюсом в актёрском опыте Кэгни было ещё то, что в отличии от Гэри Купера, его консультировала личность, о которой снимался фильм. Коэн даже написал несколько композиций к фильму. Его здоровье сильно ухудшилось к 1942 году, но он увидел премьеру и воскликнул: "Какой актёрский талант" — имея ввиду именно Джеймса Кэгни. Номинация и победа здесь само собой разумеющиеся явления. По итогу, это первый раз, когда Оскар даётся за роль в мюзикле. Луиза Райнер тоже играла в этом жанре и получила статуэтку, но сам фильм сложно назвать музыкальной комедией. Это скорее биографическая драма с элементами мюзикла, а роль у Райнер содержала в себе только три песни, две из которых повторяются просто в разных аранжировках.
Третье место самых кассовых фильмов года и самый явный победитель в главной категории, если бы не другая кинолента...
19. Миссис Минивер.
Шесть номинаций: Лучшая мужская роль, Лучшая мужская роль второго плана, Лучшая женская роль второго плана, Лучший звук, Лучший монтаж, Лучшие спецэффекты.
Победа: Лучший фильм, Лучшая женская роль, Лучшая женская роль второго плана, Лучший режиссёр, Лучший адаптированный сценарий, Лучший оператор (ч/б).
«Эта пропаганда, стоящая ста линкоров».
Так сказал Уинстон Черчилль главе MGM Луису Б. Майеру.
Йозеф Геббельс также отчётливо осознавал мощь этого фильма.
"... о её утончённой и мощной пропагандистской направленности до сих пор можно было только мечтать. В фильме нет ни одного гневного слова, сказанного о Германии; тем не менее, очевидно, что это антинемецкая пропаганда".
Но в отличии от всего Третьего Рейха, Уайлер, собственно, и не скрывал, что снял фильм в пропагандистских целях. Он был евреем, который родился в Германии и эмигрировал в США в 1921 году. Он был убеждён, что США должны вступить в войну против нацизма и что политика изоляционизма окажется для страны губительной.
Речь викария в конце фильма перепечатали журналы Time и Look. Президент Франклин Рузвельт распорядился, чтобы её повторили на радио "Голос Америки" и напечатали на листовках текст для распространения в европейских странах в пропагандистских целях. Примечательно то, что эту финальную речь в исполнении Генри Уилкоксона вместе написали сам Уилкоксон и режиссёр Уайлер в ночь перед съёмкой. Вариант, предложенный авторами сценария, режиссёра не устроил, и он обратился к актёру за помощью в написании нового варианта, ставшего знаменательным для фильма и истории пропаганды.
Это был первый фильм о Второй Мировой Войне, получивший Оскар за Лучший фильм, и первый фильм, получивший пять номинаций за актёрскую игру! Это небывалая редкость и щедрость, показывала насколько любили этот фильм академики. И ведь было за что!
Сценаристы и сам Уайлер готовились над фильмом ещё с 1940 года, когда США сохраняли нейтралитет. Каждая сцена переписывалась, исходя из внешней политики. Они очень тонко чувствовали время и меняли все ключевые сцены, иногда не только на бумаге, но и во время съёмок.
"Миссис Минивер" произвела неизгладимое впечатление на британскую аудиторию. Во многом потому что была про британцев, но при этом фильм умудрялся говорить об американцах. Война в фильме показана, как нечто далёкое за бугром. Конечно, в этом фильме нация в контексте и все всё знают, что вокруг происходит, но не осознают, пока не наступает самая гениальная сцена в этом фильме: сбитый немецкий лётчик падает в районе жилых домов. Более явной метафоры о том, что война пришла к тебе в дом, просто быть не может. Обыкновенная британская женщина сталкивается с агрессором лицом к лицу и выказывает такую стойкость, такую эмоциональную выносливость, что хочется соответствовать мужеству этой женщины. Это отзывалось и в американцах, когда они познали огонь Перл-Харбора. Нация, не верившая или не осознававшая ужас войны, не заметила, как она пришла к ним в дом.
Когда Фрэнк Капра вручил приз за режиссуру, вышла миссис Уайлер, которая сообщила публике, что её муж сейчас снимает бомбардировку Третьего Рейха. Уайлер уже давно был на фронте, после которого, режиссёр скажет, что показал воздушный налёт и войну в фильме очень слабо в довольно мягких тонах. Позже он признавался, что после войны, он снял бы фильм совсем иначе. И вот тут стоит посмотреть на "Миссис Минивер" более пристально, потому что, конечно, картина снята в военное время и преследовала конкретную цель — выиграть эту войну, — это не значит, что у неё нет недостатков при всех её благородных целях.
Из 592 критиков, опрошенных американским журналом Film Daily, 555 назвали его лучшим фильмом 1942 года, но были те, кто очень презрительно относился к фильму.
"«Миссис Минивер» — это история об английской семье, чопорной и фальшивой, как все экранные семьи. Все пятеро членов семьи очень красивы и ведут себя по законам Уиллы Хейса... Грир Гарсон играет так, что материнство это не что-то естественное, а дело безупречного вкуса. Уолтер Пиджон, конечно же, играет мудрого отца, который курит трубку, многозначительно кивает, но ничего умного не говорит… Старший сын — мамина радость из Оксфорда, а два маленьких Минивера отпускают раздражающие и не по-возрасту умные шуточки… Разница между этими людьми и их прототипами в романе Джен Стразер — это разница между зефиром и человеком".
Гедда Хоппер, которая ранее выражала свою поддержку фильмам Уильяма Уайлера, теперь хотела узнать, почему Академия сочла нужным отметить фильм, который даже не был об американцах. Газета Hollywood Citizen-News также критиковала картину.
Сама миссис Минивер, Грир Герсон, также подверглась газетным нападкам...
Среди актрис, это был год Грир Гарсон. Она снялась в двух главных и самых прибыльных фильмах года, хотя миссис Минивер играть не хотела да и не должна была. Эта роль изначально принадлежала Норме Ширер, но та снималась последний год и уже была одной ногой по ту сторону павильонов, чтобы уйти из кино раз и навсегда, а Гарсон по контракту не могла отказаться от роли, в итоге принёсшей ей Оскар. И вот самое интересное в её победе, так это её речь, служащая метафорой победы фильма на Оскаре.
«Её благодарственная речь была длиннее, чем её роль в фильме».
Так шутили абсолютно все издания. Её речь шла пять минут и тридцать секунд, но, казалось, что она говорила вечность. Это была самая долгая речь в истории Оскара, пока этот рекорд не побил Эдриан Броуди за "Бруталиста", обогнав её на секунд 15...
Хотя приглашённые политические ораторы заставили церемонию затянуться, именно Грир Гарсон со своей пяти с половиной минутной речью получила репутацию пустозвонки, потому что она вышла на сцену с фразой:
«Ой, я практически и не готовилась...»
И после этого начала говорить пять минут без остановки. О чём она говорила? О том, о чём может говорить женщина, сыгравшая главную роль в военном фильме в годы реальной войны. О том, чтобы мир стал мечтой, а мечта миром. О детях, о будущем, о прошлом, о любви и ненависти, которая борется с ней и в итоге проигрывает... О киношном кинематографе и братстве кинематографических кинематографистов... Кажется, что всё это правильные вещи, но все издания одно за другим, стали высмеивать её благодарственную речь, раздувая её до таких слухов, будто она говорила целый час! Согласно эффекту Манделы, голливудцы часто «вспоминали», что актриса действительно сжимала статуэтку в руках и произносила речь около часа. Даже не победа, а её речь стала легендой Голливуда.
Развеять этот поток хейта попыталась сама Грир Гарсон. В интервью она сказала:
«Пожалуйста, развейте этот миф. Две недели это было забавно, но теперь я от этого устала... Отчёты о продолжительности моей речи в тот вечер, кажется, немного напоминают тот репортаж о смерти Марка Твена: слегка преувеличены. На самом деле, она длилась около пяти с половиной минут, но я думаю, что люди её запомнили, потому что я несколько нарушила давнее правило, согласно которому победитель должен был просто сказать "спасибо", а затем разрыдаться, заткнуться и сесть. Я очень искренне относилась к тому, что должна была сказать. Я говорила тогда, что в тот вечер в зале не было проигравших, что мы все были победителями, но я знаю, что не произнесла длинного монолога, как сейчас пишут в репортажах. Признаю, у меня есть дар красноречия, и, похоже, это в тот раз доставило мне неприятности, но, знаете, я и это использовала с пользой, потому что впоследствии, продавала военные облигации по всей стране».
То есть, даже опровержение было под стать её речи на Оскаре... Нескончаемым...
После этого случая, Академия приняла решение, что речи должны быть короче и установила регламент в одну минуту, после чего начинал бы играть оркестр.
Так вот эта речь, казалось, ясной метафорой признания победы "Миссис Минивер", как Лучшего фильма года. Несоразмерная и эмоциональная пропаганда. Но, наверно, другого лучшего фильма в такое время просто быть не могло... Согласно повестке, данной Бюро Киноискусства, созданного Рузвельтом, сложные персонажи в этот год отсутствовали, а те, что были из фильмов "Кингс Роу" или "Великолепие Амберсонов", не получали ничего, а главное, на них не ходили зрители. Иными словами, никто был не против, когда белое называли белым, а черное черным.
* * *
ИТОГИ...
Редактор The Reporter, У. Р. Уилкерсон, был так взволнован всем этим, что опубликовал три отдельные редакционные концептуальные статьи, осуждающие победу "Миссис Минивер".
"День 1: «Вероятно, ни одно крупное событие никогда не привлекало столь нудных ораторов, произносящих более скучные и длинные речи, которые, вместе с церемонией вручения наград, заняли добрую часть трёх часов». День 2: «Короче говоря, Кинематографическая академия искусств и наук
неправильно называет себя. Её следовало бы назвать Кинематографической политической партией болтовни и торгашества, а этот ежегодный званый ужин — её импровизированная трибуна».
День 3: «А зачем вообще набивать эту трибуну политиками и профессиональными придурками всех мастей?».
Но простым зрителям было всё равно на эти газетёнки и критику. "Миссис Минивер" стала самым кассовым фильмом года и вторым самым прибыльным у студии MGM после "Унесённых Ветром", если мы говорим о звуковых фильмах.
И можно быть уверенным, что публика не была против победы её фаворита. Она её ждала.
__________________________
А какой фильм из 15 церемонии Оскар, Вы считаете лучшим? Пишите в комментариях и пусть они будут такими же длинными, как речь Грир Гарсон.
Не забудьте поставить лайк и подписаться!
Всем добра и здоровья!