1942. Четырнадцатая церемония Оскар. "Гражданин Кейн". Документалки. Перл-Харбор.

Кто не читал статью про тринадцатую церемонию Оскар и не видел оттуда фильмов, то милости просим сюда, а затем обратно.

1941 год.
События в мире:

· Югославия присоединилась к Берлинскому пакту, подписав Венский протокол.
· Премьер-министр Греции покончил с собой из-за приближения немецкой армии к Афинам. Греция капитулировала.
· Войска Третьего Рейха вторглись на территорию СССР без объявления войны. Начало Великой Отечественной. В результате одного года войска Гитлера доходят до Москвы.
· Гауптштурмфюрер CC Карл Фрич первым использовал Циклон Б для уничтожения польских и советских военнопленных в Освенциме.

События в Америке:

· Президент США Франклин Рузвельт утверждает программу поставок военных грузов в СССР по ленд-лизу на сумму в 1 млрд долларов.
· Конфискация всех немецких, итальянских и датских судов, стоящих в водах портов Соединённых Штатов Америки.
· В декабре Японией атакован Перл-Харбор. США вступает в войну с Японией и Третьим Рейхом. Вторая Мировая Война приобрела статус вооружённого конфликта планетарного масштаба.

На фоне этих событий, в частности, нападения на Перл-Харбор, впервые члены Академии подняли вопрос о надобности проведения четырнадцатой церемонии Оскар. Трагедия национального масштаба, переросшая в войну, усугубилась ещё тем, что актриса и секс-символ Кэрол Ломбард (супруга Кларка Гейбла) погибла в авиакатастрофе за месяц до предполагаемой даты проведения церемонии. Она возвращалась из тура, как раз связанным с продажей военных облигаций.

Война стала суровой реальностью для Америки, которая, казалось, ещё год назад читала о войне из газет, чтобы просто быть в контексте и поддерживать светские беседы на подобную тему. То, что "её не касалось", нежданно постучалось в двери японскими бомбами. Неудивительно, что должностные лица Академии решили вообще отменить празднества по случаю вручения Оскара. Ещё до нападения на американскую базу, в октябре президентом Академии была избрана актриса — Бетт Дэвис. Она стала первой женщиной, занимающей этот пост. Правда пробыла она на нём недолго... Два месяца... Таким образом, она также стала первым человеком, покинувшим этот пост по собственному желанию. Она "в ярости ушла в отставку", потому что Академия хотела, чтобы она "была лишь номинальным главой".

"Поскольку я была женщиной, меня нужно было контролировать".

Виновата ли Бэтт Дэвис в том, что её выбрала президентом молодая по возрасту Академия, но старая в плане её сотрудников? А, может, её членам надо было тщательнее прочитать обрывки изданий, где про актрису писали, что Бетт Дэвис, вероятно, "сожгли бы как ведьму, если бы она жила две или три сотни лет назад"... В любом случае, стоит разобраться, а что же такого радикального предложила Бэтт Дэвис, что на её идеи наложили эмбарго? Да на самом деле то, что в нынешние дни выглядело бы вполне адекватным решением. Во-первых, она настаивала на том, что церемонию всё-таки нужно провести, но не в банкетном холе отеля, а в сценическом зале, куда бы приходила публика, предварительно заплатив за билет. Вырученные средства перешли бы "Красному Кресту". Академиков получилось убедить только в том, что церемонию всё-таки следует провести, но точно не так, как предложила Дэвис. Им не понравилась идея полного зала, где люди будут смотреть на то, как другим людям раздают статуэтки в момент, когда Америка находилась в состоянии войны. Пожертвования? Кто надо — тот сделает и в итоге делал на протяжении всей Второй Мировой. Голливуд не надо было заставлять из-под палки участвовать в гуманитарной помощи. Большинство кинозвёзд добровольно устраивали туры и участвовали в про-военных акциях. Та же Кэрол Ломбард лишилась из-за этого своей жизни... Джоан Кроуфорд впоследствии пожертвовала свой гонорар за фильм в тот же "Красный Крест". Кларк Гейбл вступил в военно-воздушные силы США. Джеймс Стюарт записался добровольцем. Генри Фонда сказал, что ему не нравится участвовать в фальшивой войне на киностудиях и решил отправиться на реальный фронт. Комик Боб Хоуп гастролировал по армейским лагерям с девушками и, выводя их на сцену, говорил:"Просто напоминаю ради чего вы сражаетесь, ребят...". Марлен Дитрих изъездила все 40-е, чтобы петь для американских солдат. Уолт Дисней жертвовал выручку с фильмов Британии, а мультфильм "Бэмби" подарил Советскому Союзу. Другими словами, волонтёров, половина из которых были оскаровскими лауреатами или номинантами, было достаточно... А что же с самими фильмами? Это, можно сказать, был последний год на момент Второй Войны, когда темами голливудских постановок был равный баланс романтичных драм, заразительных мюзиклов, тёплых комедий, лихих приключенческих историй и чисто эскапистских блюд, которыми можно было бы закусить и забыть про реальность. В течение же следующих нескольких лет война будет доминировать в фильмах так же, как и в реальной жизни. Только в этом году на церемонии присутствовал 22 фильма из всех категорий, (с учётом почётных) напрямую или косвенно посвященных войне. Это четверть от общего количества номинантов.

Место Бетт Дэвис занял её предшественник — продюсер Уолтер Вангер. По итогу, Академия хотела сделать из церемонии нечто вроде тихой встречи, а не торжественный парад кинозвёзд. Показать то, что небожители спустились на землю, чтобы вновь стать простыми людьми наряду с другими, чьи родственники, возможно, уже на пол-пути к островам Тихого Океана.

Официальная одежда была запрещена. Почти все кинозвёзды были одеты в черное. Церемония была обозначена как «ужин», а не банкет. Джуди Гарленд спела неофициальную версию государственного гимна Соединённых Штатов того времени: "Моя страна в тебе". Вёл церемонию в третий раз Боб Хоуп и можно было лишь посочувствовать ведущему, которому надо было быть смешным в этот вечер...
Ещё до нападения на Перл-Харбор, Оскар должен был пройти в середине февраля, но её перенесли на полторы недели и поэтому статуэтки раздали 26 февраля 1942 года.

Тем вечером снаружи отеля, прожектора, традиционно устремлённые в небо все церемонии подряд, на сей раз были выключены.

Изменения в номинациях.

Добавлена новая номинация!

Лучший короткометражный документальный фильм — впервые Академия признала документальное кинопроизводство; это будет всё более важным жанром в грядущие военные годы и неудивительно, что номинация появилась в момент, когда США оказалась в военном положении.
Документальные фильмы не впервые появляются в оскаровском списке. По большей части, номинация вышла из своего далёкого предка — Лучший новаторский короткометражный фильм, в ходе которой можно было встретить либо игровой фильм с элементами документалистики ("Страйки и Спэа", "Меню"), либо полностью документальные ("Кракатау", "Город из Воска"). Документальный фильм обязан был соответствовать высоким профессиональным и художественным стандартам, в ходе которых раскрывались бы культурные, художественные, исторические, социальные, научные, экономические или другие темы того или иного предмета исследования. Он может быть снят во время реальных событий или с использованием частичной реконструкции, архивных материалов, фотографий, анимации, покадровой съёмки или других техник, при условии, что акцент делается на фактах, а не на вымысле. Главный аспект здесь — научная сторона вопроса, на который даётся ответ без жёсткого нарратива, то есть, пропаганды. И с одной стороны, большинство фильмов этой категории, как раз имели пропагандистский тон, а с другой, это было оправдано тем, что на страну напали и необходимо было сплотить нацию. В конце концов, эти "пропагандистские" фильмы, взятые со всего земного шара, будь то Канада, СССР, Великобритания или те же США, говорили об одном: враг у ворот, он напал и нужно защищаться. А если несколько источников говорят одно и то же, значит, с нарративным закадровым текстом или без него, это уже не пропаганда, а объективная реальность.
Фильмы этой категории не должны были длиться более 40 минут.

Снова разделили номинацию!

Лучшая музыка в драматическом фильме и Лучшая музыка в комедийном фильме. Разделение на жанры было важно с точки зрения того же акцента на серьёзности происходящего. Да, есть мюзиклы и разного рода комедии, приключенческие фильмы, но стоит ли им доминировать в момент трагедии планетарного масштаба? Такое разделение 50/50 помогало помнить, что всё-таки есть и должны быть радости жизни в моменты горестного отчаяния, и при этом условная минута молчания о погибших, в которой отчётливо будет слышен драматический аккомпанемент.

Особенности и рекорды этой церемонии: ...

Уолт Дисней получает награду им. Ирвинга Тальберга.

Помимо истории с президентством, стоит отметить, что на церемонии присутствовало самое большое количество фильмов на соискание премии. 71 фильм, включая почётную "Фантазию" Диснея и две документалки. Должно было быть 72 картины, но "Сис Хопкинс" дисквалифицировали, вернее её отозвала RKO Studio без объяснения причины уже после официального оглашения номинантов.
Плюс 33 короткометражки. Итого: 103 номинанта.

Почётные Оскары были вручены:

• Рею Скотту для фильма "Кукан"

Премия была вручена в виде сертификата, а не статуэтки.
"За его выдающееся достижение в создании «Кукана», фильма о борьбе Китая, в том числе с помощью 16-миллиметровой камеры в самых сложных и опасных условиях». Фильм повествует о второй японо-китайской войне, в частности бомбардировке японцами мирного города Чунцин, на который сбросили около 200 тонн взрывчатки.

• Британское министерство информации за фильм "Мишень на эту ночь" про британский бомбардировщик.

Два этих фильма не попали в основную категорию, так как были полнометражными.

• Уолт Дисней, Уильям Гэрити, Джон Н. А. Хокинс и компания RCA за мультфильм "Фантазия".

"За выдающийся вклад в продвижение звука в кинофильмах.

• Дирижёру Леопольду Стоковскому также за "Фантазию".

"и его коллегам за их уникальное достижение в создании новой формы визуализированной музыки в постановке Уолта Диснея "Фантазия", тем самым расширив рамки кинофильма как развлечения и как вида искусства"

Мемориальная награда им. Ирвинга Тальберга Уолту Диснею.

Таким образом, Уолт Дисней унёс с собой сразу три премии за один вечер, ведь награда им. Тальберга также имеет статус Оскара. Почему три? Да потому что Уолт Дисней девятый раз подряд получил награду за Лучший короткометражный анимационный фильм "Лапа помощи".

Фильмы, которые точно стоит посмотреть.

1. Фантазия.

Создатель: Уолт Дисней. 1940. США.

Два почётных Оскара: Уолту Диснею и Стоковски соответственно.

Мультфильм за два часа показал всё, на что способна анимация на данный момент истории. Это веха этого искусства. Сложно себе представить, но сюжет гениального произведения максимально прост и абстрактен в своём повествовании. "Фантазия" состоит из восьми анимационных сегментов, поставленных на классическую музыку под управлением Леопольда Стоковского.

Началось всё с короткометражки, "Ученик Чародея" на стихи Гёте, где главным персонажем был Микки Маус. По мере производства всё больше и больше короткий метр казался неокупаемым проектом. Дисней понял, что это принесёт прибыль только если использовать эту историю в полном метре. Ему пришло в голову использовать эдакое попурри из классической музыки, где разные эпизоды не будут связаны между собой. Дисней пригласил именитого дирижёра Леопольда Стоковски, чтобы проконсультироваться с ним в плане выбора композиций. Ему настолько понравилась ещё сырая идея, что он предложил дирижировать бесплатно!

Как и сама идея, ещё не полностью структурированная, первый эпизод в точности соответствует творческому поиску. "Токката и фуга. Ре минор" Иоганна Себастьяна Баха звучит на фоне абсолютной абстракции. Узорчатый калейдоскоп из анимированных линий, фигур и облаков эквалайзера, вторящих каждому мимолётному звуку. Отсутствие конкретного образа и нарратива позволяют зрителю заполнить собой эту музыку и самому дать определение того, что он перед собой видит: рождение жизни или идеи в мозгу человека, первые секунды зачатия Вселенной, а может саму музыку? Это чистейшая форма искусства, в которой авторы, в данном случае Стоковски и Дисней, растворяется, чтобы показать первозданную форму произведения. Единственный эпизод, который выделяется, как раз "Ученик Чародея". Сложно растворится в музыке тогда, когда на экране появляется Микки Маус, то есть, персонаж, который сам по себе уже является автономным достоянием искусства. Но эта короткометражка была сделана задолго до самой идеи абстрактного попурри.
Так или иначе, важнейшей задачей создателей "Фантазии" было представить саму музыку: как она выглядит, какой у неё цвет, настроение, это круглые или острые формы и есть ли они вообще... Важно было не подогнать свою историю под композицию, а показать такой какая она есть. В каком-то смысле сделать то, чем был сам Дисней по описанию Эйзенштейна.

"Он творит где-то в области самых чистых и первичных глубин. Там, где мы все – дети природы. Он творит на уровне представлений человека, не закованного еще логикой, разумностью, опытом. Так творят бабочки свой полет. Так растут цветы. Так удивляются ручьи собственному бегу".

Поэтому абсолютно закономерно, что следующие эпизоды являют собой эволюцию и уходят всё дальше в своей фантазии в миры фэнтэзи и кентавров под пляски Бахуса...
Последний эпизод является катарсисом. "Ночь на Лысой горе" Модеста Мусоргского олицетворяют страх смерти, после которой наступает озарение. Всё становится ясно и чисто. Как огни силуэтов в лесу, направляющихся к собору. И, разумеется, это нежное шествие звучит под композицию "Аве Мария" Франца Шуберта.

Это гениальное произведение, которое можно было бы внести в список десяти фильмов, которые можно показать инопланетянам, чтобы они поняли из чего состоят люди. Это "Андалузский Пёс" в анимации, только не с двумя-трёмя, а со множеством эмоциональных красок. При этом стоит отметить, что мультфильм не ограничивается только художественными достоинствами. Саундтрек был записан с использованием нескольких аудиоканалов и воспроизведён с помощью Fantasound, новаторской звуковой системы, разработанной компанией Дисней и студией RCA. Так "Фантазия" стала первым коммерческим фильмом, показанным в стереоформате, и предшественником объемного звука. То есть, можно сказать, что Дисней создал стерео, потому что это именно продюсерское желание, чтобы звук в кинотеатрах окружал зрителей, как если бы они сидели в амфитеатре.

Восхищает и объём проделанной работы! В создании мультфильма было задействовано более 1000 художников и техников. На экране можно увидеть свыше 500 анимированных персонажей. Также Диснею было важно, чтобы всё раскрашивалось в хронологическом порядке, дабы цвета в одном кадре гармонировали с предыдущими и последующими.

Ну, и увы, теперь печальная часть истории...
Несмотря на положительные отзывы критиков, фильм не принёс прибыли из-за баснословного бюджета картины. Вернее, он бы мог окупиться, если бы вышел в Европе, однако Вторая Мировая Война помешала его распространению на европейском рынке. Мало было окупить фильм, необходимо покрыть расходы на создание нового оборудования — Fantasound. Не стало легче и от того, что прокатчики не видели перспектив у этого бессюжетного концертного проекта, идущего чуть более двух часов с антрактом. Диснею также пришлось взять это на себя, но вот только дело не ограничилось простой арендой кинотеатров. Их надо было снабдить новым, без пяти минут созданным, стерео оборудованием. Необходимо было хотя бы премьеру отыграть так, как её видел сам Дисней в своей голове. В итоге было тринадцать показов, включающих по два киносеанса ежедневно. Но и это ещё не всё! Выручка за первую ночь ушла на благотворительность Британии, так что эти деньги тоже оказались мимо общих сборов.

Мультфильм множество раз переиздавался и в итоге всё-таки принёс прибыль, хотя это максимально не зрительский проект, где самой тривиальной поставленной задачей, можно назвать то, что Дисней хотел привить любовь к классической музыке, которую "обычно избегают" по понятным причинам. Они присутствовали и у великого мультипликатора в своё время, как он признавался. Сложность состоит в том, что привить это детям через образы, которые будут снится им в кошмарах, почти нереально. Не каждый взрослый тогда смог понять самое смелое и экспериментальное произведение своего времени. Однако именно детское восприятие помогло создать лучшее произведение Диснея. Оно же поможет и понять его. Или не понять, но раствориться в этих образах, доверившись музыке и изображению.

Если выбирать только один фильм из всей фильмографии Уолта Диснея и назвать его шедевром, то это будет "Фантазия".

2. Грошовая Серенада.

Режиссёр: Джордж Стивенс. 1941. США.

Одна номинация без победы: Лучшая мужская роль.

Фильм начинается с развода. Соответствующие воспоминания о семейной жизни проносятся флешбэками через весьма уместный и просто идеальный реквизит, располагающий к подобного рода мыслям — виниловый проигрыватель. В фильме показано, как время идёт, пока звучат песни разных лет и каждая композиция навеивает соответствующие воспоминания: первая встреча, первый танец, судьбоносная ссора... Это гениальное сознательное режиссёрское решение, потому что Джордж Стивенс очень тщательно следил за хронологией песен, чтобы точно соотнести их с разными временными периодами. Это уместно и с точки зрения сценария, ведь первая встреча, ныне разведённой пары прошла в магазине грампластинок, где девушка, её играет Айрин Данн, была продавщицей. Академики отметили только лишь Кэри Гранта, но первая их встреча, построенная на максимально крупных планах, когда можно сосчитать ресницы актёров, просто завораживает своей магией, которая исходит от уже, можно сказать, постоянной экранной пары, кстати, вновь супружеской... Вдвойне романтично то, что у него даже нет проигрывателя и он купил кучу пластинок, просто чтобы подольше побыть с ней. При этом фильм не всегда бывает угодным, поскольку нарушает Кодекс Хейса... Например, в фильме присутствует явный намёк на то, что в сцене поезда они занимались любовью, что было немыслимым даже в рамках закадрового зрительского домысливания.

Это максимально слезоточивый фильм про мужчину, который страстно любит женщину, но жизнь он любит больше. Это проявляется в долгах, желании достать лёгкие деньги любой ценой и при этом не соизмерять доход и спрос от этой жизни, которую ему бы хотелось. Итогом этого, становится потеря ещё не родившегося ребёнка. Параллель современного контекста и того случая, как героиня Айрин Данн потеряла ребёнка, тоже нельзя игнорировать. Ведь это несчастье происходит именно в Токио во время землетрясения. Трагедия Перл-Харбора тут читается очень отчётливо. И вот тут уже вступает Айрин Данн со всем спектром актёрских эмоций. Когда они решают взять приёмного грудничка, они сталкиваются с самыми простыми проблемами в виде, например, купание. Эта безмолвная сцена идёт 3 минуты, пока не нарушается плачем матери:"Господи, я не умею её купать, я боюсь, я её утоплю!". И за этой сценой смотришь пристальней, чем за любым блокбастером в категории Лучшие спецэффекты. Кстати, показ половых детских органов также строго воспрещён, но сцена была снята с такой любовью, трепетом и естественностью, что её, очевидно, нельзя было купировать.

Однако большинство изданий отмечало именно игру Кэри Гранта. Инфантильность его персонажа всегда уступает харизме. Актёр очень тонко чувствует непостоянный жанр фильма или, лучше сказать, он делает его непостоянным, когда не даёт быть настолько мыльной мелодрамой, когда начинает не только щипать глаза, но и давить на поджелудочную. Однако Кэри Грант осознаёт, когда нужно быть смешным в самые печальные моменты или когда стоит поддать ненависти к своему герою, в момент максимальной зрительской эмпатии. При этом он понимает, что иногда стоит просто раствориться в этой истории и дать ей движение без своего участия, даже если он находится в кадре. За эту многогранность в не самом многогранном фильме, и была получена номинация.

Кэри Грант считал это своей лучшей ролью. Айрин Данн также называла это своим любимым фильмом, потому что у неё самой была приёмная дочь.

3. Морской Волк.

Режиссёр: Майкл Кёртис. 1941. США.

Одна номинация без победы: Лучшие спецэффекты.

Снятый по одноимённому роману Джека Лондона, "Морской Волк" не шибко следует книге, что не новость для какой либо голливудской экранизации, но нельзя не заметить, как деспотичный капитан стал символом фашизма на своём собственном корабле "Призрак". Ушла палитра сложного персонажа, изначально созданного Джеком Лондоном, но в нынешних реалиях, может, и не следовало делать условного Гитлера неоднозначной персоной в момент, когда весь мир стоило сплочить против него и поднять бунт на корабле.

Вполне успешный в плане сборов фильм, получил всего одну номинацию за Лучшие спецэффекты. Жутковатая атмосфера усиливалась благодаря новаторской дымовой машине, создававшей бесконечный туман, который можно считать отдельным персонажем в фильме.

Режиссёром выступил Майкл Кёртис, который уже экранизировал морские романы — "Одиссея Капитана Блада", — но это фильм из серии "плаща и шпаги", тогда как "Морской Волк" был больше психологическим триллером. Сама ситуация обостряет жанр, потому что с корабля деться некуда, а зверства или безразличие капитана, которого играет звезда гангстерских фильмов Эдвард Г. Робинсон, не могут быть наказуемыми, ведь он и есть закон.

4. Доктор Джекилл и Мистер Хайд.

Режиссёр: Виктор Флеминг. 1941. США.

Три номинации без победы: Лучшая работа оператора (ч/б), Лучший монтаж, Лучший саундтрек к драматическому фильму.

Да, это ещё одна экранизация Роберта Стивенсона, но в данном случае это можно назвать ремейком фильма десятилетней давности, который сознательно не перевыпускали, чтобы не заслонять более свежую версию.

Казалось, что это будет потрясающей новой классикой по нескольким причинам. В режиссёрское кресло сел Виктор Флеминг, снявший "Унесённые Ветром" и "Волшебник Страны Оз". В главной роли двукратный лауреат премии Оскар Спенсер Трейси. И всё-таки это фильм ужасов, а значит жанр потребует хорошего технического оснащения, благо уж за десять лет оно явно улучшилось с последней экранизацией. Увы, за эти же десять лет на экране мелькало слишком много Франкенштейнов, Дракул, призраков, людей-невидимок и мумий, чтобы мистер Хайд мог быть убедительным монстром, учитывая, что грим, который вселял страх в версии 1931 года, в нынешней совсем не использовался. Возможно, в этом и заключается интересная режиссёрская находка, потому что добрый человек вдруг становится порождением зла, но внешне никак не меняется. Этот смелый приём добавляет реализма в момент трансформации, когда зритель понимает, что не внешняя оболочка в виде вампирских клыков или швов, соединяющих разные куски тела, внушают страх, а просто человек с мышлением психопата и садиста. К сожалению, не все критики это раскусили. Что больше привлекло их внимание, так это монтаж. Судя по номинации, академиков тоже. И действительно, самое смелое здесь именно монтажные склейки, которые, видимо, придумывал поклонник Фрейда или же за проявочным столом сидел он сам воплоти.

Когда Джекилл неминуемо залпом выпивает своё творение, чтобы отделить добро от зла, в его сознании монтажным каскадом проносится круговорот сексуальных образов: цветок всплывающий на поверхность воды, превращается в лик женщины, будто ожидающей этого восстания. Затем уже сам Джекилл хлестает двух белых лошадей, чтобы они бесцельно неслись изо всех сил лишь по прихоти обезумевшего всадника, а потом эти лошади сменяются на обнаженных Ингрид Бергман, сыгравшую гулящую незнакомку и героиню Лану Тёрнер, будущую жену Джекила. И теперь уже они находятся под ударами плётки и всё также бегут без возможности остановиться. Это кажется идеальным образом в момент, когда Кодекс Хейса видится олицетворением подавляющего сексуального желания. Ведь всё за рамками этих метаморфоз Джекилла в Хайда, абсолютно беззубо и стерильно, и только образы, рождаемые подсознанием, которое борется со своими желаниями или же наоборот пытается освободить их, выглядят крайне убедительным. Персонажи его жены и таинственной незнакомки более отчётливо разделились в этой монтажной склейке, чтобы слиться воедино в рамках одной нагой упряжки. И этот суггестивный образ рассказал куда больше о персонаже Джекилла/Хайда, чем вся болтовня до и после этого...

Фильм принёс прибыль и уж точно нельзя его назвать провальным, как бы его не называли критики того времени, ругая почти всё, кроме Ингрид Бергман, решившей сменить амплуа правильной невинной девочки на роковую барменшу, но время монстров закончилось, или лучше сказать, они надели нацистскую форму. И это пугало куда сильнее, чем клыки и плащи в тумане.

5. Познакомьтесь с Джоном Доу.

Режиссёр: Фрэнк Капра. 1941. США.

Одна номинация без победы: Лучший оригинальный сюжет.

Один из лучших фильмов Фрэнка Капры, который говорит об одном и том же из фильма в фильм: маленький человек с большим сердцем меняет великих бессердечных людей. Капра ни раз и не два поднимал подобную тему, каждый раз повышая ставки: от фильма "Мистер Дидс едет в город" до "Мистер Смит едет в Вашингтон". На сей раз Джон Доу — это символ не только провинциальной Америки, а всех подобных людей на планете.
Гэри Купер всегда был первым кандидатом Фрэнка Капры на роль Джона Доу. Актёр согласился на неё, не читая сценария, по двум причинам: ему нравилось работать с Капрой и он хотел сойтись на площадке с Барбарой Стэнвик. Их дуэт подобен дуэту Кларка Гейбла и Клодетт Кольбер из фильма "Это случилось однажды ночью", но только история здесь более масштабная и, вероятно, поэтому фильм ограничился номинацией на Лучший оригинальный сюжет, который сам по себе здесь идеален для завязки всей истории: репортёршу увольняют с работы и напоследок она печатает в газету выдуманное письмо от некоего Джона Доу, где он жалуется на увольнение. Это письмо вызывает резонанс в обществе, потому что из-за этой несправедливости он хочет покончить с собой в Рождество. И теперь вся Америка хочет спасти бедолагу, а редакции предстоит найти этого Джона Доу, а лучше сказать, создать, ведь его на самом деле не существует.

Самое гениальное в фильме это монолог, который без всякого контекста, заставляет трепетать сердце. Это "Геттисбергская речь", только не от лица президента, а от простого человека, но такая же знаковая и культовая, как слова Линкольна во время Гражданской Войны.

"Я буду говорить о нас, о Джонах Доу, людей средней величины. Если кто-то попросит меня описать Джона Доу — я не смогу. Он может быть любым и нас миллионы... Он редко звонит загород, а из уличных автоматов пытается вытащить монетки. Для него публикуют объявления, для него дешёвые распродажи. Да, сэр, Джоны Доу одна большая семья. Мы те, кто унаследует эту землю. Мы всюду: в поле, в шахтах, на заводе, пишем книги, летим на самолётах, водим автобусы, а когда коп вопит:"Стоять!" — он говорит это Джону Доу. Мы существуем из покон веков. Мы строили пирамиды, мы видели, как распяли Христа, мы были гребцами римских императоров, ходили по морям с Колумбом, отступали от Москвы с Наполеоном и замерзали с Вашингтоном в долине Фордж. Да, сэр, мы те, кто всегда подставлял вторую щёку. Бывало, что в нашей борьбе за свободу мы проигрывали, но всегда поднимались, потому что мы люди. И мы сильны."

Подобно речи Чаплина в "Великом Диктаторе", Капра призывает к тому, чтобы люди сломали "забор ненависти", построенный против соседа и тогда люди станут добрее и лучше. При этом Капра не уподобляется патетике, за которой не видно другую сторону медали. Он одной сатирической фразой перекрывает идеальный мир, возвращая в реальность.

"«Сломайте заборы»... Одну штакетину из соседского забора выломаешь, так твой сосед тебя в суд потащит..."

Но это не значит, что не стоит стремится к такой жизни, к которой призывал Джон Доу, о которой плачет человек средней величины. В английском языке есть выражение "average guy", то есть, усреднённый, среднестатистический, обычный, рядовой... И вот о таких и для таких людей всю жизнь снимал Фрэнк Капра, хотя отнюдь не был средненьким режиссёром.

Возможно, что академики просто не могли снова чествовать классика кинематографа, у которого уже было в копилке четыре Оскара в рамках одного десятилетия, а иначе для него пришлось бы создать отдельную оскаровскую номинацию "Лучший Фрэнк Капра". А что же, Диснея этого не касается? Возможно, но там у него конкурентов почти нет, а доминировал он до этого только в одной короткометражной отрасли, тогда как Фрэнк Капра успел заскакивать в режиссёрскую и продюсерскую категории, в каждой из которых была победа.

6. Дамбо.

Создатель: Уолт Дисней. 1941. США.

Одна номинация: Лучшая Песня.
Одна победа: Лучшая музыка в комедийном фильме.

Ну, может быть, Дисней и начал доминировать в других категориях, потому что сложно найти другого такого частого оскаровского завсегдатая, но кто скажет, что это незаслуженно?

Как рассказать об инаковости ребёнка в мультфильме? Дисней не только объяснил это с помощью анимации, но и показал то, как с этим справляться. Кто-то скажет изъян или недуг, но всё меняется в зависимости от того, как к этому относиться. Особенность или достоинство — и вот уже страхи, которые преследовали тебя всё детство, побеждены этим оружием, ещё недавно доводившим тебя самого до слёз.

Как всегда у Диснея, история создание не менее интересно, чем сам мультфильм.
Наученный горьким опытом "Пиноккио" и "Фантазией", которые провалились в прокате из-за Войны, Дисней решил сделать полнометражный фильм максимально дёшево и наименее энергозатратно. Эдакий мультфильм категории "Б", но который бы всё-таки принёс прибыль, ведь одними экспериментами сыт не будешь. Было решено отказаться от звуковых выкрутасов "Фантазии" и детализированной рисовки "Пиноккио". В результате дизайн всех персонажей стал проще, а фон позади них минималистичным. Но Дисней не был бы в своём репертуаре, если бы после слов "давайте дёшево и быстро", не позволил аниматорам привезти в студию настоящих слонов и других животных, чтобы изучить и срисовывать их движения. Не обошлось и без экспериментов в сцене сна, где также в анимации имело место абстракция и сюрреализм, когда зритель видит танец розовых слонов. Это выражение используют с этого момента в анимации, когда дело касается галлюцинаций — "видеть розовых слонов".
Помогло сократить бюджет то, что мультик идёт всего 64 минуты. И уже тут, несмотря на начало полномасштабной Войны, "Дамбо" был самым прибыльным мультфильмом на тот момент. Его называли "финансовым чудом", ведь в следствии неудачи, следующие два многобюджетных провальных проекта, кои были до этого, могли разорить студию Диснея, но мультик про слоника этого не допустил. Слонёнка Дамбо даже хотели поместить на обложку журнала Time, но Перл-Харбор изменил эти планы...

И конечно, когда дело касается разных животных, необходимо создать для них характер. И какой же характер придумали для группы ворон? Чернокожие с южным акцентом. И таким образом мы выходим на тропу вечной дискуссии, а был ли Уолт Дисней расистом? Вороны были раскритикованы в современном мире. В ремейке "Дамбо" их нет вовсе. И можно понять, что приглашение белого актёра озвучки на такую роль с использованием сленгов и звуковых стереотипов, сомнительное решение, однако нельзя на это смотреть в отрыве от того, что происходит на экране. Вороны были теми единицами, которые понимали Дамбо и сопереживали ему. Эти маргиналы видели в нём изгоя, какими были они сами, будучи этнической группой. Помимо этого, они самые счастливые и свободолюбивые персонажи в фильме. Даже главный герой Дамбо таким становится в последнюю минуту фильма перед финальными титрами.
Так что дискуссия в этом вопросе до сих пор открыта для тех, кому важно спорить об этом, а не наслаждаться мультфильмом, который Нью-Йорк Таймс назвал "самым добродушным, самым милым, самым трогательным полнометражным мультфильмом, когда-либо созданным волшебными кистями художников Уолта Диснея". И действительно, минимализм, созданный из соображений экономики, подошёл мультфильму, как нельзя кстати! Он отсеял лишнее и позволил сфокусироваться на истории, чистом юморе и музыке, удостоенной соответствующей статуэтки.
"Дамбо" продолжил традицию "Пиноккио", когда получил эти же номинации, что в принципе будет свойственно мультфильмам в этих категориях, но Лучшую песню всё-таки проиграл более реалистичной из фильма "Леди, будьте лучше". "The Last Time I Saw Paris/В последний раз я видел Париж" — это красивая и очень эмоциональная песня для 1941 года, учитывая нацистскую оккупацию Франции к этому моменту. Хотя многие члены Академии не очень обрадовались этой победе. На то была причина. Песня была исполнена за год до того, как её включили в фильм, а это противоречило основному правилу Академии: вознаграждать песни, специально написанные для фильма. Тем серьёзней исторический контекст и его влияние на выбор академиков, раз песня выиграла да ещё и у такого сильного, но всё же эскапистского произведения, как "Дамбо".

7. Леди Гамильтон.

Режиссёр: Александр Корда. 1941. США.

Три номинации: Лучший художник постановщик (ч/б), Лучший оператор (ч/б), Лучшие спецэффекты.
Победа за Лучший звук.

Любимый фильм Уинстона Черчилля.
Полноценный американский дебют британца Александра Корда. ("Багдадский Вор" был снят в Голливуде лишь частично). Фильм имел критический и финансовый успех. Персонаж Леди Гамильтон уже появлялся в оскаровской гонке на второй церемонии. "Божественная Леди" тогда взяла статуэтку за режиссуру в лице Фрэнка Ллойда. И хотя этот фильм был немым, он не уступает звуковой версии. Разница тут именно в звуке и в нарративе. Борьба Британии против Наполеона здесь показана с точки зрения сопротивления диктатору. Поэтому неудивительно, что одна американская газета ещё до нападения на Перл-Харбор, написала едкое замечание в адрес фильма, который наравне с "Великим Диктатором" Чаплина, "Иностранным Корреспондентом" Хичкока и "Смертельным Штормом" Борзажа можно смело называть пропагандистскими, ведь "похоже, они готовят американцев к войне". Эта газеты даже призывала американскую общественность бойкотировать кинотеатры, где показывали эти фильмы.

На самом деле, эта мысль (про подготовку к войне) не далека от правды, ведь фильм буквально задумывался как произведение, где Великобритания выглядела бы сильной и положительной во время Второй Мировой Войны. На момент выхода фильма (30 апреля) Франция, Бельгия, Нидерланды, Норвегия, Польша и Дания были оккупированы Третьим Рейхом, а Советский Союз всё ещё официально состоял в дружеских и партнёрских отношениях с Гитлером, США так и вовсе не было дело до европейского конфликта, поэтому фактически до 1941 года британцы сражались с нацистами в одиночку. Потребность в патриотических фильмах вполне объяснима. Это поднимало боевой дух, а помимо прочего, заставляло задумываться иностранные государства. Благо фильм принёс ещё и денег, что показывает эмпатию зрителей того времени к этой теме. Ну, и художественное качество фильма, конечно же. Снятый классиком, возможно, лучшим британским режиссёром того времени. Ещё со времён "Багдадского Вора", он смог утереть нос Голливуду в плане технической оснащённости. И это в тот момент, когда Британии уже устроили нацистский Блиц. И сейчас фильм, созданный в новых условиях, принёс солидное количество технических номинаций, включая победную за Лучший звук.

Сейчас же, фильм не смотрится, как протестное высказывание. Не зная контекста, никогда и не подумаешь, что это пика в сторону тоталитарного режима. Фильм следует расценивать сейчас больше как мелодраму на фоне беглого экскурса в историю. В конце концов, стоит сказать о том, ради чего этот фильм будут смотреть! Роман между двумя влюблёнными усиливается за счёт того, что на экране Вивьен Ли и Лоуренс Оливье. И вроде как, этого уже достаточно, чтобы заинтересовать просмотром. Что уж говорить про зрителей тех лет, которые шли в кинотеатры смотреть на "дуэт мечты", как его называли. Интересно, что как только они наконец сыграли в фильме супружескую пару, больше вместе они не снимались, как будто два их совместных фильма до этого шли к финальному, самому страстному из всех.

8. Одной ногой в раю.

Режиссёр: Ирвинг Раппер. 1941. США.

Одна номинация без победы: Лучший фильм.

А давненько у нас не было фильма в главной категории без других номинаций!

Это очень пуританский фильм, как может показаться на первый взгляд, ведь он про человека, готового отказаться от профессии врача и множества лет обучения в пользу служения Господу. Фильм даже начинается с титров, где выражается благодарность служителям церкви, которые помогали в консультации во время съёмок.

Это про настоящего человека во всех смыслах этого слова, ведь это байопик, снятый по автобиографии Хартцелла Спенса.
Тёплая и очень человечная история пути священника, жизнь которого не сводится к одним молитвам и требованиям пожертвований. Самое интересное как раз то, что жизнь пастора показана вне службы, и как это не удивительно, она не менее тяжёлая, чем у простого рабочего. Тем ценнее супружеские отношения, когда жена понимает, от чего отказывается её муж и всё равно решает поехать с ним, а на фоне слов из Библии:"... Куда ты пойдёшь, туда и я пойду..." —, режиссёр аккуратно за их окном, вдалеке, зажигает фонарный свет. И при этом, этот герой подкупает тем, что он не хочет подставлять вторую щёку для удара, но и сам не атакует, когда его провоцируют. Он просто хочет лучшей жизни для своей семьи. При этом ему не чужда работа руками. Постоянные переезды изматывают, а воспитание ребёнка даётся тяжело, но любовь при этом к нему некуда не исчезает. Он думает не только о спасении души, но и о спасении тела, причём чётко иной раз ставит приоритеты в этих спасательных операциях, когда, например, прохудилась крыша, а на столе ничего нет. В общем, это обычный человек со своими проблемами и ношей, которая, как он верит, ему по силам, хотя бывает, что иной раз хочется, чтобы следующая горькая чаша была не скоро, а лучше вообще его миновала. Идеальным для подобной характеристики пастора, подходит оскароносный Фредерик Марч. Он может быть вспыльчивым и относится ко всему новому, в частности к кинематографу, с недоверием, но находит в себе место взглянуть на это по другому и дать этому шанс. Иронично, учитывая то, что фильм следует цензуре Кодекса Хейса, а на экранах священник смотрит вестерн 1917 года "Молчаливый Человек", наполненный пальбой и страстными женщинами, и думает, а не такое это уж плохое дело — фильмы. Он даже использует этот опыт в своей следующей проповеди. Навряд ли сознательная, но очень неплохая сатира в сторону цензуры.

Не обошлось и без актуальной повестки. В фильме есть сцена, когда вся деревушка собирается у пастора и празднует окончание Первой Мировой. И послевоенная благодарственная молитва из уст священника, уже выглядит напутственной перед следующей войной для современных зрителей тех лет. Однако время, когда фильмы получали только один Оскар за Лучший фильм года прошли. Фильмы становятся сложнее, а конкуренция сильнее, но всё равно любопытно, что такой фильм смог её составить в рамках главной категории.

9. С огоньком.

Режиссёр: Говард Хоукс. 1941. США.

Четыре номинации без победы: Лучшая женская роль, Лучший оригинальный сюжет, Лучшая музыка к драматическому фильму, Лучший звук.

Ещё один фильм с Барбарой Стэнвик и Гэри Купером, но на сей раз это сумасбродная комедия от Говарда Хоукса, а это значит, что гангстерские мотивы тут неизбежно будут! Со-сценаристом был Билли Уайлдер, поэтому можно себе представить, что это была действительно очень смешная комедия даже если исходить только из сюжета: группа учёных заняты исследованиями в разных научных деятельностях, но вот однажды к ним в общежитие попадает горячая танцовщица, чтобы просто спрятаться от полиции. Ситуация вдвойне забавней, когда видишь в этих профессорах семь гномов из "Белоснежки". Именно с них придумывали персонажей с той лишь разницей, что абсолютно все учёные счастливы от одной мысли, что девушке придётся ночевать у них. Для зрителей любого поколения и временного периода, этот фильм будет похож на американские горки, где рельсы периодически пропадают и вагонетка с огоньком летит над пропастью, а затем снова встраивается в железную колею. Публика буквально не будет знать, что произойдёт в следующей сцене.

Что касается актёрской номинации, то прошло, наверно, время, когда Оскар могли получить за комедию. По крайней мере не сейчас. Впрочем, и до трагедии Перл-Харбора, это не было частым событием. Всего четырежды актёрскую статуэтку получали за комедийные роли: Мари Дресслер за "Мин и Билл", Кларк Гейбл и Клодетт Кольбер за один фильм "Это случилось однажды ночью" и Джеймс Стюарт за "Филадельфийскую Историю". И это из 40 возможностей, если учитывать нынешнюю церемонию и второстепенные актёрские категории.
Барбара Стэнвик тут безупречна, но, увы, номинальна.

10. Великая Ложь.

Режиссёр: Эдмунд Гулдинг. 1941. США.

Одна победа: Лучшая второстепенная женская роль.

После завершения съёмок в фильме "Письмо", где Бетт Дэвис в очередной раз играла отрицательного персонажа, которого зритель ненавидит, ей была предложена эта роль, в которой больше вписывается Джанет Гейнор, однако Дэвис всё-таки согласилась.

"Я не была в восторге от этого предложения, но письма от моих поклонников, в которых они умоляли меня сыграть положительного персонажа просто в качестве разнообразия, побудили меня согласиться... Мэгги была одной из немногих героинь, которых я сыграла, будучи сама собой."

Однако академиков заинтересовала второстепенная роль, которая как раз изначально больше подходила для Дэвис. Мэри Астор получила свой Оскар за сложного отрицательного персонажа, который мог бы ей не достаться, если бы не протекция мисс Дэвис. Ей нравилось работать с сильными актрисами, способными бросить ей вызов и превзойти её в сценах, где они взаимодействовали на равных. Это было своего рода испытанием, проверкой актёрских способностей, чтобы не закостенеть. Дэвис считала Мэри Астор лучшей из них и настояла на её участии, намекнув продюсеру, что это идеальная кандидатура. Они тут же нашли общий язык, когда прочитав сценарий, стали его чихвостить за диалоги.

"Этот фильм завонял, прежде чем вышел на экраны! Нужно немедленно переписать этот просто невероятный кусок хлама!"

После чего, две актрисы учили сценаристов, как нужно писать женские диалоги, устраняя раз за разом элементы мыльной оперы. А она тут могла всё испортить в одночасье, потому что сюжет располагал к подобной слёзевыжимательности.

Желчную героиню Мэри Астор бросает муж и уходит к женщине своей жизни — героини Бэтт Дэвис. Только он гибнет в катастрофе, в то время, как Астор узнаёт, что беременна от своего бывшего мужа. Тогда героиня Бэтт Дэвис предлагает ей забрать ребёнка, взамен на финансовое обеспечение биологической матери. Только вот в один момент выясняется, что муж жив и Дэвис говорит свою великую ложь о том, что это их собственный ребёнок. Сможет ли она сказать правду? Или это сделает настоящая мать? Персонаж Мэри Астор очень глубокий в своей трагедии. Ты её ненавидишь точно также, как она всех вокруг, но при этом понимаешь, что она в одночасье лишилась мужа, а затем ребёнка, которого она отдала по сути его любовнице, не зная о том, что муж на самом деле жив.

Кажется, что это идеальный фильм для одной такой номинации вроде Лучшая второстепенная роль.

11. Дьявол и Дэниэл Уэбстер.

Режиссёр: Уилльям Дитерле. 1941. США.

Одна номинация на Лучшую мужскую роль.
Одна победа за Лучшую музыку к драматическому фильму.

Один из лучших фильмов церемонии, который также известен как "Всё, что можно купить за деньги". Мотив фильма вторит фаустовской сделке с дьяволом. Более безупречного режиссёра на эту тему найти сложно. Его фильмография говорит сама за себя: "Сатана встречает Леди", "Горбун Собора Парижской Богоматери", он помогал Максу Рейнхардту в создании фильма "Сон в летнюю ночь"...

Но самое безупречное здесь, это актёрская работа Уолтера Хьюстона, сыгравшего Мистера Скретча, более известного в народе, как Дьявол. И это одно из лучших воплощений этого персонажа на экране.
Всё начинается с того, что молодой фермер, у которого всё валится из рук, случайно мимоходом вдруг произносит ключевую фразу, что продал бы душу за пару монет. Он запускает руку в карман и какое совпадение... В кулаке он уже держит горсть золотых. И тут зритель видит одно из лучших заявлений персонажа в кадр, когда в амбаре сквозь туман и панического мычания крупнорогатого скота добродушный голос приветствует "соседушку". Во многом из-за этого появления, композитор получил свой Оскар, потому что наложил звук телефонных проводов поверх этой сцены, смешав с млением животных. Он также использовал в фильме несколько традиционных народных мелодий, связанных с мистикой, в том числе "Devil's Dream", "Springfield Mountain" и дьявольскую версию "Pop Goes The Weasel", которую на скрипке самолично играет Мистер Скретч.

Разумеется, фермер подписывает договор в обмен на свою душу. Когда срок истекает, он в отчаянии понимает, что натворил и просит (реально жившего) адвоката Дэниела Уэбстера помочь ему найти способ разорвать контракт. Адвокат апеллирует тем, что согласно конституции, американский гражданин не может против воли поступить на службу иностранному владыке, а значит, контракт недействителен. На что Мистер Скретч изумлённо, будто бы даже оскорбившись, говорит самый уязвимый монолог для Америки в разгар Кодекса Хейса и момент, когда следовало бы сплотить нацию, а не задавать неудобные вопросы:

"Иностранному? Кто бы мог с большим правом претендовать на американское гражданство, нежели я? Когда притесняли первого индейца я при этом присутствовал. Когда первое невольническое судно отплыло из Конго, я стоял на палубе... На севере меня почитают южанином, а на юге северянином, хотя и те, и другие ошибаются... Не люблю я этим хвастать, мистер Уэбстер, но моё имя в этой стране древнее вашего..."

Уолтер Хьюстон играет идеально. Сложно подобрать более удачного актёра на эту роль: добродушного, располагающего, с юмором... Каким, наверно, дьявол и был бы. При этом, возможно, оскаровская компания была проведена в этой категории ошибочно, потому что Лучшая мужская роль второго плана здесь подходит больше. У Хьюстона не такой солидный для главной роли хронометраж. Это даже если опустить, какого персонажа он играет. Сложно найти роль отрицательней. И, тем не менее, это один из лучших перфомансов этого года.

12. А вот и мистер Джордан.

Режиссёр: Александр Холл. 1941. США.

Пять номинаций: Лучший фильм, Лучший режиссёр, Лучший актёр, Лучший актёр второго плана, Лучшая работа оператора (ч/б).
Две победы: Лучший оригинальный сюжет, Лучший адаптированный сценарий.

Фильм из той серии, когда самое ценное здесь сюжет, за который и была получена статуэтка. Это второй фильм, который получает Оскар и за Лучший оригинальный сюжет, и за Лучший адаптированный сценарий. Первым был "Повесть о Луи Пастере".

Основанный на произведении "Небеса могут подождать", фильм рассказывает о боксёре, его играет Роберт Монтгомери, которого случайно отправили на небеса раньше времени и теперь он вынужден занять новое тело на земле. Мудрая комедия про переселение душ, как её называли издания того времени. Самое смешное то, что он переселяется в тело человека, чьи родственники усыпили в ванне и там же утопили. Какого же их удивление, когда он целенький и невредимый вышел, вытираясь полотенцем, как ни в чём не бывало.

Роберту Монтгомери не повезло с номинацией, если он планировал выиграть в этом фильме. "Когда настанет ночь" была идеальной для выигрыша, но сам фильм не был в фаворитах. "А вот и мистер Джордан" в точности наоборот отлично подходит на роль оскаровского любимчика, при семи-то номинациях, да вот только сама роль теряется на фоне интересного сценария, в котором актёру только и остаётся, что постоянно удивляться в каждой сцене, сужая объём актёрского мастерства до двух-трёх красок, пускай очень ярких и точных. Режиссура здесь, как и актёрские номинации подходит больше для акцентирования внимания на отличном мастере своего дела, но далеко не лучшим в сравнении с другими. Александр Холл именно режиссёр-постановщик, а не фронтраннер Золотого Голливуда. Это первая и последняя для него номинация, ровно как и для Джеймса Глиссона за Лучшую второстепенную роль. И так уж вышло, что последняя для Роберта Монтгомери.

13. Задержите Рассвет.

Режиссёр: Митчелл Лейзен. 1941. США.

Шесть номинаций без победы: Лучший фильм, Лучшая актриса, Лучший адаптированный сценарий, Лучшая музыка к драматическому фильму, Лучший художник-постановщик (ч/б), Лучший оператор (ч/б).

Фильм про жигало и афериста, который мечтает получить американское гражданство, путём женитьбы на американке и в итоге попасть с Соединённые Штаты, но вопреки эгоизму и принципам, влюбляется в эту девушку, которую играет Оливия Де Хэвилленд. Более чуткого прочтения роли сложно себе представить. Казалось бы, типичное амплуа зашуганной застенчивой учительницы, которая непременно должна быть очарована таинственным незнакомцем. Вроде бы актуальная история про иммигрантов, точнее сказать, беженцев. Конечно же, всё это мелодрама, но всё равно вышесказанное работает исключительно точно и без переигрывания или злоупотребления набором штампов. Даже заезд в историю очень оригинальный: съёмочная площадка, где иностранец, которого играет Шарль Буайе предлагает режиссёру рассказать свою историю, ведь она годится для отличного сценария, а значит, за неё можно получить деньги, и рассказать её нужно кровь из носу, пока его не нашли и не арестовали. Весь фильм это флешбек, рассказанный этим иностранцем и, несмотря на откат назад к его истории, фильм, благодаря этому зачину, помог набрать нужный тон, чтобы и заинтересовать зрителя, и посеять некую тревогу в плане тайминга, потому что создаётся ощущение, что время поджимает. И, конечно, трёхактная структура тут просто вымораживает изнутри зрителя, потому что актриса играет так трепетно, что ты просто не хочешь видеть крах героя. Хочется, чтобы эти люди были счастливы вместе, несмотря на изначально грязную и мерзкую аферу, которую провёл иностранец и снежным комом усиливает её в каждой сцене.

Главной соперницей в женской актёрской категории была сестра Оливии Де Хэвилленд — Джоан Фонтейн за хичкоковский фильм "Подозрение". Что делает их первыми сёстрами, которые схлестнулись в одной актёрской номинации. Главная интрига Оскара кроилась именно в вопросе Лучшей женской роли, причём как со стороны Академиков, так и со стороны общественности. Хэвилленд не сыграло на руку то, что она появляется здесь в двадцатых минутах картины и периодически пропадает из поля зрения. Более того, она ведомая, а не ведущая. Это её ведут через всю историю и всё, что остаётся ей делать, это реагировать на самые разные события, в ходе которых, в любом случае, она показывает потрясающие актёрские способности. Хочется просто смотреть на неё и сокрушаться от мысли, что эту девушку обманывают. Хэвиленд смогла создать такой образ, которому хочется пожелать всё самое наилучшее, потому что она это заслуживает, и это если не учитывать то, что чисто технически с актёрской точки зрения, ей даже не надо говорить в кадре, чтобы добиться этого эффекта. Ей достаточно просто слушать своего партнёра, а иногда этого вполне бывает достаточно, чтобы прослыть хорошей актрисой.

14. Подозрение.

Режиссёр: Альфред Хичкок. 1941. США.

Две номинации: Лучший фильм, Лучшая музыка к драматическому фильму.
Победа за Лучшую женскую роль.

И победу одержала Джоан Фонтейн. Таким образом она стала первой и единственной хичкоковской актрисой, которая взяла Оскар.

Этот фильм яркий пример того, как цензура поменяла первоначальный замысел. Но это сделано не из соображений угодить Кодексу Хейса. Сюжет фильма представляет себе влюблённую пару, где девушка подозревает своего мужа в том, что он хочет убить её. Предполагалось, что это будет исследование природы убийства глазами потенциальной жертвы. Но студии RKO не захотелось, чтобы комедийный актёр Кэри Грант играл убийцу. Это плохо могло сказаться на карьере кинозвезды, и потом, продюсеры посчитали, что это просто будет неубедительно видеть в таком обаятельном актёре хитрого киллера. Дошло до того, что они хотели вырезать все сцены, где Кэри Грант выглядит жестоко или грозно, чтобы зритель уж ТОЧНО не понял, что он убийца. И это уже был перебор, на который Хичкок пойти не мог. Студия вырезала все подобные сцены и фильмец вышел на чуть более 50 минут. Лукавый Хичкок снимал так, чтобы нельзя было вырезать и кадра без потери сюжета, поэтому студия не могла не уступить, ведь пришлось бы выделить тучу денег на пересъёмки. И хотя сложно себе представить улыбку Хичкока, вероятней всего, она была до ушей... Однако Хичкоку всё-таки пришлось изменить финал. Это студия могла себе позволить, потому что переснять одну-две сцены, можно было бы и без Хичкока в режиссёрском кресле. Незаменимых в эпоху Золотого Голливуда нет.
И с одной стороны можно увидеть, как автор уступил продюсерской машине и всю оставшуюся жизнь жаловался на это, но фильм при всём вандализме не стал от этого хуже. Он теперь просто другой.
Современному зрителю стоит рассудить самостоятельно.
Героиня идёт весь фильм с подозрением в сердце и даже после титров, зритель задаётся вопросом:"Так он убийца или нет?" — тогда как вариант Хичкока предполагал односложный ответ на этот вопрос. Героиня Фонтейн пишет письмо, где она говорит о своём подозрении по поводу того, что её муж хочет её отравить и тогда входит Кэри Грант со стаканом молока, после которого она умирает, но её просьбу отправить письмо он всё-таки выполняет. Последний кадр: Кэри Грант кидает письмо в почтовый ящик и оно, как понимает зритель, компрометирует убийцу. В таком случае нет сомнения, что он причастен к её смерти и как таковой тайны нет. А есть ещё более эмоциональный вариант, какой описан в книге, по которой вообще-то снят фильм. Она точно знает, что молоко, которое принёс ей муж отравлено, но всё равно его выпивает, потому что любит его. Эта разница трактовок и путей, по которому мог бы пойти сюжет, кажется, интереснее, чем сам фильм. Однако и при таком раскладе какой есть, баланс между триллером и мелодрамой тут идеален. Музыка устраивает зрителю эмоциональные качели каждый раз, когда героиня Фонтейн подозревает мужа. Этот лейтмотив и получил свою заслуженную номинацию.

В итоге продюсерское кино, коим всегда был Голливуд этой эпохи, взяло вверх и концовка была изменена, но хичкоковский дух остался. Это особенно прослеживается в сцене, когда Кэри Грант несёт стакан молока в абсолютной темноте, поднимаясь по лестнице и он буквально светится, приковывая своей таинственностью, когда по факту, Хичкок просто поместил туда внутрь лампочку. Саспенс некуда не делся, а с продюсерской руки даже усилился и не оставлял зрителей после выхода из кинотеатра, тогда как Хичкок хотел сделать законченную историю.
В любом случае и при любом раскладе, это очередная хичкоковская классика.

15. Цветы в Пыли.

Режиссёр: Мервин ЛеРой. 1941. США.

Три номинации: Лучший фильм, Лучшая женская роль, Лучший оператор (цвет).
Одна победа за Лучшего художника-постановщика (цвет).

Единственный цветной фильм в главной категории.
Самое ценное здесь также то, что это биографический фильм, который рассказывает историю Эдны Глэнди, которая по сути создала приюты для сирот и начала кампанию по исключению слова «незаконнорождённый» из свидетельств о рождении в противовес осуждению со стороны общественности.

Это ладный биографический фильм, напоминающее советское малокартинье, но в роскошной голливудской рамочке. Цвет этой картине подходит идеально. Увы, сценарий слишком долго оттягивает момент кульминации и желание Глэнди, которую играет тут Грир Гарсон, создать полноценный приют для детей. А ведь это ключевое событие в жизни реально существующей женщины. Вместо этого, буквально полфильма методично и последовательно рассказывают про её быт и личную жизнь, подразумевая, что мы должны проникнуться этим персонажем, который больше не может иметь детей и при этом теряет нынешнего. Кажется, вот она серьёзная мотивация в создании соответствующего учреждения, но всё сделано в режиме увертюры, чтобы наконец распахнуть занавес и рассказать драматическую историю, которая безусловно действует во второй половине фильма, когда мы видим, как Грир Гарсон отдаёт ребёнка новым родителям и расстаётся с каждым будто с родным.

Гениальная и мощнейшая сцена, которая стоит весь фильм, заключается в суде над хозяйкой приюта. Отец ребёнка, от которого он отказался, хочет узнать в какой среде проживает его дитя, чтобы убедиться, что с ним всё в порядке. Но согласно правилам конфиденциальности, он имеет право это знать только в том случае, если есть сомнения, касательно благосостояния новой семьи. Судья предупреждает хозяйку приюта, что если она не скажет, то придётся посадить её на несколько суток из-за неуважения к суду, и она готова на это. Тогда судья говорит, что недостаточно квалифицирован, чтобы вести это дело и просит своей замены. Тут же зритель понимает, что судья и есть тот, кто усыновил ребёнка из приюта, а Эдна Глэнди его не выдала, исходя из своих непоколебимых принципов. И дальше фильм блистает в своей драматичности, где тут и там есть места, которые отводится зрителю, чтобы поплакать, порассуждать о моральных ценностях, переживать и всё-таки стать чуточку гуманней и лучше.

16. Сержант Йорк.

Режиссёр: Говард Хоукс. 1941. США.

Девять номинаций: Лучший фильм, Лучшая мужская роль второго плана, Лучшая женская роль второго плана, Лучший режиссер, Лучший оригинальный сценарий, Лучшая работа оператора (ч/б), Лучшая работа художника (ч/б) Лучший звук, Лучшая музыка к драматическому фильму.
Две победы: Лучшая мужская роль, Лучший монтаж.

Как 1934 год был годом Клодетт Кольбер, когда три фильма с её участие были номинированы в главной категории, так теперь 1941 это год Гэри Купера. Он снялся в абсолютно трёх разных фильмах в один год и все три заскочили в номинации на Оскар.

Это самый титулованный фильм Говарда Хоукса по количеству номинаций. Именно за него бывалый режиссёр таки-получил режиссёрскую. Первую и последнюю за всю карьеру и то проигрышную.

Фильм рассказывает о герое Первой Мировой Войны Элвине С. Йорке, который в одиночку взял в плен во время боя 132 немецких солдата. Надо ли говорить, сколько таких молодых людей посмотрело фильм и они захотели после этого быть похожими на сержанта Йорка. Они шли из кинотеатров прямиков в военкоматы. Вдвойне подкупало то, что это был абсолютно реальный человек. Гэри Купера, который не принимал участия во Второй Мировой Войне из-за возраста, считал, что свой вклад в общую победу всё-таки сделал, снявшись в этом фильме, который частенько крутили во время всей Второй Мировой. И это при том, что сам подвиг и в принципе военная тематика заявились почти под конец фильма.

Фильм был гармоничен в своей правдивости, потому что консультантом был сам Элвин Йорк. Его уговаривали снять о нём фильм ещё в 1919 году прямо во время победного парада, но солдат был слишком скромен и не желал, чтобы его жизнь экранизировали. Только в конце 30-х удалось его уговорить с двумя условиями: его сыграет Гэри Купер, а часть выручки с билетов пойдёт на благотворительность. Он не просился быть консультантом, но продюсеры всё равно его пригласили и тот уже в свою очередь настаивал на максимальной исторической точности, уступая только в некоторых личных деталях.

Возможно, это слишком уж явный пропагандистский фильм или, лучше сказать, ура-патриотический, но сержант Йорк не самый худший вариант для правильного воодушевления нации. В один из съёмочных дней кто-то на площадке поинтересовался у Йорка, сколько же всего немцев он убил. Ветеран начал рыдать навзрыд до такой степени, что его даже стошнило. Тому, кто задал вопрос грозило увольнение, но Йорк потребовал, чтобы студия этого не делала. В фильме также показана замечательная сцена стрельбы, где Йорк демонстрирует военным потрясающую меткость, будучи самоучкой. В этот момент персонаж располагает к себе, потому что являлся превосходным снайпером, но отказывался убивать из религиозных соображений.

"Я верю в Библию. Я верю, что жизнь даётся самим Господом Богом. Я думаю, что мы не можем убивать людей... Вот, во что я верю".

И тогда старший по званию показывает другую книгу — конституцию Соединённых Штатов. Он указывает на то, что иногда приходится взяться за ружьё, чтобы спасти не только себя, но и своих близких.

"Общество защищает человека, а человек защищает общество."

В этот момент слово Божье уступает слову закона в сердце Йорка и он выходит на поле боя с заряженной винтовкой. Этот излишне патриотический флёр хорошо действует на углубление персонажа. Каждое решение, будь то взятие кредита или отправка на войну, ему даётся нелегко. Это очеловечивает и без того реального человека, за которым пошло новое поколение молодых людей, и они, наверняка, перед выстрелом, смачивали мушку винтовки, как это делал Йорк.

Самый кассовый фильм 1941 года.

17. Маленькие Лисички.

Режиссёр: Уилльям Уайлер. 1941. США.

Девять номинаций без победы: Лучший фильм, Лучшая женская роль, Лучшая женская роль второго плана, Лучшая женская роль второго плана, Лучший режиссёр, Лучший адаптированный сценарий, Лучшая работа художника (ч/б), Лучший монтаж, Лучшая музыка к драматическому фильму.

Таким образом, это оскаровский антирекорд: девять номинаций и ни одной победы! До этого антирекорд принадлежал тому же Уайлеру с фильмом "Письмо" (семь номинаций без победы). Фильмы Уайлера этого периода так и можно охарактеризовать. Слаженные и профессиональные, но не лучшие в году. Его новый фильм "Лисички" стал шестым фильмом подряд, получившим номинацию на премию за лучший фильм, но не выигравшим её. Предыдущими пятью фильмами были "Додсворт" (1936), "Тупик" (1937), "Иезавель" (1938), "Грозовой перевал" (1939) и "Письмо" (1940). Это также была четвёртая номинация Уайлера на премию Оскар за лучшую режиссуру за шесть лет без победы.

Но это не отменяет того, что это умное кино, своим названием отсылающее к песням Соломона:

"Подайте нам лис, маленьких лисичек, что портят нашу лозу:
Потому что без них, она даст лучший урожай винограда"

В каком-то смысле, Уайлер и Дэвис как маленькие лисички постоянно цапались между собой по поводу всего, что касалось фильма и её персонажа в частности.

"Я была на грани нервного срыва из-за того, что мой любимый и самый уважаемый режиссёр боролся со мной на каждом шагу..."

Сложно сказать насколько это помогало фильму, ведь по сути настроение в нём между всеми персонажами были схожи. Аристократы борются за ещё большие деньги, чем имеют, и каждый друг друга стоит. Образ Бетт Дэвис, невзирая на скандалы и споры, был внешне шикарен, но Уайлер по-режиссёрски распределил внимание на всех актёров, а их тут предостаточно, и каждому уделено существенно времени. И не только персонажам. Уилльяму Уайлеру хватает сил рассредоточиться на все департаменты. Будь то шикарное мизансценическое заполнение актёров в декорациях или решение, где и как установить камеру, чтобы показать болезненность одного персонажа и отстранённость другого. Он был в самом первозданном смысле этого слова режиссёром, который не ограничивался услугой постановщика. И хотя почти все его фильмы лишены визуальных изысков, скажем, в стиле Рейнхардта, продюсерской жилки Тальберга, или сценарной изощрённости Капры, он целиком и полностью посвящает себя фильму, доверившись желанию рассказать историю про людей, которые заставляют разочароваться в людях. Единственный положительный персонаж в фильме находится при смерти, а его кончина сопровождается бездействием, хотя героиня Бетт Дэвис видит, что он нуждается в лекарстве, но всё равно ничего не делает. И безусловно, это самая сильная сцена в фильме.

Несмотря на похвалу критиков и такое количество номинаций, в числе которых за Лучшую актрису для Бэтт Дэвис, последняя больше не стала сниматься у Уайлера, хотя вместе работали в трёх фильмах, включая этот. В любом случае, творческий конфликт намного лучше, чем любой другой, ведь это означает, что они безумно горели идеей снять хороший фильм.
В итоге мы все его и получили.

18. Мальтийский Сокол.

Режиссёр: Джон Хьюстон. 1941. США.

Три номинации без победы: Лучший фильм, Лучший актёр второго плана, Лучший адаптированный сценарий.

Нуар уже заглядывал на Оскар, если, конечно, фильмы до 40-х можно относить к этому феномену. Самый близкий к этому "Ангелы с грязными лицами" Кёртиса. "Осведомитель" Джона Форда также имеет все необходимые черты для этой стилистики. Даже "Тонкий Человек" Ван Дайка имеет соответствующие отголоски, хотя и разбавляется не свойственной нуару комедией. Но именно "Мальтийский Сокол" открыл взор Голливуду на таинственную атмосферу, мрачных детективов и роковых женщин, не то заказчиц, не то заказанных кем-то. Победа Мэри Астор за фильм "Великая Ложь", наверняка также обязана и этому фильму, ведь она здесь играет культовую, ту самую женщину в беде. Фильм получился интересным ещё по той причине, что он снят по книге, которую написал Дэшил Хэммет, бывший частный детектив. Он хотел сделать персонажа Спейда таким, каким видел в идеале себя и других сыщиков, но таковыми не являлись. Идеал брутальности и остроумия, которому бросают соответствующий такому герою вызов. Да сами диалоги в отрыве от фильма многослойны и прекрасны. Мальтийский Сокол — главный макгаффин фильма, за которым охотятся все персонажи и поэтому фраза сыщика о том, что "статуэтка сделана из того же, из чего сделаны мечты", звучит философски и выдвигает фильм уже на какой-то совершенно другой уровень.

И это уму непостижимо, но это был режиссёрский дебют Джона Хьюстона. Первый фильм и культовый зачинщик нового жанра, ставшего доминирующим наравне с военными фильмами в 40-е годы! Стоит также отметить то, как он снимал. Почти все сцены игрались подряд, чтобы помочь актёрам и самому быть структурированным в создании фильма. У него была и хорошая чуйка в плане кастинга. Театральный актёр Сидни Гринстрит ранее не снимался в фильмах, но Хьюстону казалось, что это идеальная кандидатура для роли одного из антагонистов. Итогом этого выбора, стала номинация на Лучшую мужскую роль второго плана для Гринстрита. Хьюстон заранее спланировал весь свой план съёмок и желал двигаться по миллиметру сценария, сверяясь с книгой, чтобы адаптация была безупречна. Он умудрился снять в рамках очень скромного бюджета в районе 300-400 тысяч долларов, пригласив при этом Хамфри Богарта на главную роль. Актёр уже был хедлайнером нескольких фильмов до этого, но "Мальтийский Сокол" сделал его звездой на все времена. Каноничный нуаровский сыщик. И, возможно, главная загадка всех его детективов — это он сам с его вечной тоской по ту сторону печального взгляда. Это новый архетип, узнаваемый даже тогда, когда никто не видел оригинал.

Поэтому отсутствие актёрской номинации, да и режиссёрской, пожалуй, одно из главных упущений Академии. Если игнорирование Хамфри Богарта ещё можно понять из-за недальновидности (ну, кто же знал, что это будет настолько культовым образом по стечению времени), то режиссёрское пренебрежение не поддаётся объяснению. Начиная от семиминутного плана, заканчивая работу со сценарием — это первоклассная режиссура, особенно если помнить, что это дебют.
И это могло бы быть даже главной оскаровской ошибкой, если бы только не другой великий дебют...

19. Гражданин Кейн.

Режиссёр: Орсон Уэллс. 1941. США.

Восемь номинаций: Лучший фильм, Лучшая мужская роль, Лучший режиссёр, Лучшая работа оператора (ч/б), Лучшая работа художника-постановщика (ч/б), Лучший звук, Лучший монтаж, Лучшая музыка к драматическому фильму.
Одна победа за Лучший оригинальный сценарий.

Да, дебют и лучший фильм на свете, согласно тонне изданий и опросов среди кинокритиков и представителей киноиндустрии. "Величайший, из когда-либо снятых", "Лучший фильм всех времён и народов", "шедевр кинематографа"... Сенсационный фильм принёс лично Орсону Уэллсу номинации на режиссуру, сценарий, продюсирование и актёрскую игру. Предвосхитив успех Чаплина за "Великого Диктатора".

Это сорт тех фильмов, когда можно брать каждый кадр и изучать его, что, собственно, и делают во всех киношколах мира. Это режиссёрский идеал, созданный человеком, который очень хотел снять фильм и делал это впервые. Поэтому, вероятно, и получился инновационный шедевр.

Даже если выделять что-то одно, это всё равно будет безупречным достижением высоких художественных требований, которые бы соответствовали эпитету "гениально".
Операторская работа, пожалуй, самое значимое, что здесь есть, хотя мыслить этими категориями в рамках этого фильма просто кощунство. Опять-таки, любой кадр: будь то сцена аплодисментов в театре, где в темноте сверкают алчные глаза, нежелающие сдаваться. Искажённый взгляд безжизненной камеры в отражении разбитого шара. Вещи Кейна тесно прижатые друг к другу и им нет конца, напоминают американский мегаполис, над которым навис магнат, будто над собственной империей. Съёмка глубоким фокусом, чтобы люди на первом плане и на дальнем, были одинаково видны. Поместить камеру ниже пола и снимать с неожиданного ракурса. Работа с дымом и светом в театральной манере. Камера здесь отдельный персонаж, который исследует жизнь газетного магната. Можно сказать, это и есть зритель, который представляет его жизнь со слов других людей.

Монтаж, который держит внимание зрителя, перескакивая то с флешфорварда, снятого в стиле интервью, то на флешбек, скача по временным отрезкам, добавляя фильму элемент детектива. Такая псевдодокументалистика и в принципе умелое использование флешбеков, ныне является классическим, хотя в '41-ом считалось новаторским. Для того чтобы придать выпуску новостей зернистый потрёпанный вид, монтажер протащил плёнку с отснятым материалам по каменному полу и марле, наполненной песком. Эффект удался настолько, что некоторые кинотеатры потребовали замену копии фильма, не выкупив задумку.

Работу со звуком он заимствовал из радиоспеткалей, когда нет видеоряда и приходилось делать упор именно на том, что слышит зритель и в итоге видит у себя в голове, если работа удалась. Хлопки в зале, падение шара, речь в конце концов — всё это создавалось таким образом, что не надо было даже смотреть на экран. Зритель и так бы всё понял.

Грим! Если бы была номинация на грим, то в ней выиграл бы фильм Уэллса, а в идеальном мире, "Гражданин Кейн" должен был сподвигнуть академиков в появлении этой номинации. Состарить 25-летнего Уэллса так, чтобы это смотрелось органично, заслуживает даже почётного Оскара, а не конкурсного.

Декорации, коих было свыше сотни, усложнялись по мере обогащения Кейна. Греческие или готические статуи, коридор из зеркал, в которых постаревший Кейн видел только бесконечное одиночество. Самая прелесть всех декораций в том, что они выглядели дороже, чем есть на самом деле. В этом заключался и успех Уэллса, который знал с какого ракурса и как их снимать.

Музыка. Здесь Орсон Уэллс почти не вмешивался в созидание композитора Бернарда Херрмана, но именно Уэллс создал для него идеальные условия. Именно он настоял, чтобы дебютанту заплатили столько же, сколько именитому Максу Штайнеру и всегда говорил, что 50% успеха фильма обязано Бернарду Херрману, ведь его музыка также отдельно могла рассказать историю Кейна.

Продюсирование. Вклад студии RKO заключается только в том, что именно она предложила сменить название "Американец" на "Гражданин Кейн". И на этом, пожалуй, всё. Орсон Уэллс полностью подчинил себе создание фильма. Каждый департамент был под контролем. Уэллсу было разрешено писать сценарий без студийных правок, выбирать свой собственный актёрский состав и всю съёмочную группу, а самое главное: иметь право на окончательный монтаж. Предоставление права на финальную версию фильма было беспрецедентным для студии, поскольку ставило художественные соображения выше финансовой окупаемости. Другого пути назад не было. Если бы Уэллс облажался, это была бы только его вина и свалить всё на коварных, бесчувственных боссов студии просто не получилось бы. Весь Голливуд особенно пресса, потирала руки, склонив их над печатным машинками в ожидании, когда же молодой человек, проживший всего лишь четверть века на этом свете, наконец, провалится в пропасть, из которой ни одна студия не подаст новый контракт или руку помощи до конца его дней.
Множество актёров впервые оказалось в кадре. Половина из них выходцы из его театральной труппы. Он репетировал каждую сцену перед съёмками, что также было редчайшей практикой для Голливуда.
В нём была и жилка Ирвинга Тальберга, который имел свойство продвигать фильм, пока он ещё снимался. Уэллс пригласил избранных журналистов на съёмочный день, заверив, что опережает график съёмок и всё идёт идеально, что вполне себе соответствует истине, если не считать то, что он начал снимать раньше запланированного первого дня съёмок без ведома студии.

Только что прибывший в Голливуд юнец сделал гениальную вещь: он создал трейлер своего фильма, который ныне больше напоминает то, что сейчас зовётся тизером: рекламный ролик фильма, который не раскрывает сути сюжета и не показывает главные и вкусные кадры, но всё равно заинтересовывает зрителей. Разумеется, его также придумал и срежиссировал Уэллс. Не показав ни единого кадра из фильма, он снят в псевдодокументальной манере, что естественно и иронично, ведь это квазибиографический фильм, где Уэллс даже не появляется в кадре.

И, конечно, сценарий...

"Я хотел снять фильм, который был бы не столько повествованием о событиях, сколько исследованием характера. Для этого мне нужен был многогранный персонаж. Я хотел показать, что у шести или более человек может быть столько же совершенно разных мнений о природе одной личности..."

Это эффект "Расёмона" до Куросавы, ведь ненадёжных рассказчиков тут тьма.

Уэллс и Манкевич, с которым он писал сценарий совместно, переворачивают жанр байопика!

"Было много фильмов и романов, строго следующих формуле «истории успеха». Я хотел сделать что-то совершенно другое. Я хотел создать картину, которую можно было бы назвать «историей неудачи»"

Это своего рода "Великий Зигфельд" только мрачнее и утопичнее. Зигфельд думал о том, какой след он оставит в этом мире, тогда как Кейн оставлял их за собой вновь и вновь, присваивая каждый ещё и ещё. Зигфельд думал о вечном, а Кейн о настоящем. В его персонаже прослеживался диктатор и монополист, не знающий меры в своих амбициях, которые помножились на бесконечные силуэты одинокого и немощного старика в отражениях зеркал. Он умер в окружении собственного тщеславия, которое возненавидел под конец жизни.
"Гражданин Кейн" был символом изоляции, коей гордилась Америка, и от которой она отказалась после вовлечения во Вторую Мировую Войну.

"Могу поручиться — войны не будет"

Говорит Кейн репортёру. И это показывает парадокс отстранённости или наплевательского отношения, казалось бы, представителя СМИ. А, может, безразличия в тот момент, когда всё находится на расстоянии вытянутой руки, что очень удобно для собственника, пускай это и не заполняет пустоту в душе.
"Розовый Бутон", к которому неустанно и безуспешно возвращается в своих мыслях сам Кейн недосягаем. Чистая, детская форма счастья заключалась в простой вещи и хотя сейчас он может купить что угодно, это не приносит того чувства, которое ушло и никогда не вернётся.

"Если бы я не был так богат, то стал бы великим человеком".

Даже если Орсона Уэллса нельзя назвать новатором и все вышеупомянутые приёмы можно отнести к заимствованиям у Джона Форда, Хичкока, Хоукса, Гриффита, Тальберга, всего немецкого экспрессионизма, Штрогейма, Эйзенштейна и даже братьев Люмьер, то с уверенностью можно сказать, что "Гражданин Кейн" совместил в себе всё, что было до него и нерукотворно соединил эту мозаику разных техник в один фильм максимально эффектно, профессионально и великолепно. Так сделал однажды Шекспир в литературе, а затем Моцарт в музыке. Тоже самое сделал и Дэвид Уорк Гриффит в середине 10-х годов, теперь же его сместил более молодой режиссёр, на что Гриффит говорил в интервью:

"Мне нравится "Гражданин Кейн", особенно те приёмы, которые он взял у меня..."

Творение Уэллса — лучшее модернистское произведение на свете именно из-за квинтэссенция всего, что было до него.

Почему же такой фильм не выиграл Оскар?

Возможно, сыграло то, что Уэллс был слишком молод. Сложно даже вообразить, что на момент съёмок ему было 25 лет. Стоит также учесть, что гражданин Кейн, конечно, вымышленный персонаж, но прототип-то у него есть. И хотя это был собирательный образ, газетный магнат Уилльям Хёрст создал целую кампанию по бойкоту этого фильма в СМИ и кинотеатрах. Его медиаимперия бросила все силы, чтобы о фильме не узнал никто. Забавно, что если бы антиреклама не пустилась в ход, то мало бы кто подумал о параллелях... Однако, эта нарцисская гнусность увенчалась успехом и "Гражданин Кейн" провалился в прокате. Не с треском, но отсутствие прибыли не очень хорошо для начинающего режиссёра. Конечно, после войны он себя окупил, в том числе и в Европе, но успех был, к сожалению, запоздалый.
А может, ко всему прочему, оттолкнул тоталитарный мотив, в котором Гитлера и Кейна связали воедино. Собственник-изоляционист. Явно не тот образ хотелось воспеть в военное время. Но это и не отменяет того, что выбор Лучшего фильма не в пользу "Кейна", относят к, возможно, самому жирному промаху Академии за всю её историю.

Когда у Уэллса спросили, что помогло ему в создании нового киноязыка, 25-летний дебютант ответил:

"Невежество, невежество, невежество..."

Но в одном можно быть уверенным точно: весь мир навсегда запомнил это имя, вымышленного человека, который существует до сих пор во многих подобных людях.

"Я — Чарльз Фостер Кейн"

20. Как зелена была моя долина.

Режиссёр: Джон Форд. 1941. США.

Пять номинаций: Лучшая женская роль второго плана, Лучший адаптированный сценарий, Лучший звук, Лучший монтаж, Лучший саундтрек к драматическому фильму.
Пять побед: Лучший фильм, Лучшая мужская роль второго плана, Лучший режиссер, Лучшая работа оператора (ч/б), Лучшая работа художника (ч/б).

И вот он фильм, который запомнили в истории кино исключительно по той причине, что он победил "Гражданина Кейна" в категории Лучший фильм года.

Но это не значит, что у фильма нет других достоинств, о которых сперва стоит упомянуть!

Фильм занял четвёртое место в списке самых кассовых фильмов года. Драма о рабочем классе с коммунистическим оттенком, про семью шахтёров и как она меняется на протяжении жизни.
Первое, что бросается в глаза это панорама Уэльса. Только вот замечательная "натурная съёмка" с рядом домов, поднимающихся по склону к шахте, была частью съёмочной площадки, построенной в Южной Калифорнии. Сооружение шахтёрской деревни обошлось в $110 000. Оскар художнику-постановщику этой картины даётся даже не глядя на "Гражданина Кейна" и любого другого соискателя. Статуэтку в этой области здесь нужно дать дважды, потому что как Орсон Уэллс работал с Манкевичем над сценарием, так Джон Форд идеально влился в концепцию художника-постановщика. Чтобы создать впечатление, что всё вокруг покрыто угольной пылью, Джон Форд распорядился выкрасить всё в чёрный цвет и это придало соответствующего колорита особенно на черно-белой плёнке. И, да, Джон Форд получил режиссёрскую статуэтку в третий раз (он стал вторым наравне с Капрой) и первый, кто получил её подряд. Год назад он заработал Оскар за "Гроздья Гнева". Он также распорядился, чтобы аутентичность Уэльса была наполнена соответствующей уэльской народной музыкой, которую исполняли настоящие валлийские певцы. И это также отлично сказывалось на атмосфере фильма.

Актёрский состав фильма "Как зелена была моя долина", также на порядок органичнее (не считая самого Орсона Уэллса, на котором держится всё его детище), хотя бы по той причине, что они не впервые снимаются перед камерой. Дональд Крисп, взявший Оскар за Лучшую второстепенную роль, кинематографический ветеран и реально служивший солдат. На церемонию Оскар он пришёл в военной форме. Он снимался ещё в фильме "Рождение Нации" 1915 года у Гриффита. Здесь в принципе нет главных героев, а история рассказана сыном, который вырос и видел эту зелёную долину ещё ребёнком. Однако правильно, что академики выделили именно персонажа Дональда Криспа, ведь он душа и символ этого фильма.

Проигрыш "Гражданина Кейна" показывает, как Академия акцентируется на сиюминутной необходимости проголосовать за то, что отзывается в их душе здесь и сейчас. Едва ли кто-то думал о миссии увековечить фильм, зная заранее, что это будет не только американской, но и мировой классикой. Самый главный здесь судья — это время, а не несколько тысяч человек. Академики, часть из которых застало мирное время до Первой Мировой, и не знавшее Гражданскую Войну, ностальгировали по времени, когда увидеть на дороге машину, было событием года, а слухи о войне оставались только слухами. Этот выбор в пользу фильма, чётко давал понять возраст академиков, но при этом и отзывался тревогой у всей нации, когда фильм с самого начала открывается фразой:

"И я уезжаю из своей долины. И на этот раз я никогда не вернусь".

Сколько людей ушло на войну с такой мыслью, собирая пожитки в платок, в котором мама ходила на рынок? А сколько пожилых людей смахнуло слезу, когда они услышали фразу об отце, который всему научил главного героя и все его слова удивительным образом оказывались правдой. Кто не захотел во время просмотра вернуться в то время, когда все рабочие шли из шахты и пели в унисон песню, становясь единым целым. Дома их ждали любимые женщины и горячий ужин, за которым непременно глава семейства прочтёт молитву, а после благостная тишина.

"Мы не разговаривали за столом. Никогда не встречал человека, чьи разговоры были бы лучше еды".

Но это и не означает, что фильм был носовым платком для зрителя. Он мог быть смелым высказыванием и в момент того же застолья, когда сыновья требуют забастовки из-за несправедливости, а глава семейства против.

"Мы не оспариваем твоё старшинство, папа, но если традиции мешают нам говорить правду, то они нам не нужны".

И это тоже работает на ностальгию. Кто из людей не злился или не шёл против слова отца? И всё равно этот вызов не отменяет любви к человеку, который остаётся с тобой даже после смерти. А эта мысль фильма слишком уж явно шла в параллель с убитыми на войне, где каждый солдат был таким вот человеком. "Гражданин Кейн" был про самоуничтожение и эгоцентричность, а "Зелена была моя долина" про благодарность и единство. Очевидно, что эти ностальгические и консервативные мотивы появились не с пустого места. Возможно, наличие фильма "Один шаг в раю" без других номинаций, кроме как на Лучший фильм, также появился из потребности в тоске о былом и надежде на лучшее. При этом фильм не теряет поэтики, ведь фраза "я покидаю зелёную долину", означала повзрослеть. Покинуть край детства, где всё казалось таким зелёным, а жизнь вечной.

Изначально компания Fox планировала, что фильм будет четырёхчасовой эпопеей в цвете, вероятно, такую идею навеял суперпопулярные "Унесённые ветром", но из-за войны это стало невозможным. И скорее всего к лучшему, потому что только провинциальная камерность фильма не позволяет стать ему американским эпосом, но он всё равно является эпичным по своему душевному размаху.

"Я оставляю позади свои пятьдесят лет воспоминаний. Память... Все мои друзья мертвы, а я всё равно слышу их голоса..."

Полвека ничто для человечества и целая жизнь для одного человека. И тем досаднее, что в рамках одной жизни, она застала сразу две войны. Тот же Дональд Крисп, побывавший на Первой Мировой, был в резерве во время Второй и дослужился до звания полковника. И каждый перед посадкой в самолёт или на военный корабль думал про себя, как же зелена была его долина, когда не было войны.

Итоги: ...

В категории Лучший анимационный фильм с Диснеем соревновались Том и Джерри ("Ночь перед Рождеством") и Багз Банни ("Гайавата охотится на кролика"). Впервые на Оскаре появился фильм по комиксам в этой же категории — "Супермен".
Впервые русский фильм был номинирован на Оскар! За год до победы советского документального фильма "Разгром немецких войск под Москвой", была номинация в короткометражной категории с фильмом "Русская Земля". Нет на просторах Интернета. Победил канадский "Остров Черчилля". Лучшая операторская работа (цвет) досталась картине "Кровь и Песок". Вместе с фильмом "Цветы в Пыли" она и конкурировала на равных в цветных категориях, разделив награды за художника и оператора между собой. Лучшие спецэффекты достались картине "Мне нужны крылья". И следует привыкнуть, что 40-е будут набиты фильмами подобного жанра плотником...

_________________________

Вуди Аллен негодует...

Какой фильм должен был всё-таки стать лучшим? Пишите в комментариях и если Вы хоть немного Чарльз Фостер Кейн, то оставляйте гражданские лайки.
Всем добра и здоровья! Не забудьте подписаться!