Реализм бывает самый разный, этот стиль очень неоднороден и даже не всегда выглядит «реалистично». В подборке – три примера реалистической живописи, в которой автор говорит о том, что для него крайне важно и составляет предмет ежедневных размышлений и основу жизненной стратегии.
Клаудио Браво (Claudio Bravo). 1936, Вальпараисо, Чили – 2011, Тароудан, Марокко. С 11 до 20 лет обучался искусству в студии Мигеля Венегаса Сифуентеса в Сантьяго, что стало единственным его художественным образованием. В 1954-м провел свою первую персональную выставку в Сантьяго. В 1957-м перебрался в Мадрид, где успешно работал как портретист. В 1968-м работал на Филиппинах по приглашению президента страны. С 1972-го жил и работал в Марокко. Приобрел известность как автор натюрмортов и портретов в гиперреалистическом стиле. Занимался рисунком, литографией, гравюрой и скульптурой.
«Упоминание фотографии меня бесит, ведь я никогда не списывал с фотографии. Я испытал влияние многих художников, не только великих мастеров. Я и моя живопись исколесили всю историю искусства» – Клаудио Браво.
Картина «Мадонна» построена по традиционной схеме sacra conversazione, означающей изображение двух или более святых, которые стоят по сторонам от сидящей на троне Богоматери. В целом следуя правилам строения алтарной картины, соответствующей образцам итальянского искусства XIII–XIV века, художник вносит в нее принципиальные изменения, располагая младенца Иисуса не на руках, а на постаменте у ног Марии. Слева стоят святые Себастьян и Франциск, справа – Агата и Лючия. В соответствии с католической иконографией, святой Себастьян изображен пронзенный стрелами, святой Франциск – молящимся и со следами стигматов, сицилианская мученица святая Агата – подносящей Богоматери на серебряной посвятительной тарелке знак своего мученичества, Святая Лючия – с веткой смоковницы, на листьях которой проявились изображения глаз, выколотых язычниками.
Однако техника живописи и система видения художника меняют смысл композиции. Предельно реалистическое изображение, обманчиво-идеальные лица и тела, подробно выписанная фактура складок материи и рельефа почвы – все это выхолащивает сюжет, изгоняет из него эмоциональное наполнение, приближая сакральную композицию к обложке глянцевого журнала. Святые и мученики выглядят профессиональными моделями, умело позирующими для рекламной фотосессии. Это выразительное доказательство того, что у любого стиля живописи есть свои сильные и слабые стороны. Даже стиль, культивирующий натуралистическую передачу формы, отступает перед одним из сюжетов, которые не случайно называются вечными.
Рудольф Хаузнер (Rudolf Hausner). 1914, Вена, Австрия – 1995, Мёдлинг под Веной. Учился живописи и графике в венской Академии изобразительных искусств у профессоров Фарингера и Штерера. В начале своей художественной деятельности он оказался жертвой злополучной выставки «Дегенеративное искусство» 1938 и ему официально запретили заниматься творчеством. В 1937-м был призван в Австрийские федеральные вооруженные силы, в 1941-м отправлен на военную службу в войска немецкого Вермахта, через два года был признан непригодным к дальнейшей службе на фронте и направлен техническим рисовальщиком на военное производство. После возвращения с войны в студию, поврежденную бомбежками, Хаузнер твердо осознал, что снова хочет заниматься искусством и в 1946-м вступил в группу сюрреалистов в австрийском Арт-клубе. В 1959-м была основана Венская школа фантастического реализма – австрийская версия сюрреализма. В том же году прошла первая групповая выставка школы в венском замке Бельведер и затем последовали многочисленные международные выставки. В 1968-м Хаузнер стал профессором в Академиях искусств Вены и Гамбурга.
Рудольф Хаузнер – один из главных представителей Венской школы фантастического реализма, куда входят также Арик Брауер, Эрнст Фукс, Вольфганг Хуттер и Антон Лемден. Художники этой школы придавали особое значение технике Старых мастеров (немецкая и фламандская живопись XV—XVII веков), для которой характерна точность и ясность изображения. Стиль живописи может быть как фигуративным, так и абстрактным, мотивы – фантастически-ирреальные образы, часто граничащие с маньеризмом. Искусство Школы достигло широкой известности посредством больших тиражей печатной графики ее мастеров, а также благодаря многочисленным ученикам и подражателям. Основой картин художников венской школы становились сюжеты, объединяющие религиозный или эзотерический символизм и элементы психоанализа – теории Зигмунда Фрейда, предлагающей объяснение психической жизни человека.
Хаузнер в своих произведениях настаивал на равнозначности сознательного и бессознательного в жизни человека. В течение нескольких десятилетий он создавал целую серию произведений, посвященных Адаму. В картине «Адам в трех лицах» художник обращается к образу первого человека, но наделяет его своими портретными чертами. Это произведение можно интерпретировать как автопортрет художника, который исследует явные и скрытые аспекты своего «Я». Хаузнер изображает три состояния сознания человека. Ребенок символизирует исходную точку – начало жизни. Две другие стадии – стадии сна и бодрствования. Художник настаивает на том, что эти состояния переплетены в жизни человека. В этом Хаузнер следует теории Фрейда и оперирует ключевыми для психоанализа понятиями: бессознательное и сознание. Сон – это сфера бессознательного, где могут проявляться скрытые фантазии, конфликты, страхи. Бодрствование – сфера, когда человек сознает и контролирует свои поступки. Очевидно, что венские сюрреалисты были потеряны как клиенты для психоаналитиков: разбираясь самостоятельно со своими скрытыми проблемами, они затем могли продавать такие аналитические картины, что несомненно, направляет подсознание любого художника в сторону гармонизации.
Дмитрий Дмитриевич Жилинский. 1927, село Волковкa около Сочи – 2015, Москва. В 1951-м окончил художественный институт имени В. И. Сурикова в Москве и преподавал на кафедре рисунка. С 1952-го участвовал во всесоюзных и зарубежных выставках. В 1954-м вступил в члены Союза Художников СССР. В 1979-м избран членом-корреспондентом Академии художеств СССР. В 1995-м избран действительным членом Российской академии художеств. Заслуженный деятель искусств РСФСР – 1983, народный художник России – 1987. Награжден орденом Дружбы народов – 1994, Золотой медалью Российской академии художеств – 2003.
Дмитрий Жилинский всегда был увлечен искусством итальянского Ренессанса и древнерусской иконописью. Он сумел дистанцироваться как от соцреализма, так и от андеграунда и найти собственный запоминающийся язык. Со второй половины 1960-х содержанием его картин стали события семейной жизни, портреты друзей и знакомых, религиозные сюжеты.
«Я крестился, будучи уже профессором. Мне стало стыдно перед верующими людьми, которые относились серьезно к этой теме в моем творчестве. Вместе со мной крестились один мой ученик и его дочка. И я написал распятие» – Дмитрий Жилинский.
Картина «Dios con nosotros» («С нами Бог») была написана в Барселоне. Полотно разделено на главное событие и дополняющие повествовательные сюжеты, что соответствует традициям построении средневековой алтарной картины. Ниже центра композиции у основания креста, где обычно изображается череп Адама, расположена небольшая картина. Это воспроизведение полотна «1937-й год» (1987) написанного Жилинским ранее на тему ареста отца художника, расстрелянного в 1938-м. Распятие показано неожиданно, со спины Христа, но цвета одежд персонажей и расположение их фигур у креста согласуется с традиционной иконографией. В нижней части работы изображены сцены Страстей Христовых, в правом углу в профиль написан портрет матери художника. От конкретного биографического события Жилинский восходит к теме трагедии всего народа, общих страданий и персонального пути к вере.