Джотто ди Бондоне (годы жизни 1266-1337) – фигура поистине знаковая для художественного искусства всего мира. Именно с его «лёгкой руки» произошло изменение плоскостного восприятия, такого характерного для византийской иконописи, на объёмное видение. Он стал основоположником итальянской школы живописи и по праву считается одним из первых художников, начавших использовать новые способы изображения пространства. Этот мастер заложил основы Проторенессанса, а его произведения вдохновили таких известных и талантливых художников более позднего времени, как Леонардо да Винчи, Рафаэль Санти и Микеланджело Буонаротти.
До недавнего времени существовали споры о дате рождения художника и его происхождении. В трудах Джорджо Вазари указано, что он родился в 1276 году в семье крестьянина по имени Бондоне. В другой версии он родился во Флоренции и принадлежал к приходу Церкви Санта-Мария-Новелла, на что указывают некоторые документы этого города той эпохи. По данной истории, его отцом был кузнец. Недавно обнаруженные документы подтверждают дату рождения художника в 1266 году – в городке Веспигниано, сейчас носящем более простое имя Виккьо, что недалеко от Флоренции.
Существует много легенд о том, как он стал художником, но все они были сочинены уже после его смерти и мало походят на реальные истории. Также критике подвергается и рассказ Вазари о том, что Джотто был учеником Чимабуэ. Так как он писал свои «Жизнеописания Наиболее Знаменитых Живописцев, Ваятелей и Зодчих» через триста лет после смерти нашего сегодняшнего персонажа, сложно утверждать, что его слова на 100 % являются правдой. В 1301 году художник приобрёл дом во Флоренции и женился, чему имеются документальные подтверждения. Одними из самых ранних известных произведений мастера считаются фрески Церкви Святого Франциска в Ассизи. Так как там имеется очень большой объём работ, выполненных примерно за два года, невозможно утверждать, что все они принадлежат кисти одного только Джотто. Безусловно, здесь работало несколько мастеров, но целостность замысла и общий стиль исполнения наводят на мысль, что трудились они под руководством мастера и по его личному плану.
Одним из самых известных произведений художника считается Капелла дель Арена в Падуе, ему даже приписывается её создание как архитектору. Точно известно, что под его руководством расписывался неф, а живопись на стенах апсиды относится к его школе и выполнена примерно на 12-15 лет позже. Утверждать о несомненном авторстве Джотто позволяет документальное свидетельство современника событий. Фрески капеллы дают нам понимание того, насколько художник опередил своих современников. Они размещены в точном соответствии с геометрией помещения и уровнем его освещения. Особый талант мастера проявился в использовании композиции и начатков пространственного и перспективного видения.
Считается, что с 1315 по 1318 годы художник находился при папском дворце в Авиньоне, где испытал серьёзное влияние местного стиля живописи. После возвращения он расписал стены Капеллы Перуцци и Капеллы Барди в Церкви Санта-Кроче во Флоренции. Наряду с традиционной живописью аль фреско (по сырой штукатурке) использовалась техника секко (по сухой, предварительно увлажнённой штукатурке). Из-за этого часть красочного слоя плохо сохранилась. В последние годы жизни мастер был придворным художником в Неаполе – при дворе короля Роберта Анжуйского. В 1334 он получил звание главного архитектора Флоренции. Он и его ученики работали над фресками в Капелле Святой Магдалины, ездили в Милан для создания фресок Аццоне-Висконти. Умер Джотто сразу после возвращения из этого города – в 1337 году – в возрасте 70 лет. Творец похоронен на территории Кафедрального Собора Санта-Мария-дель-Фьоре. Из его восьмерых детей двое пошли по стопам отца, но приблизиться к его уровню мастерства они так и не сумели.
1 картина. «Мадонна с Младенцем и Ангелами (Мадонна Оньисанти)»
- Дата создания: примерно 1306-1310 годы
- Размеры: 325 х 204 сантиметра
- Место нахождения: Галерея Уффици (Флоренция, Италия)
Этот большой алтарный образ Джотто, представляющий Богоматерь с Младенцем, которых окружают ангелы и святые («Оньисанти» в переводе с итальянского означает «Все святые»), выполнен в традиции XI-XIII веков. Тогда итальянская живопись находилась под сильным византийским влиянием, но художник внёс нечто совершенно новое в средневековый изобразительный канон.
Мадонна сидит на троне не строго по центру и изображена вполоборота. Её фигуру Джотто выписал так, что она выглядит величественной и объёмной, это подчёркнуто пластичными складками одеяния. Условный золотой задний фон, символизирующий собой небеса, сочетается здесь с глубиной пространства, выраженной при помощи архитектуры трона его ступенек и балдахина. Мастер сосредоточил своё внимание и на эмоциях персонажей, изобразив ангелов и святых благоговейно поднявшими головы и с душевным трепетом смотрящими на Богоматерь с Младенцем.
2 картина. «Поцелуй Иуды (Взятие Христа под Стражу)»
- Дата создания: 1305 год
- Размеры: 200 х 185 сантиметров
- Место нахождения: Капелла Скровеньи (Падуя, Италия)
Эта фреска считается одним из лучших произведений в творческой карьере Джотто. В ней он проявился не только как талантливейший художник, но и как новатор, который изменил статичное и лишённое эмоциональности искусство, привнеся в него пространство, объём и экспрессию. Для создания фрески использовался хрестоматийный библейский сюжет, до Джотто уже довольно часто встречавшийся в искусстве, особенно монументальном. Это момент осуществления предательства Иуды. По Библии, один из учеников Иисуса Христа – его апостол – предал его за тридцать серебряных монет. Для того чтобы стражи смогли схватить Иисуса, Иуда должен был выделить его из толпы сторонников, подойдя к нему после Тайной Вечери и обняв Учителя.
Работа «Поцелуй Иуды (Взятие Христа под Стражу)» – это изображение крайней степени падения человека, символ непосредственного столкновения добра и зла. Мирный проповедник Христос жестоко предан своим же любимым учеником, и не из идеологических разногласий, а всего лишь за жалкие деньги. Фреска представляет собой многофигурную композицию, оформленную в очень красивой, сияющей цветовой гамме. На тёмно-синем фоне в весьма живых позах размещены три группы людей. В центре – сам Христос и вероломный Иуда, с одной стороны – наступающие стеной стражники и первосвященник, а с другой – апостолы и в гневе замахнувшийся ножом на предателя святой Пётр. По Библии, он был рыбаком, и всегда носил при себе нож. На фреске только он и Иисус выделены золотыми нимбами.
Впервые у Джотто фигуры библейских персонажей обрели не стандартные лики, а узнаваемые, характерные и живые лица. Христос – светловолосый и привлекательный молодой мужчина, а Иуда – отвратительный не только своим поступком, но и внешностью, стражники со злобным выражением лиц и взволнованные ученики – всё это совершенно необычно для живописи предыдущих периодов. Фигуры на фреске имеют объём, они уже не висят в воздухе, как на иконах, а складки их одеяний подчёркивают формы тел и движения. В целом всё изображение кажется очень динамичным и выразительным.
3 картина. «Оплакивание Христа»
- Дата создания: 1306 год
- Размеры: 200 х 185 сантиметров
- Место нахождения: Капелла Скровеньи (Падуя, Италия)
А эта фреска входит в цикл росписей Капеллы Скровеньи, которая прославила и сохранила на века имя художника. В свою работу мастер привнёс то, чего так не хватало в живописи предыдущих эпох – живые эмоции. Достаточно взглянуть на фреску, чтобы сразу увидеть её резкое отличие от произведений церковной живописи, выполненных по византийским канонам. Здесь нет никакой статичности и схематичности изображения. Перед нами живые люди, каждый из которых горюет по-разному. Поражает фигура Иисуса Христа – это действительно мёртвое тело, а не те куклы, которые изображались ранее. И дело не в его смертельной бледности, а в том, как художник передал его безжизненность – расслабленные, безвольные руки, запрокинутая голова, вытянутые ноги, отсутствующее выражение лица. И на контрасте – бурные эмоции окружающих его апостолов – откинутые назад в отчаянии руки юного апостола Иоанна – любимого ученика Иисуса; сдержанные переживания Иосифа Аримафейского, выкупившего тело Христа после казни; и Никодима, помогавшего в его погребении.
Художнику удалось передать отчаяние даже изображениями скорбящих женщин, сидящих к зрителям спиной. Хотя они полностью закрыты плащами, их сгорбленные в отчаянии фигуры отражают неподдельные страдания. Собравшиеся вокруг неподвижного тела жёны-мироносицы – это настоящее достижение в искусстве. Они запечатлены в разных, но очень естественных и живых позах, а их одежды обрисовывают складками реальные тела, а не иллюзорные бесплотные модели. У них выразительные и узнаваемые лица, обладающие индивидуальностью, а не отличающиеся иконописной схематичностью. В этой фреске Джотто значительно опередил своё время, внеся в монументальную церковную живопись эмоции, движения, настоящие человеческие переживания. Картины перестали быть стандартными иконами, а стали настоящим отражением реальности – настоящей или выдуманной.
4 картина. «Стигматизация Святого Франциска»
- Дата создания: 1300 год
- Размеры: 314 х 162 сантиметра
- Место нахождения: Музей Лувр (Париж, Франция)
Тема стигматизации святого Франциска Ассизского неоднократно повторялась в произведениях Джотто. По легенде, в праздник Воздвижения Креста Господня святой пылко молился, после чего ему явился огненный шестикрылый серафим, в котором был образ распятого Иисуса Христа. Святой почувствовал священный экстаз вместе с сильной болью в руках, ногах и на теле. Оглядев их, он увидел крупные гвозди, пронзившие его тело, и струйки текущей крови – всё в точности так, как было у распятого Иисуса. По его великому желанию и из-за страстного моления Франциску была дарована милость ощутить страдания, пережитые Иисусом на кресте. Братии он рассказал, что после смерти Господь позволил ему в дату своего ухода из жизни приходить в чистилище и забирать оттуда души своих собратьев и других преданных вере людей.
На картине запечатлён момент получения святым стигматов – символов его глубочайшей веры. Святой Франциск изображён коленопреклонённым, в бедной коричневой рясе своего нищенствующего ордена, подпоясанной простой верёвкой. Серафим, который одновременно является и образом распятого Иисуса, парит над ним. От чудесного явления исходят тончайшие золотые лучи, которые буквально пронзают тело Франциска, порождая на нём стигматы.
За спиной святого находится высокая гора Альверно с несколькими растущими на ней деревьями, а также небольшие каменные кельи его монастыря. Он стоит на коленях на голой скале, а вся композиция построена на диагональных линиях, чтобы придать статичной сцене немного динамики. Поднятые руки Франциска, шестикрылый алый серафим и общая золотистая гамма изображения придают картине торжественности, яркости и праздничности. На созданной для Церкви Святого Франческо в Пизе алтарной иконе с подписью есть изображения двух гербов аристократических семейств, очевидно, заказчиков произведения, и пределла с тремя сценами из жития святого.
5 картина. «Распятие»
- Дата создания: 1330 год
- Размеры: 185 х 200 сантиметров
- Место нахождения: Исторический Музей Страсбурга (Страсбург, Франция)
Эта картина кисти великого мастера в силу своего сюжета более других напоминает нам классическую по стилю изображения икону. Но Джотто, даже в таком, достаточно стандартном типе иконы, удалось привнести динамику и экспрессию. В первую очередь, это нашло отражение в динамичности изображённых на ней фигур. Хотя может показаться, что на картине нет никакого движения, стоит внимательно присмотреться. Эта деревянная доска – как своеобразная моментальная фотография. Она запечатлела на века момент высочайшего накала страстей.
В самом центре композиции – распятый на кресте Иисус Христос. По его бледному, бессильно повисшему на кресте телу становится понятно, что он уже мёртв. Столб в бессильном исступлении горя обнимает стоящая на коленях женщина в красном плаще. Это Мария Магдалина – верная последовательница Христа, позже объявленная женоненавистнической церковью блудницей. Само её положение и жест отражают предельное страдание. Остальные персонажи картины разделены на две части. С одной стороны группа женщин, называемых в Библии жёнами-мироносицами, поддерживают под руки ослабевшую от горя и невероятных страданий Богоматерь. Она бессильно обвисла на их руках, не в силах справиться со своими эмоциями.
Другая часть картины – это верные сторонники Христа – его апостолы. Они стоят тесной толпой, глядя на своего вождя и не веря в его смерть. За обеими группами фигур видны изображения римских всадников, практически зеркально симметричные. С этой же целью вокруг распятого Иисуса изображены порхающие херувимы. Они расположены тоже симметрично, по кругу, что только добавляет картине эффекта движения. Для изображения художник выбрал светлую цветовую гамму с преобладанием красного и золотого цветов. При всей трагичности изображённого момента сия икона выглядит торжественно и монументально.
6 картина. Фрески Капеллы Барди
- Дата создания: 1320-1328 годы
- Размеры: 280 х 450 сантиметров
- Место нахождения: Капелла Барди в Церкви Санта-Кроче (Флоренция, Италия)
Капелла Барди – это небольшая часовня во флорентийской Церкви Санта-Кроче. Фреска, о которой идёт речь, дошла до наших дней не полностью, с небольшими дефектами поверхности, не мешающими, однако, целостному восприятию изображения. На стенах капеллы размещены семь сцен из жития Святого Франциска Ассизского. У них оригинальная форма – очень вытянутые обширные прямоугольники. Для создания изображений использовалась не только техника фреско – по сырой штукатурке, но и секко – по сухой, только смоченной водой стене. Частично это стало причиной утраты некоторого количества красочного слоя. Крупные размеры фресок позволили художнику, который явно работал с большой командой подмастерьев и учеников, создать очень выразительные и масштабные многофигурные композиции.
Одна из наиболее часто упоминающихся работ Джотто в этой часовне – «Смерть, Подтверждение Стигматов и Вознесение Святого Франциска». Это обширное изображение умирающего святого с отлетающей ввысь душой, окружённого поражённой горем братией. В то время как большинство членов его братства находятся в шоке от потери своего учителя и предводителя, выражая своё горе различными жестами, группа из высокопоставленных священников обследует тело святого, чтобы выяснить, действительно ли у него были настоящие стигматы. Это необходимая процедура для канонизации, то есть официального признания святости человека церковью. Ещё одна яркая и очень самобытная фреска, к сожалению, тоже сохранившаяся не полностью – это размещённое на южной стене капеллы изображение, называющееся «Испытание Огнём перед Султаном». В отличие от мрачной по колориту и содержанию предыдущей фрески данная работа отличается яркими, сочными красками, она сохраняла свою интенсивность и привлекательность на протяжении почти семи сотен лет.
7 картина. «Поклонение Волхвов»
- Дата создания: 1320-1328 годы
- Размеры: 200 х 185 сантиметров
- Место нахождения: Капелла Скровеньи (Падуя, Италия)
В качестве мотива для фрески использован один из самых часто используемых фрагментов библейского повествования – поклонение Трёх Волхвов Младенцу Иисусу Христу. Изображение выполнено на сочном синем фоне, символизирующем собой ночное небо, на котором горит Вифлеемская звезда, указавшая Волхвам путь к новорождённому Мессии. Святое Семейство с Иисусом расположилось под деревянным навесом, за которым изображена высокая скала. Это та самая, в которой находилась пещера, где родился сын Божий. Рядом с навесом стоит крылатый ангел в пышном белом одеянии с золотой отделкой. В руках у него дары, преподнесённые одним из Волхвов.
Престарелый Волхв преклонил колени, целуя край свивальника Иисуса. Спелёнатого Младенца протягивает ему Дева Мария, сидящая на возвышении, на ступеньке которого лежит золотая корона – символ Царства Небесного. Остальные двое Волхвов ещё ждут своей очереди, стоя за спиной коленопреклонённого старца. Они держат в руках драгоценные подношения, которые приготовили в знак приветствия Иисуса и признания за ним божественного происхождения. На них длинные богатые одежды, ниспадающие крупными выразительными складками.
За спинами стоящих Волхвов в очень естественной и живой позе изображён слуга, держащий в поводу двух верховых животных, судя по росту и длине ног, долженствующих изображать верблюдов. На них красная сбруя и сёдла, а позы очень натуральные, что раньше крайне редко встречалось в религиозных изображениях. Особенного внимания достойно изображение ступенчатых скал, на которых расположилась вся группа персонажей. Они реалистичны, с тенями и необходимым объёмом. Несмотря на прошедшие семьсот с лишним лет, фреска неплохо сохранилась и позволяет оценить не только высокое мастерство художника, но и богатство использованных им цветов.
8 картина. «Мадонна с Младенцем»
- Дата создания: 1320-1330 годы
- Размеры: 85,5 х 62 сантиметра
- Место нахождения: Национальная Галерея Искусства (Вашингтон, округ Колумбия, США)
Такой типичный мотив для церковного художественного искусства – изображение Девы Марии с Младенцем Иисусом Христом на руках – художник превратил в гимн материнству и жертвенности. Это уже не просто обезличенная икона – это изображение матери и ребёнка. Богородица отличается узнаваемыми чертами лица, которые можно встретить на многих картинах Джотто, что делает творение ещё более близким обычным людям. Работа приближает Святую Деву и Её божественное дитя к простым людям, потому что художник подарил ей знакомое всем лицо. Икона написана на золотом заднем фоне, характерном для икон византийского типа. Но само изображение принадлежит уже новому времени. Оно объёмное, выразительное и очень живое, совсем не такое, как у застывших в скованных позах с одинаковым выражением лица святых с ранних икон и картин на церковную тематику.
Мадонна держит на руках младенца Иисуса, нежно прижимая Его к себе одной рукой. В другой у Неё белая роза – символ Её чистоты и невинности. Ребёнок тянется к Ней, глядя на цветок. Сама же Дева Мария глядит на зрителей, и в Её печальном взгляде читается осознание того, что Её сокровище – Её дитя – обречено на короткую жизнь, полную мучений, и на страшную смерть на кресте. Интересно, что художник выбрал для мафория Мадонны – одеяния, в котором Её обычно изображают – не классические цвета, красный и синий, а глубокий зелёный. Это цвет надежды, жизни и возрождения. У Её одежды золотистые с зелёным отливом отвороты и богатая золотая отделка, а ребёнок прикрыт тончайшей полупрозрачной тканью с роскошной золотой каймой. Складки очень реалистично обрисовывают тела, подчёркивая их формы и придавая изображению объёма. При всей своей традиционности сия картина представляется серьёзным прорывом в церковном искусстве. Вместо стандартных лиц в нём появляются настоящие, полные жизни, выразительные и узнаваемые изображения.
