Акустическая гитара в рок-музыке звучит по-особенному. Этот хорошо знакомый многим из нас инструмент зачастую придаёт композициям вроде бы обыденными обертонами какую-то воздушность и романтичность. Может по этой причине, популярный журнал «Total Guitar» решил выделить такие песни в отдельную категорию. Проведённый им недавно опрос среди своей аудитории сформировал список с ранжированием «самых величайших в истории». Он охватывает ранний блюз, фолк, классику рок-н-ролла, современные хиты и рок-эпопеи. Было только одно простое правило включения в него: в каждой песне акустическая гитара должна быть важной деталью.
Продолжаю вас с ним знакомить. Предлагаю вашему вниманию «топовую дюжину» в обратном порядке. Начало здесь:
12. «My Sweet Lord» George Harrison (1970)
Это трек, посвящённый Кришне, был рожден величайшим духовным пробуждением Джорджа Харрисона и его гением игры на гитаре, который прорастал на плодородной почве величайшей рок-группы мира в течение семи непередаваемых лет. А появился он на первом сольном пост-битловском альбоме «All Things Must Pass» в 1970-м. Какое счастье, что Харрисон не подарил эту песню Билли Престону, как изначально планировал (тот её разместит на альбоме «Encouraging Words» – прим.). «My Sweet Lord» выпустили и сорокопяткой, и Джордж стал первым «битлом», чей сольный сингл достиг вершины чартов как в Великобритании, так и в Америке.
Это внеконфессиональная молитва, совершающая ряд музыкальных чудес. Фил Спектор применил здесь свою «Стену звука». На записи в студии среди сессионщиков было ни менее пяти акустических гитаристов, включая Харрисона и Эрика Клэптона, а также Питера Фрэмптона, Пита Хэма и Джои Молланда из Badfinger. Впрочем, сегодня точный состав тех музыкантов на записи установить сложно из-за противоречивых воспоминаний участников. Поговаривали даже, что Джордж уговорил принять участие и Джона Леннона.
Стоит особо отметить кропотливо созданную картину звука, начинающуюся с набора звенящих акустических гитар и манящей слайд-гитары, стилизованной под звучание цитры. Так что эту композицию можно заодно включать и в пантеон слайд-гитары. Нельзя обойти тот факт, что весной 1971 года Джордж Харрисон был обвинен в нарушении авторских прав издателями песни «He’s So Fine» Ронни Мака, хита женской группы The Chiffons, откуда, по их утверждению, Харрисон и позаимствовал основной мотив. Как такое проморгал Фил Спектор – не иначе, как помешало состояние восторга после «восемнадцати порций вишнёвого бренди», которое тот тогда употреблял в начале каждого рабочего дня.
На суд Джордж пришел с гитарой и парировал тем, что при написании он вдохновлялся другой песней – «Oh Happy Day» певца Эдвина Хокинса. Дело было окончательно закрыто лишь в 1991 году, но Харрисону пришлось выплатить штраф за «неосознанный плагиат» в размере около 600 тысяч $. В любом случае, величие «My Sweet Lord» от этого не уменьшилось.
11. «Fire And Rain» James Taylor (1971)
Второй альбом одного из лучших в мире мелодистов Джеймса Тейлора, «Sweet Baby James», позволил ему стать и одним из ведущих певцов и авторов песен своей эпохи. Один из выдающихся треков из него – эта изысканно меланхоличная фолк-баллада, в которой рассказывается о реакции Джеймса на самоубийство Сюзанны Шнерр, подруги детства, а также о его переживаниях, связанных с опасными нездоровыми зависимостями и славой. Тейлор завершил написание песни, находясь в реабилитационном центре.
«Fire and Rain» была выпущенная в августе 1970 года в качестве второго сингла и достигла 3-й строчки в «Billboard Hot 100» и 2-й – в канадском чарте. Компания «Broadcast Music, Inc.» поместила эту композицию на 82-е место в своем списке «100 лучших песен века».
Джеймс Тейлор исполняет «Fire And Rain» в основном пальцами на своей «Gibson J-50» с каподастром на 4-м ладу. Он использует нестандартные формы аккордов Е и В, дополненные хаммерами и пулл-оффами, разукрашивая полотно мажорным септ- и нонаккордом. Чувствительный аккомпанемент обеспечивают Кэрол Кинг на фортепиано, Расс Канкель, играющий щётками на барабанах, и смычковый контрабас Бобби Уэста. Песня вдохновила Кэрол Кинг ответить ещё одной классической песней – «You’ve Got A Friend», кавер на которую сам Тейлор записал на своём более позднем альбоме.
10. «Landslide» Fleetwood Mac (1975)
Когда Линдси Бэкингем и Стиви Никс присоединились в 1974 году к Fleetwood Mac, британская блюзовая группа превратилась в гораздо более разносторонний коллектив, способный покорять множество жанров и стилей. Появившаяся на их одноименном альбоме 1975 года, композиция «Landslide», написанная Стиви Никс, стала одним из их самых стойких фолк-хитов. Песня достигла 51-й строчки в американском чарте «Billboard Hot 100» и 10-й – в чарте «Adult Contemporary».
Композиция написана в тональности «си-бемоль мажор» и является одной из самых простых у Никс. Плотно наложенные акустические гитары с реверберацией создают ощущение хоруса, и здесь нет – за исключением нежного соло на электрогитаре в середине – никаких дополнительных инструментальных особенностей.
Бэкингем известен своим отвращением к медиаторам, и многие из его гитарных партий основаны на «Travis picking» – одном из популярных приёмов звукоизвлечения, который встречается в фингерстайле. «Landslide» не является исключением, но искусный фингерстилист слегка изменил основы, применив в куплетах рисунок игры «наизнанку», а в припеве играя тремя пальцами «обратные перевороты в стиле банджо».
Линдси получил свою первую «Martin D-18» в возрасте 19 лет и с тех пор полюбил её, так что вполне вероятно, он и использовал эту гитару для записи этого культового трека.
9. «The Boxer» Simon & Garfunkel (1969)
Эта заразительная ритмичная фолк-баллада с неотразимой лирической линией, вышедшая в 1969 году, вызвала настоящий восторг у аудитории. Одна из лучших песен, написанных Полом Саймоном, по словам Джона Свенсона:
«The Boxer – одна из тех песен, которые можно слушать снова и снова, каждый раз находя в паутине звуков детали, незамеченные прежде. Вместе с лучшими композициями The Beatles её можно назвать вершиной творческой и технической революции 60-х, которая вызвала к жизни золотой век популярной музыки».
Изысканное акустическое взаимодействие на сингле «The Boxer», выпущенном в 1969 году, является результатом сотрудничества Пола Саймона и сессионного гитариста из Нэшвилла – Фреда Картера-младшего. Картер использовал детскую гитару «Martin 000-18» в настройке «Open B». В интервью он вспомнил подробности, в том числе то, как он создал красивую вступительную фразу:
«Пол Саймон играл на своей «Martin», думаю, это «D-18», и она была настроена стандартно. Он играл пальцами в настройке «Open C». Я попробовал два или три варианта, а затем взял детскую «Martin», которая по звучанию была примерно на треть выше его гитары. И я убавил звук первой струны до «Ре», а басовую настроил на «Соль», что сделало её настройку «Open G», за исключением пятой струны, которая была стандартной. Мы немного поиграли с ним фингерстайлом, просто попробовали некоторые переборы, и, к счастью, всё получилось. И это превратилось в маленькие фрагменты, и мы записали их, только Пол и я, на двух гитарах. Затем мы начали экспериментировать с другими идеями и так далее».
Пол Саймон обеспечил ритмическую основу, используя стиль игры большим и указательным пальцами. Его гитара была настроена на полтона ниже, чтобы Арт Гарфанкел мог петь в тональности «си мажор». Готовая композиция представляет собой совершенство – результат более чем 100 часов записи и является свидетельством мастерства дуэта.
«The Boxer» стал одним из самых успешных синглов дуэта. Он достиг 7-й строчки в «Billboard Hot 100». Песня хорошо зарекомендовала себя и на международном уровне, войдя в топ-10 в девяти странах, достигнув наивысшего уровня в Нидерландах, Австрии, Южной Африке и Канаде. Журнал «Rolling Stone» поставил её на 106-е место в своем списке «500 величайших песен всех времён».
8. «American Pie» Don McLean (1971)
Фолк-роковая песня американского певца и автора песен Дона Маклина, записанная и выпущенная в 1971 году на одноимённом альбоме, а также синглом, была хитом номер один в США в течение четырех недель 1972 года, после всего лишь восьми недель в чартах «Billboard». «American Pie» также возглавила чарты Австралии, Канады и Новой Зеландии. В Великобритании сингл достиг 2-й строчки, где продержался в течение трёх недель после своего оригинального релиза 1971 года, а переиздание в 1991 году достигло 12-й строчки. Композиция была включена в список «RIAA» проекта «Песни века» под номером 5.
В песне поётся о «Дне, когда умерла музыка» – авиакатастрофе 1959 года, в которой погибли звезды раннего рок-н-ролла: Бадди Холли, Ричи Валенс и Биг Боппер. Но чувство разочарования и утраты, которое исходит из динамиков, связано не только с этой трагедией в мире музыки, но и с поколением, которое больше не могло верить в утопические мечты 50-х годов. Здесь немало отсылок к политическим событиям в Америке после Второй мировой войны.
Маклин в дополнении к фортепиано Пола Гриффина исполняет песню на своей акустической «Martin D-28», известной своими богатыми тонами и резонансом. Для своего времени это был необычайно длинный сингл – 8 минут 42 секунды, и его пришлось разделить пополам, чтобы уместить на двух сторонах сорокопятки. Как бы просто это ни казалось, правильное исполнение песни представляет собой довольно сложную задачу.
«Если вы возьмётесь за неё, то увидите, что аккорды меняются примерно каждую секунду», – рассказывал автор песни в одном из своих интервью, – «чтобы получить окончательный вариант, потребовалось около 20 дублей минусовок, записанных «вживую» во время выступления группы, с добавлением позже вокала». В результате получилась одна из величайших песен в истории популярной музыки.
7. «Dust In The Wind» Kansas (1978)
Легенда гласит, что эта философская жемчужина прог-фолка возникла на основе упражнения по игре фингерстайлом, которое гитарист Kansas Керри Ливгрен практиковал дома. Его жене Виччи, которая часто слышала эту мелодию, она очень нравилась. И вот, в какой-то момент она вдохновила его превратить эту простую арпеджиовую последовательность аккордов в песню. Ливгрен не был уверен, понравится ли это его коллегам по группе, поскольку это было отклонением от их фирменного стиля, но всё же принёс демо-запись «Dust In The Wind» на сессии альбома «Point Of Know Return», и там родилась эта классика. «Где ты это прятал все эти годы?» – спросили у него в студии.
Как оказалось, Керри зря опасался. Хотя богатый звук гитары напоминает звук 12-струнной гитары, на самом деле это идеальное унисонное исполнение Ливгрена и его коллеги по группе – Рича Уильямса. Оба играют на шестиструнной акустике «Martin Dreadnought» – один в стандартной настройке, а другой в настройке «Нэшвилл»: когда первые две струны настраиваются как обычно (E, B), а третья, четвертая, пятая и шестая (G, D, A, E) настраиваются на октаву выше стандартного строя.
Знаменуя собой отход от их рокового звучания, это была одна из самых первых песен Kansas на акустической гитаре, которая достигла 6-го места в чарте «Billboard Hot 100» в 1978 году, став их первым и единственным хитом в топ-10. Своим успехом композиция ещё обязана тому, что её с удовольствием ставили в ротацию радиостанции самых разных форматов: от рока и прога, до попсы и кантри.
6. «Passionflower» Jon Gomm (2013)
Этой композицией английский музыкант Джон Гомм изменил наше представление об акустической гитаре. И так символично, что она получила своё название от чудесного момента его садоводческой практики, когда он разбросал несколько семян маракуйи (Passionflower) в своем саду в Лидсе, и, несмотря на все климатические трудности и связанный с этим скепсис, они взошли, расцвели и превратились в плодоносящие растения.
Одно чудо заслуживает другого, и поэтому Гомм почтил память этого события ошеломляющей лидийской аранжировкой и перформансом, который демонстрирует, что то, что возможно исполнять на акустике, находится за пределами нашего воображения. Гомм рассматривает инструмент как ударные и струнные, используя свои феноменальные навыки легато, чтобы освободить свою руку, чтобы постукивать по деке и создавать ритм.
Джон Гомм начал играть на гавайской гитаре в возрасте двух лет, а в четыре года начал брать уроки классической игры на гитаре. В свои двенадцать он уже ездил с отцом на блюзовые концерты в своем родном городе Блэкпуле и играл на электрогитаре рок-музыку. После окончания школы Джон отказался от места в Оксфордском университете, чтобы поступить в Институт гитары в Лондоне. Находясь там, он сам оплачивал обучение, играя джаз и кантри в кафе-барах и записываясь в качестве сессионного гитариста. Постепенно Гомм разработал уникальный перкуссионный стиль – он ударял по поверхности своей гитары, чтобы сымитировать звуки малого барабана, бас-барабана и бонго, перенастраивал струны, чтобы получить басовые звуки, и использовал натуральные и искусственные флажолеты для эффектов, подобных синтезаторным.
Что касается техники, то она дерзкая, и в такой же степени обязана Джо Сатриани, как и Андресу Сеговии. Джон воссоздаёт звуки ударных, баса и мелодии одновременно. Его музыка испытывает влияние самых разных стилей, включая блюз, соул, кантри и рок. Гомм прямо в процессе исполнения в середине песни эффектно манипулирует настройками струн, чтобы получить более высокие или низкие плавающие звуки и использовать высокие гармоники гитары для эффектов, подобных синтезаторным – трюк, впервые придуманный Эрлом Скраггсом на банджо, которому Джон научился, наблюдая за Билли Коннолли. Его фамильный фингерстайл включает в себя перкуссивные приёмы, двуручный тэппинг и перестройку инструмента.
5. «Blackbird» The Beatles (1968)
Эта фолк-песня Пола Маккартни из «Белого альбома» в лирическом плане была вдохновлена движением за гражданские права в США, и можно сказать, что это – продукт своего времени. Но в музыкальном она восходит к началу 18 века из-за Иоганна Себастьяна Баха. Маккартни объяснял, что гитарный аккомпанемент для «Blackbird» был вдохновлён известной пьесой для лютни, часто исполняемой на классической гитаре – «Бурре ми минор». Она отличается мелодичностью и басовыми нотами, исполняемыми одновременно на верхней и нижней струнах. Будучи подростками, Пол и Джордж Харрисон пытались разучить это произведение для «показухи».
Маккартни рассказывал, что он адаптировал отрывок из «Бурре», перегармонизировав его в «соль мажорную» тональность вступления «Blackbird» и пронёс эту музыкальную идею на протяжении всей песни. Игра на стальных струнах «Martin D-28» придавала этому произведению для современников пасторальный оттенок. В записи есть что-то от Джона Ли Хукера, поскольку постукивание ногой – единственная ритм-секция на треке, где всю работу выполняют гитарная акустика и вокал. Щебетание птицы было позаимствовано из коллекции звуков студии «EMI».
4. «Tears In Heaven» Eric Clapton (1992)
Не может быть никаких сомнений в том, что Эрик Клэптон – один из самых влиятельных электрогитаристов всех времён, чья дискография трещит по швам от новаторских риффов и соло, которые изменили ход рок-музыки. Но многие скажут, что именно «Tears In Heaven», его акустическая вещь на нейлоновых струнах, трижды удостоенная «Грэмми», созданная им совместно с Уиллом Дженнингсом для саундтрека к фильму 1991 года «Спешка», запечатлела Клэптона в самом эмоциональном проявлении.
Написанная в связи со случайной трагической смертью его четырёхлетнего сына Конора, эта проникновенная баллада в тональности «ля мажор», в которой сочетаются басовые ноты на пятой и шестой струнах с двойными на высоких струнах, передаёт ощущение мелодической и гармонической утонченности, напоминая о «Битлз». Когда у Эрика был уже готов первый куплет, и он попросил Уилла помочь с текстом, Дженнингс сначала отказывался, так как тема казалась ему слишком личной, однако Клэптон настоял на своём, так и получился окончательный вариант.
Позже Клэптон размышлял о том, что именно его гитара была рядом с ним в трудные минуты. «Я почти подсознательно использовал музыку для себя как исцеляющее средство, и, о чудо, это сработало», – сказал он, признавшись, что, несмотря на один из самых болезненных эпизодов своей жизни, он получил «громадное количество счастья и исцеления от музыки».
«Tears In Heaven» отметилась на вершине чартов таких стран, как США, Новая Зеландия, Канада, Ирландия. В 2004 году журнал «Rolling Stone» включил песню в список «500 лучших песен за всё время» под 362-м номером.
3. «Hotel California» Eagles (1976)
Есть много причин, по которым песня «Hotel California» является одной из самых популярных песен для кавер-версий: от заразительных вокальных партий до блестящей 12-струнной акустики Дона Фелдера и Глена Фрея, а также электрогитарной дуэли Джо Уолша и Фрея, гармонирующей во время кульминации финала песни. Известно, что записывать композицию начали в «ми минор», но когда дело дошло до вокала, выяснилось, что это не подходило для голоса Хенли, поэтому Фелдер постепенно снижал тональность, остановившись в конце концов на «си минор», хотя и здесь не все аккорды из этой тональности.
Вот, Gb7 заимствован из «си мажор», а E9/Аb в четвёртом такте исходит из «ля мажор». Эти два важнейших аккорда и делают произведение таким приятным для слуха. Они также являются причиной того, что ведущие гитаристы Дон Фелдер и Джо Уолш включают ноты экзотического звучания гармонической гаммы «си минор» и более сладкозвучащего дорийского лада в свою изысканную пентатоническую структуру в этом эпическом завершающем соло.
И хотя можно найти разные способы исполнения песни, если вы хотите максимально точно передать звучание студийной версии, вам нужно разместить каподастр на 7-м ладу, что позволит подчеркнуть более высокие частоты, звучащие как мандолина.
2. «Wish You Were Here» Pink Floyd (1975)
Эта песня по сей день популярна на радиостанциях классического рока и остается одной из основных в дискографии Pink Floyd. Она была признана 18-й «лучшей рок-песней всех времён» по опросу «Q» и заняла 302-е место в списке «500 величайших песен всех времён» журнала «Rolling Stone». Одноимённый трек восьмого студийного альбома от группы, которая определила прогрессивный рок – со всей его музыкальной притягательностью и сложной структурой песен – является образцом простоты и минимализма. Все начинается с того, что Дэвид Гилмор переключается между открытой формой Em7 и аккордом G на своей 12-струнной акустике «Martin D12-28», обрабатывая это, чтобы звучало так, как будто воспроизводилось при радиотрансляции.
Всё произошло по счастливой случайности: годом ранее гитарист купил 12-струннку у друга и играл в третьей студии на «Abbey Road» просто чтобы проверить, как она звучит в помещении. Гилмора и басиста Роджера Уотерса быстро осенило, что эта новая спонтанная идея может стать на вес золота, поэтому пара начала строить композицию с нуля, используя эти идеи, причем Гилмор занимался не только гитарой, но и вокалом.
В «Wish You Were Here» после вступительных аккордов Дэвид вводит несколько более насыщенных соло на своей шестиструнной акустике «Martin D-35» 1969 года, смикшированных так, чтобы всё звучало, будто гитарист слушает радио и подыгрывает ему.
Легендарный инструмент был приобретён в результате случайной встречи в легендарном нью-йоркском магазине «Manny's» в 1971 году, когда к Гилмору подошёл продавец с гитарой в руках. Влюбившись в эту акустику прямо там же, Дэвид понял, что это именно то, что он так долго искал, и у него не было другого выбора, кроме как купить гитару. Позже он рассказал, что именно этот инструмент имел для него наибольшую ценность как для автора песен:
«Для меня это не роскошь, это необходимость… жизнь невозможна без гитары».
В 2019 году эта гитара была продана через аукционный дом «Christie's» за 1,1 миллиона долларов, установив новый рекорд для акустики «Martin», затмив гитару Клэптона «Martin 000-42», которая была продана чуть менее, чем за 800 тысяч долларов в 2004 году. Выручка от продажи пошла в благотворительный фонд «ClientEarth», занимающийся борьбой с изменением климата.
1. «Stairway To Heaven» Led Zeppelin (1971)
Наследие Джимми Пейджа как одного из самых влиятельных музыкантов, когда-либо игравших на электрогитаре, было хорошо задокументировано на протяжении многих лет и, несомненно, ставит его в отдельную касту. Но Пейдж был столь же великолепен и с акустикой в руках, что отлично иллюстрировалось на протяжении всей его карьеры с Led Zeppelin в таких композициях, как «Black Mountain Side», «Bron-Yr-Aur», «Black Country Woman», «Babe I’m Gonna Leave You», «The Rain Song», «Poor Tom», «Going To California», «Thank You» и, конечно же, в эпическом произведении, которое, несмотря на множество электрических моментов, сейчас признано «лучшей песней всех времён на акустической гитаре» – «Stairway To Heaven».
Всё начинается с гитарного арпеджио Am вокруг 5-го и 7-го ладов, включающего восходящую мелодическую линию и контрапунтирующую ей хроматически нисходящую басовую. Идея пришла как-то ночью в «Брон-Эр-Айр», Пейдж всегда держал при себе кассетный магнитофон, и последующее воплощение «Stairway to Heaven» родилось из фрагментов записанной на пленку музыки:
«Я дурачился с акустической гитарой и придумал несколько разных разделов, которые прекрасно сочетались друг с другом. Вскоре я понял, что это может быть идеальным средством для того, что я хотел сделать в течение некоторого времени: сочинить что-то, что начнется тихо, барабаны придут в середине, а затем вырастут до огромного крещендо. Я также знал, что хочу, чтобы пьеса ускорилась, чего музыканты делать не должны».
Песня исполняется на легендарной «Sovereign H1260», серийный номер 9631111260. Эта гитара была основным инструментом с первых дней существования Led Zeppelin и вдохновляла музыкантов далее на некоторые из их самых известных работ, включая песни, которые Пейдж позже решил записать в студии на электрогитаре.
Сама идея заключается в различных оттенках ля минора – благодаря хроматически нисходящей басовой линии, которая по такту проходит через такие гаммы, как гармонический минор, дорийский и натуральный минор. Есть также вторая половина мотива, который проходит через простые аккорды C, D, Fmaj7 и Am, прежде чем вернуться к началу. Единственное заметное отклонение происходит в конце этого раздела, где Пейдж пробирается через одни и те же фигуры за удвоенное время, чтобы перейти к следующему разделу песни, который идёт примерно на четверть пути.
В интервью в 2014 году Джимми объяснил, как он хотел, чтобы песня строилась таким образом, чтобы слушатели были в восторге от его дотошных амбиций, отправляясь в кинематографическое путешествие, которое будет развиваться последовательно самым изобретательным и глубоким образом, шаг за шагом:
«Я хотел попытаться собрать что-то, что началось с довольно хрупкой, открытой акустической гитары, играющей в стиле «Бурре» Баха. Идея заключалась в том, чтобы создать композицию, в которой она продолжала бы раскрываться в большем количестве слоёв, в большем количестве настроений. Тонкость интенсивности и наложение на самом деле будет ускоряться по мере прохождения на каждом уровне, на каждом эмоциональном уровне, на каждом музыкальном уровне, поэтому она просто продолжает раскрываться, продолжая своё развитие».
Помимо размышлений о том, что «всё это было запланировано, это была не просто случайность, это действительно был своего рода замысел», он также объяснил, что расширение музыкального кругозора включало в себя нарушение нескольких правил и нестандартное мышление, что делало его скорее классическим оркестрантом, чем рок-гитаристом:
«Одним из основных правил, когда я был сессионным музыкантом, было то, что нельзя ускоряться, а мне хотелось сделать что-то, что имело бы ускорение. Не только с музыкальной точки зрения, но и с позиции текста, чтобы всё это набирало обороты по мере прохождения, и это не стало бы просто монотонным произведением. И это лёгкое ускорение нарушало главное правило номер один».
В следующем разделе представлены его электрические 12-струнные модели гитар «Fender XII» и «Vox Phantom XII» 1965 года, панорамированные влево и вправо, чтобы добавить больше глубины и мерцания тем же аккордам, которые исполняются на акустике «Sovereign H1260», включая несколько интересных тембров благодаря открытой четвёртой струне.
И это тот момент песни, когда Пейдж во время своих живых выступлений переключался с обычного грифа своей гитары «Gibson EDS-1275» на 12-струнный, прежде, чем опять вернуться к шестиструнке в своём легендарном длинном соло незадолго до конца композиции.
В 2000 году «Stairway to Heaven» была названа «VH1» №3 в списке «100 величайших рок-песен» и заняла 31-е место в списке «500 величайших песен всех времён» по версии журнала «Rolling Stone». Это была самая востребованная песня на FM-радиостанциях в США в 70-х годах, несмотря на то, что она никогда не выпускалась там в качестве коммерческого сингла.
«Мы жили в Хедли-Грейндж как в резиденции – ели, спали, занимались музыкой. «Stairway To Heaven» – это побочный продукт всего этого и, очевидно, весьма важная веха для Led Zeppelin».
☑ Если понравилась статья, не стесняйтесь ставить лайк и делать комментарии!
❇️Чтобы не пропустить новое, подписывайтесь на канал и активируйте оповещение колокольчиком.
➤Другие материалы подобного рода: