Античный театр. Постановочные принципы, проблематика, образ героя.
В истории театра 2 крупных момента:
1) Золотой век – периклова эпоха – т.е. античность
2) эпоха Шекспира.
Т.е. ничего нового кроме античности и Шекспира театр не создал.
Античный театр – это театр древней Греции и театр древнего Рима.
Антический (аттика) – древнегреческий театр.
Театр начинается с культа бога Диониса, бога изменяющихся циклов жизни. Дионис ближе всего к народу, т.к. был полубогом, получеловеком.
Культ Диониса начался с Комосов (=> «комедия») – шуточных, не всегда приличных, фаллических песен.
Режиссерские функции разделяли: поэт – автор пьес и хородидаскол – руководитель хора.
Разыгрывались большие и малые дионисии – состязания поэтов по трем основным жанрам, типичным для театра др.Греции:
1) Трагедия
2) Комедия
3) Сатирическая драма
4) Трилогия – 4 сюжета: 3 трагедии + 1 сатир.драма
На таких состязаниях среди поэтов разыгрывались «тендеры» на постановку своей пьесы.
Поэт должен был представить свое толкование мифов. По статистике каждый 3й грек хоть раз участвовал в хоре.
1) Трагедия – один из самых древних жанров. Возникла из запевал дифирамба. Само слово произошло от:
а) Трагос – др.греч. – «козел», одос – песня. Козлиные песни исполняли вакхи (прислужники Диониса), кот одевали на себя козлиные шкуры. – Эта концепция принадлежит романтикам 19 века.
б) Победитель драматургических состязаний в подарок получал быка. Но так как это было дорого, то выбрали в подарок козла, который потом закалывался на жертвенном камне. Любая трагедия начиналась с жертвоприношения, позже им заканчивалась.
В основе трагедии – толкование мифа или сказание о грозных днях истории. В трагедию входит два содержания: мифологические и эпическое.
Аристотель – первый теоретик театра, драму выбирает главным жанром. На основе драмы сравнивает лирику и эпос. Пишет поэтику, предлагает классическую матрицу трагедии.
Элементы трагедии:
1) Фабула – это склад событий так, как они случились на самом деле. Фабула первостепенна в трагедии. Фабула – не сюжет. Сюжет – это последовательность нужная режиссеру, в которой раскрываются эти события. Фабула является двигателем действия. В драм-ом театре 2 значения действия: Физическое и Драматическое, т.е. мотив сделать что-либо, промежуток времнеи от момента, когда герой подумал сделать действие, до момента, когда он его уже сделал.. Без фабулы невозможна трагедия. (По Аристотелю фабула должна быть вынесена за пределы пьесы. => Зритель переживает ошибкам и причинам следственной связи (???)). «То главное, чем трагедия увлекает душу, - переломы и узнавания – входят как части именно в сказание - фабулу».
2) Характер – набор качеств, свойственных конкретному типу героя. То, что заставляет нас называть действующие лица каковыми-нибудь. Это способ реагирования на фабулу => он должен соответствовать, дотягивать до фабулы.
3) Мысль – прочитывается героем через его речь. То, в чем говорящие указывают на что-то конкретное или выражают общее суждение. Если речь и мысль расходятся – возникает «новая драма». Был культ монолога, так как считалось, что словом можно выразить все.
4) Речь – метрический склад. Речь имеющая ритм, гармонию и напев.
5) Музыкальность – особая технология произношения текста.
Зрелищность – как средство выразительности. Дневной театр, пространство открытое - театр-сфера. Постепенно происходила инициализация театра – переход в закрытое пространство и на темное время суток => театр-коробка.
Трагедия по Аристителю – подражание (мимесис) действию последовательному. Желание проиграть ситуацию – это желание посмотреть на нее из вне, быть над ситуацией, осмыслить действительность.
Внутреннее членение трагедии:
1) Перелом (перепетия) – перемена делаемого в свою противоположность, и при этом перемена вероятная или необходимая. Так, в «Эдипе» вестник, пришедший объявить, кто он был, и тем обрадовать его и избавить от страха перед матерью, на самом деле достигает лишь обратного; так и в «Линкее» одного ведут на смерть, а другой, Данай, идет за ним, что бы убить его, но по ходу событий выходит так, что последний погиб, а первый спасся.
2) Узнавание – перемена от незнания к знанию, а тем самым или к дружбе или к вражде лиц, назначенных к счастью или к несчастью. Самое лучшее узнавание – такое, когда с ним вместе происходит и перелом, как в «Эдипе». А зритель узнает из происходящего на сцене аналогию из своей жизни.
3) Страсть – действие, причиняющее гибель или боль, например сместь нна сцене, мучения, раны и т.п. Катарсис – возникает у зрителя из страха за героя. В ощущении, что на месте героя мог бы возникнуть он. На этой ответной эмоции возникает катарсис.
Всякая трагедия состоит из завязки (дезис) и развязки (лизис). Речь идет не о завязке и развязке в смысле композиции произведения – не о событиях, а о частях трагедии. Дезис – от завязки до перелома «от счастья к несчастию». Лизис – от этого перелома до развязки. То, что находится вне драмы, а часто также кое-что из того, что внутри, - это завязка; а все остальное – это развязка. Завязкой Аристотель называет то, что простирается от начала трагедии до той ее части, на рубеже которой начинается переход к счастью от несчастья или наоборот; развязкой же – все от начала этого перехода и до конца.
Театральное пространство
- Выстроено по форме амфитеатра.
- Театрон (от глаг. «сидеть») – места зрителей, места откуда видно.
- Орхестра – место где происходило действие (от «место для танцев»)
- Скена – место куда актеры заходили переодеться
- Скенофронт – фон (задник)
- Жертвенный камень находился между хором и проскениумом
- Протогонист – главный актер
- Девторогонист – второй актер
Театр др. Греции – это еще открытая структура – всем понятно, о чем идет речь.
Структура античной пьесы
1) Пролог – оповещения зрителя о том, что будет происходить.
2) Эписодий (????)
3) Эксод – уход
4) Стасимы – песни, хоровые партии
5) Страфа и антистрафа – вторили друг другу (?????)
Агон в драме – спор (????)
Парабазы – место в спектакле, когда актер снимал маску и выходил к зрителю со своей темой.
Пьесы
1) Эсхил «Прометей»
Эсхил был человеком верующим, пишет трилогию «Прометей прикованный». Прометей – это титан, который решил открыть человеку великую тайну. Как образ Христа, образ бунтующего человеческого разума, образ мессии, дарящего знания. Желая сделать людей счастливыми – знающими, он приносит им огонь, за что Зевс его карает на вечные муки (печень у греков – центр души, а глаза, как способ контакта с миром – источник жизни.)
«Прометей» - трагедия о том, какова цена божественный знаний и, что платит человек за то, что вторгся в то – чего не должен знать. Сознание дает ощущение то, что происходит, но невозможность его изменить.
2) Софокл «Эдип Царь».
Фабула – герою суждено стать убийцей своего отца и жениться на своей матери.
Эдип – классическая пьеса: сбудутся или не сбудутся предсказания. Герой бежит от судьбы, но чем дальше, тем ближе он к ошибке. Но мы сочувствуем Эдипу, потому что он готов принять наказания за то, что уже было предрешено. Финал – лишение себя зрения, как бы вычеркнул себя из этого мира (становясь слепым – я вижу все)
3) Софокл «Антигона»
Существует 2 концепции трактовки: догегелевская и постгегелевская.
По трактовке догегелевцев – права антигона, постгегелевцев – права антигона и царь.
Главная проблема: сталкиваются 2 типа закона – природы и государства. Возможно, или невозможно погребение брата? Антигона как сестра, как женщина (воплощение природы) обязана придать земле прах брата. Но з-н государства запрещает этого сделать => разные законы – либо ты человек, либо ты гражданин.
Трагедия в том, что одна смерть влечет за собой другие смерти.
Рок – враждебная человеческая сила в ранне-христианской традиции. Но в др.Греции – это восстановление баланса – так должно было быть. Конфликт героя и рока => Герой такой, каким ему следует быть.
4) Еврипид.
Считался фигурой вне течения.
· Впервые подвергает критике канонические сюжеты, Богов и т.д.
· Использует технологию деос эт махине («бог из машины»)
· Появляются женщины героини, в которой присутствует «подвиг любви», женщина становится эмоциональным субъектом. Образ женщины-матери.
· Безумная страсть замешанная на эротизме. Впервые появляется эротизм в драматургии.
· Подверг модификации понятие рока. Он становится «случайностью».
· Невозможно мерить человека законами, а мерить нужно эмоциями. Человеческая эмоция – единица меры всех вещей.
· У Евридипа герои такие – какие они должны быть. Нет плохих и хороших героев. Люди такие, потому что Боги такие. Если Боги такие, то и люди стремятся подражать им. Люди лишь разменная монета в руках богов (пример спора Афродиты и Артемиды за некоего живого юношу)
Драматург сознательно отбирает только ту информацию, которая выгодна ему и его замыслу. Концепция преумножающихся вариаций: чем больше играешь – тем больше вариантов.
«Медея»
Образ сильной женщины. Медея – это дочь царя на черном море, колдунья, воровка. Влюбляется в демагога, карьериста, помогает ему сделать карьеру, но понимает, что ее предали. Убивает в себе мать, что бы сохранить в себе женщину.
2) Комедия – считалась низшим жанром, который должен был закрепиться в устном исполнении. Комедию подвергали гонениям (в последствии только Мольеру удалось ее приподнять).
Сущность комедии (по Аристотелю)
Комедия – есть подражание людям худшим (в отличии от трагедии, где подражают лучшему), хотя и не во всей их подлости: смешное есть лишь часть безобразного. Смешное есть некоторая ошибка и уродство, но безболезненное и безвредное: Так смешная маска есть безобразное и искаженное, но без боли. Сочинять комедийные сказания стали Эпихарм и Формий – это открытие произошло сперва в Сицилии, а среди афинян первый Кратет оставил ямбический дух и стал сочинять речи и сказания общего значения.
3) Сатирическая драма – предполагает только мифические сюжеты. В ее основе лежит высмеивание человеческих пороков и она никогда не входила в устную традицию, она была только письменной.
Др.Римский театр
В древнем Риме никогда не было специальных театральных зданий. Это была цивилизация, где все было направленно на завоевания. Была арена для проведения спортивный, зрелищных состязаний. Идея солирования – демонстрации физической красоты. Ценность у римлян – мускульность, физ.красота, смелость, отвага в войне. И этих ценностей формировались зрелища
1) Праздничные
2) Спортивные
3) Военные
В др. Риме не было др.греческих пьес, а если они и ставились – то только на время и на временных помостах. Но театральное действие было включено в спортивные состязания. Возникает идея гладиаторских боев. Предметом зрелища является факт борьбы за жизнь: сохранит ли человек свою жизнь или нет. Идея гладиаторских боев – показать момент встречи человека со смертью. Гладиаторские школы возглавляли специальные люди – ланисты. Они покупали опытных гладиаторов, рабов и обучали их фехтованию и обращению с оружием.
Одним из видов зрелищ в др.Риме были Ниронии (подобие реалити-шоу). Ниронии проводились после завоеваний: на арене цирка Нирона водружался макет знатного дома, куда под музыку заносились предметы этого дома. Дом набивался до отвала. Далее по приказу императора дом поджигался, и по сигналу зритель мог вынести из горящего дома то, что они могут вынести. Душевные слабости обывательского порядка были предметом зрелищности. В этом отличие римской цивилизации от греческой.
«Сатурналии» - Игры посвященные богу Сатурну (проходили в цирке) и праздник сбора урожая, кот. длился около 2х недель. Рабы и господа менялись местами. В основе лежит идея карнавала. Большие
О происхождении римского театра.
364 год – мор в Риме. В поисках умилостивить гнев богов были учреждены сценические игры. Игрецы, приглашенные из Этрурии, безо всяких песен и без движений, воспроизводящих их содержание, плясали под звуки флейты и на этрусский лад выделывали довольно красивые коленца – это была пантомима. Вскоре молодые люди стали подражать им, перебрасываясь при этом шутками виде нескладных виршей и согласовывая свои телодвижения с пением. Так переняли этот обычай. Местным своим умельцам дали имя «гистрионы», от этрусского игрец - «истер» (до 19 века этим именем назывались бродячие артисты «священнодействующие»); теперь они уже не перебрасывались неуклюжими и грубыми виршами – теперь они стали «сатуры» с правильными размерами и пением, рассчитанным на флейту и соответствующие телодвижения. В последствии Ливий первым решился бросить сатуры и связать все представление единым действием.
Так, римляне устраивают «Большие римские игры», где под греческую флейту мимы с винной гущей на лице (красного цвета) разыгрывают сцены похвальбы гр. Богам.
По легенде Тит Ливий столько раз повторял пантомиму, что охрип и его начал озвучивать его ассистент – «флиакл». С тех пор и пошло у гистрионов «пение под руку», собственным же голосом вели только диалоги. Благодаря этому представление отошло от потех и непристойностей, а игра обратилась в ремесло => молодые люди, предоставив гистрионам играть подобные представление, стали опять перебрасываться шутками и стихами. Такие «эксодии» исполнялись главным образом вместе с ателланами – а эти заимствованные игры молодежь оставила за собой и не дала гистрионам их осквернить.
Ателланы (ателл – город в италии) – римская импровизационная комедия, в которой действуют 4 персонажа: Макк, Буффон, Папп и Доссен. В основе жанра лежит кончетте – сценарий, где прописана только главная суть, фабула, основное событие, герои и финал.
Актеры в масках (ограниченность маски с полной свободой речевого амплуа актера):
1) Макк – прообраз петрушки - дурак, молод, полон сил, ограничен в соц.правах, всегда голоден. Хаар-р двигает действие.
2) Папп – старик, у которого есть все права, тело его изношено, но он хочет все плоды молодости. Применяет смекалку.
3) Буккон – обжора, тяготится земными слабостями. Смысл жизни – добывание еды. Он всегда сыт в отличии от Макка => Макк может обмануть Буккона, что бы поесть и Папа, что бы получить деньги.
4) Доссен – злой, безобразный, горбатый урод.
5) Малдукк – урод, только с зубами.
Нет женских ролей, потому что в основе лежит фарс – как исключительно социальное противоборство. Материал – социально-бытовая действительность. Фарс не претендует на мораль, в нем нет плохого и хорошего. Когда есть мораль – есть ответственность. В основе фарса – спор, задача уязвить противника.
В комедии всегда есть моральная составляющая – наказывается глупость и обывательство. Фарс – традиция народная, все ситуации фольклорные, здесь нет автора.
Разыгрывались на импровизированных сценах. Актеры не поднимали ног от пола, за что их прозвали плоскостопыми, т.е. это было небытовое передвижение по сцене.
