Китайская живопись зародилась более 5000 лет назад…
Так хотел я начать свое повествование. А далее пойти самым простым путем, которым прошли до меня все, кто писал статьи о китайской живописи, перейти к перечислению отличий китайской живописи от европейской. Это довольно просто, но располагает к поверхностному подходу - перечислить несколько отличий, сделать вывод и на том удовлетвориться своим исследованием. Мне же хочется создать для вас здесь более глубокий и обстоятельный текст.
Итак, безусловно, китайская живопись отличается от европейской. Более того с точки зрения европейского восприятия искусства, китайская живопись - это экзотика. Почему? Потому что исторически она развивалась обособленно, самобытно, веками не испытывая на себе никаких внешних влияний, бережно храня традиции, передавая знания и мастерство от учителя к ученику из поколения в поколение на протяжении нескольких тысяч лет. Отличаясь от всех культурных направлений развития живописи в мире примерно… всем.
И даже похожие на китайскую живопись японское Суми-Э и корейская Минхва по сути изначально впитали традиции именно китайской живописи, чтобы в дальнейшем продолжить свой национальный культурный путь развития.
Поэтому в этой статье мы с вами не будем рассматривать китайскую живопись с точки зрения ее отличий или сходств с другими культурными явлениями. Просто возьмем ее как уникальный культурный и исторический предмет нашего исследования и постараемся максимально погрузиться в него. Конечно же, я не претендую на научный статус этой статьи, скорее наоборот. Мне как человеку, который увлечен китайской культурой и живописью более десяти лет, хочется поделиться своими знаниями и наблюдениями в наиболее простой и доступной форме даже для тех читателей, кто никогда ничего не слышал о китайской живописи.
Итак, в чем же заключается для нас европейцев ее экзотичность?
Особенные черты китайской живописи
Китайским живописным произведениям присуща лаконичность композиции, которая обязательно включает в себя поэтическую подпись и оттиск каменной печати. В картинах мы чувствуем гармонию линий, форм, пятен, точек, ритма, пропорций и даже пустого пространства. Обязательным является наличие равновесия противоположностей: темного и светлого, большого и малого, сухого и мокрого, короткого и длинного, редкого и частого, пустого и заполненного. Если в картине присутствует что-то одно, то оно обязательно уравновешивается противоположным.
Непривычной для нас является перспектива на китайских работах: плоскостное, как будто двухмерное, исполнение; отсутствие источника света и, как следствие, игры светотеней; часто несоблюдение пропорций.
Вся живопись пропитана любовью к природе. На изображениях нас встречают цветы, птицы, животные, лесные и горные пейзажи. И даже изображение людей обязательно подчеркнуто гармонией человека с природой.
Живописные произведения будто дышат, все предметы изображения живые в моменте как в стоп-кадре на видео. Цветы обязательно растут и цветут, а не стоят мертвые в вазе. Птицы запечатлены прямо в полете, рыбы плавают в водоеме, монахи поднимаются по горным тропам, панда обнимает детеныша, который занят тем, что жует бамбуковые листья. И даже если главным объектом на картине является камень, то его непременно сопровождает изображение растений, насекомых и птиц.
В китайской живописи важен символизм и философия. Чаще произведения несут не декоративную функцию, а передают мудрость и мировоззрение автора.
Китайцы пишут и читают картины, а не рисуют и рассматривают. И этот факт хорошо иллюстрирует конечный вид произведений этого искусства - свиток. Китайскую картину разворачивают, чтобы прочесть, затем сворачивают и убирают в чехол. Так как материалы, из которых сделаны свитки, не выдерживают долгой вывески и требуют бережного хранения.
Читают картины, как и китайские тексты, сверху вниз и справа налево. Целесообразность такого порядка прочтения особенно ощущаешь, когда рассматриваешь горизонтальные свитки. Попробуйте сами. Вы сразу поймете, о чем я говорю.
Ну и кроме горизонтальных и вертикальных свитков в китайской живописи присутствует особенный формат - веерный. Живописные композиции гармонично располагаются не только на специальных веерных формах, но и на реальных шелковых веерах, или даже на складных.
Гохуа
Вся традиционная живопись в Китае носит название Гохуа, что дословно переводится, как «государственная живопись» или «живопись страны». Это сразу отсылает нас к периоду ее зарождения и расцвета, когда художники были придворными, а академии живописи создавались при покровительстве императоров. Надо отметить, что и по сей день продолжая традиции, государство поддерживает и развивает китайскую живопись, как важную часть национального достояния.
Не будем обращать ни малейшего внимание на период культурной революции, когда Гохуа пытались задушить, как один из «пережитков» «феодальной» культуры. Во-первых, все равно ничего из этого не вышло. Во-вторых, чего стоят какие-то десять лет для пятитысячной истории развития китайской живописи? И в третьих, сейчас мы наблюдаем с вами возрождение и расцвет Гохуа, популярность, которой все больше выходит за пределы Китая. Подтверждением этого являетесь даже вы, дорогой читатель, погружающийся прямо сейчас в мою влюбленную в китайскую живопись статью в этом блоге.
Сама по себе китайская живопись полностью оправдывает свое название: развитие Гохуа всегда отражало исторические и культурные процессы и преобразования в государстве. Отражает их и сейчас, поэтому до сих пор остается актуальной и популярной в Китае.
Китайская каллиграфия
Серьезный разговор о китайской живописи не может обойтись без отступления, посвященного каллиграфии. Потому, что это не только два, неразрывно связанных между собой, вида искусства в культуре Китая, но можно смело сказать, что китайская живопись выросла из каллиграфии. И именно поэтому линия так важна в живописи, линии играют роль не просто контура при изображении предмета, а сами по себе несут информацию, о его качествах, характере, состоянии и духе. А в некоторых случаях сами линии играют полноценную изобразительную роль, без применения других средств. Например, при изображении орхидеи или бамбука.
Подпись на картине чаще всего интерпретирует ее смысл, заложенный автором. Нажим, скорость движения, ритм и характер поворотов кисти - то, что одинаково важно и в искусстве каллиграфии, и в живописи. Замечали, что даже без знания китайского языка, любование, красиво и мастерски исполненной, каллиграфической надписью само по себе приносит эстетическое удовольствие?
Техника работы тушью не терпит ошибок. Их невозможно исправить таким образом, чтобы исправление осталось не заметным на бумаге. Каждое живописное произведение пишется один раз и начисто. А чтобы художник был уверен в своих движениях и идеально владел искусством линий, требуется очень много продолжительных тренировок, в том числе и в каллиграфическом мастерстве. Поэтому и в средние века, и в наше время каждый китайский художник обязательно является отличным каллиграфом, а мастер каллиграфии - неплохим живописцем.
Тут мы приблизились к еще одному понятию, которое нам необходимо раскрыть, чтобы лучше понять китайскую живопись.
Вэньжэнь
Это устойчивое понятие в китайской культуре и перевести его можно как «благородный муж» или «ученый». Что это за человек?
Чтобы стать вэньжэнем необходимо было не только обладать пятью добродетелями конфуцианства «уважением», «великодушием», «добротой», «серьезностью» и «искренностью», но и быть поэтом, мастером каллиграфии и резки печатей, превосходным живописцем и музыкантом. Принадлежность к Вэньжэнь со временем стала сословным преимуществом, чтобы ее доказать сдавали экзамены в академии. Императоры почтительно относились к образованным мужам и назначали их на государственные посты.
Кстати, все четыре мастерства вэньжэня вы найдете практически на любой китайской картине: поэтические строки написанные искусной каллиграфией, изысканную печать автора, непосредственно саму живописную композицию, которая непременно будет иметь свой ритм. И если вы приглядитесь к ритму картины, то она зазвучит для вас, как музыкальное произведение.
Понятие «вэньжэнь» настолько прочно закрепилось в средние века в китайской культуре, что и в наши дни художники пишущие китайскую живопись обладают необходимыми для этого звания дополнительными навыками и мастерством.
Я уже упомянул, что искусство линии было одинаково важно для живописца и каллиграфа. Чтобы отточить мастерство необходим соответсвующий этой задаче инструмент. И таким инструментом была и остается кисть, которая связывает собою три вида китайского искусства: каллиграфию, живопись и поэзию. Но кроме кисти благородному мужу были необходимы и другие инструменты.
4 сокровища кабинета ученого
Еще одно устойчивое понятие, которое дошло до наших дней. Видели в магазинах недорогие подарочные коробочки с китайскими живописными принадлежностями? Обычно в них лежат кисти, палочка туши и небольшая тушечница. Надо отметить, что в таких наборах инструменты и материалы обычно очень низкого качества. Они подразумевают не практическое использование, а скорее символическую демонстрацию «драгоценностей кабинета» и приобретаются в подарок человеку, которому вы хотите выразить свое уважение и признание его заслуг. Так вот в этих наборах не хватает только бумаги. Ведь «сокровищами», которые непременно присутствовали в кабинете каждого ученого мужа были четыре предмета: китайская кисть, сосновая тушь, каменная тушечница и рисовая бумага.
Этих предметов вполне достаточно и поэту, и каллиграфу, и художнику. Китайская живопись вполне лаконично выглядит в монохромном исполнении, хотя цветные пигменты и минеральные краски тоже в ней применяются. Любое произведение китайского искусства приобретает ценность, в том числе благодаря инструментам и материалам, которые использовал художник, поэтому выбор «драгоценностей» так важен.
Китайские кисти
Кисть - это главная «драгоценность кабинета ученого». В Китае традиционно изготавливали этот инструмент из натуральной шерсти, современные мастера продолжают эту традицию. Чаще всего можно встретить шерсть козы, кролика и колонка. Кстати, иероглиф «колонок» дословно с китайского переводится как «красный волк», поэтому часто в переводе названия кистей вы можете встретить слово «волк», но на самом деле это, конечно, колонок. В китайских художественных магазинах иногда встречаются кисти из шерсти медведя, норки, и даже из перьев птиц. Жесткое и надежное древко изготавливают из бамбука, но также оно может быть выполнено из фарфора, стекла, камня, кости или рога животного. Кисть должна быть упругой, но в то же время достаточно мягкой, чтобы вобрать большое количество воды и туши, хорошо ее удерживать и отдавать бумаге, прислушиваясь к нажиму на кисть и замыслу художника.
Кисти изготавливаются вручную, а технология их изготовления остается неизменной на протяжении веков. Древние писали, что хорошая кисть обладает четырьмя достоинствами: острота, ровность, округлость и прочность. То есть у кисти должен быть острый тонкий кончик, помогающий изобразить самые мелкие детали. Она должна держать форму, оставаться гладкой во время работы мастера, свободно перемещаться по бумаге во всех направлениях, сохраняя толщину линии, быть упругой, гибкой и устойчивой к повреждениям. От выбранной кисти полностью зависит не только размер штриха, но и его характер.
Бумага
Именно китайская цивилизация изобрела бумагу. Первую бумагу в древности изготавливали из волокон древесины и коры деревьев. Технология изготовления бумаги для живописи и каллиграфии впитала древние традиции. Поменялись лишь материалы. Такую бумагу называют «Сюаньчжи» и все еще производят вручную из сандаловой коры, рисовой соломы и коры шелковицы. Волокна этих растений высушивают и вымачивают множество раз, затем прессуют, отбеливают, измельчают, помещают в форму и в воде формируют листы бумаги. Хорошая бумага должна быть белоснежной, очень тонкой, устойчивой к внешним воздействиям, но при этом превосходно впитывающей тушь. Именно последнее свойство сюаньчжи обеспечивает потрясающие эффекты выразительных средств китайской живописи.
Некоторые сорта бумаги при изготовлении пропитывают специальным фиксирующим раствором, чтобы линии и пятна не растекались и появилась возможность создать детальное точное многослойное произведение.
Тушь
Сейчас чаще всего в магазинах можно встретить жидкую китайскую тушь для живописи и каллиграфии в концентрированном или сильно разбавленном виде. А традиционным «сокровищем» считается твердая тушь, спрессованная в брикет. Самые дорогие ее сорта и по сей день изготавливают из сажи красной китайской сосны, которую получают путем сжигания корней дерева в специальных печах. Более массовые и недорогие сорта готовят из продуктов горения древесных масел.
Одной из особенностей китайской туши является ее долговечность. Она не выцветает и не стирается со временем. Убедиться в этом можно, рассматривая древние китайские свитки. Тушь сохраняет насыщенность своего оттенка сотни лет. Важнейшим изобразительным средством Гохуа являются оттенки туши. Разводя тушь водой художник добивается богатой палитры оттенков - от очень светлого серого до плотного черного.
Отдельным удовольствием является процесс растирания палочки сухой туши в тушечнице. Это одновременно и медитация, и отличный момент для того, чтобы можно было сосредоточиться на идее и композиции будущей картины, спланировать все и представить в своем воображении будущий результат.
Тушечница
Последняя по очереди в этой статье, но не последняя по своему значению для кабинета «драгоценность» - это тушечница. Они появились практически одновременно с изобретением твердой туши в первых веках нашей эры. Их вырезали из камня. Обязательно декорировали резьбой и красивыми узорами. Даже сейчас, талантливо изготовленная мастером, тушечница вполне может считаться произведением искусства. И средневековые «ученые мужи», и современные их последователи коллекционируют и очень ценят тушечницы.
Кроме каменных, можно встретить бронзовые и железные, фарфоровые или керамические тушечницы. Но самым почетным украшением любой самой изысканной коллекции станет тушечница из нефрита. Растертой в нефрите туши художники приписывают необычные волшебные свойства.
4 стиля китайской живописи
Традиционная китайская живопись преодолела путь от декоративного украшения для храмов и усыпальниц в древние времена (более 5000 лет назад, как мы помним) до светской живописи в средние века, когда стали открываться Императорские художественные академии. Тогда же произошло разделение на стили или техники.
Начиная со Средневековья и до наших дней китайская живопись делится на два основных стиля: Се-И и Гунби. Каждый из них, развиваясь, приобрел свои ответвления. Се-И делится на малое се-и (Сяо Се-и) и большое се-и (Да Се-И). А в качестве ответвления стиля Гунби появилось Гунби без контура (Могуфа). Этот стиль живописи можно вполне рассматривать, как самостоятельный, так как не только изобразительные средства и сам метод работы художника отличается от Гунби, но зачастую используются и другие материалы, например, более плотная бумага.
Также в Средние века появился и четвертый стиль китайской живописи, который в европейской культуре является жанром, поэтому наше восприятие не сразу способно угадать в нем черты отдельной самостоятельной техники живописи. Но об этом позже. А пока мы с вами попробуем разложить все по полочкам, чтобы понять как читать каждый отдельный стиль живописи и точно определить его место в палитре Гохуа.
Се-И
Картины в стиле Се-И - это первое, что возникает в воображении европейца, когда звучит словосочетание «китайская живопись». Лаконичные изображения цветов, птиц и животных на белом фоне рисовой бумаги собранные из размашистых, но точных штрихов китайской кисти.
Се-И - стиль свободной кисти, название которого можно перевести с китайского как «писать идею». Его зарождение связано с появлением понятия «вэньжэнь» и собственно самих «ученых мужей». Для представителей нового сословия было мало существовавшего веками декоративного стиля живописи. Необходим был новый стиль выражения себя, своей философии и мировоззрения. Тогда и появился стиль Се-И, который до сих пор считается искусством поэтов и философов.
Такая живопись передает суть предмета или сюжета, идею, которую должен прочесть зритель самостоятельно. Часто в Се-И присутствует недосказанность, которая только дополняет смысл произведения. Это очень быстрый стиль живописи. Картину рисуют сразу без эскиза, чтобы в один миг запечатлеть идею автора. Но простота в данном случае обманчива. Чтобы быстро создать композицию на листе рисовой бумаги, которая не терпит правки, нужны годы упорных тренировок, чтобы движения были точны. А также необходимо выработанное годами чувство тона, цвета и композиции.
Из-за стремительности и индивидуальности каждого движения кисти в Се-И, копировать в точности работы других художников практически невозможно. Более того, даже при копировании собственных работ, результат на листе всегда будет отличаться от предыдущего.
В каждой картине в стиле Се-И всегда присутствуют три элемента: пятна, линии и точки. Причем мокрые пятна всегда уравновешены сухими, а линия играет роль не границы формы, а сама по себе является формой, передающей характер предмета изображения. Точки же всегда обращают внимание зрителя на акценты, которые умело расставляет автор.
Гунби
Более древний стиль китайской живописи - это Гунби. Перевести название можно как «прилежная кисть» или «тщательная кисть». Картинами выполненными в этой технике украшали дворцы, поэтому Гунби также называют Императорским стилем. Художники, лучше других овладевшие этим стилем живописи, часто становились придворными на службе у императора.
Стиль Гунби отличается от Се-И даже бумагой, на которой создаются картины. Для него используется тонкая рисовая бумага, пропитанная специальным раствором квасцов и желатина, или пропитанный этим раствором шелк. Пропитка необходима, чтобы материал выдерживал нанесение десятков слоев красок и туши, которые и создают потрясающую живописность работ в стиле Гунби.
В отличие от Се-И, картины в стиле Гунби могут создаваться несколько часов или даже несколько дней. Художники в начале тщательно вырисовывают четкий и детальный контур объектов композиции, затем наносят десятки слоев туши и красок на изображения, передавая объем, используя светотень. Картина от бледной как бы постепенно созревает к контрастному завершению.
Этот стиль напоминает нам ботаническую акварель, поэтому более понятен и почитаем в европейских странах. К тому же работы в стиле Гунби гораздо проще копировать, чем работы в стиле Се-И, поэтому многие поклонники китайской живописи вне Китая выбирают для практики и обучения именно этот стиль живописи.
Могуфа
Еще более близкий к акварели стиль китайской живописи - Могуфа или Могу-хуа. Дословный перевод «бескостный метод» отлично отражает суть этого стиля. В отличие от Гунби на работах в этом стиле отсутствует контур. Его роль выполняет «водяная линия» - пустое пространство между цветовыми заливками.
Основателем этого стиля считают китайского художника XVII века Юнь Шоупина. Его работы - это эталон стиля Могуфа. На их примере, копируя эти великие произведения, начинающие художники оттачивают свое мастерство. Чаще всего сюжеты в этой технике изображают цветы и птиц.
В отличие от Гунби картины в Могуфа создаются, как правило, в один слой. Текстуры и объем предметов изображения передаются с помощью смешения красок в технике «по-мокрому» прямо на картине. Такой метод требует пропитанной, как и в Гунби, но более плотной бумаги, которая выдержит «мокрую» технику.
Могуфа - довольно популярный в современной китайской живописи стиль. И мы уже упомянули, что чаще всего в этом стиле изображают цветы и птиц, но не сказали, что «Цветы и Птицы» (по-китайски «Хуаняо») - это прямое название одного из самых популярных и древних жанров в Гохуа. Когда мы разобрались со стилями, пришло время разложить по полочкам жанры китайской живописи.
Хуаняо
«Цветы и птицы» - самый молодой жанр китайской живописи. Если не считать древних гравировок на посуде и иероглифов на стенах, на рисовой бумаге в живописи этот жанр появился в Средние века. Предмет изображения кроется в названии. Но «Хуаняо» - это не полное название жанра. Полное можно перевести с китайского как «Цветы, птицы, рыбы и насекомые». Но и это будет не исчерпывающий список героев произведений. Животные тоже являются частью Хуаняо.
В Хуаняо важнейшую роль играет символизм изображаемых на картине объектов. Автор закладывает в свое произведение идею, всегда учитывая, что собою символизирует то или иное растение, птица или животное, с чем они ассоциируются. Из этого складывается смысл будущей картины. Также важным является сочетание различных символов в одном сюжете.
Например, сосна символизирует собой стойкость, мужество, постоянство и долголетие. Бамбук тоже является символом высоких моральных качеств и стойкого характера. А цветущая дикая слива символизирует чистые помыслы, гармонию и спокойствие. Всем трем растениям нипочем зимние холода. Вечнозелёные сосны и бамбук наблюдают зимой за тем, как зацветает слива - это часто встречающийся сюжет в Гохуа, называется он «Три друга зимы». И сочетание «трех друзей» на одной картине втрое усиливает символизм стойкости и силы духа. А также, как можно понять из названия, символизирует крепкую дружбу.
Во времена возникновения жанра Хуаняо живописцы при дворе Императора, наблюдая за природой, старались с фотографической точностью передать пропорции, строение и фактуры изображаемых цветов и птиц в стиле Гунби. В то же время «Ученые мужи» выделяли для себя определяющее характер объекта свойство, чтобы передать его четкими движениями кисти и размывами туши в стиле Се-И.
Жень-У
Жень-У, «Люди и вещи» - самый древний жанр китайской живописи. Героями сюжетов картин этого жанра являются люди, божества и мифические существа. Это те самые сюжеты, которые издревле украшали храмы и императорские дворцы. Этот жанр оставался главным в живописи Китая вплоть до X века.
Первый, документально и исторически подтвержденный, китайский художник IV в.н.э. Гу Кайчжи творил именно в этом жанре. Он в своих трактатах писал, что живопись Жень-У должна передавать не только внешность, но и отражать также характер и душу.
Первые картины этого жанра создавались в контурной технике линейного рисунка - все изображение передавалось линиями. В Средние века этот стиль преобразовался в Гунби. И уже позже Жень-У становится одним из жанров живописи Се-И.
В жанре Жень-У человек или существо - это главный объект живописной композиции. Но изображение людей также встречается и еще в одном жанре китайской живописи - в пейзаже, где оно подчеркивает малое значение человека в сравнении с масштабом природы.
Шань-Шуй
«Шань-шуй» или пейзаж - один из самых старинных жанров китайской живописи. Название дословно переводится как «Горы и Воды». Шань-шуй стоит на пересечении стилей Се-И и Гунби, так как вбирает в себя приемы двух стилей: технику пятен Се-И и детальную прорисовку Гунби. И даже бумагу для пейзажа художники выбирают среднюю по своим свойствам - полу-пропитанную, чтобы тушь умеренно растекалась по ней, и чтобы можно было потрудиться над прорисовкой мельчайших деталей картины.
В заголовке этой статьи я указал, что в китайской живописи четыре стиля. Но вы обратили внимание, что ранее я перечислил только три. Так вот Шань-Шуй можно смело назвать не только жанром, но и четвертым стилем китайской живописи. Его отличают не только темы композиций и объекты изображения, но и особенные техники, которые уже из пейзажа заимствуют Се-И и Гунби. Эти приемы называются «цуни» (штрихи). Традиционная китайская живопись насчитывает десятки разновидностей различных «цуней». Одни помогают художнику передать ломаную фактуру скал, другие - водную гладь или густоту кроны лиственных деревьев. Если на пейзажной картине не прослеживаются четкие приемы «цунь», то это не китайский пейзаж.
Шань-шуй не пишут с натуры, изображая то, что существует на самом деле. Картина в этом стиле - это скорее впечатление художника от увиденного, его фантазия на тему. По сути китайский пейзаж - это путешествие в свой внутренний мир, в свои размышления и воспоминания. Те, кто путешествовал по Китаю и поднимался в горы, не дадут соврать, после путешествия пейзажные картины китайских живописцев начинают играть новыми красками, вызывать яркие и живые чувства.
Рассматривая китайский пейзаж, рисуешь свою картину, разгадывая замысел, пытаясь угадать чувства автора. Во время такого прочтения Шань-Шуй каждый зритель создает свою собственную эмоциональную интерпретацию увиденного.
Как я уже говорил, на пейзажах часто присутствуют люди, как живые герои передаваемой истории. Но миниатюрные изображения людей чаще всего призваны подчеркивать именно масштаб и величие гор, водоемов, лесов и водопадов.
В древности пейзажи изображали на больших горизонтальных полотнах длинною в несколько метров. Их хранили свернутыми в свиток в специальных футлярах, разворачивали для просмотра, а затем скручивали обратно. Разворачивали свиток постепенно, позволяя зрителю подробно прочитать, а скорее даже написать свою собственную историю, заключенную в увиденном пейзаже.
Искусство владения приемами живописи Шань-Шуй, знание техник «цунь» и по сей день высоко ценится среди китайских живописцев. Но как в них разобраться? Их же десятки! Есть ли учебник, который описывает все эти приемы и техники? Есть, это трактат «Слово о живописи из Сада с горчичное зерно».
«Слово о живописи из Сада с горчичное зерно»
Рассказ об этой удивительной книге, а скорее даже серии книг хочется начать в сказочном стиле.
Жил-был в XVII веке китайский драматург, романист и издатель Ли Юй. Он очень любил путешествовать, встречаться с разными людьми и беседовать о живописи и художниках того времени. Особенно мил сердцу путешественника был жанр Шань-Шуй.
Однажды Ли Юй сильно заболел и был вынужден, как мы бы сейчас сказали, самоизолироваться на целый долгий год. Проводя время в одиночестве он листал живописные альбомы Се-И и Гунби с изображениями цветов, птиц и животных. Очень огорчало его, что так мало издано альбомов с его любимыми пейзажами. Рассказал он об этой своей печали зятю Шэнь Синью, который жил в городе Цзиньлин в особняке, который носил название «Сад горчичного зерна».
У зятя в качестве семейной реликвии хранился старый альбом пейзажной живописи составленный знаменитым Ли Люфаном. В альбоме содержалось множество методов и техник мастеров различных школ Гохуа. Шэнь Синью отдал альбом своему другу Ван Гаю, художнику школы Цзиньлин, и поручил ему заняться составлением руководства по живописи, отредактировав и дополнив альбом.
Когда новый альбом Ван Гая был готов, Шэнь Синью подарил его тестю. Ли Юю так понравился альбом, что он решил издать его, чтобы поделиться со всеми ценителями стиля и жанра Шань-Шуй. Первая печатная версия была опубликована в 1679 году под названием «Слово о живописи из Сада с горчичное зерно» в честь особняка Шэнь Синью. Издание сразу же получило всеобщее признание среди художников, литераторов и всех образованных людей того времени.
XVII век - время расцвета культуры Вэньжэнь, а живопись считается одним из необходимых умений «ученого мужа». Поэтому в Китае в те годы выпускалось множество альбомов и учебников живописи. Но как тогда, так и сейчас «Слово о живописи из Сада с горчичное зерно» считается самым влиятельным, эталонным изданием.
Успех первых пяти томов, посвященных техникам и приемам Шань-Шуй был столь велик, что в 1701 году Ван Гай издает вторую и третью части. Составляет и редактирует он их вместе со своими младшими братьями Ван Ши и Ван Не.
Восемь томов второй части были посвящены живописи четырех растений: орхидеи, бамбука, цветущей сливы и хризантемы. Третья часть в четырех томах охватила темы изображения всех прочих растений, насекомых, птиц и животных.
У вас должен возникнуть резонный вопрос: почему самая объемная часть «Слова о живописи из Сада с горчичное зерно» посвящена всего четырем растениям? Потому, что для китайской живописи Гохуа это не просто растения.
«Четверо Благородных»
Это то, с чего начинают свое обучение все будущие китайские художники. Четыре благородных растения не только символизируют качества, которыми должен обладать «ученый муж», но и помогают приобрести базовые навыки для обучения Гохуа.
Еще до появления трактата «Слово о живописи из Сада с горчичное зерно», представитель сословия Вэньжэнь, учитель Вэнь Цзижу разработал систему обучения для своих учеников, которая помогала сделать правильные первые шаги в китайской живописи. Рисуя четыре растения, упражняясь в живописи бамбука, орхидеи, хризантемы и цветущей сливы, они доводили до совершенства мастерство владения кистью, изучали основные техники и приемы Гохуа.
Во многих источниках вы можете прочитать, что «Четыре Благородных» выбраны как основные сюжеты в китайской живописи, так как они символизируют главные благородные качества. Во многом это так, поэтому и мы уделим внимание символизму. Давайте разберемся, какие именно качества символически роднят «благородного ученого мужа» с каждым из наших растений.
Вэньжэнь - это человек стойкий, который может согнуться под натиском невзгод, но никогда не сломается и обязательно вновь воспрянет духом. А еще он быстро растет духовно и профессионально, стремится к самым высоким идеалам, как бамбук.
Душевно тонкий, очень скромный, не выпячивающий свои достоинства, но при этом благородно утонченный, аристократичный и элегантный, как орхидея.
Богатый душою, интересный и привлекательный для окружающих, но предпочитающий уединение для философских размышлений, а порой даже отшельничество, как осенний цветок хризантемы.
Готовый противостоять любым невзгодам жизни, и даже расцветать не смотря ни на какие трудности. Мудр в своей основе, но при этом молод душою, как нежные цветы сливы Мэй и молодые веточки на толстом многолетнем стволе.
Но если отвлечься от поэзии, то мне кажется, что выбор Четырех Благородных в качестве базы для обучения живописи несет вполне прагматичный прикладной характер. Посмотрите внимательно на образцы их изображений на китайских свитках. Вы увидите и точные ровные линии, и плавные изогнутые, и тонкие контурные - все возможные типы линий. А рисование стволом и листвы учит работе с пятнами, с сухой кистью и с наполненной тушью и водой, работе с градиентным набором кисти.
Мэйхуа - это перекатывание кисти, плавные повороты и аккуратная проработка самых мелких деталей. Хризантема учит работе с пятнами и ритму в контуре лепестков и прожилок. Бамбук - это точность и жесткость уверенных движений. А при рисовании орхидеи мы учимся плавным поворотам кисти и созданию осмысленной формы линий.
Каждое из этих растений и все вместе - это необходимость понимания композиции в китайской живописи, формы пятна и пустого пространства на картине. Каждое учит равновесию противоположностей: сухого и мокрого, большого и малого, контура, пятна и точки.
P.S.
На этом и я готов поставить точку в сегодняшнем рассказе об основных традициях китайской живописи. Надеюсь, мне удалось интересно и легко организовать и провести ваше первое знакомство с Гохуа. Мы разобрались в базовых понятиях, коснулись взглядом экзотических особенностей этого древнего вида искусства.
Когда-то, более десяти лет назад, когда судьба привела меня в мир китайской живописи, мне очень не хватало подобного базового руководства, инструктажа, в котором все основное было бы разложено по полочкам для простоты понимания. Какого-то текста, прочитав который, я бы сразу мог сказать: «Я кое что знаю о китайской живописи. Немного в ней разбираюсь». Мне очень не хватало человека, который взял бы за руку и помог сделать первые шаги. Они казались мне тогда такими сложными, но как мы убедились с вами сегодня, совсем такими не являлись. Надеюсь, у меня получилось стать таким человеком для вас, и мы вместе будем идти дальше по пути познания и освоения китайской живописи Гохуа.
Чтобы не потеряться и не пропустить другие мои статьи о китайской живописи, подпишитесь на мой блог. А если вам понравилась эта статья, буду благодарен за обратную связь в виде лайков, комментариев и репостов в ваши социальные сети.
