1941. Тринадцатая церемония Оскар. "Конверт, пожалуйста...". Феминизм, Хичкок и "Великий диктатор".

Кто не читал статью про двенадцатую церемонию Оскар и не видел оттуда фильмов, то милости просим сюда, а затем обратно.

1940 год.
События в мире:

· Третий Рейх в течении года завоёвывает пол Европы.
· Уинстон Черчилль приглашает ряд стран Европы вступить в антигитлеровскую коалицию и осуждает СССР за вторжение в Финляндию.
· Окончание советско-финской войны, в результате которой СССР захватило 11% территории Финляндии.

События в Америке:

· На экраны вышел первый выпуск мультфильма «Том и Джерри».
· Открыт первый ресторан быстрого питания McDonalds.
· На третий срок переизбирается Франклин Рузвельт и первым делом расширяет военно-морской флот на 11%, выделяет 900 миллионов на производство от 50 000 самолетов в год, а также вводит эмбарго на все поставки металлолома в Японию.

27 февраля 1941 года в Лос-Анджелесе прошла 13-я церемония награждения кинопремии Оскар. Ведущим церемонии во второй раз стал Боб Хоуп.

Новым президентом Академии был избран Уолтер Вангер. Он им стал ещё в 1939 году. Его предшественнику Фрэнку Капре пришла в голову идея о том, чтобы снять первый документальный фильм об Академии и Уолтер Вангер решил повторить эту практику, правда в сильно купированном виде, для архива, как это было ранее.
На момент тринадцатой церемонии Оскар, Уолтера Вангера избрали уже во второй раз.

На банкете церемонии 1941 года. Селзник, Фонтейн, Хичкок и Джудит Андерсон.

Изменения в номинациях.

Разделена номинация Лучшего художника-постановщика!

Годом ранее уже разделили номинацию на Лучшего оператора, теперь по этому же принципу будут существовать Лучший художник-постановщик черно-белого фильма и Лучший художник-постановщик, цвет. Разные задачи и подход к съёмкам цветного или черно-белого фильма буквально вынудили Академию разделить и эту категорию. Хотя из количества номинантов видно, что в процентном соотношении цветных картин намного меньше, чем монохромных. В цветной категории всего 4 соискателя, тогда как в черно-белом сегменте все 13...

В сценарной категории добавилось новое ответвление!

Лучший оригинальный сценарий — то есть, сценарий основанный на ранее не изданном произведении. Не путать с уже знакомой категорией Лучший оригинальный сюжет, где оценивались: непосредственно сюжет в общих чертах, синопсис, логлайн, персонажи и их биография (без диалогов). Лишь единожды, на первой церемонии Оскар, совмещались оригинальность всего сценария и интересный сюжет соответственно. Поэтому и англоязычное наименование у награды было — "Лучший сценарий (Оригинальный сюжет)". Дальнейшие две церемонии решили этой категорией пренебречь и отдавать предпочтение только одной картине за Лучший сценарий, где совмещались все аспекты сценарного мастерства (на второй церемонии было больше всего соискателей именно в этой категории — одиннадцать). На четвёртой церемонии вновь разделили номинацию, но уже чётко артикулировав её политику: Лучший оригинальный сюжет и Лучшая адаптация. На девятой церемонии сценарная номинация опять претерпела изменения. Лучший оригинальный сюжет остался таким же, а Лучшая адаптация превратилась снова в Лучший сценарий, совмещая в себе и адаптацию, и оригинальные произведения. В связи с этим, фильм "Повесть о Луи Пастере" умудрился отхватить две сценарные статуэтки. И вот, наконец, после неуёмного поиска верной системы награждения, на тринадцатой церемонии Оскар решили просто создать третью отдельную категорию! Таким образом, академики имели Лучший адаптированный сценарий, который даётся конкретно за киноадаптацию, Лучший оригинальный сюжет за общую сценарную конву и Лучший оригинальный сценарий за ранее неопубликованной материал, созданный исключительно для фильма.
Такой нескончаемый поиск верного регламента, сменившегося четыре раза за 12 лет (больше чем, любая другая категория), говорит о том, что для академиков крайне важен сценарный департамент, как для организма человека его скелет. Поэтому сей трепет и поиск идеального регламента для поощрения сценаристов, более чем понятны и закономерны.

Надо отметить, что из-за таких вот разделений среди сценаристов, художников, операторов и композиторов, церемония награждения неизбежно увеличилась в плане количества фильмов. На Оскар в этом году претендовало 58 кинолент, не считая 10 короткометражек. На момент тринадцатой церемонии, это пока наивысшее количество соискателей, какое было за историю Оскара.

Особенности и рекорды этой церемонии: ...

Впервые в истории Оскара на церемонии с объявлением выступил президент США! И это было не случайностью, так как в 1941 году в Европе бушевала война, масштаб которой уже напоминал Первую Мировую.

С начала появления первых никелодеонов, фильмы были важной развлекательной составляющей, но во время Великой Войны, кинематограф принял на себя ещё одну миссию, и не менее важную: он стал завоевывать авторитет как мощный инструмент, который способствовал укреплению боевого духа или создания новых нарративных векторов. Рузвельт, как дальновидный человек в 1939, когда шёл последний год его срока, сказал, что американцев это война не касается, а после переизбрания стал наращивать боевой арсенал и пускать треть государственного бюджета на оборону, флот и авиацию, прекрасно осознавая, что война будет неизбежной. И хотя до прямого военного участия в конфликте ещё далеко, Рузвельт продолжает подготавливать почву и, будучи талантливым стратегом, решает использовать рычаг воздействия через самое медийное поле какое есть в США — Академия, где в одну ночь соберётся 1500 главных кинозвёзд, за которыми будут следить все газетчики, а в следствии, и простые жители Америки. И даже самый далёкий от политики американец, желающий просто узнать светские новости про его любимых голливудских звёзд, в итоге прочтёт, что на церемонии было шестиминутное радиообращение его президента, который, конечно, сказал пару слов в тему вечера, но при этом недвусмысленно намекнул на надвигающуюся угрозу:

"Мы свидетели того, как американский кинематограф стал лидером во всём мире. Мы свидетели того, как он отражает нашу цивилизацию во всех остальных уголках планеты. Отражает цели, чаяния и идеалы свободного народа и самой свободы. Киноиндустрия использовала свои огромные ресурсы, таланты и возможности в искреннем стремлении помочь людям схожего с нами духа и лучше узнать друг друга. Диктаторы, — те, кто навязывает тоталитарную форму правления, — считает, что для их несчастных народов опасно знать, что при нашей демократии чиновники правительства являются слугами, а не хозяевами народа...".

Экс-президент Герберт Гувер во время своего срока посылал письменную телеграмму, отметив заслуги Академии, но радиообращение впервые было со стороны именно Франклина Рузвельта.

Почётные Оскары были вручены:

• Бобу Хоупу

"В знак признания его бескорыстных заслуг перед киноиндустрией".

• Полковнику Натану Левинсону.

"За выдающиеся заслуги перед промышленностью и армией за последние девять лет, которые сделали возможной нынешнюю эффективную мобилизацию мощностей киноиндустрии для производства армейских учебных фильмов".

Но всё-таки самым главным событием для истории Оскара, стало наличие ныне неотъемлемой традиции, которая родилась из-за прошлогоднего скандала, когда газетчики за пару часов до объявления лауреатов, напечатали имена победителей. Теперь же, перед каждым оглашением результата оскаровской гонки, будет предшествовать фраза "конверт, пожалуйста". Этот скромный нюанс подарил просто гламурному и престижному вечеру — элемент шоу, без которого уже невозможно представить Оскар. Благодаря конвертам и развлекательному тону ведущего Боба Хоупа, церемония стала обретать более чёткую форму. "Конвертная огранка" была очень уместна и теперь эта аутентичность прочно ассоциируется именно с Оскаром.

Фильмы, которые точно стоит посмотреть.

1. Миллион лет до нашей эры.

Режиссёр: Хэл Роач ст. Хэл Роач мл. 1940. США.

Две номинации без победы: Лучшие эффекты, Лучшая оригинальная музыка.

Один из главных блокбастеров года.
Доисторическая одиссея молодой пары, блуждающей по просторам дикого древнего мира, населённого мистическими динозаврами, гигантскими броненосцами и свирепыми мамонтами. К сожалению, сейчас фильм выглядит намного старше, чем миллион лет до нашей эры и смотрится, как любопытный документ эпохи, когда с помощью монтажа и инженерных эффектов, создавалось зрелище практически из ничего — с помощью одних только трюков. Больше чем сам фильм, восхищает подход к его созданию: как люди придумывали монстров, как реализовывали или совмещали миниатюрных животных с настоящими людьми да так, чтобы последние выглядели как маленькие и ничтожные существа.

Хэл Роач ст. настаивал на том, чтобы картину продюсировал сам Дэвид Уорк Гриффит и в таком случае, это была бы последняя картина в фильмографии "Шекспира от кинематографа", но по факту, как продюсер, он занимался только кастингом и заочно отбирал виды костюмов, которые могли бы быть в фильме. В итоге Гриффит всё-таки попросил убрать его имя из титров, хотя Хэл Роач до последнего, пока позволял профсоюз, рекламировал этот фильм, как созданный под руководством Дэвида Уорка Гриффита. И, возможно, что этот проект действительно гениально смог бы продюсировать или даже снять мастер немого кинематографа, потому что фильм, за исключением пролога, по своей сути — без слов. То есть, слова, конечно, есть, только они на выдуманном доисторическом языке. И тем яснее присутствие номинации на Лучшую оригинальную музыку, потому что композитор должен был создать партитуру минимум на полтора часа, пока идёт фильм. Там, где бы всё рассказали словами, приходилось восполнять музыкой, с помощью которой фильм должен был передать эмоции между людьми и создавать атмосферу той или иной локации, где у одного племени чувствуется враждебность, а у другого умиротворение. И, конечно, нагнетать чувство опасности, когда в кадре появляется какой-нибудь монстр, схлестнувшийся с себе подобным чудовищем. И да, дуэли между реальными животными здесь настоящие, за что фильм критиковали тогда и критикуют сейчас. В битве между аллигатором и вараном, последний получил серьёзное ранение, что лишний раз заставило Общество защиты прав животных обратить на это внимание и пристально следить за созданием подобных картин.

На сегодняшний день, если игнорировать факт реальной жестокости и избалованность современными спецэффектами, то, возможно, этот фильм действительно бы входил в тройку лучших по визуалу. Тот уровень гуттаперчевой фантазии создателей, действительно заслуживает внимания. Ну кто бы ещё додумался сделать из свиньи трицератопса и при чём так, что это выглядело довольно органично? Было отснято множество материала с подобными доисторическими созданиями, но от них пришлось отказаться, чтобы не растягивать фильм больше, чем следовало. Однако эти кадры не остались в Палеолите и изворотливые студии использовали их в разных фильмах вплоть до конца 80-х, предварительно раскрашивая для цветных картин.
Так что фильм, в каком-то смысле, приносил прибыль ещё полвека.

2. Лиллиан Расселл.

Режиссёр: Ирвинг Каммингс. 1940. США.

Номинация без победы: Лучшая работа художника-постановщика (ч/б).

Как минимум одна из трёх картин, посвящённая феминизму, что очень сильно выделяется на фоне устоявшегося голливудского клише, когда женщина в кино является либо любовницей, либо смиренной и любящей женой. Разумеется, женщина в голливудском фильме вероятней всего попадёт в беду, из которой её спасёт мужчина или, в конце концов, она сама является источником бед, которые нужно уладить мужчине.
При этом в этой тематике, картина менее удачная, хотя у неё есть все предпосылки, чтобы быть лучше. Приятный подбор песен и потрясающая Элис Фэй, которую с какого ракурса не снимай, она будет выглядеть идеально. Байопик — любимый жанр академиков, снят о реально существовавшей певице, чья мать боролась за права женщин. Увы, фильму не хватает какой-то страсти, хотя событий тут предостаточно. Там, где следовало быть более пылким, фильм выходит милым. Там где должна была быть драма на разрыв аорты, он подставляет вторую щёку для удара, чтобы смиренно всё снести и в следующей сцене забыть про это. Насыщенность событий есть, но их температура почти всегда 36'6.
Поэтому феминистская повестка здесь выходит на первый план, когда нам показывают женщину, думающую о карьере больше, чем о первой любви или когда она срывается на плачущего ребёнка, говоря, что он должен был уже спать. И это при том, что фильм зачем-то упускает возможность рассказать о четырёх свадьбах главной героини, а не о двух, как показано в картине, хотя это бы также продемонстрировало пренебрежение к святости бракосочетания.

Тем не менее, фильм выделяется, как на фоне мюзиклов, так и на фоне байопиков, которые в большей степени посвящены мужчинам: "Повесть о Луи Пастере", "Жизнь Эмиля Золя", "Великий Зигфелд" — их не счесть, и каждый год в главных категориях, иногда включая Лучший фильм, хотя бы один, а то и два или три появляются в номинации. Поэтому байопик о женщине, чьим именем назван фильм, смотрится свежо и сегодня, пускай без лишнего драматизма.

3. Синяя Птица.

Режиссёр: Уолтер Лэнг. 1940. США.

Две номинации без победы: Лучшая работа оператора (цвет), Лучшие спецэффекты.

Пьеса Мориса Метерлинка хоть и располагает к сценической постановке и крайне подвижна для киноязыка, является одной из самых сложных пьес в истории драматургии и не только из-за 67 действующих лиц, не считая массовки, но и из-за того, что часть этих персонажей, включая главных героев — дети... В случае театра постановка упрощается тем, что в любую фантасмагорию легко веришь, потому что каждое "магическое" появление воспринимаешь, как условность. Ты просто принимаешь эти правила игры, в которую играют не дети, а взрослые актёры, играющие детей. Но тогда теряется то очарование, какое вложено изначально в пьесу, когда дети всю дорогу, которую следует воспринимать, как жизненный путь, ищут счастье в виде Синей Птицы, а когда находят, обретают мудрость, свойственную столетнему человеку. Одна из сильнейших сцен в фильме, как раз является таковой, потому что главные роли исполняют дети. Когда они отправляются в прошлое, они вспоминают о своих бабушке и дедушке, которые просыпаются как раз потому, что о них вспомнили их внуки, но дети понимают, что в прошлом эту Синюю Птицу не отыскать и они идут дальше, на что их бабушка и дедушка говорят:

— Всегда они куда-то торопятся.
— Опять засыпать. Я никогда не доделаю эту куклу...
— Приятно, что они вообще о нас вспоминают и, возможно, пройдёт не так много времени... До следующего раза...

И этот возрастной контраст работает идеально на смысл сцены, да и всего фильма, когда люди стремятся к счастью, но забывают жить сегодняшним днём, в каждом из которых и заключено это счастье. В конце фильма одна из главных героинь — Митиль говорит у себя дома:

"Мы искали птицу, но всё это время, она была здесь."

И фильму, пожалуй, не повезло, что годом ранее вышел "Волшебник страны ОЗ", где по сути, концовка идентична по стилю и содержанию с экранизацией Метерлинка. С другой стороны, "Синяя Птица" была создана из-за успеха "Волшебника". Даже приём, когда фильм изначально снимается в черно-белом цвете, а в момент сновидения становится цветным, идёт в параллель с приключением Дороти, хотя в "Синей Птице", когда Митиль говорит о том, что в доме всё теперь так ярко и чудесно, так как она теперь счастлива и отдаёт себе в этом отчёт здесь и сейчас. Эта техническая примочка со сменой палитры играет на развитие персонажа. К тому же, Дороти возвращается обратно в канзасскую сепию, а Митиль и Тильтиль остаются в красочном мире до финальных титров.

Продюсер Дэррил Ф. Занук выкинул львиную долю второстепенных персонажей, чтобы сконцентрировать внимание на маленькой звезде и королеве бокс-офиса — Ширли Темпл. Он сделал её персонажа старше Тильтиля, чтобы оправдать её излишнюю инициативу и лидерство. Так же изменил её характер, сделав эгоистичной, чтобы ярче было видно изменение героини под конец фильма. Был добавлен актуальный пролог, где в дом главных героев приходит лесничий и говорит, что Наполеон объявил войну и нужна мобилизация. И это напрямую символизировало вторжение Гитлера в разные страны. Даже ответ отца семейства вторит этой символике:

"Но ведь в прошлый раз мы их удержали...".

Надо только отметить, что в пьесе всего вышеперечисленного не было. Фильм оказался актуальным из-за этой военной тематики, но очень сумбурным и при этом утратил свой философский подтекст в той полной мере, какой он присутствует в произведении Метерлинка.

"Синяя птица должна быть наивна, проста, легка, жизнерадостна, весела и призрачна, как детский сон и, вместе с тем, величава" — К.С. Станиславский, первый кто поставил пьесу бельгийского драматурга..

Помимо этого, многих оттолкнуло то, что Ширли Темпл, которую привыкли видеть лучиком добра в каждом её фильме, теперь играла очень капризную эгоистку. Всё это, плюс высокий бюджет в два миллиона, который не так просто окупить и недавняя премьера схожего "Волшебника Страны ОЗ", ещё шедшего в кинотеатрах, не способствовали успеху фильма и, таким образом, это был первый проект двенадцатилетней королевы бокс-офиса, который не принёс прибыли, а наоборот создал убытки. Это фэнтези сильно пошатнуло её карьеру и хотя в 40-х ещё появятся более-менее успешные фильмы, они не пойдут ни в какое сравнение с успехом 30-х, когда она была самой высокооплачиваемой звездой в Голливуде, при том, что ей, на секундочку, не было и десяти лет.

4. Путь Наслаждений.

Режиссёр: Грегори Ла Кава. 1940. США.

Номинация без победы: Лучшая женская роль второго плана.

Фильм о молодой женщине, решившей не следовать пути наслаждения, по которому шли её мать и бабушка, а именно: проституция. Живя в нищете, другой альтернативы, кроме как перенять по наследству эту "профессию", у героини Джинджер Роджерс просто не было, пока она, разумеется, не влюбилась и не нашла свой собственный истинный путь наслаждения.

Роджерс, которую мы привыкли видеть в тандеме с Фредом Астером и по большей части ниже пояса, потому что она отбивала чечётку в каждом первом фильме, наконец заставила нас обратить внимание на её печальное лицо, способное переходить в считанные секунды от радости к злости или к грусти, и это уж точно заслуживает номинации. Только получила она её за другой фильм, а в этом, академиков больше заинтересовала второстепенная роль её матери. Марджори Рэмбо здесь показана обыкновенной женщиной, которая живёт, как может, а ни падшей блудницей, ни отрицательным персонажем или человеком, который жил не правильно, а теперь встал на путь истинный. Конечно, проституция напрямую не упоминается, но актриса играет так, что всё понятно и без излишних пошлых намёков. Это удивляет в разгар Кодекса Хейса, когда проститутку показывают адекватным живым человеком, где она проявляет самые тёплые чувства к своей дочери и в одной сцене плачет, потому что её дочь влюбилась. По этому плачу мы понимаем всю судьбу её героини и домысливаем, возможно, её первый неудачный опыт влюблённости, который был много лет назад, когда каждый год исчисляется большим количеством мужчин и ни одного из них она не любила.
Возможно, именно эта сцена и в принципе актёрская игра Марджори Рэмбо, помогли закрыть глаза Хейсу на её сомнительную деятельность в фильме и, тем самым, не испортить его своим цензурным вмешательством в полной мере.

5. Моя любимая жена.

Режиссёр: Гарсон Канин. 1940. США.

Три номинации без победы: Лучший оригинальный сюжет, Лучшая работа художника-постановщика (ч/б), Лучшая оригинальная музыка.

Сумасбродная комедия, продюсером которой выступил Лео МакКерри.
После феноменального и, на тот момент, лучшего своего фильма "Ужасная Правда", он подписал контракт с исполнителями главных ролей — Кэри Грантом и Айрин Данн на фильм без предварительного сценария, настолько актёры доверяли режиссёру. МакКерри должен был лично снимать фильм "Моя любимая жена", но во время препродакшена попал в автокатастрофу и только чудо помогло ему выжить. Актёры отчаянно пытались быть смешными, когда их идейный вдохновитель лежал при смерти в больнице и это состояние неизбежно и не в лучшую сторону отразилось на фильме, где главная героиня также выживает после авиакрушения на необитаемом острове.

При этом сюжет фильма идеален для комедии: персонаж Кэри Гранта женится во второй раз, только вот его первая жена, которую считали пропавшей без вести, возвращается и заявляет, что она вполне себе жива. И хотя идея фильма основана на поэме "Эноха Ардена", номинация именно на Лучший оригинальный сюжет здесь уместна как никогда, но, пожалуй, Айрин Данн после реальной аварии Лео МакКерри, прониклась своим персонажем намного больше в драматическом плане, нежели комедийном. И поэтому изначальная комедия с очень смешной завязкой, превращается в серьёзную драму о выборе и чувстве долга. Как только фильм находит комедийный нерв, он решает не дёргать его, а просто обозначает крестиком, чтобы не дай Бог его не потревожить. Таким образом, фильм стал больше походить на трагедию оригинала "Эноха Ардена". Режиссёром выступил Гарсон Канин и хотя актёры ему доверяли, импровизации, благодаря которой прославились Кэрри Грант и Айрин Данн, не было в той мере, какой позволял МакКерри и из-за этого также фильм утратил свою фирменную изюминку.

По сути "Моя любимая жена" это негласный сиквел "Ужасной Правды" и он должен был подхватить это хаотичное, но созданное в одной комедийной тональности, состояние. Лео МакКерри, можно сказать, из больничной койки смотрел на монтажный стол и только профессионализм помог ему не заработать ещё и инфаркт, потому что увиденное не было похоже на комедию. Первая половина фильма была не очень смешной, но вторая утратила весь запас юмора и, помимо этого, МакКерри раздражал запутанный сюжет, который смутил даже его, человека, знавшего сценарий. Он принялся за монтаж и отснял ещё одну сцену, где эпизодическая роль судьи была растянута до второстепенной роли. И именно эта сцена к концу фильма поставила всю историю в правильное русло, когда судья буквально пересказал весь сюжет фильма, что было органично в рамках нужного жанра.

Фильм уступает якобы приквелу, но выглядит смешным и даже нежным под финал, который, всё равно напоминает "Ужасную Правду". Конечно, профессионализм вытащил картину из вероятного провала, но никто не отменяет сложность держать комедийное лицо всей съёмочной группе тогда, когда человек, вдохновивший эту же команду на проект без предварительного сценария, лежит в больнице и в любой момент, между дублями, может прийти весть об ухудшении его состояния с летальным исходом. Совпадение ли то, что сам Лео МакКерри после этой аварии сменит комедийный тон на более серьёзный в своей фильмографии, хотя и не утратит вкус жизни, который несомненно присутствует, пускай не такой смешной, но всё равно в духоподъёмной картине.

6. Морской Ястреб.

Режиссёр: Майкл Кёртис. США.

Четыре номинации без победы: Лучшая работа художника-постановщика (ч/б), Лучший звук, Лучшие спецэффекты, Лучшая музыка.

Очередной приключенческий фильм плаща и шпаги, стал десятой совместной работой Эррола Флинна и режиссёра Майкла Кёртиса. Этот блокбастер яркий пример воодушевляющей пропаганды, где король Испании символизировал Гитлера, а Королева Британии пыталась противостоять ему. Никто не скрывал идеи поддержать британцев этим фильмом. Особенно яркой была финальная речь королевы, когда её нация, готовая к войне, слышит про то, что защищать свободу — это долг всех свободных людей, потому что мир не принадлежит только одному человеку, в открытую имея ввиду Гитлера и его желание захватить всю Европу. Тем сильнее звучит эта речь из уст Флоры Робсон, блестяще сыгравшую Елизавету I.
Помимо Британии, фильм старался повлиять и на американскую общественность, чтобы она разделила эту эмпатию между собой и могла посочувствовать положению европейцев. Тем удачнее для фильма, что он стал массовым хитом и мог донести эту мысль до большинства и при этом остаться очень качественным произведением.

Батальные сцены действительно потрясающие и хотя Эррол Флинн стабилен, как локомотив, идущий по проверенным рельсам, они идут в правильном для фильма направлении. Музыку написал Эрих Корнгольд и её признали лучшей в его карьере, только почему-то здесь американская хватка, способная на что угодно поместить долларовый знак, потеряла бдительность и выпустила саундтрек (и то один фрагмент) только в 60-х.
Буквально каждый визуальный технический аспект картины был отмечен номинацией на Оскар, но уж больно фильм напоминал "Одиссею Капитана Блада", снятого тем же Кёртисом, с тем же актёром, пускай и с менее актуальной темой. Не заметить такой блокбастер было бы ошибкой, но уж если "Одиссея Капитана Блада" в 1935 ничего не получила, хотя была номинирована на главные категории (Лучшие фильм, режиссёр и сценарий), то у "Морского Ястреба" шансы были ещё меньше.

7. Знак Зорро.

Режиссёр: Рубен Мамулян. 1940. США.

Номинация без победы: Лучшая оригинальная музыка.

Ещё живо поколение, которое помнит кинохит "Знак Зорро" 1920 с Дугласом Фэрбэнксом старшим, но он был немым, а к моменту Второй Мировой, звукового Зорро так и не сняли. Черные плащ и маска появились в тот момент, когда мир нуждался в справедливости, как никогда. Супергеройское кино, до супергероев. Совпадение ли то, что именно этот фильм смотрит маленький Брюс Уэйн в кинотеатре и вскоре становится Бэтменом?

Однако, именно по причине свежей памяти от незабываемого немого фильма, критики были снисходительны к звуковой версии, хотя и отмечали, что Тайрон Пауэр идеально подходит для роли Зорро: в меру ироничный харизматик, который идеально смотрится в образе всем знакомого героя, впервые появившегося в полностью черном одеянии. Но самое лучшее здесь то, что безусловно прошло проверку временем, а именно финальная дуэль на шпагах. Критики отмечали, что Эрролу Флину, которого как раз называли новым Дугласом Фэрбэнксом старшим, нужно участить тренировки фехтования, потому что Пауэр дышит ему в спину с обнажённой шпагой. В сравнении с тем, как фехтуют в "Морском Ястребе", где во время дуэли оператор берёт преимущественно средний план одного фехтовальщика, а не общий двух сразу, "Знак Зорро" мог бы легко выиграть Оскар за лучший поединок один на один, если бы такой имелся среди категорий. Да вот только такого Оскара нет и блокбастеру пришлось довольствоваться одной безвыигрышной номинацией на Лучшую оригинальную музыку, которая здесь безусловно талантлива, но далеко не первостепенна. Самое ценное здесь как раз экшен, апогеем которой служит дуэль, какую ты и ждёшь в подобном фильме о Зорро.

8. Дом о семи фронтонах.

Режиссёр: Джо Май. 1940. США.

Номинация без победы: Лучшая оригинальная музыка.

Фильм сразу же погружает тебя в пучину событий, из которой, кажется, главному герою не спастись, и уже с первой сцены ты думаешь:"Господи, куда всё идёт, и как оттуда выбраться?", — но, к сожалению, фильм ослабляет путы снижением динамики и даёт тебе вспомнить, что ты смотришь фильм 1940 года. Однако игра актёров просто восхитительна, а сюжет заслуживает соответствующей номинации, которой в итоге не было. И это при том, что студия Universal экономила на фильме как могла. За него взялись-то только потому что книга, по которой снимали картину, была в общественном достоянии и не надо было платить авторские.

Студия к этому времени во всю делала сиквелы своих фильмов ужасов про Франкенштейнов, Дракул и Человеков-Невидимок, поэтому сей слепок категории "Б" отразился и на создании "Дома о семи фронтонах", но вся прелесть в том, что этот слепок скрыли актёры и захватывающий первоисточник, в котором брат обвиняет брата в убийстве из-за алчности. Эта общая канва жадности и мести сохранилась, только вот сценарист был коммунистических взглядов, поэтому один из персонажей был сделан аболиционистом, а в некоторых сценах открыто критиковался капитализм. В главном отрицательном персонаже прослеживался фашистский толк "разделяй и властвуй" и нельзя сказать, что всё это не пошло на руку фильму. Может, он был несколько перегружен темой равенства, сместив акцент картины, с другой стороны она вторила замыслу режиссёра: фильм, как метафора противостояния фашизму и прославления свободы мысли, самой разной — от либеральной до коммунистической.
И это тот самый случай, когда сложно сказать заветное: "Книга лучше", — фильм оказался вполне себе самостоятельным произведением, а если учитывать, что первоисточник является общественным достоянием, то его переосмысление может быть каким угодно.

9. Воскресни, любовь моя.

Режиссёр: Митчелл Лейзен.

Номинации: Лучшая работа оператора (ч/б), Лучшая работа художника-постановщика (ч/б), Лучшая музыка.
Победа за Лучший оригинальный сюжет.

Именно сюжет в этом фильме лучшее.
Пленника, приговорённого к смерти, спасает журналистка, которая выдаёт себя за его жену и тем самым смягчает приговор согласно закону. Вдвойне это работает, когда узнаёшь, что этот случай основан на реальном событии и втройне, когда вспоминаешь название фильма, отсылающее к Песне Соломона. Задумка гениальна на уровне синопсиса, но по большей части на уровне синопсиса и остаётся... Во многом из-за пускай единственной, но очень явной проблемы.
Нью-Йорк Таймс:

"Воскресни, любовь моя" циничный способ использовать войну в Европе. Эта картина пытается придать смысл приятному апрельскому роману в Париже, вовлекая его в реалии войны, войны, которую описывают в заголовках изданий, которые на этой войне не были. Актёры очень очаровательны, когда остаются наедине. Но, когда вокруг них горит Европа, им, как это ни парадоксально, не становится жарко. То же самое касается всего фильма".

Их любовь кажется чем-то инородным на фоне войны, а залихватский юмор и несерьёзная бравада, крайне неуместны в тех горячих точках, которые перестают быть таковыми из-за снижения градуса.

Но именно этот фильм Клодетт Кольбер называла любимым из всех, в которых она снималась, играя на максимуме своих возможностей, впрочем, как и везде. Но как бы не цинично звучало, этот фильм через влюблённую пару в точности олицетворяет спокойную Америку, которая наблюдает за тем, как горит Европа и освещает это в газетах, журналисты которой в этих горячих точках не были и ни единой строчки не посвящают тому, что надо бы помочь союзникам хотя бы в плане продовольствия и оружия.

С другой стороны, фильм и не преследует цели продемонстрировать ужас на другой части света. Это приключенческий ромком, который так и позиционировался, а если бы не Вторая Мировая, для фильма выбрали бы другой военный фон, чтобы показать на переднем плане историю любви.

10. Играйте, музыканты!

Режиссёр: Басби Беркли. 1940. США.

Две номинации: Лучшая песня, Лучшая музыка.
Победа за Лучший звук.

За Лучший звук в четвёртый раз статуэтку получил Дуглас Ширер. И очень выигрышно для звукорежиссёра, когда главный герой, сыгранный Микки Руни, является ударником и большинство музыкальных номеров построено на перкуссии.

Это был второй фильм, где сыграли вместе Джуди Гарленд и Микки Руни, первым был также мюзикл "Дети в доспехах". Этот тандем нового поколения был таким же прибыльным и ныне знаковым, как Фред Астер и Джинджер Роджерс или Джанет МакДональд и Эдди Нельсен. Они поют, играют на всех музыкальных инструментах, какие попадаются под руку, танцуют и в принципе отрабатывают каждый доллар, который потратил Луи Б. Майер на создание этих звёзд и их обучение. И, возможно, отрабатывают даже сверх нормы, потому что молодые актёры держат на себе весь фильм, который не сильно отличается от фабулы "Дети в доспехах", но он и не скрывает этого. Как серия фильмов "Бродвейская мелодия" или "Золотоискательницы" отличали года выпусков в названии, так и мюзиклу "Играйте, музыканты!" эта кардинальная смена успешной формулы не очень-то нужна, учитывая, что он занял пятое место в списке самых кассовых фильмов года. Это один из тех мюзиклов, на котором отдыхаешь сердцем и просто смотришь на то, как молодые ребята пытаются собрать 200 долларов на гастроли, строят планы, влюбляются и дышат энергией и желанием изменить мир. И в это охотно веришь, учитывая, что у таких же амбициозных актёров Микки Руни и Джуди Гарленд это получилось с улыбкой на лице.

11. Великий МакГинти.

Режиссёр: Престон Стёрджес. 1940. США.

Победа за Лучший оригинальный сценарий.

Итак, первый лауреат категории, которая сохранилась до наших дней.

Всё чаще можно встретить сочетание режиссёра и сценариста в одном лице, но не настолько, чтобы выйти хотя бы в 50/50. Чарли Чаплин это делал задолго до Оскара; Бен Хект, уже не в первый раз, снял фильм по собственному сценарию "Ангелы над Бродвеем" (номинация в этой же категории); Престон Стёрджес также написал сценарий и решил сесть в режиссёрское кресло. Это важно отмечать, потому что в Голливуде полноценных авторов, способных написать сценарий и снять по нему фильм, можно сосчитать по пальцем одной руки. Уже упомянутый Чарли Чаплин скорее исключение из правила. Был Дэвид Уорк Гриффит, да только он как лет десять отошёл от дел, а начинал снимать в ту немую пору, когда режиссёр в принципе выполнял все обязательства на съёмочной площадке, к созданию которой он также мог приложить усилие... Лео МакКерри? Он именно придумывал сюжет и полагался в основном на импровизацию. Бен Хект тоже не идеальный пример, потому что изначально был всё-таки писателем и сценаристом и только потом робко начал снимать свои фильмы.

Если взять две сценарные категории и определить сколько всего было оригинальных сценариев, то в колонке Лучший оригинальный сюжет получится: пять лауреатов из одиннадцати, то есть, у других шести победителей сюжетные концепции создавались вокруг литературных первоисточников. Несмотря на название категории, — Лучший оригинальный сюжет, — в действительности оригинальными на момент 13 церемонии, были только 20 номинантов из 47. Все остальные оригинальные концепции строились на основе существующих произведений. И из всех 47 номинантов всего два режиссёра и написали сценарий, и сняли по нему фильм: Чарли Чаплин ("Цирк") и Лео МакКерри в со-авторстве ("Любовный Роман"). Ни один из них не победил.

Теперь Лучший сценарий, когда оригинальный и адаптированный сценарии были объединены в одну категорию: два лауреата из трёх возможных победителей. Всего номинантов с оригинальными сценариями было к этому моменту 5 из 36. Все остальные адаптированные. И ни одного человека, который совмещал бы в себе и режиссёра, и сценариста. Среди номинантов разок появлялся Джозеф Манкевич, но свой первый фильм ("Драгонвик"), он снимет только через шесть лет.

Теперь же, появилась новая соответствующая категория — Лучший оригинальный сценарий. И тем знаменательней, что статуэтку получил человек, который написал сценарий и создал по нему свой фильм, то есть, по сути мы имеем дело с авторским произведением, пускай и чисто жанрового характера.

Престон Стёрджес продал сценарий за десять долларов, но с условием, что сам снимет фильм. Paramount согласилась и предоставила Стёрджесу бюджет в 350 000 долларов, трехнедельный график съемок и встречное условие: никаких суперзвёзд, которые бы не уместились в заданный бюджет. Съёмки его дебютного фильма были настоящим адом и не только из-за финансовых рамок. Стёрджес в итоге не уложился в график. Ему пришлось отпустить Акима Тамирова в соседний павильон для съёмок другого фильма. Это недоразумение было улажено, поскольку вины режиссёра здесь не было. Сложно его винить и в том, что сам Стёрджес заболел пневмонией во время съёмок, и бок о бок с медсестрой на площадке ему приходилось создавать свой фильм, который в итоге не стал сенсацией, хотя был отмечен Оскаром и критиками, что также помогло привлечь внимание зрителей и даже принести символическую прибыль.

Сам фильм повторяет структуру гангстерских, но помещает этот жанр на политическую закулисную арену, что помогает поддерживать зрительский интерес. Криминальный фильм, где стреляют раз или два, и то мимо цели. Это маленький революционный звоночек к переосмыслению жанра мог родиться исключительно из-под руки оригинального сценария и поэтому так ценно, что его отметили и академики.

12. Гордость и Предубеждение.

Режиссёр: Роберт З. Леонард. 1940. США.

Победа за Лучшего художника-постановщика (ч/б).

Первый лауреат разделённой категории.
Костюмированная сатира не сможет порадовать людей, которые читали книгу, но для всех остальных его стоит посмотреть хотя бы ради Лоуренса Оливье, британца, набирающего темпы американской суперзвезды, которая встала в одно созвездие с именами Чарльза Лоутена и Лесли Говарда. Актрисы, играющие дочерей тоже радуют глаз, если не принимать во внимание то, что самой старшей дочери 22, а самой младшей 15, тогда как их играют актрисы 36 и 23 лет соответственно. В театре такая условность, опять же, сработала бы, но особенно в нынешнее время кажется нелепым контрастом, когда Голливуд с присущей дотошностью создаёт костюмы того времени, получает Оскар за феноменальные декорации, но при этом выбирает актрис, исходя из их звёздности и доступности в плане контрактов, а не по схожести с героинями в плане не только возраста, но и типажа.

Наверно, из-за мискаста и вынужденности сделать этот фильм, поскольку был запланирован, он принёс убыток. Первоначально съемки планировалось начать в октябре 1936 года под руководством Ирвинга Тальберга. На главные роли он хотел взять Кларка Гейбла и Норму Ширер, но всё оборвалось из-за его скоропостижной смерти за месяц до съёмок. А зная то, как Тальберг сделал "Даму с Камелиями", "Марию Антуанетту" или "Ромеу и Джульетту", понимаешь, что костюмированная экранизация "Гордость и предубеждение" могла бы быть в далеко не последних номинациях на этой церемонии.

13. Человек с Запада.

Режиссёр: Уилльям Уайлер. 1940. США.

Две номинации: Лучший оригинальный сюжет, Лучшая работа художника (ч/б)
Победа за Лучшую мужскую роль второго плана.

Уолтер Бреннан получил свой третий актёрский Оскар в категории Лучшая мужская роль второго плана, и таким образом, стал первым человеком в истории премии, который получил больше двух статуэток среди актёрских номинаций. Стоит также напомнить, что категория второго плана существует всего пятый год... Более того, это была третья победа из трёх, то есть, каждый раз, когда его номинировали, он неизбежно получал статуэтку. Другой вопрос, заслуженно ли? Пожалуй, этот раз самый заслуженный из всех, но не без оговорок в сторону естественной накрутки голосов...

Начиная с церемонии 1937 года, Академия допустила до регламента голосования ВСЕХ членов профсоюзов и гильдии кинематографистов, а не только академиков. Среди департаментов присутствовали и статисты, коих, как правило, было подавляющее большинство, а среди них большей симпатией они проникались именно к Уолтеру Бреннану. Академии ничего не оставалось, кроме как проверить, кто же в таком количестве голосует за одного и того же актёра каждый раз, когда он номинируется и это оказались именно статисты. Это было настолько явно, что Академия отстранила эту гильдию от голосования, но Оскар забирать у Бреннана, разумеется, не стала, потому что талант актёра всё-таки здесь выходит на первый план и именно это раздражало Гэри Купера, исполнителя главной роли. Когда Купер узнал, что он будет играть с Уолтером Бреннаном, он хотел отказаться от роли, полагая, что уже его персонаж будет второстепенным, а не главным, как позиционировалось изначально. Актёр написал продюсеру:

"Я не могу понять, зачем Вам нужен именно Гэри Купер?".

Но Голливуд это не то место, где после подписания контракта можно отказаться от роли по причине "не хочу".

Капризный Гэри Купер, чьё опасение потерять свою звёздность на фоне других известных актёров ещё со времён съёмок с Марлен Дитрих, согласился сыграть в фильме, но добавил, что в каждом кадре будет демонстрировать свой протест... Виден ли он? Будь Гэри Купер не просто шаблонной звездой Голливуда, которую сделали студии, то это бы кто-нибудь и заметил, но на фоне того же Уолтера Бреннана, где каждая его сцена наполнена какими-то интересными деталями, исполнитель главной роли уходит на второй план... Выигрышна для Бреннана и роль реального судьи, который был на диком западе и лицом правосудия, и хозяином борделя, который превращался в зал суда, где нужно было приговорить людей, как правило, к смерти. Здесь легко считывается аналогия с Гитлером, когда самодур придумывает законы и назначает себя судьёй.

Больше чем Купера или Бреннана, стоит отметить Дорис Дэвенпорт, которая в своё время пробовалась на роль Скарлетт О'Хара в "Унесённых ветром" и настолько понравилась продюсерам, что стала одной из финалисток на эту роль. Каждая сцена с ней запоминается и какой-то особенной кажется та, где герой Гэри Купера просит локон её волос для своей аферы, а она про неё не знает и воспринимает этот жест, как порыв влюблённости. За одну короткую сцену можно увидеть, как она сначала видит в этом оскорбление и излишнюю торопливость событий, но потом постепенно оттаивает и её негодование сменяется улыбкой на лице. За одну короткую сцену актриса сыграла больший спектр эмоций, чем Гэри Купер за всю свою фильмографию к этому моменту, хотя, надо признать, что в этой же сцене он более чем на своём месте.

Поэтому также обидно, когда Уолтер Бреннан получает третий Оскар из трёх за пять лет существования данной категории, а Дорис Дэвенпорт снимется в ещё одном фильме "Жизнь Репортёра" (номинация на Лучший звук) и после уйдёт из кино из-за отсутствие предложений.

14. Всё это и небо в придачу.

Режиссёр: Анатоль Литвак. 1940. США.

Три номинации без победы: Лучший фильм, Лучшая женская роль второго плана, Лучшая работа оператора (ч/б).

История повествует о гувернантке, которая приходит в дом в семью и видит, что обстановка напоминает скорее остывший семейный очаг, где каждый из членов семьи успел обжечься об него и впоследствии мы узнаём, что виной тому супруга герцога. Собственница, которой должны подчиняться, в том числе её дети, лишённые материнской любви по причине неврастении со стороны их матери. Гувернантка, которую блестяще играет Бетт Дэвис, заменяет этим детям мать, но при этом не претендует на это звание, хотя невольно влюбляет в себя герцога, что вызывает лютую ревность со стороны жены, сыгранную Барбарой О'Нил, которая и была номинирована на Оскар во второстепенной категории.

Сюжет идеален для голливудской постановки, хотя и несколько затянут. Два с лишним часа экранного времени для довольно прозаичной фабулы, более чем достаточно. Это же отмечали издания того времени, при этом положительно отзываясь о самом фильме:
Нью-Йорк Таймс:

"Кинозрители, готовые долго смотреть фильм, найдут в нём источник большого эмоционального удовлетворения; другие, менее спартанского настроя, наверняка заметят, как их терпение истощается, когда с экранов им внушают сравнительно незамысловатую историю.

Успешная костюмированная драма полная слёз, но при этом несколько старомодная, что не помешало занять ей пятое место среди лучших фильмов года. В опросе участвовало 546 критиков. С другой стороны, быть просто чувственной костюмированной драмой уже недостаточно, когда мир видел "Унесённые Ветром". "Всё это и небо в придачу" или "Гордость и предубеждение", должны были бы предоставить нечто грандиозное на следующий год после победы самого прибыльного фильма в истории кино (с учётом инфляции). Планка завышена до небес и наличие номинации на Лучший фильм года, конечно, хороший показатель, но даже когда голосовали за этот фильм, чтобы он попал в номинации, вряд ли кто-то верил в его победу, хотя все ингредиенты, нужные для получения награды в главной категории, кажется присутствуют. Но, увы, невозможно делать вид, что предыдущего года и восьми выигрышных статуэток у одной эпической картины не было.

15. Мост Ватерлоо.

Режиссёр: Мервин ЛеРой. 1940. США.

Две номинации без победы: Лучшая работа оператора (ч/б), Лучшая оригинальная музыка.

Вот тот фильм, который должен был быть номинирован вместо "Всё это и небо в придачу" на Лучший фильм года и даже иметь все шансы выиграть. "Мост Ватерлоо" действительно не только голливудская, но и мировая классика кинематографа и одна из лучших ролей Вивьен Ли, которая, как и Роберт Тейлор, называли это своим любимым фильмом.

Возможно, не сыграла на руку отсутствие хэппиенда и цензура, поэтому фильм просто не увидело большее количество академиков, чем должно было бы. В картине поднимается тема проституции и при этом максимально сглаживается даже тогда, когда само упоминание этой профессии было бы уместным и безобидным, на фоне беспорядочных связей героини Вивьен Ли, про которые и так намекаются в фильме. Некоторые диалоги вывозит только актёрская игра, тогда как сами по себе они крайне условны и в отрыве от видеоряда ни о чём не говорят зрителю. Мать спокойно спрашивает у будущей жены своего сына о том, был ли у неё другой, совершенно понимая, что героиня Ли могла быть с кем-то, думая, что её возлюбленный был убит на войне. На что слышит ответ:"Вы так наивны..." и по этому ответу понимает, что она занималась проституцией. Как она это понимает? А вот так и не иначе... С другой стороны, это мелочь, которая кажется незначительной только через призму современного мира. Главное здесь всё-таки игра двух актёров и просто потрясающая трогательная история. Роберт Тейлор так говорил о своей игре:

"Это был первый раз, когда я действительно выдал актёрскую игру, которая соответствовала зачастую недостижимым стандартам, которые я всегда устанавливал для себя... Мисс Ли была просто великолепна в своей роли. Благодаря ей я выглядел лучше в кадре".

Вивьен Ли сначала не хотела работать с Тейлором и видела в главной роли своего мужа — Лоуренса Оливье. Вскоре она поменяла мнение и отмечала высочайший талант своего партнёра.

И опять сюжет строится вокруг британцев и вновь идёт закольцовывание двух мировых войн, где фильм начинается с объявления войны Гитлером, а продолжается флешбеком из Первой Мировой. Это быстрое реагирование, исходя из контекста, и угода актуальности — вневременные. Это идеально работает на усиление драматизма и утяжеление содержания, при этом смотрится на одном дыхании, которые ты задерживаешь вместе с двумя влюблёнными и держишь его до их расставания.

16. Багдадский Вор.

Режиссёры: Майкл Пауэлл, Людвиг Бергер, Тим Уилан. 1940. Великобритания.

Номинация на Лучшую оригинальную музыку.
Три победы: Лучшая работа оператора (цвет), Лучшая работа художника-постановщика (цвет), Лучшие спецэффекты.

Потрясающее фэнтези, которое получило больше всего Оскаров на церемонии, став таким образом, первым фильмом, который не был номинирован на Лучший фильм года, но при этом получил больше всего наград на тот момент.

Режиссёров-постановщиков у этой картины полным полно, но художественный руководитель только один. Британский мастер кино Александр Корда, создал настоящую арабскую сказку с преимущественно восточным составом и на это следовало бы обратить внимание Голливуду, который в фильмах а-ля "Благословенная Земля" использует белых американцев для роли китайцев... Конрадт Фейдт, конечно, немец, но имея опыт в съёмках фильмах ужаса, он здесь на своём месте, как главный злодей. Созданный им антагонист действительно гипнотизирует своими дьявольскими глазами.

Насколько же значимый и культовый этот фильм?

Он получил Оскар за спецэффекты, которые до сих пор используется в кинематографе. Здесь впервые был применён хромакей и что-то добавить к этому сложно. Даже далёкий от ремесла художника по спецэффектам человек поймёт, какого уровня этот вклад. Также для тех, кто видел мультфильм "Алладин", тот на каждом шагу будет видеть отсылки к этому фильму, где он услышит имя Абу и увидит образ, с которого списывали диснеевские художники этого персонажа, узнаёт Джафара в исполнении Конрадта Фейдта или Султана, одержимого своими игрушками... В конце концов, это просто-напросто потрясающая сказка, прошедшая проверку временем. Она идеальна для детей любого возраста и способна восхитить своими трюками даже взрослых.

Фильм был самым успешным для Александра Корды в США. Последний, с которым он блистал на Оскаре, был "Частная Жизнь Генриха VIII" 1933 года. Фильм также имел успех в Европе насколько это возможно, с учётом войны. Хотя фильм был снят в Лондоне, работа над ним была завершена в Калифорнии из-за начала Второй Мировой.

Это один из лучших блокбастеров того времени, если не лучший и главный вопрос кроется только в одном: "Багдадский Вор" 1924 года с Дугласом Фэрбенксом старшим или же этот ремейк 1940 года? И ответ очень прост — оба. Немой фильм по своему прекрасен и, возможно, даже ещё более сказочен, чем британский ремейк, но последний всё-таки со звуком. И именно это их главное отличие между собой. Единственный минус британского "Вора" в том, что с ролью принцессы ошиблись, видимо, из-за нехватки времени на кастинг, так как хотели на эту роль Вивьен Ли, но она уехала в Голливуд. В принцессу, сыгранную Джун Дюпрез, очень сложно влюбиться главному герою за тот короткий промежуток, какой уделяет им фильм. Иные спросят:"А когда любовь с первого взгляда в сказках была подробным процессом?", — и правда в этом есть, но здесь это не работает, потому что между актёрами не пробегает вольтова дуга и никакой Джин, даже если бы он мог влюблять людей, не смог бы исполнить это желание. А если уж у главных героев эта любовь выглядит условно-киношно и больше для завязки сюжета, то и зритель будет воспринимать это просто, как сюжетную необходимость, а не главную составляющую фильма.

В любом случае, если к немому "Багдадскому Вору" могут быть предубеждение касательно его немоты, то британский ремейк идеальная альтернатива ещё по той причине, что он в отличии от других блокбастеров, таких как "Миллион лет до нашей эры" с интересом смотрится и сегодня для публики любых возрастов, что делает фильм универсальным.

После окончания войны, Александр Корда подарил фильм Советскому Союзу в качестве благодарности за победу над нацизмом.

17. Пиноккио.

Продюсер: Уолт Дисней. 1940. США.

Две победы: Лучшая оригинальная музыка, Лучшая песня.

Первый мультфильм, который выиграл статуэтку (причём сразу две), не за Лучший анимационный короткометражный фильм, если не считать "Белоснежку", которая получила почётную статуэтку и безвыигрышную номинацию на Лучшую музыку. До этого "Путешествие Гулливера" имело такую же пару номинаций, как у "Пиноккио", но не выиграл ни в одной. Собственно этот мультфильм является третьим, после вышеупомянутых, полнометражным в истории. Эта сказка одна из лучших в мире, которая в итоге провалилась в прокате. Она могла бы реабилитироваться за счёт мировых сборов, но миру было не до мультфильмов.

Уолт Дисней был буквально одержим идеей сделать из сказки Коллоди мультфильм, однако перед ним встала не самая простая задача, с какой он столкнулся впервые, именно в работе над "Пиноккио". Предстояло адаптировать для детской аудитории полноценную сказку. "Белоснежка", конечно, тоже адаптация, но вольность трактовки была безграничной, тогда как сюжет про куклу, мечтавшую стать живым мальчиком, очень конкретна в своём сюжетном повествовании. Следовало уместить целую книгу в полнометражный мультфильм. Опыт "Белоснежки" безусловно доказал, что люди могут смотреть мультики больше часа, но одного успешного примера мало для статистики.

Самое важное было переосмысление самого персонажа.
В сказке Коллоди, которую в принципе сложно назвать сказкой в детском восприятии этого слова, Пиноккио скорее раздражает, нежели располагает к себе. Эта капризная кукла с девизом "методом проб и ошибок" просто бы не сочеталась с красками Диснея. И вот как раз самое интересное в ранних диснеевских картинах — это референсы. Для создания "Белоснежки", Дисней вдохновлялся "Ромео и Джульеттой" Тальберга и немецким экспрессионизмом, а для "Пиноккио" предложил позаимствовать образ куклы у Чарли Маккарти — известный персонаж в руках чревовещателя Эдгара Бергена, — сохранив только неуёмный характер, описанный в книге. Если и есть в нём отрицательные черты, они исходят из неопытности, неготовности к этому миру, ведь вместо навязанного букваря, он выбирает жизненный опыт.
Однако сам образ, само осознание того, как рисовать Пиноккио в голову не приходило. Вплоть до того, что сам Дисней в какой-то момент сдался, потому что считал, что если не будет идеального образа Пиноккио, то не будет, разумеется, и мультфильма.

И это тот случай, когда сама студия хотела создать мультик. Сценаристы продолжали писать, а художники предложили максимально простую идею: нарисовать Пиноккио самым простым мальчиком, а после дополнить штрихами места, где соединяются деревянные суставы. Уолт Дисней понял, что в этой наивности и простоте кроется ключ к образу и решил продолжить работу над мультфильмом. Чтобы усилить эффект этого детского образа, Дисней пригласил на озвучку одиннадцатилетнего паренька, ранее игравшего у Фрэнка Капры, что также было новаторским решением, так как дети, как правило, не принимали участие в озвучке.

В категории Лучшие визуальные эффекты было 14 соискателей, но отсутствовал "Пиноккио", где вместе с анимацией можно было увидеть реальные дождь, воду, молнии, дым и тень...

"Вода выглядит настолько реальной, что человек может в ней утонуть."

Говорили художники по анимации. Но это что касается визуала. Внутренняя составляющая, как это обычно свойственно гениальным мультфильмам, через простую форму говорит об очень важных, краеугольных вещах для человечности. Один из аниматоров, присутствующих на премьере в 1940 году говорил:

"Желание Пиноккио быть настоящим мальчиком остается основной темой фильма, но "стать настоящим мальчиком" теперь означает желание повзрослеть."

Таким образом, история кино имеет один из лучших мультфильмов о взрослении, где чтобы стать настоящим мальчиком, нужно отказаться от букваря и самому изведать мир, став лучше и опытней. Самому прийти к озарению, а не с помощью вспомогательных атрибутов.

В настоящее время, этот мультфильм с самым высоким рейтингом у Диснея среди критиков и является каноничным прочтением сказки Коллоди, которая до смешного разнится с диснеевским творением. Однако именно мультфильм прочно ассоциируется в масскульте с Пиноккио и уже сложно представить его без сверчка Джимини, которого деревянный мальчик в сказке Коллоди вообще-то убивает молотком, и имени своего он сообщить не успевает. Имя ему придумал Дисней...

"Пиноккио", всё-таки окупился в прокате, но уже после войны. И хотя мультфильм отмечен Оскарами, причём соревновательными, он как и "Белоснежка" не удостоился номинации на Лучший фильм года, хотя вполне мог даже претендовать на победу в этом году, когда целому миру следовало бы стать "настоящим мальчиком".

18. Иностранный Корреспондент.

Режиссёр: Альфред Хичкок. 1940. США.

Шесть номинаций без победы: Лучший фильм, Лучшая мужская роль второго плана, Лучший оригинальный сценарий, Лучшая работа оператора (ч/б)
Лучшая работа художника-постановщика (ч/б), Лучшие спецэффекты.

Ну когда бы ещё шпионский триллер был номинирован на Оскар в категории Лучший фильм года, если не в 40-х? И кто ещё должен был его снять, если не Альфред Хичкок!

В фильме рассказывается история американского репортёра из Великобритании, который пытается разоблачить вражеских шпионов, вовлеченных в вымышленный глобальный заговор в преддверии Второй Мировой Войны. Звучит это максимально топорно даже для 1940 года и хотя критики отмечали высокое качество фильма, они ставили на нём метку категории "Б".
В действительности это развлекательный фильм на серьёзную тему, чья серьёзность повышена за счёт контекста. Возможно, двумя годами ранее или двумя годами позже, когда война уже вовсю шла по всему земному шару, этот фильм не снискал бы такую славу среди академиков, тем более в лице номинации на Лучший фильм. За счёт своей актуальности и атмосферы, в которой никому нельзя доверять, фильм был очень успешен. И этот зайтгайст шёл впереди художественных особенностей фильма, которые заключались по большей части в технических аспектах. Финальная сцена крушения самолёта до сих пор заставит людей погадать, как это сделано. За эту буквально крышесносную сцену и была получена номинация на Лучшие визуальные эффекты.

Над "Иностранным Корреспондентом" работало, можно сказать, самостоятельная маленькая редакция в лице десяти сценаристов, что как-то не вяжется со статусом фильма категорией "Б"... Высокий бюджет, который не смог себя окупить, также не располагает для этого клейма. Однако он показывает, что Хичкок, будучи гениальным творцом, прекрасно осознавал время, в котором он живёт. Заговор, шпионы, слежка, информационная война... Все эти штампы стали явью, и мастер ужаса с лёгкостью демонстрирует это в своём фильме, где за кулисами все готовятся к полномасштабной войне. Ужас здесь заключается не в монстрах Франкенштейна или вампирах, а в том, что реальность оказалась страшнее этих чудовищ и Хичкок, заметив это, перенёс этот страх на экран.

19. Письмо.

Режиссёр: Уилльям Уайлер. 1940. США.

Семь номинаций без победы: Лучший фильм, Лучшая женская роль, Лучшая мужская роль второго плана, Лучший режиссер, Лучшая работа оператора (ч/б), Лучший монтаж, Лучшая оригинальная музыка.

Бетт Дэвис продолжает штурм Академии и номинируется уже третий раз подряд! Знаменательно то, что за эту же роль была номинирована Джоан Иглз из одноимённого фильма 1929 года. Таким образом, это первый раз, когда две актрисы были номинированы за одну и ту же роль в разных фильмах. Сравнение с более ранним фильмом крайне интересно, потому что оно показывает, как изменился подход к съёмкам, режиссура, актёрская игра и цензура на примере двух одинаковых и острых в плане сюжета фильмов за всего-то десять лет.

Версия 1940 года одна из тех, чей сюжет лучше не знать до просмотра фильма. В картине 1929 года нам показывает всё в хронологическом порядке, а именно диалог между двумя любовниками, оба которых состоят в браке. Мы видим последовательный конфликт, результатом которого на наших глазах является хладнокровное убийство. Однако Уилльям Уайлер в фильме 1940 года делаете интереснее и начинает со стрельбы без всякой болтовни. И по игре Бетт Дэвис невозможно определить мотивы этого убийства. Поэтому начало безусловно более выгодно в поздней версии.

Диалоги прописаны живо и естественно насколько это возможно, что также добавляет плюс в версии Уайлера. Мизансцены, вся техническая составляющая также на высоком уровне, тогда как в "Письме" 1929, всё сводится к перечислению событийного ряда, а не его проживанию. Связано это с тем, что только-только появился звук и всё внимание, все силы были брошены на этот новый аттракцион, который сам собой делал фильм интересней для публики того времени. "Письмо" 1940 года, разумеется, уже просто не могло довольствоваться только звуком и поэтому надо было задействовать весь технический и художественный арсенал киноиндустрии, благо режиссёр для этого был выбран идеальный.

Далее, к сожалению, идёт несколько аспектов, которые более выигрышны для версии 1929 года... Кодекс Хейса отклонил оригинальную адаптацию сюжета поскольку в нём содержались супружеская измена и безнаказанное убийство, которое прощал суд. То есть, закон ошибся, а этого быть не могло по мнению Кодекса. Поэтому была добавлена новая финальная сцена, в которой вдова убитого мужа мстит. Если не знать контекста, то такая концовка кажется даже интересней, только вот зная о цензурных ограничениях, чести Голливуду это не делает. Все помнят, как лихо обходили цензуру, скажем, в ромкоме "Это случилось однажды ночью" и Уилльям Уайлер в фильме "Письмо" также проделал тонкую работу. Но как бы он поставил концовку, будь у него полный творческий карт-бланш? Так что это изменение спорное и требует оговорки. Но что точно хуже с точки зрения морали и художественного высказывания, так это то, что вдова в оригинале была китаянка, но по Кодексу нельзя показывать на экране кровосмесительную пару разных рас. Зато белой женщине Гейл Сондергаард можно играть китаянку в браке с белым мужчиной при условии, если она загримирована.

Тем не менее, если миновать закулисный контекст, то версия Уайлера кажется безупречно точной. Можно сказать, безошибочной даже в плане каста. Уайлер долго уговаривал взять на роль адвоката Джеймса Стивенсона, но Джек Л. Уорнер глава Warner Bros говорил, что роль слишком важная и нельзя рисковать, чтобы её играл ноунэйм.
Роль Джеймса Стивенсона принесла ему номинацию на Оскар.

20. Китти Фойль.

Режиссёр: Сэм Вуд. 1940. США.

Четыре номинации: Лучший фильм, Лучший режиссер, Лучший адаптированный сценарий, Лучший звук.
Победа за Лучшую женскую роль.

Джинджер Роджерс могла бы получить номинацию и за "Путь Наслаждения", но выиграла Оскар за про-феминистскую роль Китти Фойль.

Фильм начинается с пролога, где женщины митингует, чтобы получить право голоса и это задаёт очень верный тон для дальнейшего повествования. Героиня Роджерс взаимно влюбляется в богатого владельца журнала со своей редакцией, но когда его дело прогорает он вынужден вернуться к семейному бизнесу, от которого сбежал, чтобы создать свой собственный. Дело только в том, что семья определённо не одобрит связи с простой девушкой без крова и достатка. Когда он знакомит её со своей семьей, эти опасения подтверждаются и получает предупреждение, что если она останется с ним в другом городе, откуда невозможно вести семейный бизнес, то он не получит наследство и это при том ещё условии, что Китти отправят в высшую школу, чтобы она соответствовала статусу их семьи. И вот дальше идёт самое интересное в плане феминистской тематики: и хотя возлюбленный готов пойти на отказ от наследства, Китти Фойль решает, что он не справится с бедностью, которую она черпала с детства, как его семья утверждала, что она не привыкла к жизни высокого социального статуса.
Китти Фойль в исполнении Джинджер Роджерс ореол самодостаточности. Ей не нужны подачки или жертвы со стороны мужчины. Она довольна своим образованием и социальным статусом. Она работает за троих и сама хочет сделать себе имя, даже если придётся пожертвовать своим возлюбленным, за которого она хотела выйти явно не из-за денег, на что слышит со стороны отца жениха:

— Это неразумно!
— Может, для вас.

Но для неё это естественное и единственно верное чувство. Она, конечно, любит источник её счастья в виде этого мужчины, но себя она любит больше. В хорошем смысле этого значения.

"Я знаю, как назову своего ребёнка. Он будет носить фамилию Фойль... Он вырастет и будет гордиться своим именем и своей матерью. И, чёрт побери, он тоже станет борцом. Твёрдым, как сосна. Том Фойль — самый крутой парень в округе".

Под конец фильма подытоживается мысль, что женщинам в действительности нужны не мужчины, а что-то связанное с их собственным будущем. В конечном итоге всё сводится к банальной самореализации, которая может проявиться в любой форме от работы до материнства и оно намного более важное, чем влюблённость.

В этом году прослеживается феминистская тенденция в фильмах, — как минимум три появились на Оскаре, — "Лиллиан Расселл", "Китти Фойль" и "Аризона" (Лучшая оригинальная музыка, Лучший художник в ч/б), где показана "женщина с яйцами" времён Гражданской Войны в максимально маскулинном жанре — вестерн. И хотя "Китти Фойль" довольно необычный фильм для 1940 года в плане своего посыла, многие сцены всё равно вызывают чувство де-жавю старых фильмов и знакомых ситуаций. Тем ценнее, что их проигрывает Джинджер Роджерс, которая делает каждую сцену фильма особенной. Стоит также отметить, что она играет своего персонажа с подросткового возраста и выглядит на удивление безумно органично, что лишний раз подчёркивает обаяние актрисы, которая создала своим образом новый стиль в моде, безумно популярный в 40-е. Он так и назывался — "платье Китти Фойль".

Когда она получала статуэтку, она произнесла короткую речь, запечатлённую на ту самую плёнку для архива:

"Я не знаю, как это случилось, но вот я держу его в руках... Теперь он мой и я действительно благодарна за этот величайший момент в моей жизни".

21. Филадельфийская История.

Режиссёр: Джордж Кьюкор. 1940. США.

Четыре номинации: Лучший фильм, Лучшая женская роль, Лучшая женская роль второго плана, Лучший режиссер.
Две победы: Лучшая мужская роль, Лучший адаптированный сценарий.

Фильм считается одним из лучших примеров поджанра комедии о повторном браке, когда пара разводится, флиртует с посторонними, а затем снова вступает в брак. И это в разгар Кодекса Хейса, когда развод считался скандальным, а изображение внебрачных связей было запрещено. Сыграло на руку то, что это комедия, а не серьёзное повествование направленное на то, что развод и интрижки это хорошо.

Бродвейский драматург Филип Барри написал пьесу специально для Кэтрин Хёпбэрн, которая продюсировала спектакль, вложив в него свои деньги и отказалась от зарплаты в обмен на процент от прибыли, какая была больше миллиона! Уже тогда можно увидеть, как великая актриса подготавливала себе почву для реабилитации. Она надеялась создать для себя плацдарм, с которого могла бы взлететь и стереть ярлык "кассового яда", который она приобрела после ряда коммерческих неудач. Нужен был только подходящий скипидар и "Филадельфийская история" казалась идеальным вариантом.

Последним успешным фильмом, где солировала Кэтрин Хёпбэрн, был "Элис Адамс" 1935, где она также была номинирована на Оскар. Все остальные с её участием приносили убыток за убытком. Шесть картин подряд! Исключение составил лишь фильм "Выход на сцену", но там она играла в паре с Джинджер Роджерс и в принципе не была на первом плане. После очередного провалившегося фильма "Праздник", актриса сделала то, что максимально было необходимо для человека её профессии, когда раз за разом она терпела неудачу и создавала однотипные образы — она сделала перерыв. Этот совет и сейчас был бы уместным для некоторых современных актёров... Перерыв в целых два года разделяли её последнюю работу "Праздник" и "Филадельфийскую историю". Этот промежуток для голливудских актёров, привыкших батрачить, как только появляется работа, губителен для карьеры. Тем не менее, Хёпбэрн не сидела сложа руки, она ещё играла в спектаклях и пьесу "Филадельфийскую Историю", права на которую она выкупила почти за бесценок по дружбе и продала для экранизации Луису Б. Майеру втридорога, за 250 000 долларов с одним условием: право выбора съёмочной команды, абсолютно каждого её члена, остаётся за актрисой.

Хёпбэрн выбрала Джорджа Кьюкора, который снял с ней "Маленькие Женщины", один из кинохитов актрисы, до её тотальных кассовых неудач. Также она выбрала Джеймса Стюарта и Кэри Гранта, с которым ранее уже работала, хотя последний согласился сыграть за довольно высокий гонорар в 137 000 долларов! Это полбюджета какого-нибудь фильма... Впрочем, эту сумму он запросил не ради корысти, а чтобы пожертвовать Британскому обществу помощи жертвам войны.
Итак, Кэтрин Хёпбэрн старалась максимально воссоздать секрет успеха её прошлых фильмов и окружить себя проверенными людьми, которым бы она доверяла. И фильм был не просто успешен, он вошёл на четвёртое место в ТОПе самых кассовых фильмов года. Актриса в лучших продюсерских традициях подобно Мюнхгаузену вытащила себя из болота, сделала фильм успешным и, как бывало, вновь получила номинацию на Оскар. Феминизм, как видно, проявлялся не только на экране, но и за кулисами. Забавно то, что роль Китти Фойль предлагалась изначально Хёпбэрн, но она от неё отказалась...

Сценарий был расхвален каждым критиком, который писал про фильм, в эпоху, когда всё повествование было, как правило, линейное. В "Филадельфийской Истории" же несколько комедийных линий, каждая из которых сопровождается до конца фильма. Может, они несколько сумбурны и неровны в плане равнозначности между собой, но сам приём можно считать новаторским, потому что мы имеем здесь почти сериальный формат, когда сложно выделить одного главного героя. Фильм буквально предтеча какому-нибудь телевизионному ситкому.

Однако! Джеймс Стюарт всё-таки получил Оскар за главную мужскую роль и это можно считать реабилитацией за прошлогодний промах Академии, когда свою именно лучшую роль он сыграл в фильме "Мистер Смит едет в Вашингтон". Про нынешнюю же он говорил так:

"Это было самым простым "Оскаром", который только можно представить для победы. Всё, что мне нужно было сделать, это не мешать фильму."

Единственный интересный вклад его, как актёра, работающего над образом, заключался в том, что он прослушивал аудиозапись спектакля и выписывал те реплики, которые вызывали наибольший смех у публики. И совпадение ли, что самые смешные реплики именно у Стюарта? Но, тем не менее, статуэтка всё-таки реабилитационная, а не заслуженная за конкретную роль, где как было сказано, сложно выделить главную. Если бы разговор шёл о второстепенной категории, то безусловно Стюарт должен был забрать её у Бреннана, а так это выглядит, как типичный и очень жирный oscar's snubs на фоне других соискателей.

22. Долгий путь домой.

Режиссёр: Джон Форд. 1940. США.

Шесть номинаций без побед: Лучший фильм, Лучший адаптированный сценарий, Лучшая работа оператора (ч/б), Лучший монтаж, Лучшие спецэффекты, Лучший оригинальная музыка.

Предтеча нуара. Так можно было бы охарактеризовать фильм, который прочно не ассоциируется с Джоном Фордом, но всё равно занимает значительное место в его фильмографии, хотя бы потому что два его фильма в один год были номинированы на Лучший. Тем не менее, самое запоминающееся здесь это работа оператора Грегга Толанда, которого впоследствии возьмёт Орсон Уэллс для съёмок "Гражданина Кейна" в следующем году.

Оригинальная пьеса Юджина О'Нила, по которой снимался фильм, была создана вокруг событий Первой Мировой, хотя напрямую война в кадре не показывается и нет никаких военных действий. Джон Форд направляет сюжет в сторону первых дней уже Второй Мировой и через этот фильм в очередной раз видно, как кинематограф был озабочен этой темой, что даже там, где для сюжета это не имеет особой важности, режиссёр всё равно внедряет этот незримый тревожный дух в свой фильм. Сам О'Нил сказал Форду, что фильм был "грандиозным, глубоко трогательным и красивым произведением".

Но как ни странно, режиссура Форда здесь настолько же интересна, как работа продюсера Уолтера Вангера, который, как было сказано, являлся президентом Академии. Он создал следующую новаторскую технику в рекламе фильма: нанял девять кинематографистов за 50 тысяч долларов, чтобы те документировали съёмку и подготовку фильма. Ранее в Голливуде да и в принципе в мировом кинематографе не предпринимались никакие подобные инициативы подобного масштаба. Это было сделано не сколько для архива, сколько для рекламы, потому что на отснятый и задокументированный материал, хватило несколько короткометражных фильмов, которые показывались в рамках музейного цикла в Нью-Йорке и именно там фильм собрал наибольшую кассу, хотя по стране не снискал хорошей прибыли. Во многом из-за мрачного тона фильма. К тому же, при путешествии в открытом океане, отсутствовала приключенческая романтика, свойственная морским роуд-муви, и фильмам Форда в принципе, но, увы, здесь его режиссёрский гений сконцентрировался больше на актёрах, сценарии и операторской работе.

23. Гроздья Гнева.

Режиссёр: Джон Форд. 1940. США.

Пять номинаций: Лучший фильм, Лучшая мужская роль, Лучший адаптированный сценарий, Лучший звук, Лучший монтаж.
Две победы: Лучший режиссёр, Лучшая женская роль второго плана.

Великая Депрессия уже как несколько лет остаётся просто неприятным послевкусием, но именно "Гроздья Гнева" являются прямым олицетворением предыдущего десятилетия. Основанный на одноимённом романе Джона Стейнбека, получившего Пулитцеровскую премию годом ранее, фильм рассказывает о семье, которая потеряла свою ферму из-за механизации и вынуждена искать новый дом, рисуя "бедный портрет Америки" начала 30-х годов в пик депрессии, крайне отличающийся от большинства лощёных голливудских кинолент того времени.

В фильме множества гениальных сцен, которые как раз показывают почему Джон Форд взял второй Оскар за Лучшую режиссуру. Его точности мог бы позавидовать хирург в сцене, возможно, лучшей во всём фильме, когда самосвал сносит ферму бедной семьи и камера от их опустошённых лиц переходит на их тени, которые падают на следы от этого самосвала. И в одном этом кадре заключена вся суть фильма и Великой Депрессии. Следы от самосвала, которые как бы перечеркнули тени, то есть, жизни живых людей. Это настолько важный кадр, что Джон Форд акцентирует на нём внимание дважды в рамках одной сцены. Фильм считается лучшим не только в его фильмографии, но одним из сильнейших в мире. В 1989 году это был один из первых 25 фильмов, отобранных Библиотекой Конгресса для сохранения в Национальном реестре фильмов США, как "культурно, исторически или эстетически значимый". Режиссура Форда проявляется даже в трёхминутном крупном плане Генри Фонды, который сидит и шёпотом в ночи говорит маме, что уйдёт от семьи, но чтобы быть там, где люди будут сытыми, где полицейские не избивают людей, где чувство несправедливости уступает простому человеческому счастью. Один крупный план человеческого лица и душераздирающий монолог. Иногда режиссура — это просто отсеять лишнее и сконцентрироваться на главном.

Генри Фонда в принципе если и должен был получить Оскар, то за эту роль, особенно это явным кажется на фоне качественного десятилетия в плане его фильмографии и не очень заслуженного выигрыша Джеймса Стюарта в этом году. Возможно, Фонда просто не везло в тот или иной сильный по соперникам год, и поэтому его ни разу не номинировали, хотя на Оскаре фильмы с его участием были завсегдатаями. Наконец Академия очухалась и поняла, что где-то уже видела этого паренька в каждом втором фильме, который отправлялся на соискание премии. Это первая его актёрская номинация, за которую он более чем обоснованно мог получить статуэтку.

Отдельно стоит отметить Джейн Дарвелл, заслуженно получившую Оскар за Лучшую роль второго плана. Если говорить о всё том же феминизме, то глава семейства здесь не мужчина, хотя отец среди них присутствует. Дарвелл создала очень нежный, именно материнский и при этом уверенный в себе образ женщины, которой свойственны мечты или грусть нынешнего положения, но вместе с этим, она единственная кто, будто на себе тащит трёхметровый ветхий скарб и всю голодную семью разом.
Эта смелая женщина, созданная актрисой, душа этой семьи и всего фильма.

Конечно, цензуру никто не отменял в том плане, что некоторые сильнейшие сцены, которые также характеризуют роман, не были включены в фильм. Ну невозможно было бы показать на экране того времени, как женщина предлагает свою наполненную молоком грудь, умирающему от голода мужчине. Но пьесу Андрея Платонова "14 красных избушек", где сельчанка сцеживает молоко для всего посёлка, потому что её ребёнок был мертворожденным и вовсе была опубликована в 1988 году, хотя написана она была в 1932. К некоторым проявлением художественного языка мировая цензура была просто не готова в разной степени его проявления в разных странах, но то, что роман Стейнбека опубликовали в момент разгара Кодекса Хейса и возможной уязвимости авторитета Соединённых Штатов, которые только-только начали оправляться от худшего десятилетия в их истории и то, что по этой книге снял фильм один из самых заметных кинорежиссёров современности, уже говорит об очень многом.
Впрочем, некоторые цензурные ограничения касались не Кодекса. Так, например, из фильма выкинули русофобский монолог фермера:

"Красные хотят 35 центов в час, когда мы платим 25".

Тем самым, создатели фильма сконцентрировались на себе и в принципе сделали историю общей (хотя при этом левого толка), потому что в таком нищенском положении мог оказаться и оказывался любой человек мира вне зависимости от политических взглядов и гражданства. За счёт такого нюанса, фильм можно смотреть любому человеку планеты, и он неизбежно мог бы узнать там себя. На примере одной семьи мы видим целую нацию или даже всё человечество, оказавшееся в точке, кажется, невозврата. Великая Депрессия здесь нечто естественное, как часть природы или время года, которое не сменится на безмятежное и тёплое лето. Это сага об утраченной земле, земле за которую они боролись за свою независимость и теперь её отняли, но при этом они терпят все невзгоды и продолжают свой путь, держа в кулаке гроздья гнева и только за счёт этого, за счёт своего упрямства, они никогда не бывают побеждены до конца, их выживание само по себе является триумфом, которое они пронесут до конца пути, где сам пункт назначения не так уж важен.

"Мы не исчезаем. Нас не истребить. Это бесполезно. Мы будем существовать всегда, потому что мы и есть народ".

24. Великий Диктатор.

Режиссёр: Чарли Чаплин. 1940. США.

Пять номинаций: Лучший фильм, Лучшая мужская роль, Лучшая мужская роль второго плана, Лучший оригинальный сценарий, Лучшая оригинальная музыка.

Антивоенная сатира с элементами черной комедии, к которой написал музыку и сценарий, а также срежиссировал, спродюсировал и сыграл главную роль — Чарли Чаплин. Он стал первым человеком с таким послужным списком, кто номинировался на Оскар в нескольких категориях сразу да ещё и за один фильм.

Он был единственным автором, который продолжил снимать немые фильмы уже после появления звука и решил снять звуковой тогда, когда Третий Рейх в течении года завоёвывает Данию, Норвегию, Бельгию, Голландию, Нидерланды, Люксембург, Францию, присоединяет Словакию, Венгрию и Румынию, а в числе его союзников числятся Япония, Австрия, фашистские Италия и Испания.
Чаплин создал звуковой фильм тогда, когда его бродяжка, уже не мог молчать.

"Великий диктатор" пользовался чрезвычайной популярностью у зрителей и стал самым кассовым фильмом Чаплина, помимо этого, он взобрался на вторую строчку самых кассовых фильмов года, уступив только вестерну "Шумный Город" (Номинации на Лучшего оператора (ч/б) и Лучшие спецэффекты). Современные критики оценили его исторически значимым и одним из величайших комедийных фильмов, когда-либо снятых в жанре сатиры, однако позже в своей автобиографии Чаплин сказал, что не стал бы снимать фильм в таком ключе, если бы знал об истинных масштабах нацистских преступлений. После Холокоста, кинематографу понадобилось ни одно десятилетие, чтобы найти правильный ракурс и тон для высмеивания эпохи, пока Мэл Брукс не снял фильм "Продюсеры" в 1968 году.

Чаплин играет обе главные роли: безжалостного фашистского диктатора и преследуемого властями еврея. И всё-таки жизнь — лучший режиссёр, потому что Гитлер и Чаплин родились в один год и один месяц с разницей в четыре дня. Сын Чаплина лучше всех описал их судьбы:

Они были полной противоположностью. Один из них заставлял плакать миллионы, а другой — заставлял смеяться".

Поэтому сюжетный приём внешней схожести между диктатором и цирюльником усиливает этот эффект. Особенно когда фильм начинается с диктаторского монолога на тарабарщине а-ля немецкого происхождения, а заканчивается одним из лучших в истории кино финальным монологом еврейского цирюльника, очень схожего с диктатором. Эту речь можно было бы преподавать в школе, чтобы дети учили её наизусть. Каждый политик прежде чем попасть на свой пост, должен был бы вместе с присягой говорить слова простого маленького человека, чьё сердце больше, чем у великого диктатора. Как проверить силу этого монолога? Третий Рейх и Бенито Муссолини были в ярости от этого фильма и, разумеется, запретили его к показу. При этом Чаплин со свойственным ему любопытством отправил копию фильма самому Гитлеру и есть подтверждение того, что Гитлер его посмотрел, причём дважды. Чаплин говорил, что отдал бы всё своё состояние, чтобы только узнать его мнение о фильме.

Что же касается Оскара, то отсутствие побед в каждой из номинации, можно расценивать, как один из самых ужасных промахов Академии. Этот промах можно задокументировать, как слабость киноиндустрии перед политическим смелым высказыванием. Эта слабость проявила себя впервые с фильмом "Жизнь Эмиля Золя" и продолжилась с "Великим Диктатором". Но разница в том, что первый хоть в открытую и не осуждает антисемитизм, в итоге взял Оскар за Лучший фильм, а шедевр Чаплина прокатили по всем фронтам. И это мы ещё упускаем отсутствие номинации за режиссуру.

Лучшая мужская роль — разве можно было проигнорировать двойную работу актёра, который при этом должен был ещё следить за всем процессом съёмок? И хотя Джеймс Стюарт получил свой единственный Оскар за всю карьеру, он получил его не за тот фильма, а выигрышную статуэтку следовало бы отдать Чаплину, у которого в принципе не было актёрской награды.
Разве могли академики забыть про каноничную сцену с глобусом, который вертит диктатор и соответствующую музыку? Она просто обязана была получить Оскар.
В конце концов, сценарий, на листах которого есть тот самый монолог, навсегда вошедший в историю кинематографа.

И, конечно, Лучший фильм. "Великий Диктатор" повлиял почти на всех режиссёров представителей кардинально разных жанров: от Стэнли Кубрика до Мэла Брукса. Вклад Чаплина в жанр комедии неисчерпаем и говорит о том, что даже в самое мрачное время суток, можно иной раз улыбнуться и смехом победить само зло.
Один из худших промахов причём по всем категориям в истории Оскара, но на этот раз можно хотя бы сказать спасибо за то, что фильм в принципе отметили. "Огни большого города" или "Новые Времена" вообще остались без номинаций...

25. Ребекка.

Режиссёр: Альфред Хичкок. 1940. США.

Девять номинаций: Лучшая мужская роль, Лучшая женская роль, Лучшая женская роль второго плана, Лучший режиссер, Лучший адаптированный сценарий, Лучшая работа художника (ч/б), Лучший монтаж, Лучшие спецэффекты, Лучший оригинальный саундтрек.
Две победы: Лучший фильм, Лучший оператор (ч/б).

Американский дебют Альфреда Хичкока. После этого фильма ни у кого не было сомнений, что великий мастер триллеров, приехал в Америку, чтобы остаться.

Психологический триллер "Ребекка" уместился на третьем месте самых кассовых фильмов года и имел также высокий критический успех. Это также была самая популярная картина в Великобритании. Фильм получил одиннадцать номинаций Оскар и в итоге побил рекорд прошлогодних "Унесённых Ветром" по количеству номинаций, хотя получил намного меньше наград. Всего две: Лучший фильм и Лучшая операторская работа (ч/б). Продюсером "Ребекки" был также Дэвид О. Селзник, который также продюсировал и "Унесённые Ветром", что сделало его первым продюсером в истории Оскара, чьи фильмы подряд взяли статуэтку за Лучший фильм года. Также это стало последним случаем, когда фильм выиграл в номинации Лучший фильм, но не выиграл ни за режиссуру, ни за актерскую игру, ни за сценарий. Но Оскар вполне можно было бы дать Селзнику за всего один правильный и лучший в его карьере продюсерский ход: пригласить Хичкока в Голливуд и позволить снять ему высокобюджетный фильм.

И грех ли жаловаться тогда, когда "Ребекка" первый и последний фильм Хичкока, который стал лучшим в его фильмографии на церемонии Оскар? Когда неотразимый Лоуренс Оливье и воздушная Джоан Фонтейн, роль которой была самая желанная после Скарлетт ОХара, создали одну из лучших пар в истории кино? Когда на экране мы увидели один из лучших образов злодеек, которых мы также ненавидим, как мисс Рэтчет или исчезнувшую в исполнении Розамунд Пайк? (Джудит Андерсон, сыгравшая зловещую экономку, стала первой австралийкой, получившей актёрскую номинацию и она единственная в её карьере) Не стоит также забывать про операторскую работу Джорджа Барнса, которая лишний раз подтверждает его же собственный гений. Это его четвёртая и первая выигрышная номинация, первые три были получены на первой церемонии Оскар, но все три проиграли четвёртой картине "Восход Солнца: песня для двоих".

Нет, безусловно, это потрясающий и лучший фильм Хичкока на момент 1940 года, режиссёра, умудрившегося по приезду в Америку внести сразу две свои картины на соискание главной статуэтки, хотя Джон Форд и Сэм Вуд также могут похвастаться таким достижением.

И можно, конечно, критиковать Академию в пользу не выбора картины Чаплина, как фаворита, особенно в год тотального ужаса, который вот-вот в полной мере накроет всю планету, всё-таки Хичкок говорит об этой же войне, просто не с помощью прямолинейной сатиры и высмеивания диктатора.
Сюжет фильма строится вокруг Ребекки, погибшей жены, которая в кадре ни разу не появляется и при этом является главным антагонистом картины. Она разрушает жизни двух влюблённых, один из которых её бывший муж, ничего при этом не делая. То есть, саспенс строится вокруг только лишь предчувствия ужасной катастрофы, а именно это испытывала Америка и остальная половина земного шара, ещё не охваченная Второй Мировой Войной полноценно. Хичкок, будучи гением, воспроизвёл страх и ужас войны, не показав войну в кадре. Его фильм это демонстрация того, как страх съедает душу задолго до того, как это показал Фассбиндер... Присутствие этого зла стараются игнорировать главные герои, но чем больше они пытаются умолчать это, тем пагубнее их участь.

Конечно, выбор академиков выглядит, как компромисс, чтобы лишний раз не портить и так плохие отношения с внешним миром и не дестабилизировать сохраняющую нейтралитет американскую общественность крайне скандальным выбором в пользу "Великого Диктатора", чья скандальность сама по себе уже сенсационного масштаба. Это именно компромисс, который не отменяет гениальность Хичкока, а только подчёркивает её, пускай в очень кровавый год, когда Академии не хватило решимости в открытую высмеять крикливого и кровавого клоуна со свастикой на рукаве.

Итоги: ...

Итак, свершилось! В категории Лучший анимационный короткометражный фильм наконец-то выиграл... не Дисней... Пускай и по той причине, что его не было в этой категории... Все силы всё-таки были вложены в "Пиноккио". Выиграл мультик "Млечный Путь", хотя два других номинанта тоже любопытны. Среди них "Дикий Кролик" с первым появлением Багза Банни и "За что наказали кота", что впоследствии станет более известное, как "Том и Джерри". Год буквально оказался кладезем для анимации!
За лучший монтаж статуэтку взял блокбастер "Северо-западная конная полиция" с Гэри Купером и как всегда для блокбастера более чем заслуженно, хотя в случае "Ребекки", возможно, это было бы более уместно.
Вероятно, произведение Хичкока продемонстрировала нерешительность Академии в открытую осудить тоталитарный режим, всё-таки год на фильмы вышел богатым, как в прокатном, так и художественном планах. Конечно, после "Унесённых Ветром" теперь планка для каждой картины завышена, как никогда прежде и снимать так, как снимали раньше, означало бы просто неуважением к своему собственному потенциалу, который однажды раскрылся во всей своей красе. И несколько фильмов не в главных категориях на планку даже не смотрели, а просто штамповали качественные фильмы без оглядки на шедевры. Это в буквальном смысле можно было бы назвать кинопроизводством. Но также были и те, кто соответствовал высокому стандарту прошлогоднего кинохита. И что приятно, львиная доля этих фильмов попали в главную категорию.

Видео-монтаж на некоторых победителей и номинантов этой церемонии.

* * *

Вуди Аллен негодует...

А какой фильм для Вас всё-таки лучший? "Великий Диктатор" или "Ребекка"? Пишите в комментариях и оставляйте диктаторские, великие лайки!
Всем добра и здоровья! Не забудьте подписаться!