Кто не читал статью про одиннадцатую церемонию Оскар и не видел оттуда фильмов, то милости просим сюда, а затем обратно.
1939 год.
События в мире:
· 1 сентября. Начало Второй Мировой Войны.
· Венгрия присоединяется к Антикоминтерновскому пакту.
· В Москве заключён Договор о дружбе и границе между СССР и Третьим Рейхом, который фактически закрепил раздел территории Польши между этими странами. Польша сдаётся после 36 дней войны.
· СССР нападает на Финляндию.
События в Америке:
· 2 января — на обложке журнала TIME человек года - Адольф Гитлер.
· Президент США Франклин Д. Рузвельт в радиообращении к нации заявляет о нейтралитете.
· Начало Манхэттенского проекта: президенту США вручают письмо за подписью Альберта Эйнштейна, призывающее Соединенные Штаты быстро разработать атомную бомбу.
· В комиксах DC (27 номер) впервые появляется Бэтмен.
29 февраля 1940 года проходит двенадцатая церемония Оскар.
Фрэнк Капра к тому времени был всё ещё действующим президентом Академии и, возможно, он принял наилучшее решение за все годы правления ассоциацией. Впервые церемонию вручения наград засняли на камеру, сделав короткометражный фильм за 30 000 долларов. В фильм вошли: приход звёздных гостей, банкет и вручения наград. Оператором был оскароносец первой церемонии Карл Штрусс (фильм "Восход Солнца")
Луис Б. Майер уже снимал на плёнку третью церемонию, но она была фрагментарной и постановочной (как и все последующие), а создавалась скорее для архива, тогда как нынешняя запись даже крутилась в кинотеатрах Лос-Анджелеса. А главное, все архивные фильмы, которые обрывочно записывали моменты награждений, до этого были отрепетированными, тогда как в этом специальном короткометражном фильме, мы видим шоу таким, каким оно было тогда — в момент оскаровской ночи.
Журнал Variety несколько ехидно, но понимающе отмечал, что кинозвёзды, присутствовавшие на церемонии, прекрасно отдавали себе отчёт в том, что их впервые снимают на камеру, и поэтому мероприятие было настолько гламурным, насколько возможно. Журнал особенно отметил актрис в мехах и украшениях, одетых по последнему пику моды.
В начале этого короткометражного фильма, носившее гордое название "Кавалькада Наград Академии", объясняют принцип голосования, очень бегло проходятся по событиям предыдущих церемоний и переходят непосредственно к награждению. Проводил торжество Боб Хоуп, и помимо того, что это впервые, когда мы можем услышать и увидеть монолог ведущего, это его первый из девятнадцати рекордных раз, когда он вёл церемонию.
Изменения в номинациях.
Разделена номинация на Лучшего оператора!
Как в своё время режиссура была разделена на комедию и драму, так операторскую работу разъединили на две категории: Лучший оператор черно-белого фильма и Лучший оператор, цвет.
На примере предыдущих трёх лет можно заметить следующие тенденции: хотя существовала конкурсная номинация на Лучшего оператора, до этого момента ни один цветной фильм не выдвигался на соискание; лишь одну картину в году выделяли почётной премией с гравировкой "особое достижение за операторскую работу в цветном фильме". Так картины "Сады Аллаха", "Звезда Родилась" и "Влюблённые" получали внеконкурсные Оскары и были вне официальной конкуренции. Теперь же академики решили, что пора дать цветным фильмам легитимно побороться за премию, но пускать их на соискание в одной категории с черно-белыми лентами всё-таки не решились.
И это требует долгого объяснения.
Цветные фильмы хоть и встречаются намного реже, чем черно-белые картины, у них есть преимущество, какого у монохромных кинолент нет и это, как не удивительно — цвет. Как в своё время не решились поместить первую звуковую картину "Певец Джаза" в лонг-лист Лучших фильмов, так как это было бы нечестно из-за весомого преимущества в виде наличия звука. Возможно, если бы немые фильмы не канули в лету и собирали колоссальные сборы повсеместно, а не только за счёт Чарли Чаплина, то Академия решила бы разделить и главную категорию на Лучший звуковой фильм и Лучший немой фильм. Но если немые картины стали словно винтаж, который никто не ценит, то цветные киноленты теперь неотъемлемая часть кинематографа, которую не нужно более награждать особо, так как ничего особенного в уже привычном техническом приёме нет.
Однако разделение этой категории связано ещё с тем, что работа оператора над черно-белыми и цветными фильмами довольно сильно отличается, а на заре цветного кинематографа вообще находится на разных уровнях. Цвет в кино потребовал нового изучения этого ремесла, отсюда и почётные Оскары за вклад, развитие и работу в цветном фильме. Та голливудская система освещения, киноаппаратура и оптика, которые работали добрые 40 лет, теперь нуждались в переоценке возможностей и выразительных средств, какие должен предоставить оператор, вплоть до выбора плёнки. Можно себе также представить новый десятый круг ада для художников-постановщиков и монтажёров, которые должны учитывать, что, например, черно-белая плёнка в отличии от цветной, менее чувствительна к красному цвету, тем самым, делая более тёплые цвета темнее, чем их видит глаз (отсюда, кстати, красные лампы при проявке фото). И это лишь один из сотни нюансов, которые киноделы должны учитывать. В техническом аспекте цветной кинематограф оказался намного сложнее, но Голливуд и весь мир с успехом овладеет этими навыками, в то время как нельзя не заметить любопытный факт: цветной кинематограф создавать легче, чем черно-белый и вот почему...
Основа черно-белого фильма — контраст между черным и белым: более темные предметы расположены ближе, чем светлые и отделить свет от тьмы можно только градациями серого. Так оператор акцентирует внимание на том или ином предмете, показывая его объём, выявляя фактуру или представляя в наилучшем ракурсе. Цветное кино, конечно, тоже использует эти принципы, но, вместе с этим, появляется новая возможность: расставлять акценты, разделять персонажа от фона за счёт цветовой палитры, задавать настроение сцены, раскрывать персонажа и даже давать понять, кто является злодеем, а кто героем. Взять, к примеру, пожар в Атланте из картины "Унесенные Ветром" и то же бедствие в фильме "В старом Чикаго". Чтобы ужаснуться масштабом трагедии достаточно просто увидеть цветное изображение огня, но в черно-белом фильме необходимо использовать все художественные аспекты, которые бы работали на восприятие: музыка, актёрская игра, ракурсы, монтаж... Тогда как в картине "Унесённые Ветром" нас поражает один только кадр и во многом благодаря цвету. Этот прогресс сильно упрощает киноязык, как в своё время появление звука упростило кинематограф в целом. Больше не было необходимости раскрывать персонажа через поэзию кадра, ему достаточно просто сказать, что он чувствует. Изощрения в повествовании снизились до минимума, а с появлением цвета в кино упростились ещё сильнее. Тем ответственней подход к созданию фильма, где наличие цвета или звука не должны упрощать, а наоборот упиваться новыми техническими возможностями, превращая их в художественные ценности. И, забегая вперёд, "Унесённые Ветром", один из таких ярких удачных примеров.
Новая старая номинация!
Лучшие спецэффекты — эта номинация уже присутствовала на Оскаре в первой его церемонии и просуществовав всего один год, носило название Лучшие инженерные эффекты. Однако, на прошлой церемонии фильму "Порождение Севера" вручили почётную статуэтку с гравировкой "за создании специальных визуальных и звуковых эффектов", что сильно приблизило возвращение этой категории под конец десятилетия, которое развило кино семимильными шагами. Хотя возвращение это было сильно запоздалым, учитывая сколько блокбастеров утратили возможность увековечить своё имя Оскаровской статуэткой: тот же "В старом Чикаго", "Сан-Франциско" или "Мятеж на Баунти". В начале 30-х и правда такая награда едва ли была бы уместна из-за неимения в таком большом количестве блокбастеров, в случае же появления такового, победитель был бы предсказуем. В любом случае, Голливуду было явно тогда не до спецэффектов. Им бы в эту пору со звуком разобраться... Но, начиная с "Кинг-Конга", то есть, с 1933 года, эта категория нуждалась в реинкарнации. Отсутствие у этой классики даже почётного Оскара до сих пор не могут простить Академии, которая из-за своей недальновидности не разглядела или просто не захотела увидеть у себя под носом настоящий хит.
Академиками оценивались монтажные кинотрюки, комбинированные и специальные съёмки, работа с моделями и макетами, пиротехника и особые звуковые эффекты. Такой спектр охватывал, как минимум две должности, поэтому, как правило, Оскар доставался сразу двум соискателям: один отвечал за звуковые, а другой за визуальные эффекты. Впрочем, награда могла присуждаться и одному художнику по спецэффектам в звуковой и/или визуальной должности соответственно.
Особенности и рекорды этой церемонии: ...
Это был последний год, когда имена победителей были сообщены прессе
до фактического вручения наград. Как и в предыдущие годы, у Академии было некое соглашение с изданиями, которое заключалось в том, что имена победителей оглашаются прессе день в день, но она не должна их опубликовывать до тех пор, пока торжество не закончится. Делалось это заранее, чтобы создать эффекты "сарафанного радио" и "прямого эфира" до телевидения, при котором газетам легче и быстрее было бы тиражироваться, потому что материал написан заранее, а простые смертные час в час могли бы прочитать новость о том, кто из любимых звёзд взял статуэтку.
Но несмотря на то, что имена победителей не должны были быть напечатаны до церемонии вручения Оскаров, Times раньше времени опубликовала результаты церемонии в своём выпуске, который номинанты и гости могли легко прочитать по пути на банкет по случаю награждения. И некоторые звёзды действительно знали о своей победе заранее. Это привело Академию к решению создать традицию, которая действует и по сей день: имена победителей хранятся в строжайшем секрете ото всех — за исключением двух представителей фирмы, занимающейся подведением итогов, — до самого момента презентации. И уже в следующем году, впервые будет произнесена заветная фраза:“Конверт, пожалуйста...”.
Почётные Оскары были вручены:
- Впервые целому Фонду помощи кинематографистам: Джину Хершолту (президент фонда), Ральфу Моргану, Ральфу Блоку и Конраду Найджелу:
"В знак признания выдающихся заслуг Фонда помощи кинематографистам перед индустрией за прошедший год и его прогрессивного руководства".
- Уильяму Камерону Мензису:
"За выдающиеся достижения в использовании цвета для усиления драматического настроения в постановке "Унесенных ветром".
- Компании Technicolor:
"За вклад в успешное внедрение трехцветного полнометражного кинопроизводства".
- Молодёжный Оскар был вручён Джуди Гарленд за роль Дороти в фильме "Волшебник из страны Оз".
- Премия памяти Ирвинга Тальберга была вручена Дэвиду О. Селзнику. Как правило, эта награда достаётся продюсеру за свою деятельность и вклад кинопроизводства, а не за конкретный фильм, но здесь было очевидно, что награда вручена за создание фильма "Унесённые Ветром".
- Впервые почётный Оскар был вручён посмертно. Дугласу Фэрбенксу старшему.
"За признание уникального и выдающегося вклада Дугласа Фэрбенкса, первого президента Академии, в международное развитие кинематографа".
Награду получал его сын — Дуглас Фэрбенкс младший.
Фильмы, которые точно стоит посмотреть.
1. Горбун Собора Парижской Богоматери.
Две номинации без победы: Лучший звук, Лучшая музыка.
Перед создателями фильма, встала довольно-таки сложная задача — затмить версию "Собора Парижской Богоматери" 1923 года. И это действительно вызов, потому что в той версии играл Лон Чейни — король перевоплощения и мастер фильмов ужаса. Впрочем, Чарльз Лоутен не из тех, кому нечего ответить и если уж Эролл Флин сумел встать на место Дугласа Фэрбэнкса старшего, то и оскароносному британцу хватило бы мастерства стать иконой для этого фильма. Но, увы, одного Чарльза Лоутена было недостаточно, потому что акценты истории ровно и не так ярко, как хотелось бы, распределяются по всей хронологии событий, и больших сцен с Горбуном здесь буквально три-четыре. А ведь актёр, казалось, просто создан для этой роли и тем удивительней, что номинацию на Оскар он так и не получил.
Также удивляет отсутствие номинации на Лучшего художника-постановщика, который воссоздал в студии средневековый Париж и Собор Богоматери. До сих пор эти декорации считаются одной из самых больших и экстравагантных работ в истории Золотого Голливуда.
Вообще, этот фильм из разряда тех, который ты ненавидишь, потому что он мог быть намного лучше.
Вот-вот должна была начаться война и сценарист Соня Левин, сознательно провела параллели с событиями 30-х годов, где геноцид евреев в Третьем Рейхе ещё до Второй Мировой Войны неизбежно шёл в сравнении с преследованием цыган в Париже.
Более того, съёмки фильма также сошлись с началом войны. Когда 1 сентября Польша была атакована нацистской Германией, большая часть актёров и съёмочная группа были в панике и депрессии. Чарльз Лоутон попытался воодушевить всех, прочитав Геттисбёргскую речь Авраама Линкольна наизусть. Её он уже читал на экране в фильме "Рагглз из Ред-Гепа".
Ещё одним эпизодом эмоциональной съёмки стала сцена, где Квазимодо звонит в колокола в башне собора для Эсмеральды. Чувствуя боль из-за того, что его родная Великобритания была вынуждена начать войну с Гитлеровской Германией, Лоутон продолжал звонить в колокола, пока не упал от изнеможения. Тем драматичнее в фильме слышится зов британца, кричащего над Собором Парижской Богоматери:
"Убежища! Убежища!"
И тем символичней, что в битве за Британию Третий Рейх терпит поражение, хотя воздушная бомбардировка, более известная как "Лондонский блиц", будет продолжаться со стороны нацистов целый год.
Знаменательным было и то, что это был единственный фильм открытия, который показали на первом Каннском кинофестивале, через день отменённого из-за нападение нацистов на Францию.
Всё это, казалось, будет сильнейшим толчком к популярности фильма с точки зрения художественных особенностей и маркетинга, но на руку не пошла цензура.
Золотой Голливуд знает примеры, когда Кодекс Хейса либо обманывался, либо наоборот способствовал различным художественным ухищрениям, делая картину только лучше, но "Горбун Собора Парижской Богоматери" доказывает обратное. Персонажи Фролло изменены по сравнению с романом, поскольку создатели фильма были обеспокоены тем, что изображая священника злодеем, нарушили бы политику Кодекса Хейса. Эсмеральда даже близко не была также откровенна в своём образе, как это было всего чуть более десятилетие назад, когда ни о каком кодексе даже речи не было. Всему виной оказалась слабая адаптация, которая расставила множество акцентов, но никак их не развивала процессуально. Про Горбуна забываешь, где-то к середине фильма, пока он снова не появляется, чтобы также мимолётно напомнить о себе.
С другой стороны, этот фильм служит ярким примером всем последующим поколениям в контексте истории: цензура, погубившая художественный фильм, в один год совпадает с геноцидом целого народа. И такой киногеноцид будет присутствовать в Голливуде ещё очень долгое время, в котором каким-то фильмам повезёт, а какие-то будут неизбежно отравлены ядом цензуры.
2. Путешествие Гулливера.
Две номинации без победы: Лучшая песня, Лучшая оригинальная музыка.
После феноменального успеха "Белоснежки" не мог не появиться ответ от другой студии. "Путешествие Гулливера" стало первой серьёзной конкуренцией, над которой работало более 700 художников, создававших мультфильм вручную 18 месяцев. Было использовано 12 тонн краски и 39000 карандашей. Если разложить раскадровку от рисунка к рисунку, получится лента длиной 27 миль. Для производства была применена новая и по тем временам самая прогрессивная технология «rotoscoped» — метод, когда вначале снимается живой актер (в данном случае сам Гулливер), а затем полученное изображение обрисовывалось мультипликатором и при этом создавалось очень реалистично движущаяся картинка. Похожую технику делал и Дисней, но в случае Белоснежки актриса была скорее натурщицей, а не персонажем, с которого в точности надо перенять человеческий образ.
Мультфильм был крайне успешен. Его показывали в кинотеатрах вплоть до 60-х годов, но, вместе с этим, можно понять почему он не достиг такого художественного уровня. Быть вторым всегда сложнее. Кто сейчас назовёт второго человека, высадившегося на Луну? А вторую женщину-космонавта? Помимо этого, в лилипутах не сложно разглядеть гномов из "Белоснежки". Стилистика, рисовка, песни — всё это напоминает фильм Диснея и там, где можно было бы выиграть за счёт аутентичности, мультфильм упускает эту возможность. Ведь ротоскопированный Гулливер самое яркое, что есть в этом произведении и если бы каждый персонаж был выполнен через этот технический приём или лилипуты несколько отличались от главного героя, но при этом не были похожи на знаменитых гномов, то у мультфильма успех был бы ещё ярче и масштабнее.
3. Золотой Мальчик.
Номинация на Лучшую оригинальную музыку. Без победы.
Даже несколько удивляет, что номинации на сценарий эта картина не получила. В основе сюжета скрипач, мечтающий стать боксёром, но ради спорта он вынужден оставить скрипку, которую купил для него его отец, осуждающий кровавые поединки. Эта линия осложняется любовным треугольником, где Барбару Стэнвик по праву можно назвать одной из главных актрис Золотого Голливуда. Это типаж не Греты Гарбо, Марлен Дитрих или Джоан Кроуфорд. Барбара Стэнвик демонстрирует не новый, но другой эталон красоты, который засиял ещё в фильме "Стелла Даллас". То же самое она делает и в этом фильме. Актриса не играет роковую женщину, но молодому боксёру всё равно хочется её завоевать, чтобы доказать самому себе, что он чего-то стоит, не подозревая, что это всего лишь манипуляция со стороны женщины, в лучших традициях фем-фаталь.
Умная и рефлексирующая героиня, которая в первую очередь ассоциируется с простой провинциальной девушкой, является роковой для конкретного мужчины, а не для всех на свете. Это усиливается также тем, что вот-вот ей сделает предложение престарелый возлюбленный, которого стабильно-прекрасно играет Адольф Менжу. Можно только восхититься, что возрастной актёр эпохи немого кино легко перешёл звуковой барьер и с успехом добрался до конца 30-х годов. И то ли ещё будет... Эти чувства между Стэнвик и Менжу взаимны, но если она и сделает выбор в пользу молодого боксёра, то не потому что её жених возрастом не вышел, а по причине его поступков, силы воли и принципов.
Нельзя назвать это тенденцией, потому что Барбара Стэнвик, Айрин Данн или Джин Артур, можно сказать, почти единственные в своём роде, но шаги в сторону расширения женского амплуа начаты благодаря вот таким хорошим сценариям про сильных женщин и не менее сильных исполнительниц.
Но мужские персонажи тут тоже запоминающиеся. Помимо Адольфа Менжу, этот фильм стал дебютом для Уилльяма Холдена, получившего роль по протекции Барбары Стэнвик, за что молодой актёр был ей благодарен до конца своей жизни, посылая цветы каждый год в дату их первого съёмочного дня. И хотя это не совсем оскаровская роль в столь конкурентоспособный год, молодому актёру пришлось научиться играть на скрипке и боксировать одновременно. Надо ли говорить, что ему нужно было не просто выглядеть правдоподобно в кадре, а по сюжету быть асом в двух абсолютно разных занятиях.
Почти в любой другой год до этого, возможно, и была бы актёрская номинация, но пока это только сильнейший дебют, который положил долгое и успешное начало карьеры для молодого актёра в далеко не в проходном фильме. Тем ценнее этот дебют, что он состоялся в столь сильный для Голливуда год.
4. Частная Жизнь Элизабет и Эссекса.
Пять номинаций без победы: Лучшая работа оператора (цвет), Лучшая работа художника-постановщика, Лучший звук, Лучшие спецэффекты, Лучшая музыка.
В разделённой операторской номинации было всего по два соискателя и против картины "Унесённые Ветром" встал этот фильм, который был самым ярким показателем среднестатистических цветных картин того времени.
Кончилось времечко, когда раздавали почётный Оскар просто за то, что цвет был использован в картине и помимо этого был крайне талантливо передан с технической точки зрения. Теперь нужно быть конкурентоспособным. К сожалению, "Частная Жизнь Элизабет и Эссекса" чрезмерно яркая, даже цветастая, но не более того. Этот костюмированный байопик на вольную любовную тему, должен был выйти хотя бы на два года раньше и тогда он имел бы колоссальный, а не среднестатистический для подобной картины успех.
Самое интересное тут не цвет и даже не режиссура Майкла Кёртиса. Актёрская работа Бетт Дэвис, которая вырабатывала нужный акцент, выщипала себе полностью брови и сбрила лоб на пару сантиметров, чтобы он казался выше. Грим на актрисе также был идеально подобран, потому что тридцатилетняя Дэвис выглядела на все шестьдесят и это было очень органично. Эррол Флинн стабилен, как локомотив, который двигается по проверенным рельсам, не сбавляя ходу, но именно токсичная химия между двумя кинозвёздами, здесь уместна, как никогда. Бэтт Дэвис не хотела работать с Флинном, потому что изначально предлагала на эту роль Лоуренса Оливье, а Флинна считала случайно попавшего в эту профессию человеком. Тот в свою очередь не считал Бэтт Дэвис привлекательной, поэтому все сцены любви кажутся фальшивыми, но это крайне уместно по сюжету. Гешефтные отношения, где двое влюблённых знают метод кнута и полпряника, здесь очень живо и правдоподобно сыграны. Охотно веришь, что эти двое "влюблённых" приводят себя к саморазрушению естественным путём.
После повторного просмотра этого фильма спустя несколько лет, Бэтт Дэвис всё-таки признала, что была сильна неправа касательно актёрских способностей своего партнёра, которого журило каждое второе издание, говоря, что Флинн в столь цветастом фильме кажется самым тусклым пятном.
В любом случае, это не помешало картине стать хитом в момент выхода.
5. Молодой мистер Линкольн.
Номинация без победы: Лучший оригинальный сюжет.
В основе фильма лежит дело об убийстве, которое произошло в 1858 году. Молодой Авраам Линкольн занимался защитой невиновного, которого хотели линчевать за убийство. И если бы исключительно этому был посвящён фильм, мы бы имели сильнейшую судебную драму в истории кино в обёртке байопика, где ещё никому неизвестный Авраам Линкольн является адвокатом. С драматургической точки зрения, сам сюжет, где будущий президент с помощью закона спасает невиновного, конечно, гениален, но фильм не знает на чём ему сосредоточиться больше. С одной стороны интересно наблюдать, как политическая легенда просто сидит под деревом и читает про демократию или помогает в простых бытовых вопросах первому встречному, но с другой, фильм хочет рассказать и про дело об убийстве, которое по сей день изучают, как одно из лучших юридических дел в истории этой профессии.
В любом случае, Джон Форд славен и тем, что потрясающе работает с актёрами. Благо актёр был подобран идеально. Генри Фонда мог свободно побороться за Оскар в актёрской категории не только за счёт феноменального сходства с президентом США, но и за потрясающую работу над образом в пластике, мягкой манере речи и грим. Ещё со времён "Франкенштейна" можно было негодовать из-за отсутствия Оскара за Лучший грим, но с каждым годом его отсутствие ощущается всё сильнее. Где был бы Лон Чейни со своим "Призраком Оперы", Бела Лугоши с "Дракулой", тот же Борис Карлофф... Теперь в эту когорту можно добавить молодого Линкольна и королеву Елизавету в исполнении Бэтт Дэвис.
6. Барабаны долины Мохок.
Номинация без победы: Лучшая актриса второго плана.
Первый цветной фильм Джона Форда был очень хорошо принят критически и кассово, собрав больше одного миллиона долларов только в первый год проката. Режиссёр часто берёт реальные исторические события, как правило американские, и рассказывает именно историю, не с точки зрения режиссёра, но в лучших традициях былинных рассказчиков, которые могут где-то приукрасить или описать какие-то факты красноречивей, чем они имели место. Но общая суть истории и уважение к произошедшему никуда не денется.
В фильме антагонистами изображены только коренные американцы и лишь изредка появляются британцы. И хотя индейцы сыграли свою роль в долине Мохок, убивая всех без разбора, они были незначительной силой по сравнению с британской армией. Однако тут рассказчик решил преуменьшить их значение по политическим причинам. Он прекрасно осознавал, что приближается война с Третьим Рейхом, и в его планы не входило показывать британцев злодеями в тот момент, когда они сражались от лица всей Европы против нацистов.
Эдна Мэй Оливер была номинирована за Лучшую женскую роль второго плана и это тот вид актёрской работы, когда юмористический, очень характерный персонаж разбавляет суровую и мрачную историю, но даже она не в силах видеть, как молодые люди идут на войну. Самая сильная сцена в фильме та, где она на пороге целует по сути незнакомого мужчину словно родного мужа, провожая его на фронт. Вообще вся эта сцена, где люди идут на войну, пронизана тем годом, когда весь материк был в огне и нужно было отправиться тушить пожар войны. И вроде простая сцена, где Клодетт Кольберт провожает мужа, которого опять у того же режиссёра играет Генри Фонда, и проходит с колонной солдат настолько далеко, насколько это возможно, чтобы только видеть его, как можно дольше, пока он не скроется за горизонтом. Кажется, что она вот-вот поравняется с ними в строю, чтобы только быть рядом с мужем.
Именно в таких сценах видно, как Голливуд остро переживал начало войны, только вот-вот вытравив из себя предыдущую.
7. Хуарез.
Номинация без победы: Лучшая мужская роль второго плана.
Пол Муни играет здесь второстепенную роль, хотя именем его персонажа назван фильм. Тем не менее, не он здесь номинант в соответствующей категории. И это упущение, потому что кто бы работал по системе Станиславского ещё до её внедрения в американскую систему образования, которая заключалась только в том, чтобы быть красивым, более менее органичным, с хорошей речью, умением танцевать и петь.
Пол Муни с режиссёром отправился в Мексику для подготовки к роли и там им удалось найти 116-летнего мужчину, который воевал от имени Хуареза. Не клад ли это для актёра узнать из первых уст всё о президенте, который правил страной ещё в середине XIX века и расспросить его о манерах Хуареза и его речи? Будучи настоящим хамелеонским актёром, он работал с гримёром по несколько часов, чтобы придать своему лицу сходство с Хуаресом, изменив структуру лицевых костей и оттенок кожи. И, конечно, сходство идеальное, будто сам мексиканский президент перешёл из фотографий в кадр фильма. Недоволен был только продюсер чисто из продюсерских и консервативных убеждений. Джек Уорнер жаловался:"Вы хотите сказать, что мы платим Муни столько денег, чтобы в итоге не узнать его в кадре?". Это смехотворное обвинение осталось незамеченным, в отличии от премьеры в Мексике, когда очевидцы говорят, что весь зал ахнул, когда впервые увидев Пола Муни в роли Хуареса, настолько поразительным было сходство.
И это сильно откликается в настоящем, когда чернокожий должен играть чернокожего, а мексиканец мексиканца. Какая в итоге разница, если всё решает талант и добросовестный подход к своему образу? Уоллес Бири играл Панчо Вилья и был освистан в Мексике, но в этой же стране Пола Муни приняли за Хуареза во плоти. Что это, если не вопрос таланта? С другой стороны, а много ли мексиканцев мы знаем в эпоху Золотого Голливуда 30-х годов? Даже самые закоренелые киноведы не сразу их вспомнят и не потому что они были бесталанны, а по причине их отсутствия в главных ролях из-за предрассудков, а иногда и по причине банального расизма.
Но кто же забрал номинацию у Пола Муни?
Тот пример, когда роль второго плана прописана так, что если её убрать, то всё порушится не только в сюжетном плане, но и в художественном, потому что актёр Брайан Ахерн, сыгравший императора Максимилиана I и его конфликт между главным мексиканским революционером Хуарезом — самое сильное в фильме. Конфликт, надо сказать, заочный, потому что они так ни разу и не встречаются за весь фильм и тем сильнее он обостряется. Всё решается на поле битвы и за столами переговоров. Фильм также иногда поражает какими-то авторскими тонкостями, вроде тех, когда он буквально кадр в кадр копирует картины Франциско Де Гойи. Но кинолента идёт всё-таки два часа и несколько лишних линий, особенно с Бэтт Дэвис, где великая актриса выглядит крайне декоративно, отвлекает наше внимание от главного конфликта, а не способствует его усугублению. А ведь самая мощная сцена та, где Хуареза, который на самом деле даже не мексиканец, а индеец, уверяют, что цели будущего президента и императора одни и те же. И тут герой Пола Муни очень мягко задаёт вопрос своему заблудшему полководцу:
"Что такое демократия?"
"Свобода мысли, действия, права равные для всех..." — отвечает полководец.
"Нет... Всё это предлагает и есть у императора. Без всякой демократии".
И тут индеец, для которого, казалось, должна быть чужда мексиканская страна говорит уникальную и такую простую истину:
"Когда ошибается монарх, он меняет народ... Когда ошибку совершает президент, то народ меняет его".
8. Дети в доспехах.
Две номинации без победы: Лучшая мужская роль, Лучшая музыка.
Микки Руни не мог быть номинантом в прошлом году за роль в фильме "Город Мальчиков", хотя очевидно, что именно он должен был взять статуэтку за Лучшую мужскую роль второго плана, а не Уолтер Бреннан во второй раз в категории трёхлетней давности. Увы, на момент съёмок молодому актёры было 17 лет и даже когда вышел фильм, оставалось полторы недели до его восемнадцатилетия, а согласно новому регламенту Академии, все актёры младше 18 не могут быть соискателями премии в официальном соревновании. Нынешнюю номинацию следует расценивать, как компенсацию и признание безусловного таланта. И явно не на ровном месте, потому что молодой актёр в одной сцене поёт, в другой играет на рояле, а в третьей на виолончели, в четвёртой танцует, в пятой демонстрирует юмористичные пародии на разных голливудских актёров.
Начиная с двух лет он уже выступал на сцене, и тем любопытней смотреть фильм, где его экранные родители, ровно как и биологические, являются актёрами водевиля и молодой отпрыск, которого играет Микки Руни, говорит о том, что настало время молодых, более дерзких, смелых и не менее трудолюбивых. На примере сюжета фильма можно увидеть параллель с биографией Микки Руни, ставшего вторым самым молодым соискателем премии в истории. Также это прослеживается на фоне голливудской системы, где дети взращиваются кинематографом с пелёнок, чтобы формировать новое поколение актёров. Даже на примере этого фильма видно, что блистают тут не только раскрученные Микки Руни или Джуди Гарленд, а все дети, которые появляются в кадре.
Четвёртое место среди самых кассовых фильмов года.
9. Балалайка.
Номинация без победы: Лучший звук.
На примере этого фильма как никогда остро ощущаешь, насколько же важно подобрать хорошее название для фильма. Ещё до начальных титров, зрителя (особенно русскоязычного) настигнет чувство, будто он сейчас будет смотреть на очень плохую пародию, снятую на голубом глазу, а не с комедийным умыслом. Разумеется, фильм должен называться "Балалайка", если бы это была не музыкальная мелодрама, то она звалась бы "Матрёшкой"... Но удивляет именно то, что все проблемы этого фильма сводятся только к его наименованию, и даже оно пускай банально, но оправдывается тем, что "Балалайка" — это название бара, в котором встречаются два главных героя.
Фильм снят с уважением к России. Да, казаки пускай и любят выпить и славятся буйным нравом, всё-таки благородные войны, которые поют лучшие песни, какие звучат в фильме. Разумеется, когда персонажа Эдди Нельсона пытаются разоблачить в том, что он шпион, его просят спеть песню, поскольку он утверждает, что он учится пению. И естественно он поёт "Эй, ухнем!". Год в фильме 1914, но если бы были сороковые, то он, разумеется, спел бы "Катюшу". Но самое забавное то, что номер "Эй, ухнем!" самая сильная музыкальная сцена, в которой по одному искреннему (и чистому в плане произношения) исполнению актёра видно, что он любит эту страну.
Фильм получился смешанным, потому что начинается он как классическая музыкальная мелодрама, в которой мужчина пытается завоевать неприступную девушку, но вскоре наступает Первая Мировая Война и этот самый казак переживает одиночество от разлуки с этой же девушкой, оказавшейся предательницей. Сидя в тех же окопах, он узнаёт, что больше не вернётся в свою родную страну, потому что случилась революция и его прежней родины больше не существует.
Самая сильная сцена фильма та, где, сидя в укреплении, они празднуют Рождество и слышат по ту сторону окопов рождественские песни на немецком языке. И русские понимают, что немцы поют для них, потому что они праздновали Рождество несколько дней назад. Это кажется рудиментом, когда во время войны объявляется рождественское перемирие, особенно на фоне Второй Мировой, которая началась без её объявления и одна страна напала на соседнюю.
Казаки, которые служили ныне убиенному большевиками царю, поднимают бокалы за ту священную Россию, которую они любили и потеряли в момент революции. И в год, когда было совершено нападение на Финляндию уже в реальной жизни, эта тоска по бывалой святости ощущается намного сильнее. Их тост, наполненный горечью, слышится очень отчётливо, но при этом они всё-таки пьют до дна за будущее своей страны, которую по прежнему любят.
Также сильно и отчётливо в фильме слышится:"Германия объявила нам войну" — и будто бы не было чуть более 20 лет мира. Благополучием назвать эпоху "Великой Депрессией" не получается, но, как известно: любой худой мир лучше доброй войны.
10. Победить темноту.
Три номинации: Лучший фильм, Лучшая женская роль, Лучшая оригинальная музыка.
Название фильма в оригинале более многослойное. "Побеждая темноту", "Победа темноты", "Тёмная победа", "Победа в темноте" — и зритель в финале для себя сам решает в чём же заключается "Dark Victory".
Бэтт Дэвис играет девушку, которая влюбляется в своего врача и эта любовь взаимна, но только она постепенно теряет зрение и врач прекрасно знает о её неизлечимом диагнозе. Как врач он обязан сказать ей правду, но слишком её любит, чтобы ввергнуть в уныние, из которого он же ей помог выбраться.
По поводу сюжета и его настроения, критики того времени говорили, что это безусловный хит, наблюдая за которым ты абсолютно точно осознаёшь то, что твоими эмоциями манипулируют, но тебе это даже нравится.
Именно Бэтт Дэвис пророчили статуэтку, но это было бы просто издевательством со стороны Академии, где в одном десятилетии в очень узком промежутке между церемониями, вручают награды одной и той же актрисе, чья первая номинация вообще появилась вне конкурса. Ведущий церемонии Боб Хоуп, когда подошёл к микрофону и окинул взором десяток статуэток, которые только предстоит вручить, ехидно отметил:
"Ух ты... Я как будто очутился в комнате мисс Дэвис".
И что говорить, если она правда сыграла в этом фильме стабильно талантливо, а если ещё учитывать две другие роли в этом же году, где она продемонстрировала искусство перевоплощения в образе Королевы Елизаветы и сыграла другую королеву в фильме "Хуарез", которая впрочем, была крайне формальной...
Тем не менее, чувствовала себя Бэтт Дэвис в роли слепой некомфортно не из-за творческих аспектов. Недавно актриса рассталась с Уильямом Уайлером... И с Говардом Хьюзом. Одновременно. А её муж Хэм Нельсон подал на развод. И всё это во время съёмок фильма. После первых дней работы она умоляла освободить её от контракта, утверждая, что она слишком больна, чтобы продолжать сниматься. Продюсер Хэл Уоллис ответил так:
"Я видел отснятый материал. Если это так, то оставайся больной!"
Актриса также восхитительно работала в паре с Джорджем Брентом. Позже она скажет такую фразу:
"Из всех мужчин, за которых я не вышла замуж, самым дорогим был Джордж Брент."
Отдельно стоит отметить музыку, которую можно слушать и вне фильма. Хотя музыкальную категорию разделили на две и соискателей в них больше, чем в любой другой категории (если сложить их вместе получится 25 фильмов, а это почти половина от всех номинантов в церемонии), всё равно сложится впечатление, что музыкальная партитура часто бывает слаба и невыразительна. Нет такой мелодии, какую запоминаешь вне зависимости от своего желания, но именно партитура в фильме "Победить Темноту" интересна или уж точно любопытней десятка других соискателей. В нынешнем веке даже вышел оцифрованный альбом-саундтрек к этому фильму, что лишний раз доказывает, что музыка Макса Штайнера вне времени. Этот же композитор занимался написанием и музыкальной адаптацией к двум другим фильмам "Унесённые Ветром" и "Интермеццо".
11. Интермеццо.
Номинация без победы на Лучшую музыку.
К сожалению, столь тихий фильм вышел в слишком громкий для Голливуда год. Это та картина, которую мог бы снять Бернардо Бертолуччи.
Лесли Говард играет известного скрипача, который влюбляется в молодую учительницу фортепиано, нанятую для того, чтобы она учила инструменту его дочь. Учительницу играет Ингрид Бергман. Вся сексуальность остаётся за кадром и если и проявляется на экране, то через искусство. Особенно это видно в сцене, где герой Лесли Говарда даже не замечает молодую учительницу, но резко умолкает во время светской беседы, когда она начинает играть на пианино.
И если "Горбун Собора Парижской Богоматери" показывает как цензура пагубна для фильма, то здесь же мы видим столько сексуального подтекста, сколько не найдём и в танце Эсмеральды, однако здесь он строится на метафорах и почти без слов. Мужчина средних лет бросается в любовную авантюру и забывает про семью ради молодой девушки, которая отправляется с ним на музыкальные гастроли. Нам показывают его размеренную жизнь до этой встречи и нельзя сказать, что он несчастлив, но очевидно, что дорожная карта сводится к одному городу, а затем к другому и только в рамках успешных, но однообразных концертов. И тут в его жизни появляется девушка. Интермеццо — это небольшое музыкальное и лёгкое, почти комическое представление между актами, которое призвано разбавить серьёзность произведения — и вот эта девушка становится его интермеццо между актами его жизни.
Очень поэтичный без резких крещендо фильм, в котором британец Лесли Говард и шведка Ингрид Бергман играют очень точно и без фальши, безусловно в одном из лучших фильмов 1939 года.
12. Любовный Роман.
Шесть номинаций без победы: Лучший фильм, Лучшая женская роль, Лучшая женская роль второго плана, Лучшая песня, Лучший художник-постановщик, Лучший оригинальный сюжет.
Романтическая комедия, ставшая хитом.
Режиссёром стал Лео МакКэрри, снявший с той же Айрин Данн "Ужасную Правду", но в "Любовном романе", чей перевод можно также интерпретировать как "Любовная интрижка", акцент с комедии смещён больше в сторону мелодрамы. Самый яркий жанровый символ этого фильма не та сцена, где актёры пытаются уединиться где-то на борту лайнера, чтобы не пошли слухи вокруг их интрижки, а та, где персонаж Шарля Буайе на вершине Эмпайр Стейт Билдинг ждёт её во время грозы целый день, но она так и не приходит.
Как и ранее в творческом подходе, МакКэрри опирался на вклад актёров и импровизацию, что привело к длительным задержкам и увеличению бюджета. Но это никак не тяготило актёров. Айрин Данн уже была привыкшей, а Шарль Буайе, несмотря на то, что ему приходилось по несколько часов просто ждать своего текста, который из-за метода импровизации печатался день в день, всё равно говорил про этот проект так:
"Любая картина, которую режиссирует Лео МакКэри, сама по себе является гарантией того, что это не может быть плохим фильмом."
Русская актриса Мария Успенская, которая была вновь номинирована на Оскар, также по-доброму отзывалась про создание этого фильма и не хотела, чтобы его съёмки заканчивались.
Кто и хотел, чтобы съёмки этого фильма даже не начинались, так это Кодекс Хейса. Первоначальный сценарий был отклонён из-за того, что сюжет между строк одобрял супружескую измену. Ведь интрижка главных героев назревала в то время, когда они оба были окольцованы... Другая претензия основывалась на том, что даже если допустить этот богомерзкий сюжетный ход, за ним не следовало наказание. Лео МакКэрри в лучших комедийных традициях исправил это "недоразумение". На Эмпайр Стэйт Билдинг героиня Айрин Данн не добралась, потому что попала в аварию и сломала ногу. Но чтобы это не сочли за издевательство он добавляет и драматический оттенок в историю, когда со стороны героя Буайе уходит из жизни его горячо любимая бабушка, которую и играет Мария Успенская.
Вообще удивительно то, что в фильме "Интермеццо" всё намного подробнее и фатальней в плане супружеской измены и главное — оно не является комедией. Тем не менее, Кодексом этот фильм был прощён, а "Любовный Роман" испытывал некие трудности на уровне сценария. Этот пример показывает двойные стандарты Кодекса, который не одобрял легковесное, комедийное представление о супружеских связях, но мог закрыть глаза на драму с такой же темой. Слава Богу подобную несовершенную систему можно было обходить.
Первоначально это была историческая пьеса, действие которой происходило в 1850-х годах о трагическом романе французского посла и американки. Из-за опасений возможной войны в Европе французское посольство хотело укрепить союзнические отношения с Соединенными Штатами и испытывало сомнения по поводу фильма с таким контекстом. Действие было перенесено в современность без политических аспектов. Так француз стал художником, а не послом и прибывает он в Америку не для дипломатической миссии.
Критика была в целом положительной, хотя пара изданий и отмечало, что красота и рецепт счастливой жизни, предложенный в фильме, недостаточны, чтобы стать лучшей картиной года. Даже сама Айрин Данн отмечала отсутствие логической цепочки своей героини.
"Если бы я была на месте этой девушки, я бы не пряталась от своего возлюбленного после того, как меня сбила машина. Я бы прокатала своё инвалидное кресло вверх и вниз по всем тротуарам Нью-Йорка в поисках Шарля Буайе".
Но в целом, все отмечали и даже просили в своих рецензия отправить этот фильм на Оскар, в чём академики не смогли отказать. Хотя именно "Любовный роман" является главным оскаровским аутсайдером этой церемонии, получив наибольшее количество номинаций, но без единой победы.
13. Ниночка.
Четыре номинации: Лучший фильм, Лучшая женская роль, Лучший оригинальный сюжет, Лучший адаптированный сценарий.
Когда вышел первый звуковой фильм "Анна Кристи", то газеты рекламировали его так:"Гарбо говорит!". Когда вышла "Дама с Камелиями", где актриса играла главную роль, то заголовки из рекламных лозунгов превратились в язвительные шутки:"Гарбо кашляет!". "Ниночка" — стала первой полнометражной комедией великой актрисы и газетчики решили не останавливаться на подобном пиаре. Ещё до выхода фильма, в свет вышли заголовки:"Гарбо смеётся!".
Это один из первых американских фильмов, который под прикрытием сатирического, лёгкого романа изобразил Советский Союз при Иосифе Сталине жёстким и серым на фоне довоенного Парижа. Тем сильнее комический эффект, в котором Гарбо играет железокаменную леди в городе любви и не понимает ни моду, ни менталитет, ни расточительство, свойственное капиталистическому обществу потребления. И хоть изредка Эрнст Любич высмеивает именно этот аспект, это максимум, той сатиры, какая могла бы использоваться в контексте этого фильма. Больше всего ирония была направлена в сторону Советского Союза:
"Товарищ, вашим пятилетним планом я восхищаюсь вот уже 15 лет"
В Нью-Йорк Таймс писали:
"Повторяем, Сталину это не понравится; но, если ваши вкусы не так уж солидарны с партией, мы думаем, что вам будет симпатичен этот фильм".
Эрнст Любич теряет хватку в этой картине в последние двадцать минут, когда увлекается сложным драматургическим выходом из третьего акта и упускает юмор, столь необходимый для разрушения цензуры, как со стороны Кодекса Хейса так и с точки зрения высмеивания советской действительности, где красивейшая девушка не смеётся над анекдотами и не имеет собственного мнения, кроме того, что навязала партия. Она недоумевает, когда приходит в номер-люкс дорогого отеля и окинув взором несколько комнат спрашивает:
— Где мой угол?
— К сожалению, у них сдаются целые номера.
Однако даже юмор не пробил цензурный барьер. Фильм был запрещён в Советском Союзе по понятным причинам.
Для Греты Гарбо это был её предпоследний фильм и третья последняя номинация на премию Оскар за Лучшую женскую роль в том амплуа, котором ещё не появлялась. Её следующий фильм появился на свет в 1941 году и в этот же момент закончился срок контракта, который продлевать великая актриса не стала. Почему? До сих пор нет ясного и однозначного ответа на этот вопрос. Её раздражали интервью и фотосессии, на которые настаивали боссы студии, она не присутствовала на премьерах своих картин. Не малый вес имел европейский рынок, так как Гарбо была крайне популярна за пределами Америки, но из-за войны кинорынок сильно изменился в цене в худшую сторону и она просто ждала подходящего момента и окончания военных действий. Этот довод, кстати, опровергает то, что она точно знала, что уйдёт из профессии, потому что долго искала подходящий контракт для следующих съёмок и даже в конце 40-х пошла на кино-пробы, но не было найдено финансирование. Её последний фильм "Двуликая женщина" выбил её из колеи. Он собрал хорошую кассу, но критически был провален, тем не менее, это лишь одна из причин почему она решила взять перерыв в кино, а потом и вовсе закончить карьеру. Её брак также не был утешением. За четыре года до своей смерти она сказала своему биографу:
"Я устала от Голливуда. Мне не нравилась моя работа. Было много дней, когда мне приходилось заставлять себя идти в студию... Я действительно хотела жить другой жизнью"
И в это сложно поверить, что секс-символ двух десятилетий оказывается был не на своём месте. Ещё в немую эру можно было встретить её интервью, где она говорила, что тяжело и грустно быть одной, но иногда еще труднее быть с кем-то. Её знаменитая фраза из фильма "Гранд-Отель" из каноничной цитаты превратилась в надпись надгробного камня:
"Я просто хочу побыть одна".
Марлен Дитрих, прекрасно осознававшая свой и Греты Гарбо статусы, когда узнала про её уход из кино, в письме к своему мужу едко написала:
"Я слышала, что Гарбо ушла из кино… Ну что ж, я рада. Теперь я осталась одна".
Последняя актёрская номинация Греты Гарбо в её карьере и последняя картина на Оскаре с её участием.
14. Пришли Дожди.
Четыре номинации: Лучшая оригинальная музыка, Лучший звук, Лучший художник-постановщик, Лучший монтаж.
Победа: Лучшие спецэффекты.
Итак, первый фильм, удостоившийся статуэтки за Лучшие спецэффекты, если не считать фильм "Крылья" на первой церемонии.
Какие же спецэффекты должны быть в этой картине, если они победили смерч из фильма "Волшебник страны Оз" или пожар в Атланте из "Унесённых Ветром"? Да всё те же, на самом деле. Землетрясения какие мы видели в фильме "Сан-Франциско" и наводнения, напоминающие картину "Ураган". Однако Variety отметило то, что они работают благодаря драме, заложенной в фильме:
"Простое повествование, после землетрясения, более эффективно, чем сами эпизоды, раздирающие землю".
И, да, обычно мы видим катастрофу в конце картины, а тут она настигает всех в середине фильма и мы впервые видим, как люди справляются с последствиями этого бедствия здесь и сейчас, что добавляет большего реализма картине, нежели когда люди смотрят в закат с мыслью о том, что они всё отстроят и всё будет лучше прежнего, но мы этого не видим, потому что после воодушевляющей речи наступают финальные титры. А в фильме "Пришли Дожди" мы видим не такое ура-настроение, какое нам показывали фильмы-катастрофы до этого. Здесь люди если и справляются с чем-то, то обязательно наступает новая напасть в виде лихорадки.
Главную роль тут играет Мирна Лой и в этом фильме, где по сути любая роль это декорация, которая строится ради тех самых спецэффектов, актриса выдаёт одну из лучших сцен в своей карьере, когда она идёт добровольцем в госпиталь, чтобы помогать больным лихорадкой, но из-за суеты пьёт из стакана, из которого пил больной. И это происходит совершенно случайно. Лишь только музыка за кадром даёт понять, что что-то страшное сейчас происходит, и только самый внимательный зритель поймёт в этом длинном кадре, что она взяла не свой стакан.
С этим же фильмом связана ещё одна знаменательная сцена уже для целого кинематографа.
Мирна Лой вспоминала, что её вера в режиссёра Кларенса Брауна побудила её согласиться на его новаторское предложение для сцены смерти своего персонажа:
"Ты когда-нибудь задумывалась о том, что люди не умирают красиво с закрытыми глазами... Почему бы тебе не попробовать умереть, держа их открытыми? Тебе просто нужно задержать дыхание."
И актриса задержала дыхание, уставившись на какой-то неподвижный объект, пока не начала видеть звезды и синеть. Наконец, режиссёр крикнул:"Снято!".
"Когда ты доверяешь режиссеру, ты сделаешь для него всё". — говорила актриса.
Амплуа стильной плохой девочки часто менялся, но в общих чертах оставался неизменным. Даже в комедийном ключе фильма "Тонкий Человек", она оставалась той самой железной леди, которая сама могла выбирать, кто её будет добиваться, хотя не сказать, что она шибко в этом нуждается. Именно в этот момент ей захотелось крепкой драматической роли и "Пришли Дожди" стал первым таким уверенным шагом в эту сторону.
Что же касается спецэффектов, то и правда, зритель не увидел ничего нового в этой картине. Чтобы удивиться этим эффектам, аудитории пришлось бы притвориться, что они не видели подобные фильмы до этого. Всё это лишний раз подчёркивает несвоевременность этой категории, которая должна была появиться лет шесть назад.
15. Грозовой Перевал.
Семь номинаций: Лучший фильм, Лучший режиссёр, Лучшая мужская роль, Лучшая женская роль второго плана, Лучший адаптированный сценарий, Лучшая оригинальная музыка, Лучший художник-постановщик.
Победа за Лучшего оператора (черно-белый).
Изначально главную женскую роль безумно хотела играть Вивьен Ли, но руководители студии посчитали, что роль не может достаться безызвестной актрисе. Что было дальше с Вивьен Ли мы знаем, а вот Мерл Оберон не получила даже номинации за свою роль. Однако она и без этого фильма была довольно успешной, тогда как для Америки и всего кинематографа открылась новая звезда галактического масштаба.
Британец Лоуренс Оливье получил номинацию на Лучшую мужскую роль, хотя она далась ему с трудом. Актёр обнаружил, что его всё больше раздражает изматывающий стиль режиссуры Уильяма Уайлера, который ко всему прочему был крайне необщителен для своей профессии. Одна сцена как-то потребовала 72 дубля, каждый из которых сопровождался одной единственной репликой от режиссёра:
"Ещё раз!"
Наконец, обессиленный и раздражённый Оливье не выдержил и сорвался на режиссёра:
"Ради любви Господней! Я сделал это сидя, с улыбкой, с ухмылкой, почесывая ухо, спиной к камере... Что я должен сделать? Скажи, что ты хочешь?
На что режиссёр ответил довольно лаконично:
"Я хочу как лучше".
Тем не менее, в своей автобиографии, а также и в учебнике актёрского мастерства Лоуренс Оливье говорит, что именно с Уильямом Уайлером он по-настоящему научился играть в кино и понял в чём разница между экранной игрой и сценической. Он описывал свой актёрский метод в этом фильме, как "нагнетание обстановки" и будто в лучших театральных традициях играл для второго балкона, тогда как Уайлер путём измора и выматывания, объяснил ему, что нужно играть тоньше, спокойней и размеренней. И добился он этого всего одной фразой:"Ещё раз", — пускай и произнесённой 72 раза...
"Грозовой Перевал" пример явного и очень удачного продюсерского кино, пускай и не такой яркий, как "Гранд-Отель" Ирвинга Тальберга или "Унесённые Ветром" Дэвида О. Селзника. Во многом из-за того, что Уилльям Уайлер более заметный автор от кино, нежели Эдмунд Гулдинг или даже Виктор Флеминг.
Продюсер Сэмьюэл Голдвин говорил:
"Это я поставил "Грозовой Перевал". Уайлер просто срежиссировал его."
В чём же именно заключалась продюсерская лепта в этом фильме? Если сказать одним предложением, то во всём. Начать следует с простого уже проверенного приёма. Дуэты. Мирна Лой и Уилльям Пауэлл, Джинджер Роджерс и Фред Астер, Нельсон Эдди и Джанет МакДональд... Составить на экране сильную пару, это автоматическая прибавка к доходам примерно на 25%. И этот год может похвастаться сильнейшими дуэтами в первую очередь благодаря продюсерам: Кларк Гейбл и Вивьен Ли, Лесли Говард и Ингрид Бергман, Лоуренсе Оливье и Мерл Оберон. Также следует добавить работу со сценарием и вообще выбор сценаристов. Даже тот же Уилльям Уайлер был выбран продюсером. Изменилось время действия романа, что позволило сэкономить на костюмах и сделать более актуальной постановку, которая разворачивается в эпоху Гражданской войны, а не в XVIII веке.
1939 год показывает насколько стала сильна продюсерская система Голливуда. И если раньше все отмечали гений Ирвинга Тальберга, называя его вундеркиндом, то теперь такие моголы сидят в каждой студии, и хотя бы один, но сделает свою картину мультиноминантом в оскаровской гонке.
16. До свидания, мистер Чипс.
Шесть номинаций: Лучший фильм, Лучший режиссёр, Лучшая женская роль, Лучший адаптированный сценарий, Лучший звук, Лучший монтаж.
Победа за Лучшую мужскую роль.
"До свидания, мистер Чипс", был единственным британским фильмом, который соперничал с американскими в главной категории, хотя режиссёром был американец. Но коль уж Британия сумела прорваться сквозь голливудские жемчужины, стоит указать именно на то, что сильно проигрывает Голливуду в качестве. Этого можно было не замечать, но если уж появился достойный ответ со стороны англичан, то следует рассмотреть их аргументы, где всего один не выдерживает критики... Вот насколько талантливы юные голливудские актёры, настолько же бездарны британские дети. Но дело не в том, что там они бесталанны. Суть именно в голливудской системе, которая взращивала новые поколения и на равных со взрослыми актёрами относилась к ним. Отсутствие многолетней школы, какая была в Америке, сильно сказывалось на качестве особенно в том фильме, где место действия происходит в школе для мальчиков! Всё, что остаётся, лишь смирится с этим во время просмотра и почувствовать разницу с тем же фильмом "Дети в доспехах".
Есть и другой аргумент, который до сих пор подвергается сомнению. Когда люди удивляются почему Кларк Гейбл не получил Оскар за Лучшую мужскую роль за фильм "Унесённые Ветром", то всегда встаёт вопрос, а кто же взял статуэтку? Роберт Донат стал обладателем этого звания и это требует объяснения...
Сам фильм, очевидно, проигрывает картине "Унесённые Ветром", но не актёрская работа Роберта Доната. И виноват ли он в том, что картина Селзника стала одной из лучших в истории кино, а "До свидания, мистер Чипс" осталась просто классикой? Тогда как работа над образом проделана колоссальная и намного тщательней, нежели образ горячего, непоколебимого мачо Кларка Гейбла, которого мы уже наблюдали в картине "Это случилось однажды ночью". 34-летний Донат начинает играть Чипса на 10 лет моложе себя и на протяжении всего фильма стареет до 80 лет и в каждом десятилетии что-то человечное добавляет снова и снова, когда появляется в кадре. Весь фильм держится на одном актёре, тогда как "Унесённые Ветром" держатся на всём и сразу.
Сценарий также делает своё дело, когда зритель видит, как учитель, потративший всю свою жизнь на обучение чужих детей, лишается своего ребёнка вместе с супругой во время родов. И после этого он всё равно должен пойти в класс, где его разыгрывают первоапрельской шуткой. Это сильнейшая сцена, в которой за старческий грим не спрячешься, но британцу это и не нужно, он сыграл её безупречно. Тем сильнее нас трогает финал, когда пожилой учитель всё равно находит место для счастья и возражает на сожаление о том, что у него нет детей.
"Напротив... У меня есть дети. Их тысячи... И все мальчики."
17. Дилижанс.
Пять номинаций: Лучший фильм, Лучший режиссёр, Лучший художник-постановщик, Лучший оператор (черно-белый), Лучший монтаж.
Две победы: Лучшая мужская роль второго плана, Лучшая музыка.
Фильм рассказывает о группе незнакомцев, едущих в дилижансе по опасной территории апачей. Этот вестерн, ставший классикой, до сих пор остаётся одной из самых философских картин в истории кино, где на первом плане мы видим историю о пассажирах, едущих из одного города в другой, а на втором плане — притчу об искуплении, где дорога всего лишь Чистилище на пути к Раю при жизни.
Если "Грозовой Перевал" был продюсерским детищем, то "Дилижанс" это яркий пример авторского кино, пускай и чисто жанрового.
Джон Форд, для которого это был, страшно сказать, третий фильм в один год, предлагал проект нескольким голливудским студиям, но везде слышал отказ из-за высокого бюджета для жанра, который вышел из моды. То есть, вестерн, как и всегда, конечно, был в ходу, но тратили на него, как правило, небольшие деньги, чтобы было легче окупиться. "Симаррон" 1931 года хоть и взял статуэтку за Лучший фильм года, но только пару лет назад наконец принёс прибыль...
В добавок к этому, Форд требовал на главную роль Джона Уэйна — звезду второстепенных персонажей. Независимый продюсер Дэвид О. Селзник согласился продюсировать фильм (будто ему "Унесённых Ветром" было мало), но был разочарован нерасторопностью Форда относительно начала съёмок. Раскритикован был также кастинг. Уставший от нытья продюсеров, Форд отозвал фильм от Селзника и обратился к независимому продюсеру Уолтеру Вангеру, у которого были все те же сомнения: если и делать вестерн, то категории "B", если главная роль, то давать её звезде первой величины, а не наоборот, когда жанровый фильм делается под шедевр, а в главной роли малоизвестный актёр. Продюсер предложил компромисс. Он посоветовал заменить Уэйна на Гэри Купера, а в пару с ним пригласить Марлен Дитрих. Но Джон Форд был автором и не хотел, чтобы его идею портили чужим видением. Это должен был быть Джон Уэйн и никто другой. Дитрих также отсеялась, потому что имела смысл только в том случае, если она была бы в паре с Гэри Купером, как это было раньше. То есть, из двух предложенных вариантов, Джон Форд ни одного не принял, хотя согласился взять на женскую роль ту актрису, какую предложил продюсер, опять же, с тем же условием: Джон Уэйн должен играть главную роль. После выхода фильма, Джон Форд попадёт в самое яблочко:
"Он будет самой большой звездой в истории, потому что он идеальный "обыватель"".
И Джон Уэйн действительно у всех ассоциируется с вестернами, где такие "обыватели" хотят от жизни малого, а добиваются большего.
"Дилижанс" был признан одним из самых влиятельных фильмов когда-либо снятых, уже во время выхода в прокат. Орсон Уэллс утверждал, что это идеальный учебник по кинопроизводству, который по его признанию, он смотрел более 40 раз при подготовке к съёмкам "Гражданина Кейна".
Как уже было сказано, фильм выходил за рамки вестерна, оставаясь им от начала и до конца. Он затрагивал серьёзнейшие темы через призму развлекательного жанра. Когда в тесный дилижанс садится бывшая проститутка, чьё прошлое всем пассажирам известно и по этой причине её не уважают и не воспринимают всерьёз, тот самый "обыватель" в первую очередь видит девушку, а не её прошлое. Через биографии каждого такого персонажа, Джон Форд стремился рассказать о равенстве и борьбе со стереотипами, но уже в нынешнем веке сам был обвинён в том, что осуждал в своём же фильме. Как и в большинстве вестернов той эпохи, изображение коренных американцев, как примитивных дикарей, которых можно и нужно только убивать, подвергалось критике. И вся борьба со стереотипами в одно мгновение обесценилась.
Томас Митчелл получил Оскар за Лучшую второстепенную роль и на первый взгляд удивительно, что из десятка персонажей, какие были в фильме, получил статуэтку именно он. Победа определённо заслуженная, если оценивать его игру не в рамках одного фильма, а целого года... Сознательно или нет, но актёр пошёл по пути Уолтера Бреннана. Томас Митчелл снялся в пяти фильмах за один год, каждый из которых заглянул на Оскар в какой-либо категории, а именно: "Дилижанс", "Горбун Собора Парижской Богоматери", "Мистер Смит едет в Вашингтон", "Унесённые Ветром", "Только у ангелов есть крылья" (Номинация без победы: Лучшие спецэффекты). Три из них номинировались на Лучший фильм года. Помимо безусловного актёрского таланта, это ещё и показатель отличного кастинга, где каждый актёр, на самом деле, заслуживает своего Оскара за Лучшую второстепенную роль. Томас Митчелл был, возможно, самым ярким из всех, даже если не учитывать тот факт, что его лицо мелькало в лучших фильмах этого года.
Если был бы Оскар за Лучший актёрский ансамбль, то безусловно его отдали бы этому фильму.
18. Волшебник страны Оз.
Три номинации: Лучший фильм, Лучший художник-постановщик, Лучшие спецэффекты.
Две победы: Лучшая оригинальная музыка, Лучшая песня.
И снова "Белоснежка и семь гномов" открыли дорогу другому шедевру. После того, как Уолт Дисней показал, что фильмы, адаптированные по популярным детским сказкам могут быть успешными, началась подготовка к фильму "Волшебник страны Оз". В связи с этим любопытна история создания, поскольку фэнтези (если это не мультфильм) не пользовались популярностью и были довольно рискованными проектами, так как, разумеется, были дорогостоящими. Было принято решение перекроить жанр, что довольно экспериментально для неизменной голливудской системы. Сначала было решено смягчить или убрать магические элементы в пользу реализма. Так, например, Страшила был реальным человеком и настолько глупым, что единственным доступным ему занятием было отпугивать ворон с кукурузных полей и никакого просвета на жажду знаний, какое было у персонажа с самого начала, даже не предвиделось, а Железный Дровосек был преступником настолько бессердечным, что его приговорили к вечному пребыванию в жестяном костюме. Но вскоре было решено пойти по стопам Диснея и всё-таки сделать сказку, ставшую универсальной в том смысле, что она идеально подходила для любой аудитории.
И тут выходит продюсер.
На главную женскую роль рассматривалось несколько молодых актрис первой величины, в том числе Ширли Темпл, но арендовать её из 20th Century Fox было проблематичнее, нежели своих звёзд из MGM. Дианна Дурбин ассоциировалась с молодёжными комедиями и была чуточку старше Джуди Гарленд, которая к этом моменту была одной из главных кинозвёзд своего возраста.
Режиссёры этого фильма менялись как перчатки и не по причине того, что кто-то из них не справлялся с обязанностями. Каждый режиссёр выполнял свою функцию в соответствующей сцене, но при этом всё было гармонично, несмотря на таких разных постановщиков. Закончилось тем, что у фильма было три режиссёра, которые раз за разом меняли друг друга. Начал Джордж Кьюкор, продолжил Виктор Флеминг, отснявший большую часть материала и, наконец, закончил Кинг Видор, за которым остался сегмент, отснятый в сепии, включая смерч и оскароносную песню в исполнении Джуди Гарленд. А продюсером был четвёртый режиссёр: Мервин ЛеРой, создавший идеальный механизм, для которого машинное масло было одним и тем же, менялись только механики. От первоначальной идеи решили всё же наотрез не отказываться и создать максимальный реализм до прибытия Дороти в Изумрудную страну. Кьюкор предложил сделать девочку максимально естественной без всяких париков и вычурных костюмов, но при этом заложить в актрису тягу к сказке на фоне безрадостной сепии. Это тонирование в виде ржавчины, которая нуждалась в радуге, была как никогда уместна под конец "Великой депрессии", когда за смерчем вдруг следует сказка, где всё предельно ясно: просто следуй по дороге из жёлтого кирпича и всё будет хорошо. На той стороне всегда будет Изумрудный город, где исполняются все желания. Тем сильнее кажется финал, когда даже возвращение в этот бесцветный мир не тяготит главную героиню и она понимает простую истину:
"Нет лучшего места, чем дом".
Как режиссер, Виктор Флеминг решил не менять творческий подход Кьюкора к созданию фильма, поскольку сам продюсер поддерживал такую концепцию.
Нью-Йорк Таймс писали:
"Со времён диснеевской "Белоснежки и семи гномов" ничего столь фантастического не было. Никому и вполовину не удавалось создать нечто так хорошо".
Но вопреки общеизвестному успеху фильма, он провалился в прокате. То есть, вернее будет сказать, он не окупился, поскольку изначальные затраты были баснословными. Во время первоначального выхода в прокат он заработал чуть более двух миллионов в Америке и ещё миллион в других странах по всему миру, но в итоге фильм принёс убыток в 1 145 000 долларов. Однако повторный прокат в 1949 году всё-таки окупил себя на полтора миллиона долларов и ещё множество раз окупит себя с появлением телевидения, когда этот фильм будут крутить каждый год в декабре, сделав из этого традицию.
Сейчас кажется удивительным, что детская сказка могла побороться в главной категории, но, может, это было просто отсутствием предвзятости. Сколько поколений выросло на этом фильме? А сколько ещё вырастет? Лучший фильм, по крайней мере, в одном из его негласных догматов, подразумевает, что это массовый фильм для всех сразу и для каждого по отдельности. И какой фильм для этого звания подходит лучше всего, если не картина, на которую толпами ходили и дети и взрослые? Именно в нём идея Джона Форда про борьбу со стереотипами и равными правами, реализована идеально: Страшила может быть умным без всякой грамоты и не стоит мыслить стереотипами, в первую очередь самому Страшиле, который должен сначала поменять отношение к себе.
И, да, если была бы категория за Лучший грим, то среди номинантов вполне набралось пять нужных соискателей и это были бы фильмы "Частная жизнь Елизаветы", "Хуарез", "Горбун Собора Парижской Богоматери", "До свидания, мистер Чипс" и "Волшебник страны Оз", где последний имел бы все шансы на победу.
19. Мистер Смит едет в Вашингтон.
Девять номинаций: Лучший фильм, Лучший режиссёр, Лучшая мужская роль, Лучшая мужская роль второго плана (2), Лучший художник-постановщик, Лучший звук, Лучшая музыка, Лучший адаптированный сценарий.
Победа: Лучший оригинальный сюжет.
Политическая сатира Фрэнка Капры, в которой разворачивается история о начинающем политике, которого назначили в сенат, чтобы молодой дурачок не мешал коррупции, он начинает бороться с ней, бросив вызов всей американской системе принятия законов.
Картина продолжает главный принцип Фрэнка Капры, который он начал ещё в фильме "Мистер Дидс едет в город", когда маленький человек с большим сердцем едет в большой бессердечный город и меняет его изнутри, а не вязнет в нём сам.
При всей благородности режиссёра, — выявить злободневную проблему и вытравить её с помощью смеха, — был ряд скандалов и возмущений касательно этого фильма.
Кодекс Хейса высказал следующий вердикт ещё до написания сценария:
"Мы бы настоятельно рекомендовали вам серьезно посоветоваться, прежде чем приступать к производству любого фильма, основанного на этой истории. Это может оказаться динамитом, как для киноиндустрии, так и для страны в целом... нелестное изображения нашей системы правления, вполне может привести к тому, что у нас в США и за рубежом это дискредитирует демократию".
Были также предложение изъять фильм из европейского проката, так как он мог нанести ущерб "престижу Америки в Европе", что во время войны просто недопустимо. Тем ироничнее, что в диктаторских странах, этот фильм был запрещён из-за показанного демократического способа решать проблемы государства.
Но это всё политика... Критики и зрители были в восторге. Почти каждое издание того времени указывало на то, что если Сенат США не смеётся над этой комедией, то у них и правда есть серьёзные проблемы и следует начать беспокоиться по поводу верхней палаты.
"Мистер Смит едет в Вашингтон" считается одним из лучших фильмов Фрэнка Капры, но именно здесь прослеживается некий мрачный тон, который до этого всегда уступал свету. Здесь же, порядочный обычный человек окружен продажной, мелочной группой мошенников, которые торжествует буквально до предпоследней минуты фильма и даже сам триумф победы домысливает зритель, когда режиссёр на него намекает, но не показывает в кадре. Это чувство достигается и потрясающей игрой Джеймса Стюарта, который в предыдущем фильме у того же Капры "С собой не унесёшь", был не на своём месте, а здесь — он лучшая находка фильма. Его финальная речь о защите прав, законе и порядочности кажется архаичной в нынешнем веке, но тем страшнее контекст фильма, который как раз доказывает, что такие люди не отклонение от нормы, а наоборот максимально нормальные личности, к которым следует тянуться и на кого хочется ровняться. Фрэнк Капра не теряет веру, подобно Смиту в Вашингтоне, в то, что один человек может изменить ситуацию к лучшему, а значит, что каждый голос имеет значение, а именно это делает фильм "динамитом", но для Третьего Рейха, где фильм был запрещён. Если до этого картины Фрэнка Капры можно было считать спорными в момент выигрыша очередной статуэтки за Лучшую режиссуру или Лучший фильм ("С собой не унесёшь"), то теперь "Мистер Смит", возможно, лучший кандидат для этого звания, чем любой другой в этих категориях.
Фильм занял второе место по кассовым сборам в 1939 году, а также третьим во всём десятилетии, уступая только "Белоснежке" и другому гениальному фильму...
20. Унесённые Ветром.
Пять номинаций: Лучшая мужская роль, Лучшая женская роль второго плана, Лучшая оригинальная музыка, Лучший звук, Лучшие спецэффекты.
Восемь побед: Лучший фильм, Лучший режиссёр, Лучшая женская роль, Лучшая женская роль второго плана, Лучший адаптированный сценарий, Лучший художник-постановщик, Лучший монтаж, Лучший оператор (цвет).
Почётный Оскар за "усиление драматизации с помощью цвета".
Сложно что-то добавить к тому, что сказано про лучший эпический фильм своего времени, который до сих пор считается самым прибыльным в истории кино (с учётом инфляции чуть более трёх миллиардов долларов). И это с оговоркой, что, например, в Британии проката практически не было из-за начала войны. То есть, фильм заработал бы ещё больше.
Каждая сцена этого фильма говорит за себя и вряд ли все трактаты, какие есть вокруг этого фильма, могут быть красноречивей одной только гениальнейшей сцены, где Скарлетт О'Хара идёт сквозь море раненных солдат, камера отдаляется и мы видим, что им нет числа. Камера даже не думает останавливаться, она устремляется всё выше и выше, доходя до уровня реющего рваного флага, но раненные даже не думают заканчиваться. В этой сцене весь ужас войны, который передать даже такое полотно, как "Унесённые Ветром" не получается, потому что кадр чисто физически не может уместить всё то количество жертв, которые принесла война. И это только раненные...
В связи с этим, речь пойдёт о производстве и контекст фильма внутри Оскаровской истории.
Это лучший пример продюсерского кино, с которым могла бы поспорить только франшиза "Звёздных Войн". Вот лишь несколько продюсерских судьбоносных решений, доказывающих, что среди продюсеров тоже есть авторы, просто мыслят они иначе, но великими творцами кинематографа от этого быть не перестают.
Дэвид О. Селзник задержал съёмки на два года, только чтобы заполучить Кларка Гейбла. На протяжении этих же двух лет, на роль Скарлетт пробовалось 1400 актрис. Вокруг этого факта даже создали отдельную комедию "Вторая Скрипка" (номинация на Лучшую песню без победы) про бесчисленные поиски нужной актрисы. То же касается и сценария, который переделывался на протяжении всего создания фильма десятками сценаристов. Когда всё-таки были подобраны актёры, встал вопрос о южном акценте, который нужно было выработать в исполнителях, Селзник также занялся этим вопросом и нанял соответствующих репетиторов. На протяжении съёмок менялись и операторы в соответствии с нужным настроением той или иной сцены. Лишь композитор Макс Штайнер был неизменным. За двенадцать недель он написал 99 музыкальных тем для этого фильма.
Сам Луис Б. Майер и Ирвинг Тальберг не решались браться за создание этого фильма, считая его крайне рискованным проектом. Постпродакшн закончился в ноябре 1939 года, а премьера состоялась чуть меньше, чем через месяц, но предварительный просмотр внушил Селзнику, что этот производственный ад того стоил, когда во время чернового показа люди аплодировали стоя ещё сырому материалу, который длился четыре с половиной часа. И, да, после этого, он был сокращён, но всего на полчаса. Картину хвалили за его верность роману, но именно это способствовало хронометражу, который часто критиковали. С другой стороны, это единственная претензия, которая была предъявлена фильму. Всё остальное: триумф картины, над которой трудились тысячи людей. Кажется, весь Голливуд взялся за то, чтобы создать шедевр.
"Унесённые Ветром" получили восемь статуэток и две почётные, став самым премиальным и номинируемым фильмом в истории Оскара на этот момент. Он также стал первой цветной картиной, получившей Лучший фильм года. Помимо наград стоит отметить, что это самый длинный американский звуковой фильм, снятый на тот момент, который до сих пор удерживает это звание в категории Лучший фильм года. Хэтти МакДэниэл стала первой афроамериканкой, получившей Оскар. Когда она вышла получать награду, то со слезами на глазах сказала:
"Это счастливейший день в моей жизни... Я посвящаю эту победу своей расе".
Но вместе с этим, фильм ещё в 60-х подвергался критике за обеление рабства. На первом плане мы видим знать и элиту, а на заднем чернокожих рабов, которые источают исключительно раболепие и не хотят лучшей жизни. Можно списать это на рабское мышление, выработанное поколением за поколением, но нет даже намёка на негативное восприятие своей участи. Эти плоские персонажи не хотят ничего менять и улыбаются своим хозяевам, хотя сами неспособны к независимому существованию. Это же переосмысление усугубилось в нынешнем веке, когда HBO вдруг решает изъять этот фильм из стриминга, что сейчас больше выглядит, как грязная реклама, потому что фильм вернули (пускай с дисклеймером), а шумихи в прессе и сети было предостаточно.
Не лучше было и на той же церемонии Оскар, когда перед объявлением Хэтти МакДэниэл, ведущий говорит о том, что индустрия переживает лучший год в кинематографе благодаря вот таким событиям, это не мешает чернокожей лауреатке Оскар обедать в отдельной секции для чернокожих, что сильно выводило из себя Кларка Гейбла. Также было во время премьеры, где чернокожие должны были быть в отдельных кинотеатрах и Хэтти МакДэниэл не пустили на собственную премьеру из-за цвета кожи, поэтому Гейбл бойкотировал любую премьеру, где не пускали его коллегу.
Когда ты видишь контекст целиком, понимаешь, почему на протяжении почти века идёт такая рефлексия касательно цвета кожи. Также очень зло отзывались в адрес Академии в том плане, что чернокожая, конечно, получила Оскар, но играла она при этом рабыню. То есть, даже чтобы выйти, якобы за рамки стереотипов и доказать, что цвет кожи не определяет талант, всё равно приходится сыграть стереотипную роль служанки. Но почему-то никто не берёт в расчёт то, что было ещё во время съёмок фильма "Аллилуйя!", где сотня чернокожих актёров и участников съёмочной группы, получили работу и очень хорошие деньги. Лучше самой Хэтти МакДэниэл никто по этому поводу не ответил:
"Я предпочла бы зарабатывать семьсот долларов в неделю, играя горничную, чем семь долларов будучи ею же в реальной жизни".
И все сравнения с фильмом "Рождение Нации" 1915 года отпадают сами собой, потому что тогда чернокожим нельзя было играть в одном кадре с белой женщиной, и белого актёра пришлось гримировать под чернокожего, а в "Унесённых Ветром" в цветном фильме, люди наконец увидели на больших экранах черный цвет кожи. А помимо этого осознание, что чернокожие актёры получил деньги и рабочие места, вместе с популярностью.
И в этом заключается сила кинематографа: когда в реальной жизни царит расизм и нетерпимость, на экране ты являешься звездой. И Хэтти МакДэниэл, которая сломала расовый барьер одной своей ролью, не без помощи полученной премии Оскар, можно только позавидовать. Она стала этой звездой в самом популярном и прибыльном фильме на свете, который был актуален во время Второй Мировой Войны, будет актуален сегодня и ещё столько же лет спустя.
Итоги: ...
1939 год называют лучшим для Голливуда. Обычно в главной категории очевидны два фаворита, которые борются за звание Лучшего фильма. Иногда их бывает три. Но тут ровно половина от всех номинантов могла претендовать на главную статуэтку, несмотря на, казалось, очевидную победу "Унесённых Ветром". Никогда ещё оскаровская гонка не воспринималась так буквально. Тем не менее, наградный сезон был напряжённым и азартным, как никогда. Лишь победа Уолта Диснея была предсказуема, как обычно, потому что в категории Лучшего короткометражного мультфильма присутствовал его "Гадкий Утёнок".
"Мистер Смит едет в Вашингтон" стартовал раньше всех в качестве возможного победителя. Ему прочили все статуэтки, какие только можно, но на руку сыграла нелицеприятная реклама, вокруг критики, которая базировалась на том, что фильм Капры анти-американский.
"Унесённые Ветром" в одном только премьерном декабре хотели посмотреть свыше 50 миллионов американцев. Зрительская популярность была явна на его стороне, однако Премия критиков Нью-Йорка досталась "Грозовому Перевалу". Журнал Time и Hollywood Reporter были обеими руками за победу "Унесённых Ветром" особенно в актёрских номинациях. Лос-Анджелес, однако пророчил актёрскую награду Бэтт Дэвис, намекая, что Голливуд будет верен главной актрисе Америки. Черными лошадками также были "До свидания, Мистер Чипс" и "Волшебник страны Оз". "Дилижанс" тоже оказался высоко отмечен критиками и кассовыми сборами и был самым нейтральным для преференциального голосования, поскольку "До свидания, Мистер Чипс" — британская картина, а "Волшебник Страны Оз" — семейная. Редкая церемония может похвастаться сразу шестью фильмами, которые равнозначны в своих шансах на победу. Даже если отбросить фильм британского производства, пять фильмом это очень много и очень точно характеризуют состояние индустрии на момент 1939 года, который назвали в то время лучшим для Голливуда по очень понятным причинам...
Видео-монтаж на некоторых победителей и номинантов этой церемонии.
* * *
Какие фильмы из этой церемонии любите Вы? Пишите в комментариях и пусть эту статью унесёт не ветром, но лайками.
Не забудьте подписаться. Всем добра и здоровья!