(в продолжение темы прошлой статьи)
Одна моя знакомая, занимающаяся изобразительным искусством, недавно написала, что несколько раз посетила галерею Шилова в Москве, и там ей очень нравится. Я ответил, что статья историка искусства Софьи Багдасаровой (Шакко) на эту тему очень полезна для воспитания вкуса.
Именно для того, чтобы мы не кидались на яркие обманки, на гиперактивные краски и донельзя прорисованные занавески, чтобы мы научились наконец отличать зёрна от плевел, а хорошую композицию не путали с плохой, мы и занимаемся в изостудиях с нашими подопечными. И прискорбно, если наши усилия всё же пойдут прахом.
Это Шилов, "Портрет Аллы Баяновой". И что же, спросит иной человек, тут плохо?
Мне далеко до Шакко, но и я тоже кое-что смыслю. Поэтому расскажу.
1. Мне было лет восемь, когда меня отдали в школу имени Сурикова, рядом с Третьяковкой, и я тогда уже узнал от преподавателя, что писать надо не краской, а цветом! А платье, кресло, стена - это всё краски из тюбика, а не цвет. Где богатство оттенков, "модуляции", переливы? Рефлексы, наконец. Оттеночки (на том же паркете), солнечные зайчики с улицы, еле уловимый свет от окна.
2. Цветовой диссонанс: красное пятно кресла - рядом с ярко-синим платьем, да плюс всё это на зелёном фоне, невероятное несоответствие!
3. Увлечение фактурами и прорисовками. Ткань, как живая, а зачем? Пианино прорисовано - от и до. А надо ли? Кстати, обратите внимание на его клавиши.
4. Смысловая нагрузка, атрибутика. Изображаемая прожила долгую жизнь. Эмиграция, возвращение. Творчество. Где всё это показано? Несколько фото, бутылка вина, фужер, выпитый до дна и перевёрнутый. Показывать надо главное, основополагающее. Здесь связной истории не отследить. Про лицо пожилой артистки умолчу - возраст и профессия наложили на него свой след, обратив в некую застывшую, непроницаемую маску. Если понимать портрет буквально, то можно "прочитать" его и так: "эта пожилая женщина всю жизнь занималась музыкой, а теперь одинока, отчего нередко находит утешение в вине".
Меха, парик, рюшечки на кресле - это всё типичная "шиловщина", ничего нового. Это мещанское копание в мелочах, вместо того, чтобы указать главное, основополагающее, а где-то и величественное. Нет этого, и, видимо, автору всё нравится. Как и заказчику, впрочем, но от того-то чего уже можно ожидать, если сам кистедержатель "лажает" по полной.
Надо сказать, что и в былые годы всякого китча тоже хватало, в том числе и салонного. Люди зарабатывали. И Энгр, и Кабанель, и Жером (французские художники-академисты 19-го и начала 20-го веков) купались в славе и зарабатывали, но и "ляпов" они делали немало, отчего получали немало насмешек от импрессионистов. Как видим, хотя времена теперь и иные, но и ныне есть продолжатели "салонщины", увы, в плохом смысле этого слова.
Кто-то задастся вопросом: "А есть ли тогда хорошее, качественное салонное искусство?" Отвечу: "Есть. Пример - Бугро. "Ляпов" почти нет".
Здесь и прекрасная, воздушная живопись, и работа цветом, и драматизм...
Бугро - действительно мастер. Да и не только он. Были и Семирадский, и Ге, и Брюллов, и Давид, да и тот же Энгр местами очень неплох (но Бугро всё же лучше!)
А в противовес "плохим" салонным художникам, уходящим в китч, и возник в своё время импрессионизм.
Что же лучше: "подсесть" на импрессионизм, или заниматься китчем? А зачем обязательно выбирать из этих двух пунктов? Тут вопрос в цели. Хочешь заработать - делай китч, как Шилов, хочешь шумихи - становись Хундертвассером, Эгоном Шиле, Малевичем. В любом случае, если хочешь действительно серьёзно творить - твори своё, и не слушай никого. А ещё лучше - слушай всех, а делай по своему. Но заработать не рассчитывай. Настоящему творцу всегда тяжело.
Всем хорошей работы, самоотдачи, творчества!
Подписка и оценки пригодятся.
