Карл Брюллов является одним из известнейших русских художников не только в России, но и за рубежом. Его имя постоянно сопровождается такими описаниями, как «великий», «гениальный» еще со времени жизни художника. Но, так уж сложилось, что я не особо люблю его творчество. Почему это так разберемся чуть ниже.
Карьера художника была, по сути, предопределена уже с рождения: отцом Карла Брюллова (как, кстати, и еще 2 художников) был гравер, резчик по дереву и преподаватель Академии художеств Павел Брюлло, который уже с детства обучал детей азам рисования. Важен тот факт, что семья Брюлло не принадлежала к высшему сословию, за счет чего добиваться расположения в обществе им приходилось труднее, чем коллегам из привилегированного слоя.
Благодаря активной подготовке, Карл Павлович получил признание уже во время обучения в Императорской Академии художеств.Именно к этому периоду относится одно из известнейших полотен «Нарцисс, смотрящийся в воду».
Картина основана на античном мифе, согласно которому прекрасный юноша, который был горд и самовлюблен, отвергал всех, кто влюблялся в него, за что был наказан богиней Афродитой. Во время охоты склонившийся к воде Нарцисс влюбляется в собственное отражение столь сильно, что более не в силах оторваться от него. В итоге, не желающий ни пить, ни есть он погибает.
Данное полотно взаимодействует со зрителем через Купидона, изображенного в верхней части картины, ведь тот смотрит не на юношу, а в глаза зрителю, словно бы давая понять, что сам Нарцисс вас уже никогда не заметит.
Несмотря на то, что изображение главного персонажа соответствует «образцам», таким как античные статуи и работы «старых мастеров», в Академии работу приняли неоднозначно: художника обвиняли в том, что он осмелился «нарушить чистоту идеальной формы», бросив тень на ногу Нарцисса.
Некоторые исследователи отмечают, что факт этой «ошибки» в дальнейшем приведет к тому, что Карл Павлович будет перерабатывать замыслы своих полотен, делая их более «идеализированными» и подходящими под требования Академии.
В 1822 году, после окончания Академии, Карл Брюллов вместе с братом Александром отправляется в заграничное путешествие в Италию в качестве пенсионера (поездку оплачивало Общество поощрения художников). Надо сказать, что заграничное путешествие было обычной практикой для наиболее выдающихся выпускников, ведь ознакомившись с подлинниками мастеров Ренессанса и делая копии их работ, новые художники смогут улучшить свой стиль.
Одной из первых работ, написанных в путешествии, стало «Итальянское утро» 1823 г., изображающее юную девушку, которая пришла умываться к фонтану, едва проснувшись. Во многих работах встречается история о том, что данная картина была написана в результате спора русского художника с его немецкими коллегами, утверждавшими, что ныне утеряно мастерство «заканчивать работы».
На этом полотне формы, опять же напоминающие античные статуи, освещены утренним солнцем. В отличие от написанного раннее «Нарцисса…», сторонние тени уже не искажают эти самые формы. Непонятным остается решение оголить грудь модели: девушка не обнажена полностью, что показало бы нам, что умываться та пошла сразу из постели, и, в то же время, оголение явно намеренное, а не вызвано случайно упавшим с плеча рукавом. Упомянутый факт выглядит скорее как попытка привлечь внимание, за счет того, что все больше набирают популярность изображения обнаженных моделей. Все это делает картину чуть более искусственной и наигранной. Тем не менее, публика горячо приняла полотно молодого мастера: оно было подарено императрице Александре, а Николай I заказал у Брюллова парную к ней картину для себя.
Работой, написанной в пару к «Итальянскому утру» стал знаменитый «Итальянский полдень», который привел к разрыву отношений между Брюлловым и Обществом поощрения художников.
На работе изображена простая итальянская девушка, которая увидела идеальную гроздь винограда и, восхищенная той, готовится сорвать ягоды в корзину. Надо сказать, что на этом полотне, хоть уже и не так очевидно, заметен намек на эротизм: героиня не замечает, что с плеча сползает ткань, оголяя формы.
Критики обвинили художника в том, что модель не изящна и не соответствует стандартам красоты.
В 1831 году художник напишет уменьшенную и, так сказать, «облагороженную» копию «Итальянского полдня», который ныне хранится в Третьяковской галерее. В дальнейшем модели картин будут именно такими: изящными, облагороженными и, в некоторой степени, манерными.
В Италии художник познакомился с графиней Юлией Павловной Самойловой, с которой у него завязались отношения. Следует отметить, что и сама Юлия и 2 ее приемные дочери неоднократно становились моделями Карла Брюллова. Самым известным изображением воспитанниц (Амацилии и Джованины Пачини) является картина «Всадница».
Полагаю, эта картина известна практически каждому, ведь ее репродукции украшали стены как школ, так и простых деревенских домов. И, пожалуй, именно отсюда и начнется объяснение моего отношения к творчеству Брюллова.
Это довольно сентиментальная картина, призванная запечатлеть обеих девушек в нежном возрасте, показав при этом их разность. Джованина — невозмутимая наездница, способная оседлать дикого, взмыленного коня. В то же время Амацилия — маленький ребенок, который искренне восхищается старшей девушкой. Надо сказать, что искреннее удивление младшей девочки, её стремление залезть на оградку создают ощущение непосредственности и наивной эмоциональности.
Вся атмосфера картины ломается при взгляде на Джованину: грозный, встающий на дыбы конь создает напряжение, ощущение мощи, что подчеркивается видом предгрозового неба. Однако, вопреки ожиданиям, всадница спокойна и расслаблена. Создается четкое ощущение того, что девушка сидит на диване, сопровождая зрителя скучающим, безэмоциональным взглядом. Эти образы создают мощный диссонанс, делая картину искусственной и, за счет этого, несколько отталкивающей.
Несмотря на известность всех перечисленных выше работ, самой значимой и узнаваемой по всему миру является «Последний день Помпеи».
Сюжетом картины стали трагические события 79 года н.э., когда извержение вулкана Везувий привело к гибели нескольких городов, в том числе и Помпеи. Следует отметить, что данный сюжет в XIX веке был весьма распространенным, так как раскопки второй половины XVIII столетия сделали останки античного города популярным местом для посещения. Таким образом, история падения Помпеи и Геркуланума стала «модной» темой, так что выбор сюжета был весьма очевиден.
Для понимания композиционной особенности работы, можно сравнить картину К. Брюллова с полотном английского художника Джона Мартина «Разрушение Помпеи и Геркуланума», написанным в 1822 году.
На работе Д. Мартина основным элементом является именно само извержение: потоки лавы, вихри дыма и столб огня завораживают, показывают невероятную мощь происходившего. Люди, написанные на первом плане, столь малы и хрупки, что являются не столько персонажами, сколько изобразительным средством, призванным подчеркнуть разрушительную мощь вулкана.
В то же время, на работе русского живописца извержение является лишь фоном для действия главных персонажей. Интересно, что в отличие от работы Мартина, где все пропитано отсветами красного пламени, первый план работы Брюллова выбелен, словно освещается вспышкой молнии.
Надо сказать, что сохранилось несколько эскизов «Последнего дня Помпеи», позволяющих отследить, как менялся замысел художника во время подготовки к написанию основного полотна.
Интересно, что не менялся от эскиза к эскизу только один образ — семья с двумя маленькими детьми, находящаяся в центре полотна.
Замысел картины прост, незатейлив, но одновременно с тем изыскан: даже перед смертью люди не теряют красоты своей души и стремятся помочь ближнему. Особо ярко это видно в правой части полотна: юноша уговаривает свою мать подняться и бежать дальше, а двое молодых людей выносят на руках отца, не имеющего сил бежать самостоятельно.
И, в то же время, в этой работе есть и несколько отталкивающих деталей: посмотрите в самый центр полотна, где, по законам композиции должна быть главная фигура! Что мы там видим? Мертвую девушку и младенца, ползающего вокруг тела матери. Но, как ни странно, этот фрагмент не вызывает трепета и ужаса, ведь оголенная грудь (которой, кстати, не были ни на одном из эскизов) и изящное, даже в некотором плане соблазнительное положение тела создают ощущение чего-то показного и наигранного. То же относится и ко многим другим фигурам: изящество и красота не вселяют страха, они создают ощущение театра.
Вместе с тем, нельзя не отметить, что выражение лица девушки все-таки забирает на себя внимание, делая образ «соблазнительной красавицы» скорее скользящим, чем устойчивым
Кроме этого, есть еще такой фактор как перенасыщение деталей: появляется идея, что Карл Павлович Брюллов пытался угодить всем. Почему? Представьте себе, что может вызвать сочувствие у трепетных дам XIX столетия? Младенец, оставшийся без матери? Одинокая женщина, защищающая своих детей? Семья, которая целиком погибнет в этом городе? Немощный старик, не способный покинуть город самостоятельно? Может, молодожены, которым суждено погибнуть в тот же день? Любой из этих образов вы найдете на картине. Кроме этого, каждый персонаж настолько изящен и изыскан, что их ужас и отчаяние становятся не убедительными. Смотря на работу, я вижу не живых людей, которым суждено внезапно умереть без особой на то причины, а античные статуи, такие же, как и те, что падают со стен, являя собой смерть античной цивилизации.
Исходя из всего вышеизложенного, мы можем заключить, что Карл Павлович Брюллов был весьма талантливым художником, прекрасным колористом, однако следование требованиям академизма сделало его полотна более изящными, чем убедительными. Конечно, нельзя исключать тот фактор, что нынешнее восприятие образа катастрофы изменилось под действием творчества экспрессионистов, которые настолько искажали черты и формы, что вызывали (да и вызывают ныне) в зрителе животный страх и отвращение, перемешанное с болезненным желанием продолжать смотреть.
Об искусстве, с любовью,
Tallirr.
#Tallirr_об_искусстве.
