На первый взгляд пейзажи Климта, казалось бы, показывают более плавную линию развития, чем его фигуративные работы. Хотя они свидетельствуют о параллельном переходе от шелковистого импрессионизма к более прозрачному стилю мозаики, последняя фаза не отличается жесткой геометрией и резкими металлическими цветами, которые можно найти в портретах и аллегориях. Таким образом, переход Климта в его последний, наиболее живописный период также более органично проявился в ландшафтах, поскольку ландшафты никогда не уступали линейности средней стадии. Фактически, можно сказать, что пейзаж был источником, из которого возникла большая часть его оживленного более позднего искусства, и даже его портреты извлекли выгоду из пространственных устройств, усовершенствованных в этом жанре. Климт был мастером трюков, которые одновременно создавали и уничтожали иллюзию глубины, и в такой картине, как «Яблоня I», можно логически различить, по крайней мере, четыре разных плоскости: крупные цветы на переднем плане, поле между ними и дерево , само дерево и пышная листва. Тем не менее, общий рисунок мазка настойчиво сообщает нам, что это обман, картина такая же плоская, как и холст, который ее поддерживает. Такое преднамеренное манипулирование плоскостью изображения способствовало абстракционистским тенденциям, которые всегда были присущи подходу Климта к ландшафту. Действительно, в то время как в его конвенции о портретах (не говоря уже о тщеславии няньки) требовалась постоянная верность объемному правдоподобию, Климт в своих пейзажах был свободнее и в манере видения, и в своих конечных целях. Пейзажи (которым некому угодить, кроме самого Климта) являются наиболее чисто художественными работами в его творчестве, свидетельствуя об увлечении художника формой, цветом и текстурой для их собственных целей. Особенно в своих более абстрактных поздних пейзажах, Климт достиг единства концепции, которая выводит эти работы, как и последние пейзажи Клода Моне, на передний край модернизма.
Климт, как известно, написал три картины яблонь: Золотая яблоня 1903 года (уничтожена пожаром в 1942 году), Яблоня I и Яблоня II. Неясно, имели ли они какую-либо частную символику для Климта; однако его постоянное внимание к мотиву делает вероятным, что он связывал дерево с определенными качествами. Конечно, в христианском искусстве яблоко, вырванное из Древа Знаний, символизирует Падение. В греческом мифе оно представляет золотое яблоко, врученное Афродите Парижем в конкурсе на самую прекрасную богиню. Это яблоко стало означать разлад, поскольку выбор в конечном итоге привел к Троянской войне. Климт, возможно, также думал о золотых яблоках из сада Гесперид, атрибута Геракла в греческой легенде; или из сада Фрейи, норвежской богини любви и магии. Обе эти традиции связывают золотое яблоко с бессмертием. Широко расположенные даты трех версий Климта делают маловероятным, чтобы яблоня имела какое-то одно значение для Климта. В то время как последние, возможно, были нарисованы на фоне Первой мировой войны, и, возможно, поэтому наиболее сильно относятся к теме раздоров или опасений смертности, самые ранние были написаны в спокойные времена. Стили Apple Tree I и Apple Tree II значительно различаются. Первая сравнима с более ранними работами, такими как «Фермерский сад с подсолнухами», по повсеместному рисунку цвета, в котором отсутствие неба уменьшает чувство перспективы, а фоновым листьям придается одинаковая плотность цвета и четкость линий. как цветы на переднем плане. Apple Tree II, однако, гораздо более свободная работа. Отдельные мазки могут быть видны довольно четко, и единственное очевидное создание рисунка - нереалистичное выделение яблок густой краской и сплошные точки цвета внутри.
Климт, кажется, чувствовал себя спокойно среди леса. Хотя стволы отрезаны верхом холста, композиция не клаустрофобна. Скорее деревья достигают неба, как колонны в соборе, созданном природой. Страны Центральной Европы имеют давнюю традицию аллегорической живописи леса. Альбрехт Альтдорфер (1480 - 1538) нарисовал первый чистый пейзаж, с высокими соснами, высовывающимися из рамки картины, затмевая любое чувство человеческого масштаба. Богатое наследие фольклора, основанное на лесах, включая сказки Гримма, также, возможно, вызвало отклик у Климта. Вместо того, чтобы останавливаться на таинственной темной природе леса, Климт выбрал явно осеннюю сцену, где цвета листьев естественно стремятся к золотым тонам, которые он предпочитал. Крошечные мазки краски дают мерцающий эффект света, далекий от реальности мрачности и мрака, а узор стволов по ширине холста намекает на музыкальный ритм.
Здесь узкие цветочные узоры, которые можно увидеть в таких работах, как «Цветочный сад» (1905–06), стремительно растут в серии композиций из дерева, включая «Розы среди деревьев». Изобилие сложноподобных пуантилистских мазков накапливается в густой листве, в сетке зеленых и сиренево-синих оттенков чередуются яркие желтые пятна фруктов. Это сине-зеленое извержение плодовитости создает яркий цветовой контраст, в отличие от преобладающей красно-зеленой цветовой поляризации, использованной в предыдущих пейзажных работах Климта. Следовательно, перспектива почти стирается, так как на поверхности изображения набухают цвета. Чтобы разбить эту обильную массу, ее присутствие навязывает белая плетистая роза, символ любви, изображенный в разделе «Куст жизни» Тли Стоклета Фриза (1905 - 11). Как и «Stoclet Frieze», работа почти абстрактна по своей природе и, безусловно, находится в авангарде экспрессионизма двадцатого века с ее необходимостью искажать реальность для выражения эмоций или внутреннего видения. Соответственно, дерево представляет для Климта праздник жизни вместо его типичных жутких отчужденных лесных пейзажей с их тонкими колоннами призрачных стволов.
