Юна. Броши и не только...

Шишки в дело! 🎄

Совушки крючком!

ТВОРЧЕСТВО В ЖИЗНИ ЖЕНЩИНЫ. Творчество в жизни женщины — это не просто хобби или приятное времяпрепровождение. Это мощная сила, которая влияет на её идентичность, эмоциональное здоровье, самореализацию и даже на её окружение. 1. Творчество как способ самореализации и самовыражения. 🔸В мире, где на женщину часто накладывают множество социальных ролей (дочь, жена, мать, сотрудник), творчество становится личным пространством, где можно быть просто собой. 🔸Через творчество женщина рассказывает свою уникальную историю, говорит о том, что её волнует, радует или тревожит. Это могут быть картины, тексты, музыка, танцы, фотография. 🔸В процессе творения она отвечает на вопросы «Кто я?», «Что для меня важно?», «Как я вижу мир?». Это путь к себе, вне ожиданий и ярлыков. 2. Творчество как терапия и ресурс. 🔸 Рисование, ведение дневника, лепка, танцы — это каналы для трансформации сложных эмоций (стресса, тревоги, грусти) во что-то осязаемое и прекрасное. 🔸Когда женщина творит, она погружается в «поток» — состояние полной концентрации и наслаждения процессом. Это форма медитации, которая восстанавливает психику. 🔸 Парадоксально, но творчество, отнимая силы, одновременно и наполняет ими. Увидев результат своих усилий, женщина получает заряд уверенности и вдохновения для других сфер жизни. 3. Творчество как вызов стереотипам и социальный вклад. 🔸Исторически «высокое» искусство часто было мужской территорией. Сегодня творчество женщины — это акт свободы и заявление. 🔸 Женщины-художницы, писательницы, режиссёры создают новые сюжеты, показывают женский опыт изнутри, ломая клише. 🔸 Дизайн, архитектура, ландшафтный дизайн, городские проекты — творческий взгляд женщины делает мир более гармоничным, удобным и человечным. 🔸Через творческие community, мастер-классы, социальные проекты женщины объединяют людей, решают локальные проблемы, создают поддерживающую среду для других. 4. Творчество в повседневности: не только искусство. Важно расширить понятие творчества. Это не обязательно должна быть картина в раме. 🔸Кулинария как искусство сочетания вкусов и презентации. 🔸Воспитание детей как творческий процесс создания личности, полный импровизации. 🔸Создание уюта в доме — подбор интерьера, текстур, света. 🔸Организация пространства (та же магия уборки по КонМари). 🔸Садоводство — создание живого, цветущего мира. 🔸Стиль и мода как способ создания личного визуального высказывания. 5. Баланс и вызовы. Конечно, есть и сложности: 🔸Время: Где его найти между работой, семьей и бытом? Ответ часто в микротворчестве — 15 минут скетча в день, ведение фото-дневника на телефон, приготовление нового завтрака по выходным. 🔸Внутренний критик: «Я недостаточно талантлива», «Это ерунда», «Кому это нужно?». Борьба с перфекционизмом и страх оценки — главные враги творческого начала. 🔸Обесценивание: «Хобби» женщины могут не восприниматься всерьёз. Здесь ключевое — отстаивать ценность этого процесса для себя. Итог: почему это необходимо? Творчество для женщины — это дыхание. Это: 💥Способ оставаться живой и чувствующей в рутине. 💥Мост к самой себе, к своей детской любознательности и смелости. 💥Инструмент изменения реальности вокруг себя, начиная с настроения в семье и заканчивая культурным полем. 💥Наследие, которое она оставляет — не только детям, но и миру. Это след её уникального взгляда. В конечном счёте, творчество — это право на игру, на эксперимент, на ошибку и на восторг от создания чего-то нового. Это одна из самых светлых и наполняющих граней человеческой жизни, и женщина, как никто другой, обладает способностью вплетать эту творческую нить во все сферы своего существования.

Подборка вышитых салфеток ✨

Игрушки своими руками! 🧡Милый котейка🤗 Автор Вера Изгребина

🔸Хочу поделиться с Вами своими новыми работами. Игрушки в смешанной технике. Объединение глины и меха. 🔸Смешанная техника — это особенная магия, когда из соединения, казалось бы, разных материалов рождается что-то совершенно новое и живое. 🔸Глина позволяет проработать выразительную мордочку и позу, а мех дарит им мягкость и очарование. 🔸Хочется непременно взять в руки, почувствовать прохладу глазури и теплоту меха. 🔸Когда в процессе рождается "чудо" — это чувствуется сразу. Такие игрушки не просто предметы, они становятся хранителями историй.

ВЫШИТЫЙ ВОРОТНИЧОК - ОТДЕЛЬНЫЙ ВИД ИСКУССТВА. ИСТОРИЧЕСКИЕ ФАКТЫ. История воротничков — это захватывающее путешествие через моду, социальные статусы и развитие ремесла. Давайте проследим основные вехи этого пути. 🔸Истоки: Роскошь и статус (XVI-XVII века) 👉Отдельный аксессуар: В эпоху Ренессанса и особенно Барокко воротнички (такие как знаменитые «мельничные жернова» — громадные гофрированные белые воротники) были показателем богатства и знатности. Их изготавливали из дорогих материалов — батиста, льна, отделывали кружевом. 👉Вышивка как драгоценность: Белая ажурная вышивка (например, «ришелье») была невероятно трудоемкой и стоила целое состояние. Чем тоньше работа и белее ткань (что говорило о том, что владелец не занимается физическим трудом), тем выше был статус человека. 🔸Викторианская эпоха (XIX век): Расцвет романтики и рукоделия 👉Съёмные воротнички и манжеты: Эта эпоха стала золотым веком для воротничков. Вошли в моду съёмные воротнички и манжеты, которые позволяли менять вид платья без его замены. 👉Символ женственности и благородства: Вышитые воротнички стали неотъемлемой частью гардероба благородной дамы. Их украшали изящной вышивкой белыми нитями по белому (whitework), гладью, украшали бисером и шелковыми лентами. Это было доказательством мастерства, терпения и хорошего вкуса хозяйки. 🔸На рубеже эпох (Конец XIX - начало XX века): Влияние модерна и ар-деко 👉Модерн (Ар-Нуво): Воротнички стали украшать вышивкой в виде извилистых линий, стилизованных цветов (ирисов, лилий), насекомых — характерных motifs этого стиля. 👉Ар-Деко: В 1920-е годы в моду вошли геометрические узоры, египетские мотивы и абстракция, что немедленно отразилось и на вышивке. Воротнички эпохи джаза часто были украшены симметричными, графичными узорами, вышитыми бисером и стеклярусом. 🔸Советская эпоха: Искусство в условиях дефицита 👉Самодеятельность и «сделай сам»: В СССР, где с красивой и модной одеждой были проблемы, рукоделие стало способом выделиться и украсить свой гардероб. 👉Журналы и передача знаний: Журналы типа «Работница» и «Крестьянка» публиковали схемы для вышивки. Вышитые воротнички и манжеты были популярным способом «освежить» школьную форму или простое платье. Это было демократичное искусство, доступное миллионам женщин. 🔸Забвение и Возрождение (Конец XX - XXI век) 👉Упадок: Во второй половине XX века, с развитием массового производства и изменением стиля жизни, вышитые воротнички почти исчезли из моды, превратившись в винтажный аксессуар или предмет ностальгии. 👉Триумфальное возвращение: В 2010-х годах дизайнеры, уставшие от минимализма, снова обратились к ремесленным техникам, уникальности и тактильности. Сначала они вошли в моду как часть субкультур (например, «косплей», «винтаж»), а затем были легализованы модными домами, как вы и указали (Paco Rabanne, Loewe и др.). Почему история важна для понимания феномена? Когда вы берете в руки вышитый воротничок сегодня, вы держите не просто аксессуар. Вы прикасаетесь к наследию: 🔸К статусу испанских грандов и английских аристократок. 🔸К романтизму викторианских барышень. 🔸К бунтарскому духу «ревущих двадцатых». 🔸К изобретательности советских женщин. ----------‐------------------------------------------------- Именно эта глубокая, многослойная история, соединяющая века и культуры, и делает вышитый воротничок по-настоящему отдельным видом искусства. Это wearable art (искусство, которое можно носить) в его самом чистом проявлении.

ПОЛИМЕРНАЯ ГЛИНА. ВОЗМОЖНОСТИ ПРИМЕНЕНИЯ. Современная полимерная глина — это материал с безграничным потенциалом. Его применяют в самых разных сферах: 1. Ювелирные изделия и бижутерия (самое популярное направление). 🔸Броши, кулоны, серьги, кольца. Возможность создать абсолютно уникальный дизайн, имитирующий камень, металл, дерево, вышивку или что-то фантазийное. 🔸Бусы и браслеты. Техника "миллефиори" позволяет создавать бусины с невероятно сложными и красивыми узорами. 2. Миниатюра и кукольный дом. Создание крошечной еды, посуды, предметов интерьера, книг, инструментов. Это направление невероятно популярно благодаря своей реалистичности и детализации. 3. Скульптура. От небольших интерьерных статуэток (ангелочки, животные, абстрактные формы) до масштабных кукол и арт-объектов. Глина позволяет прорабатывать мельчайшие детали. 4. Декор и предметы интерьера. 🔸Ручки для мебели и дверей. 🔸Декоративные рамки для фото и зеркал. 🔸Подсвечники и сосуды (техника "полая форма"). 🔸Елочные игрушки и другой праздничный декор. 🔸Оформление предметов в технике "декупаж" с добавлением глины. 5. Канцелярия и аксессуары. 🔸Уникальные обложки для блокнотов и паспортов. 🔸Декоративные закладки для книг. 🔸Брелоки, украшения для сумок. 6. Производство фурнитуры для рукоделия. Пуговицы, пряжки, соединительные элементы для скрапбукинга и других видов творчества. 7. Искусство и дизайн. Многие современные художники используют полимерную глину для создания картин, панно и инсталляций, сочетая ее с другими материалами. Ключевые преимущества материала: 🔸Доступность: Не требует специального оборудования, кроме домашней духовки. 🔸Пластичность: Легко поддается лепке, похожа на пластилин. 🔸Прочность: После запекания изделие становится прочным, подобно пластмассе. 🔸Широкая палитра: Возможность смешивать цвета и создавать любые оттенки. 🔸Универсальность: Подходит как для простых поделок с детьми, так и для сложных работ профессиональных художников. ------------------------------------------------------------ Полимерная глина прошла долгий путь от замены для кукольных ног до полноценного художественного материала, открывающего безграничный простор для творчества.

ПОЛИМЕРНАЯ ГЛИНА. ИСТОРИЯ. Полимерная глина — это не просто материал для хобби, а уникальное явление с богатой историей и невероятными возможностями. Давайте разберемся подробнее. История полимерной глины. История этого материала уходит вглубь XX века и связана с куклами, войной и гениальными находками. 1. Зарождение в Германии (1930-е годы). 🔸Кукла-прототип: Всё началось с того, что немецкая кукольных дел мастерица Фифи Ребендер пыталась создать прочное, но легкое тело для своей новой куклы. Она экспериментировала с различными материалами. Её мать, Катарина Ребендер, работавшая на химическом производстве, предложила ей использовать на основе поливинилхлорида (ПВХ) пастообразную массу. Этот материал был пластичным, а после нагревания становился твердым и прочным. 🔸В 1939 году Фифи получила патент на свой материал, который назвала "FifiMosa". Это и был прототип современной полимерной глины. 2. Военное время и новое применение. 🔸Во время Второй мировой войны в Германии был дефицит многих материалов. Прочный и пластичный материал Фифи нашел неожиданное применение: из него стали делать сменные подошвы для женской обуви. 🔸После войны, в 1954 году, права на материал выкупила предпринимательница Эберхардт Штрунг. Вместе со своим мужем-инженером Францем Ребендером (братом Фифи) они усовершенствовали формулу и начали промышленное производство. 3. Рождение бренда "Fimo" (1950-е - 1960-е). 🔸Новый материал получил название Fimo — акроним от Fifi Modelling Material (Материал для лепки Фифи). 🔸Изначально Fimo был не очень популярен, пока его не обнаружили мастера кукольного дела и художники. Его удобство (не нужно обжигать в печи, достаточно домашней духовки) и прочность сделали его хитом среди ремесленников. 4. Американский прорыв (1960-е годы). 🔸В 1964 году американская художница Бесси Пена обнаружила кусок немецкой полимерной глины в мюнхенском магазине и привезла его в США. 🔸Она показала материал своей сестре, известной дизайнеру кукол Зои Пена, которая начала активно его использовать. Материал произвел фурор в американских кругах художников-кукольников. 🔸Параллельно, в США, химик Рудольф Райзер разработал похожий материал для производства угольных фильтров. Позже его компания Polyform Products переориентировала его для художников, и в 1970-х годах на свет появился бренд Sculpey. 5. Расцвет и глобализация (1980-е - наши дни). 🔸С 1980-х годов полимерная глина перестала быть материалом только для кукольников. Художники открыли техники, которые позволили использовать ее для создания сложных ювелирных изделий, скульптур и декора. 🔸Особую популярность приобрела итальянская техника "миллефиори" (millefiori), позаимствованная у стеклодувов. Это дало мощный толчок для развития направления. 🔸Сегодня существует десятки брендов (Fimo, Sculpey, Cernit, Kato, Pardo и др.) с разными свойствами (твердость, палитра, текстура после запекания), что позволяет каждому художнику найти свой идеальный материал.

Вышиваем васильки🤗🪻

Κoтики-нepaзлучники кaк cимвoл вepнocти и любви: шьeм зaбaвныe игpушки-тaлиcмaны cвoими pукaми.🤗

БРОШЬ "ГЛИЦИНИЯ". Люсьен Гайяр - французский ювелир, известный своими украшениями с японскими мотивами и изделиями из смешанных металлов. К сожалению, история создания конкретной броши в виде веточки глицинии Люсьена Гайяра — это загадка, которую время пока не раскрыло. До нас дошли сами шедевры, но редко — эскизы, письма или записи, подробно описывающие рождение каждой работы. Однако, мы можем реконструировать исторический и творческий контекст, в котором она была создана. Это позволит понять «почему и как» она появилась на свет. Представьте Париж на рубеже XX века, примерно между 1900 и 1910 годами. Это эпоха расцвета стиля Ар-Нуво, и именно в это время создавалась брошь. Творческая лаборатория Гайяра: предпосылки для создания шедевра 1. Семейное наследие и новаторство: · Люсьен Гайяр унаследовал процветающую ювелирную фирму от отца в 1892 году. Вместо того чтобы продолжать делать классические украшения, он совершил революцию: превратил мастерскую в «лабораторию визуальной поэзии». · Он увлёкся работой с нестандартными материалами: тончайшая эмаль, рог, перламутр, барочный жемчуг, полудрагоценные камни. Их он ценил за цвет, текстуру и светоносность больше, чем за стоимость. Брошь глицинии почти наверняка использовала эти материалы: эмаль для передачи нежно-сиреневого и фиолетового оттенков соцветий, перламутр для мерцания, а золото — для тончайшего стебля. 2. «Японская революция» в мастерской: · Это, пожалуй, ключевой фактор в истории создания этой броши. Гайяр был очарован японским искусством. Он не просто коллекционировал гравюры укиё-э, но одним из первых начал приглашать японских резчиков по слоновой кости и эмальеров для работы в своей парижской мастерской. · Японские мастера принесли с собой:  · Точность в изображении природы: Они учились у природы с детства, их взгляд был одновременно поэтичным и анатомически точным.  · Виртуозную технику: Их умение работать с мельчайшими деталями было беспрецедентным.  · Философию «укиё-э»: Идея запечатлеть «мимолётный, преходящий мир» идеально ложилась на эстетику Ар-Нуво. Цветущая глициния — это и есть воплощение такой мимолётной, эфемерной красоты. 3. Ботаническая одержимость эпохи: · Ар-Нуво обожал флору и фауну. Художники искали в природе не классические розы, а более изысканные, гибкие формы: орхидеи, ирисы, водные растения. Глициния с её длинными, струящимися кистями-соцветиями была идеальным объектом. Её плавные линии повторяли знаменитый «удар бича» — главный графический элемент стиля. Предположительная история создания одного экземпляра: Можно предположить, что процесс выглядел так: 1. Импульс: Гайяр, гуляя по саду или видя гравюру с изображением глицинии, был пленён её изяществом. Его целью стало не скопировать растение, а передать его сущность — легкость, хрупкость, поток цвета. 2. Эскиз: Он или один из его художников создавал рисунок, где главную роль играла линия — гибкий, извилистый стебель. 3. Материализация: В дело вступала команда мастеров-японцев.   · Золотых дел мастер создавал основу из кованого золота, возможно, используя технику «repoussé» (тиснение по металлу) для придания объема.   · Специалист по эмали (эмальер) готовил ячейки для техники пламб-а-жур, чтобы цветы глицинии сияли, как крошечные витражи.   · Резчики работали над деталями из рога или перламутра для листьев и бутонов. 4. Сборка: Все элементы с ювелирной точностью собирались в единую композицию, где асимметрия и баланс были тщательно выверены, чтобы брошь была живой и динамичной. Где можно увидеть эту брошь? Работы Гайяра на аналогичную тему хранятся в крупнейших музеях: · Музей Орсе, Париж: Обладает одной из лучших коллекций произведений Гайяра, включая его знаменитые броши-орхидеи и работы с мотивом глицинии. · Метрополитен-музей, Нью-Йорк: В его коллекции также есть ювелирные изделия Гайяра, демонстрирующие его уникальный стиль. · Музей Виктории и Альберта, Лондон. Таким образом, история создания броши-глицинии — это не история одного дня, а история целой эпохи, смешения культур и гения одного мастера, который сумел объединить всё это в одном хрупком и вечном произведен