Говорим и смотрим

"Девочка с маской смерти" Фрида Кало "Девочка с маской смерти" - это глубокое и душераздирающее произведение искусства, которое нас вдохновляет и вызывает эмоциональную отклик. Картина Фриды Кало передает сложное сочетание страдания, силы и надежды, оставляя нас задумываться о смысле нашей собственной жизни и нашей способности преодолевать трудности. Это великолепный пример искусства, которое говорит к каждому из нас, благодаря своей универсальной символике и эмоциональной мощи. Она изображает молодую девушку, облаченную в яркое платье с желтой лентой и серой маской смерти на лице. Взгляд ее глаз, несмотря на маску, наполнен смешанным чувством - одновременно грустью и решимостью. Ее руки сжимают друг друга, будто символизируя силу воли и надежду на преодоление. Маска смерти, символ мексиканской культуры и ее обрядов, в данном случае является не только защитой, но и олицетворяет болезнь и смерть, с которыми Кало часто сталкивалась. Она изображает ее борьбу с физическими страданиями, вызванными серией травм и болезней, которыми она постоянно страдала. Несмотря на маску, художница не скрывает своей идентичности и уникальности. Ее одежда и яркая лента на груди добавляют частичку цвета и жизни в эту картину, отражая силу персонального выражения и культурного наследия. Возможно, это также символизирует обнаженность души и открытость, которые Кало привнесла в свои работы. Это произведение искусства также является метафорой для всех нас, поскольку мы все сталкиваемся с различными формами страдания и вызовами в жизни. Оно напоминает нам о важности не терять надежду и бороться с препятствиями, несмотря на свои личные трудности.

"Руки противятся ему" - это картина, созданная Биллом Стоунхэмом в 1972 году. На этом произведении искусства изображены руки, противящиеся некоему объекту или силе. Руки на полотне символизируют силу, сопротивление и борьбу, возможно даже силу воли человека. На картине наблюдается яркий контраст между темным фоном и нежными оттенками. Углы и переходы образуют динамичные и сложные композиционные формы, которые подчеркивают активное движение и напряжённость между руками и объектом или силой, с которыми они сражаются. Отсутствие деталей и чёткой идентификации объекта или силы, против которых сражаются руки, придает картины загадочности и многозначности. Все эти элементы позволяют зрителю придавать собственный смысл произведению и идентифицировать препятствия, которые они видят в своей собственной жизни. "Руки противятся ему" является репрезентативным произведением эпохи искусства и отображает темы, связанные с силой, сопротивлением и борьбой, с которыми мы можем столкнуться в своей жизни. Эта картина призывает нас задуматься о наших личных барьерах и трудностях, со смелостью противостоять им и преодолеть. Художник же уверял, что на картине изображен он сам в возрасте пяти лет, что дверь — представление разделительной линии между реальным миром и миром снов, а кукла — проводник, который сможет провести мальчика через этот мир. Руки представляют альтернативные жизни или возможности.

"Дерьмо художника" («Merda d'artista» на итальянском) – это инсталляция, созданная итальянским художником Пьеро Мандзони в 1961 году. Эта работа вызвала много дискуссий и размышлений в художественном мире. Она представляет собой серию латексных консервных банок, наполненных "дерьмом" или по-другому, фекалиями художника. Каждая банка весит 30 граммов и содержит в себе фактически ничто. Эта необычная инсталляция выражает иронию ХХ века, а также вызывает обсуждение о значении и ценности искусства. Мандзони хотел подчеркнуть фрагментарность и ничтожность творческого процесса, а также вызвать вопросы о ценности искусства и их взаимосвязи с рыночным значением. Произведение вызвало неоднозначные эмоции у зрителей и критиков. Она стала символом авангардного искусства, вызвав возмущение у одних и улыбку у других. Некоторые художники поддержали Мандзони в его провокационном заявлении о том, что искусство может быть создано из чего угодно, даже из "говна и палок", в данном случае из "говна и банок".))) Несмотря на свою провокационность, влияние было большим на последующие поколения художников. Оно стало примером использования свободы и экспериментов в искусстве, подтачивая традиционные представления о том, что может считаться искусством. В заключение можно сказать, что картина "Дерьмо художника" Пьеро Мандзони – это пример проницательного и провокационного искусства, которое не только выполняет свою главную функцию вызвать эмоции у зрителей, но и провоцирует обсуждения о сущности и ценности искусства в современном мире.

Эдвард Мунк «Крик», 1893 г. «Крик» – знаменитая картина норвежского художника Эдварда Мунка, являющаяся одним из самых известных произведений искусства в мировой истории. Сияющий образ человеческой фигуры на фоне неба, наполненного аномальными и мрачными цветами, вызывает напряжение и отражает состояние тревоги и боли, которые испытывал художник. Несмотря на то, что «Крик» был создан более ста лет назад, эта картина до сих пор оказывает мощное влияние на зрителя. Использование ярких и необычных цветов, а также абстрактного стиля, позволяет картине передать эмоциональное состояние автора. Это произведение искусства напоминает нам о нашей собственной уязвимости и неуверенности в мире, которые могут вызывать глубокую тревогу. Центральная фигура на картине – существующая в мире эмблема отчаяния. Вытянутая фигура, держащая руку к лицу и задирающая голову, символизирует скорбь и боль, которые часто скрыты внутри нас. Изображение лица этой фигуры безразлично и неопределенно, словно олицетворяя человечество в своей самой глубокой боли. В то же время здесь неописан конкретный источник этой тревоги, поэтому зритель может проецировать на нее собственные переживания и опыт, что делает ее универсальной и понятной для каждого. Изображение драматической внутренней борьбы между счастьем и отчаянием, между радостью и печалью. Эдвард Мунк, вдохновленный своими личными болезнями и потерями, смог передать силу этих эмоций на холсте. Это не только произведение искусства, но и очень глубокая и мощная метафора, которая заставляет смотрящего подумать о своей собственной эмоциональной жизни и фрагильности человеческого существования. Она напоминает нам о важности открытого обсуждения и понимания нашего эмоционального состояния, а также о силе искусства в выражении и лечении наших внутренних демонов.

Иероним Босх «Смерть скупца», 1494 –1516 гг. Картину “Смерть скупца” написал нидерландский художник Иероним Босх в период между 1494 и 1516 годами. На этой картине изображен смертельный особняк, называемый "Смерть". Он является одним из ярких примеров многосложной символики произведений Иеронима Босха. Возможно, "Смерть" — это оборотень, принимающий внешность смерти. На "Смерти" надеты темные плащи, которые густо заполняют отображенное пространство. Их контуры очерчены аморфными чернолаковыми линиями. Центральные фигуры художника в обоих картинах, скупцы, считаются примерами радикального аллегорического выражения Босха, отражающего его представление о развитии общества. Они призывают зрителя задуматься о ценностях, банальности и бессмысленности суетной жизни. Своеобразным символом смерти является появление в двух представленных картинах павлина, считавшегося птицей смерти в той эпохе. Тема, разработанная на картине "Смерть скупца", изображает по состоянию на 1490 год торговые институты и грамотность, как признаки социальной активности буржуазии. Поведение среднего слоя общества вызывает критику художника. Интересно отметить, что Иероним Босх — один из первых художников, которые использовали перспективные нашивки. С его помощью Босх мог изобразить сравнительные размеры множества фигур, заключенных в одну картину. Симметричность, сосредоточенность и причудливость являются характерными чертами композиции его произведений. Эта картина, по мнению историков искусства, является одним из самых выразительных и открытое произведений Иеронима Босха.