История одного шедевра

«Квартира сдается», Карл Карлович Штейбен 1840-е годы. Холст, масло. 51 x 61 см. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург #Story_romanticism Карл Карлович Штейбен/Шарль Август Гуильям Анри Франсуа Луи де Шарль, барон де Steuben (1788-1856) — русский и французский живописец немецко-русского происхождения, мастер исторической и портретной живописи. «Квартира сдается», пожалуй, самая интересная его жанровая работа. Штейбен принадлежал к представителям романтизма, явившегося во французской живописи на смену классицизму школы Давида. Его произведения отличаются зрелой обдуманностью композиции, отличным рисунком и эффектностью красок. Драматизм ситуации, изображенной на картине «Квартира сдается», усиливается бесцеремонностью хозяйки. Старый квартирант еще не съехал, а старушка-арендодатель уже показывается квартиру новым квартиросъемщикам, введя в конфуз нынешнего жильца, застигнутого врасплох в кровати с раскиданным вокруг рейтузами, панталонами и прочим неглиже. Супруга нового квартиранта по-хозяйски осматривает шкаф, мужчина, не потрудившийся даже разуться, взгромоздился на кресло поверх чьих-то белых перчаток и проводит какие-то опыты с потолком и подвешенной к нему люстрой. Их любопытный сын тем временем хозяйничает на прикроватном столике, где лежат личные вещи нынешнего жильца: парик, противорадикулитный пояс, вставная челюсть. Жильца, у которого из-под одеяла смотрит на зрителя один перепуганный глаз, действительно становится очень жаль.

«Аполлон и Диана наказывают Ниобу, убивая ее детей» Абрахам Блумерт 1591г. Холст, масло. Размер: 203х249 см. Государственный музей искусств, Копенгаген, Дания #Story_barocco (маньеризм) По данным писателя из Западной Фландрии Карела ван Мандера, написавшего знаменитую «Книгу о художниках», эта картина изначально предназначалась для Рудольфа II. (1552-1612), который был покровителем многих маньеристов. История Ниобы рассказана в "Метаморфозах" Овидия (Песнь 6, 146-312).): Ниоба была дочерью гордого царя Тантала фригийского. Она вышла замуж за Амфиона, царя Фив, и родила ему семь сыновей и семь дочерей. Она хвасталась своими многочисленными детьми и упрекала богиню Латону, мать близнецов Аполлона и Дианы, за то, что у нее только двое детей. В отместку Аполлон и Диана устроили резню. Они изображены в облаках, осыпающих стрелами детей Ниобы. Стиль живописи Абрахама Блумерта соответствует драматургии сказки, полной контрастных сдвигов между цветами, светом и тенью, а также сложных поз с телами, рассматриваемыми с крайних углов. Корнелис Корнелиссен ван Харлем (чаще называемый Корнелисом Гарлемским) принадлежит к известным живописцам художественной школы Харлема, представителем особого харлемского маньеризма.

«Козёл отпущения», Уильям Хант 1856г. Холст, масло. Размер: 86 × 140 см. Художественная галерея леди Левер, Порт-Санлайт #Story_victorian Картина британского художника Уильяма Ханта, одного из основателей Братства прерафаэлитов. На ней изображён библейский козёл отпущения. В соответствии с традиционной христианской точкой зрения, Хант верил, что козёл отпущения был прототипом жертвы Иисуса Христа и представлял собой мессию, описанного пророком Исайей как страдающего раба Господа. Картина обрамлена цитатами: Козёл отпущения (иначе назывался «Азазель») — в иудаизме особое животное, которое, после символического возложения на него грехов всего народа, отпускали в пустыню. Это символизирует очищение от всех грехов и уничтожение последствий всех дурных дел сынов Израиля в результате полного раскаяния и стремления приблизиться ко Всевышнему. Талмуд рассказывает, что в период Первого Храма, когда Божественное присутствие было ощутимо и выражалось в постоянных чудесах, происходивших в Храме, одно из них было связано с козлом, отсылаемым в пустыню. К рогам козла привязывали кусок красной шерсти, и, когда животное выводили из ворот храмового двора, один из коэнов разрывал этот кусок шерсти пополам: одну половину вешал над воротами, а другую — снова привязывал к рогам козла. Если раскаяние народа было искренним и чистосердечным, то в тот момент, когда козла сбрасывали со скалы, кусок красной шерсти, повешенный над воротами, становился белым в соответствии с тем, что сказано в книге пророка Исайи: «Если будут грехи ваши как пурпур, побелеют они как снег, а если будут ярко-красными, станут белыми, подобно шерсти». Настоящее имя автора картины - Уильям Хобман Хант, однако Хант сам изменил вторую часть имени, а под конец жизни она слилась с фамилией: Holman-Hunt.

«Две Фриды», Фрида Кало 1939г. Холст, масло. Размер: 173.5×173 см. Музей современного искусства, Мехико, Мексика История мексиканки Фриды Кало трагична донельзя: болезни, аварии, роковая любовь — всего было с избытком. Трагическая судьба, полная преодолений и противоречий, болезненная любовь, революционный дух, женская сила и независимость — все это о жизни Фриды Кало. Большую часть жизни Фрида публично делилась своими эмоциями — через картины, на которых честно признавалась в своих чувствах. Все ее творчество — автобиография, а картины — автопортреты. Картина «Две Фриды» стала исповедью художницы в тех страданиях, которые обескровили ее. Она была написана в 1939 году — вскоре после развода Кало с ее самой большой страстью Диего Риверой. Поводом для расторжения брака стала измена Риверы. Конечно, произошло подобное не впервые, но на этот раз блуд был с сестрой Фриды. Через год пара сошлась вновь, но под условием полной сексуальной независимости каждого. Творчество Фриды Кало принято относить к магическому реализму (направление, для которого характерно обращение к сценам повседневной жизни, дополненным фантазийными элементами для раскрытия тайного смысла, и эмоциям). Ее картины, выражающие с физиологической точностью жизненные страдания, женскую душевную и физическую боль, «Две Фриды» в том числе, исполнены в ярких цветах и имеют таинственный, мрачный и аутентичный колорит. «В моей жизни было две аварии: одна — когда автобус врезался в трамвай, другая — это Диего», — говорила Фрида (в 18 лет Фрида Кало попала в аварию со страшными последствиями: вывих стопы и плеча, 11 переломов правой ноги, тройной перелом таза, тройной перелом позвоночника, перелом ключицы и ребер, пронзенный насквозь металлическими перилами живот и матка). Две Фриды, держащиеся за руки, одеты в разные платья: Кало слева — в современную европейскую одежду в викторианском стиле, Кало справа — в традиционный мексиканский костюм. С одной стороны, таким образом художница изобразила две составляющие своей личности: приверженность традициям и связь с европейскими культурами. Она считала, что костюм — такой же автопортрет. С другой стороны, Фрида в мексиканской одежде — это Фрида, которую полюбил Диего, в европейской — которую отверг. Стоит также обратить внимание, что Фрида-«мексиканка» держит в руках портрет «маленького Диего», от которого «питаются» сердца обоих женщин: одно, сдерживаемое хирургическим зажимом (ее альтер эго), обнажено, а его аорта кровоточит. Как и небо, наполненное смятения, эта деталь выражает страдания художницы, связанные и с невозможностью продолжить род (беременность Фриды Кало закончилась выкидышем), хотя сам Диего был так называемым childfree (бывшие женщины Диего пытались удержать его, рожая детей), и с ощущением материнства к «вечному ребенку», своему же мужу: в дневниковых записях Фрида писала — «Диего, мой ребенок», «Диего, мой сын». Еще одна аллюзия к биографии Фриды Кало — в своем дневнике Кало призналась, что в детстве, перенеся полиомиелит (последствием стала оставшаяся на всю жизнь хромота Фриды)и терпя насмешки соучеников, она воображала себе подругу, поддерживающую ее, когда она в этом нуждалась. Используя двойной портрет, художница изобразила единственную опору своей жизни и единственную свою «вторую половину» — ее саму.

«№5, 1948», Джексон Поллок 1948 г. Древесноволокнистая плита. Размер: 243,8 × 121,9 см. Частная коллекция, Нью-Йорк #Story_abstract Беспредметная картина Джексона Поллока «№5, 1948» — одна из самых известных работ в стиле абстрактного экспрессионизма. Выполнена в характерной для этого художника технике разбрызгивания. Использованы преимущественно серая, коричневая, белая и желтая краски. Изобретенная Джексоном Поллоком в конце 1940-х годов «капельная» техника или техника разбрызгивания стала настоящей сенсацией и поделила поклонников живописи на два лагеря: тех, кто считал его картины истинными шедеврами, и тех, кто называл их бездарной мазней, недостойной называться искусством. Журналисты дали Поллоку прозвище Jack The Dripper (Джек-разбрызгиватель) по аналогии с Jack The Ripper (Джек-потрошитель). Выполненным в уникальной технике полотнам художник чаще всего не давал никаких названий, только номера. Не потому, что ему было лень придумывать красивые метафоры для брызг краски. Таким образом он хотел дать свободу воображению зрителя, не влияя на его восприятие картины. Одной из таких работ стал «Номер 5» - одна из множества написанных и пронумерованных Поллоком картин в самые продуктивные годы трезвости. Но именно ей была уготована поразительная судьба. Долгие годы полотно было скрыто от глаз публики, прячась в частной коллекции. Некоторое время «Номер 5» выставляли в нью-йоркском Музее современного искусства, но затем картина снова стала собственностью частного лица – голливудского продюсера Дэвида Геффена. В то время как другие работы Поллока демонстрировались в музеях и свободно продавались по всему миру, «Номер 5» был постоянно окутан некой завесой тайны, чем, в частности, и объясняется ажиотаж вокруг этой картины. В 2006 году знаменитое полотно прогремело на весь мир, в одночасье став самым дорогим произведением искусства. На аукционе Sotheby’s «Номер 5» перебрался в очередную частную коллекцию некоего мексиканского покупателя за рекордные на тот момент 140 миллионов долларов. Кроме того, картина стала самым дорогим произведением искусства, созданным после Второй мировой войны, а, следовательно, относящимся к современному искусству. Рекорд стоимости, установленный картиной Поллока, был побит лишь в 2012 году,

«Прозерпина», Данте Габриэль Россетти 1874г. Холст, масло. Размер: 125.1×61 см. Галерея Тейт, Лондон #Story_victorian Представленная картина английского художника-прерафаэлита Данте Габриэля Россетти считается седьмой из восьми живописных изображений «Прозерпины». Она была написана для ливерпульского судовладельца, магната и коллекционера Фредерика Ричардса Лейланда взамен предыдущей, точно такой же, но пострадавшей при транспортировке. Натурщицей стала возлюбленная художника и жена его друга Уильяма Морриса Джейн Моррис. Прозерпина - древнеримская богиня подземного царства, соответствующая древнегреческой Персефоне, дочь Юпитера и Цереры, племянница и супруга Плутона (Дита). По легенде, Прозерпина собирала цветы на лугу со своими подругами, когда её заметил и полюбил Плутон, бог подземного мира. Он умчал её на колеснице в подземное царство, несмотря на её любовь к Адонису. Плутон вынужден был отпустить её, но дал вкусить ей зёрнышко граната, чтобы она не забыла царство смерти и вернулась к нему. С той поры Прозерпина половину года проводит в царстве мертвых и половину — в царстве живых. Россетти так же страстно мечтал писать женщину, которая позировала для «Прозерпины». Восемь раз – так восемь. А лучше сотни, тысячи раз. Супругов Моррис и Данте Россетти связывали странные и запутанные отношения. Джейн была несчастна в браке и не разрывала его только из-за детей. Россетти был одержим этой женщиной, был влюблен и отчаян, а потому без зазрения совести жил в оксфордской летней усадьбе Моррисов Келмскотт месяцами. Сам Уильям Моррис мирился с отношениями жены и друга, иногда уезжал из дома и пропадал на много дней, а то и на все лето, прекрасно понимал, что противостоять стихии невозможно. Здесь, в доме Моррисов, Россетти писал «Прозерпину». Здесь они провели вдвоем два лета в 1871 и 1872 годах. Здесь, оставаясь наедине с возлюбленной, он представлял, что она покинула ради него царство Аида – и вся земля, весь мир распускался и оживал, наполнялся запахами и красками. Словно наступала весна. Одна из восьми картин с изображением Прозерпины в 2013 году была продана на аукционе Sotheby's за 5,2 миллиона долларов – на тот момент она стала самой дорогой работой художника. Россетти повторял «Прозерпину» больше 10 лет подряд – отчасти потому, что получал заказы именно на эту картину и, само собой, часто нуждался в деньгах, отчасти потому, что этот образ преследовал его. В одном из писем он сказал, что считает ее лучшей своей работой. И повторил за несколько месяцев до смерти, в наркотическом и алкогольном угаре, в разгар болезни, полуслепым и парализованным. Джейн Моррис к тому времени отказалась от близких отношений с художником. Они стали приносить ей слишком много страданий.

«Лесбия и воробей», Эдвард Джон Пойнтер 1907г. Холст, масло. Размер: 49x37 см. Частная коллекция #Story_academism Лесбия — псевдоним, которым древнеримский поэт Гай Валерий Катулл эпохи Цицерона и Цезаря (50-е годы до н. э.) называет свою возлюбленную. С середины XIX века традиционно считается, что прообразом Лесбии являлась скандально известная римская матрона Клодия Пульхра Терция. Самым запоминающимся атрибутом Лесбии стал её ручной воробей, воспетый Катуллом в двух обращённых к ней стихотворениях. Существуют в наследии Катуллы два стиха, в которых фигурируют Лесбия и её ручной воробей. В первом поэт завидует воробью, который волен в любой момент порхать по телу его любимой. "Птенчик, радость моей подруги милой, С кем играет она, на лоне держит, Кончик пальца дает, когда попросит, Побуждая его клевать смелее, В час, когда красоте моей желанной С чем-нибудь дорогим развлечься надо, Чтоб немножко тоску свою рассеять, А вернее — свой пыл унять тяжелый, — Если б так же я мог, с тобой играя, Удрученной души смирить тревогу!" (перевод С. В. Шервинского) Стихотворение № 2 более трагична. Маленький любимец Лесбии умер, и Катулла написал эпитафию на его смерть. " Лейте слезы, Венеры и Амуры, Лейте слезы, поклонники Венеры! Воробьишка моей подружки умер, А она пуще глаз его любила..." (перевод Рахель Торпусман) По следам прославленного поэтического цикла имя Лесбия стало нарицательным, символизирующим созидательную и одновременно разрушительную силу Женственности, которая рождает душевную боль и неудовлетворённость желаний мужчины из-за направленности влечения любимой не на него, а на кого-то другого. В таком смысле имя Лесбия используется в сочинениях последующих эпох.

«Лежащая Венера », Лоренцо Бартолини Около 1821–1822. Гипс. Размер: 69x173,5 см. Галерея Академии, Флоренция Бартолини вдохновился картиной Тициана «Венера Урбинская» (1538, галерея Уффици, Флоренция) и постарался воспроизвести ее пластическими методами. Богиня любви возлежит на ложе, одной рукой прикрывает лоно, тем самым отчасти воспроизводя тип «Венеры стыдливой». Ваятель передал в мраморе присутствующие в живописном оригинале смятые простыни, волнистость распущенных и падающих на одно плечо волос и даже нежность женского тела. К образу лежащей Венеры обращался и Антонио Канова, современник Бартолини, создавший мраморный портрет Паолины Боргезе (1805–1808, галерея Боргезе, Рим), но он лишь использовал мифологический образ, придав ему черты конкретной женщины. Бартолини же воспроизвел именно Венеру Тициана и как можно ближе к оригиналу, таким образом выполняя эстетическую программу, лежавшую в основе итальянского пуризма. Скульптор Бартолини несмотря на то, что был преподавателем флорентийской Академии изящных искусств, придерживался не академической манеры, а так называемого пуризма — течения в искусстве неоклассицизма. В Италии оно появилось в начале XIX века. Приверженцы данного направления полагали, что всякий, кто обращается к античному и, шире, классическому наследию, должен трактовать его так, чтобы было понятно современникам. Художники, называвшие себя пуристами (от латинского слова «purus», в переводе означающего «чистый»), видели своим идеалом сохранение отечественных культурных традиций.

«Пылающий июнь», Фредерик Лейтон 1865г. Холст, масло. Размер: 96х122 см. Городской музей, Понс, Пуэрто-Рико Картина Flaming June была создана Лейтоном в конце жизни, в 1895 году. Она считается важнейшим произведением художника. Как и большинство англичан 19-го века, яркий представитель викторианского академизма Фредерик Лейтон считал, что красивое искусство должно показывать красивые вещи. Его лучшая работа никак не связана ни с мифологическими, ни с библейскими темами. Художник написал «Пылающий июнь» только ради удовольствия, сумев уловить очарование летнего дня и прекрасной женщины. Он изобразил ослепительную молодую женщину в платье классического покроя, спящую на мраморной скамье под звёздами. Позади неё, под золотисто-оранжевым навесом, виднеется тонкая серовато-серебряная полоска воды, отражающая свет полной луны. Эта работа по своему духу почти реалистическая, в ней античный антураж органично сочетается с атмосферой «здесь и сейчас». В качестве модели художнику позировала актриса Дороти Дени. Она же запечатлена на картинах художника "Купание Психеи", «Феба» и других. Картина была выставлена на аукцион в начале 1960-х годов, но не была продана за начальную стоимость 140 долларов (ок. 840 долларов в современных ценах), так как в то время произведения викторианской эпохи не пользовались спросом. В 1963 году пуэрто-риканский политик и будущий губернатор Луис Альберто Ферре путешествовал по Европе с целью покупки картин и скульптур для основанного им Музея искусств Понсе. В одной из галерей Амстердама он заметил «Пылающий июнь» и заинтересовался картиной. Хозяин галереи назначил цену в 1 000 долларов. Луис Ферре обещал переслать деньги и попросил хозяина не продавать картину. Лишь несколько лет спустя Антонио Луис Ферре, сын Луиса Альберто, завершил сделку с хозяином галереи, который сдержал своё обещание. Картина была передана в Музей искусств Понсе в Пуэрто-Рико. На волне интереса к викторианскому искусству она выставлялась в мадридском Прадо в 2008 году и в Государственной галерее Штутгарта в 2009 году. «Пылающий июнь» упоминается в песне английского рок-музыканта Пола Уэллера с альбома «Stanley Road» и в клипе на песню «Amarte es un placer» мексиканского певца Луиса Мигеля. Репродукция картины использована в оформлении обложки альбома «Waltz Darling» британского музыканта Малкольма Макларена. Картина также дала название одноимённой композиции Тиграна Петросяна с альбома «Тикомикс».

«Лошадь и поезд», Алекс Колвилл 1954г. Холст, масло. Размер: 40×53.3 см. Художественная галерея,, Гамильтон #Story_realism Одно из самых известных и экспрессивных произведений канадского художника Алекса Колвилла. На написание картины художника вдохновили строки южноафриканского поэта Роя Кемпбелла: «Против полка я выдвигаю свой мозг / И темную лошадь — против бронепоезда». Полотно пронизано чувством надвигающейся катастрофы. Отсутствия теней и искаженная перспектива усиливает ощущение, что столкновение неизбежно. Детство Колвилла прошло среди лошадей, которыми владели его отец и дед. Кроме того, он увлекался конструированием моделей самолетов и поездов. «Лошадь и поезд» в определенном смысле очень личная для художника работа. Автор картины задает и зрителю, и самому себе фундаментальный вопрос: можно ли изменить судьбу? Художник верил, что зло может неожиданно вмешаться в жизнь каждого человека и изменить ход истории. Колвиллу нравилась картина, но он понимал ее недостатки. В одном из писем есть такие строки: «Большинство людей находят ее чрезвычайно мрачной. Немногие решились бы купить ее, чтобы повесить на стену своего дома».

«Ожидание. Древо жизни. Упоение», Густав Климт 1905-1909гг. Картон для фриза во дворце Стокле , Брюссель. Холст, масло. Размер: 102 х 138,8 см. Австрийский музей прикладного искусства, Вена #Story_modern Еще один золотой шедевр Густава Климта. Этот наполненный солнцем триптих австрийского художника-модерниста несет в себе не только светлую радость, но и мысль о том, что Жизнь без Смерти невозможна. Скорее всего, мир не увидел бы этой работы без Адольфа Стокле. В 1904 году этот богатый венский промышленник решил построить в Брюсселе большой особняк и заказал нескольким художникам, в том числе, Густаву Климту, его декорирование. Результатом стал знаменитый фриз Стокле – сложная композиция из девяти элементов, в центре которой мозаичный триптих: «Ожидание», «Древо жизни», «Упоение». И рассматривать центральный элемент без общей картины невозможно. Над этим фризом Густав #Климт работал долгие шесть лет, с 1905 по 1911 год. Основное тон – золотой, что характерно для его творчества. Остальные цвета только подчеркивают чистое и яркое золото. Танцующая девушка под Древом познания, по замыслу автора, олицетворяет Ожидание. Возможно, Густав Климт пытался изобразить библейское древо разума или генеалогическое древо всего человечества. «Древо жизни» - центральная часть панно-триптиха. В отличие от двух боковых частей, центр лишен крупных фигур, тут внимание привлекает лишь темная птица. Картина выполнена в характерном для художника «лоскутном» стиле с преобладанием яркого жизнерадостного золотого цвета. Само название картины – «Древо жизни» – будит в сознании любого человека массу ассоциаций. Это и библейское Древо познания, включающее в себя всю мудрость мира, и более приземленное генеалогическое древо, иллюстрирующее происхождение отдельного человека. Именно этот элемент и занимает центральную часть фриза, простираясь и на соседние элементы. Его ветви завиты спиралями – ещё одним древним символом, знаком вечности и бесконечности. Но, пожалуй, самый важный элемент картины – это черный нахохленный ворон, сидящий на одной из ветвей. Он как бы напоминает, что Жизнь без Смерти невозможна, как и Смерть без Жизни. И именно такое диалектическое единство делает гармоничным их существование. Это дерево познания, о котором говорится в Апокалипсисе, символ Золотого века, бросает вызов черной птице — символу смерти: так понимали круговорот жизни и Климт и Фрейд. Триптих «Ожидание. Древо жизни. Упоение» стал последним крупным заказом, полученным художником, поэтому его вполне можно считать вершиной его мастерства. Несмотря на то, что в свое время многие не поняли фрейдистских мотивов его творчества, в наши дни Климт – один из очень популярных художников, опередивших свое время и ставших образцами для подражания. Эта работа и сейчас поражает воображение и надолго привлекает внимание своей глобальной идеей и уникальным утонченным воплощением.

«Данаиды», Джон Уильям Уотерхаус 1905г. Холст, масло. Размер: 161.3 × 123.1 см. Частная коллекция Обратите внимание, на картине «Данаиды» все девушки на одно лицо. Считается, что Уотерхаус изобразил друга семьи Гвендолин Ганн сразу в нескольких образах. Модель и художник были дружны многие годы, поэтому лицо Gwendoline Gunn появляется на многих картинах, написанных в этот период. О жизни самой мисс Ганн практически ничего неизвестно. Исследователи творчества художника единогласны во мнении, что дружба между семьей Гвендолин Ганн и Уотерхаусом продолжалась в течение многих лет до самой смерти Джона Уильяма в 1917 году. Данаиды— в древнегреческой мифологии 50 дочерей царя Даная, 49 из которых убили своих мужей в первую брачную ночь. Гипермнестра единственная сохранила жизнь своему мужу Линкею. Убийства произошли за 775 лет до основания Рима. Данаиды за своё преступление были осуждены в Аиде наполнять водой бездонную бочку; отсюда выражения «работа Данаид» — бесплодная, нескончаемая работа и «Данаидова бочка». Данаиды упоминаются в повести братьев Стругацких «Понедельник начинается в субботу», где утверждается, что при пересмотре дела данаид суд принял во внимание тот факт, что замуж они были отданы насильно. В результате они были переведены на несколько менее бессмысленную работу: они взламывают асфальт везде, где сами его недавно положили. Существует вторая авторская версия картины, написанная в 1906 году (162,5 х 127,4). Она находится в Художественной галерее Абердина, Шотландия