Тайна одной картины

Роберт Брейтуэйт Мартино «Пиччола», 1853 год На этой картине мы видим хорошо одетого мужчину, который почему-то лежит на земле. Присмотревшись, рядом можно увидеть цветок, который пробивается сквозь брусчатку. Давайте попробуем разобраться, что же здесь происходит. Картина называется «Пиччола» (от итальянского picciola «маленький»). Её написал художник Роберт Брейтуэйт Мартино, который входил в братство прерафаэлитов. Его работы отличаются тщательной детализацией и высокой реалистичностью. Картина «Пиччола» основана на литературном произведении. Её сюжет отсылает нас к одноимённой новелле французского романиста Жозефа-Ксавье Сентина, главный герой которой является политическим заключённым. Согласно сюжету новеллы, граф Чарльз Веремон де Шарни попадает в тюрьму за заговор против Наполеона. Находясь в тюрьме, граф заметил растение, пробивающееся между брусчатками его камеры. Это растение стало для Шарни сначала отвлечением, затем навязчивой идеей, затем страстью и, наконец, — символом жизни и любви. Граф назвал растение Пиччола и стал наблюдать за его развитием, проявляя постоянную поддержку и заботу. Маленький цветок, который растёт и выживает благодаря заботе Шарни в таком зловещем месте, как тюрьма, стал образом силы природы и настойчивости. Шарни следует примеру цветка и стремится обогатить свой разум и душу среди стен, которые его заточают. Именно это мы и видим на картине художника — граф лежит возле своего подопечного и бережно поливает его, а рядом лежит книга, которая повышает духовность самого заключённого. Книга придавлена камнем, который похож на человеческий мозг, что тоже является очень символичным. Благодаря ей разум Шарни не погибает в заключении, а, наоборот, развивается и процветает, как и маленькое растение. Художник, конечно, немного приукрасил сюжет, "одев" заключённого в модный дорогой сюртук и шляпу. Да и окружающая обстановка скорее похожа на просторный тюремный двор, а не на тёмную маленькую камеру. Но смысл картины от этого не меняется и остаётся хорошо понятным человеку, знакомому с новеллой о графе и его растении.

Николай Касаткин «Соперницы», 1890 год На этой картине мы видим двух девушек, которые идут с коромыслами по тропинке в заснеженной деревне. На первый взгляд они мило о чём-то беседуют, но на самом деле между ними существует соперничество, которое умело завуалировано художником. Героини картины представлены ровесницами, на вид им нет и 20-ти лет. Девушки выглядят подружками, однако автор назвал полотно «Соперницы», значит здесь всё не так просто. Попробуем разобраться, что же стало поводом для соперничества? Мне попалось описание картины от администратора Эрмитажа Ольги Крюковой, в котором причиной соперничества указывается аккуратное несение воды в коромыслах. Вот что там написано: "В центре произведения – две молодые девушки. Они идут с коромыслами за водой по протоптанной небольшой дорожке. Вокруг бесконечные сугробы снега. Судя по авторскому названию картины, они соперничают между собой по поводу того, кто быстрее наберёт воду и донесёт ее, не расплескавши." Ну на мой взгляд, вода никак не может стать причиной соперничества девушек, тем более что авторское название картины на это вообще не указывает. Если присмотреться к полотну, то можно увидеть более интересные детали. Например, на заднем плане возле крайнего домика с правой стороны можно заметить молодого парня в картузе. Художник изобразил этого героя совершенно не случайно — именно он и является предметом спора двух юных крестьянок. Если присмотреться, то можно увидеть у парня в руках гармонь, а гармонисты, как известно, были самыми завидными женихами на деревне. Своими заливистыми песнями они привлекали внимание всех местных жителей и становились центром внимания. Парни-самоучки лихо заводили плясовые, растянув видавшие виды меха звучных инструментов. Возможно, герою картины гармонь досталась от отца, а может быть он уже успел заработать себе на новую. Так или иначе предметом соперничества является именно он. И, похоже, что он отвечает взаимностью девушке в жёлтой юбке. Героиня в синем платке более бедовая и напористая. Кажется, что она так и требует от своей собеседницы отступиться от возлюбленного. А та потупила и глаза и ничего не отвечает. Видно, что она скромная и спокойная, может быть именно этим она и привлекла завидного жениха.

Борис Кустодиев «Чаепитие», 1913 года Кустодиев посвятил немало картин купеческому быту — он был настоящим певцом купечества. С традициями этого сословия художник был хорошо знаком с самого детства – его семья арендовала флигель в купеческом доме в Астрахани. Тема чаепития также была одной из самых любимых в творчестве Кустодиева. Она встречается во многих его работах, в том числе и в одноимённой картине, созданной в 1913 году. Здесь соединились в одну две любимые темы, воспеваемые Борисом Михайловичем: купечество и чаепитие. На картине мы видим дружную компанию, которая собралась во дворе за столом. Кухарки уже несут большой дымящийся самовар, готовясь потчевать господ горячим чаем. Стол украшает красивый чайные сервиз и сладкие угощения. За забором видны кусты сирени, что говорит о самом конце весны. Стоит тёплая вечерняя погода, которая заставляет жителей дома и их гостей выйти на улицу и наслаждаться свежестью уходящего дня. Картина Кустодиева полна позитива, тепла, гармонии и достатка. Она такая домашняя и уютная, что зрителю невольно хочется попасть туда и насладиться чаепитием со старосветскими купцами и купчихами. Поскольку художник вырос в провинциальной Астрахани, он писал картины по своим детским воспоминаниям. Мастер в то время уже не выходил из дома, поэтому различные образы создавал исключительно по памяти, прибегая при этом к ярким колористическим сочетаниям. Можно сказать, что купечество Кустодиева олицетворяло собирательный образ уездных городов, которые отличались спокойствием, размеренностью, умиротворённостью и медленно текущей несуетливой жизнью.

Константин Маковский «Дети, бегущие от грозы», 1872 год Константин Маковский был сильно увлечён идеями передвижничества. Он часто писал сюжеты из жизни простых русских крестьян, которых искал в сельских глубинках. Художник много путешествовал, изучая быт народа и подбирая подходящие образы. На этой картине представлен эпизод обычной деревенской жизни. Брат с сестрой отправились по грибы, но, заметив приближающуюся грозу, поспешили домой. Девочка гораздо старше своего брата, поэтому заботится о нём, как мама. Она взяла малыша на спину и отважно несёт через ручей. Мальчик крепко прижался к сестре — видно, что ему очень страшно. Девочке тоже страшно, но она старается не подавать виду, чтобы не испугать маленького. Она лишь с опаской оглядывается на покрытое тучами небо. Маковский очень детально смог передать состояние природы перед грозой: дует сильный ветер, раздувая детям волосы, тучи сгущаются, всё окутывает тяжёлый и душный воздух. Путь детей лежит через ручей. Они должны пройти по шатким старым доскам, ненадежность которых очень сильно чувствуется. Сюжет картины очень динамичен: так и кажется, что девочка вот-вот переставит ногу. Но, несмотря на страх детей, картина не создаёт удручающее впечатление. У зрителя есть надежда, что всё завершится благополучно. Детки прибегут домой, где мама напоит их тёплым чаем из самовара. Солнечное пятно на заднем плане подсказывает нам, что тучи где-то заканчиваются и ещё будет хорошая погода. Что же произошло на самом деле? Прототипом главной героини картины послужила реальная девочка. Художник познакомился с ней в Тверской губернии, когда путешествовал по российским глубинкам. Он был увлечён поиском сюжетов для будущих картин. Крестьянская девчушка сама подошла к художнику с вопросами, тогда он и предложил нарисовать ее. На встречу, назначенную на следующий день, девочка так и не пришла. Зато прибежал её братик и рассказал историю похода за грибами. Мальчик поведал художнику, что они бежали от грозы. Перебегая мостик, его сестрёнка поскользнулась и упала в болото. Сам мальчик быстро выбежал на сушу, а она долго выбиралась, после чего заболела. К вечеру у девочки появился жар, поэтому на встречу она не пришла. Эту историю и решил изобразить Маковский на своей картине. Детей он рисовал уже по памяти. Художник потом не раз вспоминал большеглазую крестьянскую девочку, думая, как сложилась её судьба. Через года он писал своему брату, что сожалеет о том, что не увиделся с девочкой и не показал ей картину. Мастеру очень хотелось, чтобы она узнала, как эта обычная бытовая история вдохновила его на написание ещё одного шедевра. Стоит отметить, что Маковский, даже увлекаясь народничеством, не рисовал крестьян жалкими и убогими. Все его герои, как правило, очень красивые, дети чистые и пухленькие, со здоровым румянцем на щеках.

Эдмунд Блэр Лейтон «Пока смерть не разлучит нас», 1878 год На этой картине изображён свадебный обряд в просторной англиканской церкви. Жених с невестой только что обвенчались и идут по проходу, принимая поздравления от гостей. Вот только радости на лице новобрачных что-то не видно, да и у гостей тоже. Что же не так с этой свадьбой? Картина носит характерное название «Пока смерть не разлучит нас». Казалось бы, эти слова являются обычной клятвой молодожёнов, однако внимательно посмотрев на картину, можно увидеть в них некий подвох. Дело в том, что новоиспечённый супруг гораздо старше своей молодой избранницы — он буквально годится ей в отцы. Именно из-за этого и грустит невеста, ведь ей совсем не хочется выходить за старика. Вероятно, этот брак был заключён по расчёту, а его инициаторами были родители молодой красавицы, желавшие подобрать дочери выгодную партию. Интересным персонажем является усатый молодой человек, стоящий слева. Он явно недоволен этой свадьбой, но не может ничего изменить, поэтому просто грустно смотрит, находясь в своих мыслях. Скорее всего, этот молодой мужчина влюблён в красавицу-невесту, вот только его материальное положение и социальный статус сильно уступают достатку и положению пожилого соперника. Молодая красавица, скорее всего, отвечала взаимностью статному ухажёру, но её родители посчитали правильным выдать дочь замуж не по любви, а по расчёту. В итоге, под руку с юной и прекрасной невестой по церкви идёт седой старец, а не молодой мужчина. Если обратить внимание на гостей, то и там не найти счастливых лиц. Никто не спешит поздравлять новобрачных. Женщины с правой стороны сочувственно смотрят на несчастную невесту, понимая, как тяжело ей сейчас приходится. Усатый мужчина сзади (вероятно, шафер) идёт, понуро склонив голову, словно здесь не свадьба, а похороны. Все понимают, что произошло, но изменить ситуацию невозможно. Картину написал художник-прерафаэлит Эдмунд Лейтон, который был впечатлён полотном Василия Пукирева «Неравный брак», поэтому решил создать произведение со схожим сюжетом. Согласитесь, в этих двух полотнах очень много общего. Даже женихи внешне похожи, правда у Пукирева он слегка постарше. В общем, сюжет, стар как мир, не меняясь в разных странах и в разные времена.

Иван Шишкин «Перед грозой», 1884 год На этой картине изображён маленький прудик, окружённый с одной стороны деревьями и густым кустарником, а с другой — небольшим овражком. К водоёму ведёт уютная тропинка, обрамлённая зелёной яркой травой и полевыми цветами. Однако самой привлекательной деталью картины является наполненное тучами небо, которое, кажется, вот-вот будет охвачено зарницей. В воздухе так и чувствуется аромат предстоящего дождя и слышатся раскаты грома. Картина «Перед грозой» невероятно глубокая и живая, при этом она кажется такой родной, словно на ней изображён знакомый участок леса, увиденный вчера во время прогулки. Мастерство Шишкина на этой картине выразилось в полной мере. Линия горизонта чётко разделяет пейзаж надвое. Верхняя часть — предгрозовое свинцовое небо. Нижняя — предгрозовая земная природа. Всё подчинено естественной гармонии. Шишкин очень тщательно подошёл к написанию этого полотна, скрупулёзно выписывая детали, что создаёт ощущение максимальной реалистичности происходящего. Всё вокруг готово к буйству стихии, когда тишина и духота будут повержены сплошной стеной дождя, ветром и всполохами молний. Зато после этого последует свежесть, пробуждение и обновление природы. В настоящее время картина «Перед грозой» является частью коллекции Государственного Русского музея в Санкт-Петербурге.

Август Хагборг «Проще уйти», 1878 год На этой картине мы видим богато одетую женщину, в роскошно обставленной комнате, которая сидит на диване с грустным лицом и потухшими глазами. В комнату осторожно заглядывает мужчина. Что же здесь происходит? В руках у молодой дамы мы видим письмо, а на полу разорванный конверт. Героиня явно прочитала нечто такое, что её очень огорчило. Красавица не просто расстроена, она просто впала в ступор и никак не может прийти в себя. На столе можно заметить вторую половину письма. То есть послание было достаточно длинным. Вполне вероятно, что оно предназначалось не женщине, а её мужу, который сейчас и заглядывает в комнату. Мужчина осторожно смотрит на супругу из-за угла и вероятно решает — входить или нет. Он наверняка знает, что так расстроило его любимую. Скорее всего, герой ведёт переписку с другой женщиной и это письмо предназначалось именно ему. Возможно, его дама сердца на двух страницах рассказывает о своих чувствах, а может и упрекает в том, что они редко видятся. Письмо перехватила жена и прочитав всё, горько задумалась, что же теперь с этим делать. Картина называется «Проще уйти», а значит, что героиня готова скорее оставить своего благоверного, нежели терпеть в своих отношениях любовницу. Муж красавицы явно чувствует себя виноватым, он даже боится зайти в комнату, так как не знает, какой будет реакция жены. Из-за тяжёлой семейной ссоры, которая может закончиться расставанием супругов, картина производит тягостное впечатление, несмотря на то, что написана в ярких и светлых тонах. Художник тщательно выписал роскошный интерьер комнаты, шикарный букет на столе, наряды героев и их эмоции. Видно, что пара принадлежит к знатному роду и живёт очень богато, однако счастье это им не приносит. Возможно, горе-любовник всё-таки сможет убедить свою супругу не расставаться с ним и сохранить семью. Хотя, судя по лицу дамы, ему придётся приложить к этому немало усилий. В любом случае художник оставил развязку сюжета на фантазию зрителя.

Орас Верне «Ангел смерти», 1851 год На этой картине художник изобразил юную девушку, которую забирает Ангел Смерти. Очевидно, что героиня умерла и теперь уходит в мир иной с небесным посланником. На молодую красавицу опускается луч небесного света, что говорит хорошем предзнаменовании. Она показывает своему возлюбленному, что поднимается вверх, поэтому душа её не будет страдать после смерти. Однако молодой человек не видит всего этого. Он видит только мёртвое тело, поэтому горе не может отпустить его. Сюжет картины был навеян художнику его личным горем, когда из жизни ушла его дочь Луиза. Изначально мастер написал этюд маслом на картоне размером 40 × 28 см, который находился в коллекции Ф. Фрере и 26—27 октября 2011 года был выставлен на торги аукциона Sotheby's]. В готовой картине Верне придал умершей девушке портретные черты своей дочери. В конце 1850-х картина была куплена графом Н. А. Кушелевым-Безбородко. После смерти владельца картина, как и все произведения из собрания Кушелева-Безбородко, по завещанию была передана в Музей Академии художеств и вошла там в состав особой Кушелевской галереи, в галерейном каталоге 1868 года числилась под названием «Женщина, похищаемая смертью». В 1922 году картина была передана в Государственный Эрмитаж. С конца 2014 года выставляется в здании Главного штаба в зале 306.

Джозеф Райт «Алхимик, открывающий фосфор», 1771 год На этой картине художник изобразил алхимика, пытающегося получить философский камень, который якобы может превратить обычные металлы в золото, но вместо этого, к своему изумлению, открывает фосфор. При этом художник изобразил на картине не алхимика XVII века, а жителя Средневековья. Живописец придал более романтический вид комнате, добавив средневековые готические арки и высокие, заострённые окна, словно герой находится в церкви. Художник также облагородил процесс получения фосфора, который заключается в упаривании мочи. Описание производства фосфора 1730 года упоминало о необходимости 50 вёдер гнилой мочи, в которой «завелись черви». С момента первого показа в 1771 году картина вызвала много противоречивых отзывов. Её тайна, очевидно, тревожила зрителей XVIII века, и хотя Райт был уважаемым и признанным художником, картина не была продана. Райт, взяв картину в своё итальянское путешествие в 1773—1775 годах, привёз её обратно в Англию и переписал в 1795 году. Картина была продана только через четыре года после смерти художника на аукционе «Кристис» среди других вещей мастера.

Джузеппе де Нигрс «Рука вора», 1864 год На картине мы видим дверь и торчащую из неё руку. В эту руку крепко вцепилась собака. Что же здесь происходит? Художник изобразил на картине попытку проникновения вора в жилище. Злоумышленник воспользовался отсутствием хозяев, просунул руку в отверстие для писем и газет и начал открывать замок с внутренней стороны. Возможно, в 19 веке механические замки были сконструированы так, что их можно было открыть со стороны квартиры без ключа при помощи рычажка. Именно это и пытается сделать грабитель. Однако воришка не учёл тот факт, что хозяева оставили внутри охранника — верного пса, который ответственно выполняет возложенные на него обязанности. Услышав подозрительный звук, собака подошла к двери и начала наблюдать. Когда грабитель просунул руку, отважный пёс кинулся на дверь и схватил злоумышленника за руку. Как раз этот момент и запечатлел на своей картине художник. Что же будет дальше? Видно, что охранник настроен решительно, и не собирается упускать свою добычу. Если даже горе-вору и удастся вырваться, то он получит серьёзную травму и дорогу в этот дом скорее всего забудет навсегда. А может и вовсе этот случай отобьёт у него желание воровать. Но может быть и так, что грабитель не сможет вырваться, на шум сбегутся соседи, преступника задержат и передадут в руки правосудия. А пёс, конечно, станет местным героем. Словом, художник оставил большой простор для зрительской фантазии. Одно понятно — благодаря профессионализму охранника хозяйское имущество не пострадает.

Николай Ульянов «Снегири. Детский сад», 1964 год На этой картине изображены просторные светлые окна детского сада, через которые малыши смотрят на снегирей. Снегири не такие уж популярные птицы в наших краях и увидеть их даже зимой было большим счастьем. Особенно для детей, для которых вся снежная зима похожа на удивительную сказку с её ветрами, морозами и скрипучими сугробами. Дети, смотрящие в окно на прекрасных ярких птиц, ощущают себя исследователями нового мира. Эта радость узнавания нового, неожиданного, яркого в холодной обыденности за заснеженным стеклом, объединяет в общем движении светлые детские души, и это событие остаётся в них на всю жизнь.... Картину написал художник Николай Иванович Ульянов. Разносторонне одаренный от природы, наделенный чуткой впечатлительной душой, он обостренно-тонко воспринимал красоту окружающего мира. На войну ушел добровольцем. Участвовал в обороне Москвы, сражался на Курской дуге и в Донбассе. В 1943 году был тяжело ранен, стал инвалидом. В полной мере познал физические и душевные муки, голод, нищету. Но именно тогда он осознал свое предназначение — быть художником. И посвятил всю свою жизнь служению искусству. В 1950 году Н. Ульянов с отличием закончил Московскую городскую художественную студию для инвалидов ВОВ, где его учителями были К. Ф. Юон, И. И. Захаров, К. Ф. Морозов. Убежденный реалист, яркий представитель русской школы реалистической живописи, Николай Ульянов своим творчеством, всей своей жизнью неустанно старался пробудить в людях “чувства добрые”. В этом — его кредо художника и человека, суть всего его творчества. Ульянов автор многих тематических картин, пейзажей, портретов. Работы художника не только проникновенно-психологичны сами по себе, но и отражают восприимчивую душу художника, полную высоких чувств и глубоких переживаний.

Джироламо Индуно «Плохое предчувствие», 1862 год В этой картине Джироламо Индуно с великим сочувствием описывает вечные, повседневные эмоции и страхи тех, кто живет во власти любви. В скромной домашней обстановке, освещенной, возможно, первым лучом рассвета, молодая женщина смотрит на портрет любимого человека. Женщину тревожит плохое предчувствие. Ей кажется, что с женихом могло случится что-то плохое. Картины Джироламо Индуно рассказывают, преимущественно, о военном быте гарибальдийцев (добровольцев-дружинников, сражавшихся в 40 – 60-х годах 19 в. под начальством Гарибальди за освобождение Италии от австрийского ига и за её национальное объединение). Поэтому можно смело предположить, что женихом героини картины является именно гарибальдиец, а следовательно, её опасения не напрасны. Несмотря на сентиментальную, пафосную ноту, фигура женщины обладает некоторым хладнокровием и представлена ​​классическим способом, с определенной степенью торжественности. В наше время картина прославилась тем, что портрет в руках женщины очень похож на смартфон. Интернет-пользователи шутили, что художник заглянул в будущее и изобразил девушку, набирающую смс.