Детская студия дизайна “Artnest”

Андреа Серио — итальянский художник, яркий представитель современной иллюстрации, сочетающий традиционную ручную технику с современным визуальным языком. Его работы отличаются особой атмосферой и вниманием к деталям, что делает их узнаваемыми во всём мире. Серио в основном использует масляную пастель, восковые мелки, цветные карандаши. Даже в статичных сюжетах его иллюстрации «дышат» и кажутся живыми. Этого он добивается за счёт штриховки, которая создаёт фактуру, а также благодаря светотеневым контрастам и работе с насыщенностью цвета. Часто в работах присутствуют диагонали — они добавляют движение. Горизонтали помогают выстроить перспективу и тоновые контрасты. Ещё один приём — активное использование «белого пространства» листа: оно становится частью композиции, давая зрителю возможность додумать детали, и не даёт изображению стать плоским. Среди любимых сюжетов — природа и люди. При этом люди в его работах гармонично вписываются в окружающее пространство — будь то природа или город.

🟡 Социальные плакаты от учеников нашей студии

Григор Ауэр (фин. Grigor Auer, при рождении Григорий Дмитриевич Прокофьев; 16 января 1882 — 20 декабря 1967) — российский и финский художник-пейзажист и реставратор живописи карельского происхождения, ученик и последователь Ильи Репина. Писал пейзажи, натюрморты; много работал в технике акварели. Среди его ключевых работ — виды Карелии (зарисовки с «Виллы Тойво» на Ламмасаари), южнороссийские мотивы и портреты современников. Он также реставрировал настенные росписи Валаамского монастыря. Любимой темой художника была ранняя весна — разлив рек, синие тени на рыхлом снегу. Ауэр не искал новых живописных ландшафтов, он писал одни и те же хорошо знакомые ему пейзажи в окрестностях в разное время суток, в разную погоду, при разном освещении. Основная часть наследия Григора Ауэра хранится в собрании его правнука Антти Куусимяки и в Художественном музее Йоэнсуу. Им неоднократно устраивались выставки художника, выпущены альбомы на русском и финском языках.

🟥 Портреты от студентов МГИК кафедры Дизайна и ДПИ

🟫 живописные портреты от студентов МГИК кафедры Дизайна и ДПИ

Андре Мари Пьер Бразилье (André Marie Pierre Brasilier) — французский художник, представитель школы Парижа. Бразилье работал в технике масляной живописи, акварели, литографии и гуаши, также создавал керамику. Его стиль сочетает лирическую абстракцию и современное фигуративное искусство, на него повлияли импрессионизм и послевоенные традиции французской живописи. В работах художника заметны элементы фовизма — экспрессивное использование цвета, эмоциональная сила и отказ от академических канонов. Среди любимых тем Бразилье — лошади, природа, музыка, женщины. Лошади появляются в его работах как символ силы, динамизма и красоты. В его картинах можно увидеть пейзажи долины Луары, морские виды, цветочные композиции. На композицию работ Бразилье повлияли японские гравюры: в них есть асимметричный баланс, неожиданные ракурсы, цветовые плоскости и акцент на негативном пространстве. Бразилье — один из двух художников (наряду с Пабло Пикассо), у которых при жизни прошла ретроспектива в Эрмитаже.

Винсент Виллем ван Гог (30 марта 1853 — 29 июля 1890) — нидерландский живописец и график, один из величайших художников «прекрасной эпохи», лидер постимпрессионистского движения наряду с Полем Сезанном и Полем Гогеном. Его творчество оказало значительное влияние на живопись XX века. За 10 лет творческой деятельности он создал более 2100 произведений, включая около 870 картин маслом. Ван Гог начал рисовать в 27 лет. Его творчество прошло несколько этапов: Ранний период (до 1886 года). Работы выполнены в стиле реализма, отличаются тёмными тонами и анатомической точностью. Среди них — картина «Едоки картофеля» (1885), где изображена фермерская семья за ужином. Парижский период (1886–1888 годы). Под влиянием импрессионистов и пуантилистов палитра стала ярче, появились красные, оранжевые, зелёные, синие и жёлтые цвета. Мазки стали динамичными, струящимися. В Париже Ван Гог познакомился с японскими гравюрами, которые повлияли на его стиль: он начал использовать яркие цвета и плавные формы, обводить контуры однотонных объектов тёмной краской. Арльский период (1888–1889 годы).Художник освободился от влияния импрессионистов и создал собственный стиль, который предвосхитил постимпрессионизм. Картины этого периода отличаются солнечным светом, чистыми красками, динамикой цвета и мазка. Поздний период (1889–1890 годы). Мазки становятся грубыми, густыми. Такая техника называется импасто — нанесение толстого слоя краски на холст, что придаёт изображению рельеф и объём. Ван Гог писал маслом и акварелью, использовал пальцы для растушёвки красок. Если у него было мало денег, вместо кистей он брал тростниковые веточки, которые делали мазки резче и тоньше.

🟩 Графические натюрморты от учеников нашей студии

Куно Амье — швейцарский художник, скульптор и график, один из пионеров современного искусства в Швейцарии. Он стал первым швейцарским художником, который сделал цвет ключевым элементом композиции. Принадлежал к постимпрессионистскому направлению, но в его работах также заметны влияния ар-нуво, символизма и экспрессионизма. Для Амье цвет был не просто средством изображения, а основным носителем смысла, эмоции и атмосферы. Он говорил о «музыке цвета» и стремился передать настроение и ощущение момента через насыщенную палитру. В его работах часто отсутствует глубокая перспектива, доминирует декоративная поверхность и мощный колористический ритм. Среди жанров, в которых работал Амье, — пейзажи, портреты, символические сцены и декоративные панно. Особенно интересны его женские образы, например в картине «Солнечные пятна», где изображена загадочная женщина с зелёной кожей, словно пришедшая из снов. Также известен его автопортрет «розового мужчины», где цвет становится метафорой внутреннего состояния. Любимым временем года художника была зима, что заметно по многочисленным снежным пейзажам. Амье даже изобрёл собственную технику рисунка, чтобы передать эмоции и чувства, связанные с зимой.

🔶 Системы навигаций от студентов МГИК кафедры Дизайна и ДПИ

Алексей Павлович Белых — советский и российский художник, профессор, народный художник РСФСР, заслуженный деятель искусств РСФСР. Его творчество охватывало жанровую живопись, портрет и пейзаж в стиле социалистического реализма. В творчестве Алексея Белых значительное место занимала тема Великой Отечественной войны. Среди его работ — картины «Партизаны», «Вести с фронта», «Гвардии старший лейтенант П. В. Суворов», «9 мая 1945 года. Прощай, оружие», «Дедушкина медаль», а также портреты однополчан. Художник создал цикл работ о костромских тружениках леса: «Молодёжная бригада», «Лесоруб», «На сплавном рейде. Смена идёт». Большое внимание художник уделял пейзажу. В своих полотнах он воспевал природу среднерусской полосы и памятники архитектуры Костромы. Произведения Алексея Белых хранятся в Костромском музее изобразительных искусств, Центральном музее Великой Отечественной войны, музеях Москвы, Санкт-Петербурга, Ярославля, Тулы, Калининграда, а также в галереях США, Германии, Финляндии, Италии. 

🟥 Живописные натюрморты от учеников нашей студии