Обычно наш культурный ликбез приурочен к осенне-зимнему периоду, когда и
дачные работы закончились, и погода на улице не благоволит к длительным
прогулкам. Но и летом бывают такие выставки, которые пропустить никак
нельзя. Вот и в Третьяковке 20 мая открылась новая выставка Цветы. Символ красоты.
По фотографии так сразу и не скажешь, что это Третьяковка. Да, это новый корпус на Кадашевской набережной, мы в нем впервые.
Покупаем билет – 900р, и проходим в высокие двери.
В центре внимания выставки натюрморт и пейзаж конца XIX – начала XX
века, всего представлено около 150 работ. Даже сама экспозиция картин
напоминает цветок – по центру колонна, символизирующая центральную часть цветка. И от нее по кругу, как лепестки, расходятся комнаты. Каждая
комната – своя тема: орнамент, интерьер, пейзаж, букеты и т.д. Этакая
ромашка получилась.
Увы, цветопередача немного подкачала, так как освещение там сложное для моего телефона.
Не знаю как вам, но мне всегда интереснее не просто смотреть картины, но
и читать про них. Я не являюсь искусствоведом, поэтому с описанием мне
намного понятнее. Я погулил про картины и сделал выжимки из описаний.
Будет много текста, сразу предупреждаю:). Поэтому репортаж я разбил на
две части, чтобы не перегружать его.
Аристарх Лентулов – Астры. 1913 г.
Аристарх Васильевич Лентулов — один из основателей и ведущих художников
объединения «Бубновый валет», один из ярчайших примеров русского
авангарда и уникального стиля художника, который он сам называл
цветодинамикой.
Картина входит в серию абстрактных натюрмортов, которые Лентулов написал летом 1913 года в Кисловодске после возвращения из Парижа. В 1911–1912 годах художник жил во Франции, учился у теоретиков кубизма (Ле Фоконье, Глез, Метценже). Он освоил приёмы кубизма (дробление формы), но добавил к ним то, чего не было у французов: яркий, открытый цвет и музыкальную ритмику.
Лентулов сознательно шёл к абстракции, но не сделал последнего шага — его
цветодинамика всегда оставалась связанной с реальным образом (в данном
случае — с астрами). Цвет для него был главным: «Картина должна звучать!» — говорил художник.
Традиционного реалистичного изображения цветов здесь почти нет. Вместо этого художник разбивает форму на лёгкие, словно «бегущие» цветовые плоскости — полукруги, прямоугольники, изогнутые сегменты. Они то сгущаются, то разреживаются, создавая ощущение вибрации и движения.
Активные, насыщенные цвета — фиолетовые, красные, зелёные, оранжевые — буквально «разбивают» поверхность холста. Статика натюрморта исчезает: кажется, что краски живут своей жизнью, перетекают, сталкиваются и резонируют друг с другом.
Аристарх Лентулов – Натюрморт. Астры. 1939 г. Поглядите, как эта же тема изменилась у автора за 26 лет.
Это классический натюрморт с букетом астр в вазе. Перед нами — пышный,
слегка «усталый» букет: астры уже постояли в вазе, лепестки слегка поникли, но всё равно выглядят ярко и жизнерадостно. Цветы — фиолетовые,розовые, белые, оранжевые, бордовые — собраны в густую, живую композицию.
Стиль уже не авангардный: формы узнаваемы, нет геометрического дробления, как в 1913 году. Однако цвет остаётся главным героем — сочный, звенящий, с характерной для Лентулова «солнечной» вибрацией и богатой фактурой мазка. Лентулов прошёл путь от авангарда к соцреализму, но остался верен себе в главном — в любви к цвету и радости жизни.
Наталья Гончарова – Мальвы. 1909-1910 гг.
Одна из ранних работ художницы. Это пример переходного стиля: ещё сохраняется светлая постимпрессионистическая палитра и видимый мазок, но уже появляется плоскостность, декоративность и интерес к простым, «примитивным» мотивам.
Художница использует раздельный мазок — видимые, удлинённые цветные штрихи, напоминающие одновременно пуантилизм и манеру раннего Гогена или Ван Гога. Формы упрощены и декоративны: лепестки и листья переданы плоскостно, без излишней детализации, но с большой выразительностью. Фон нейтральный, чтобы всё внимание сосредоточить на цветах и их «звучании».
Слева направо: “Лотос”, “Лилия”, “Магнолия” того же автора.
Борис Григорьев – Подсолнухи. Начало 1930-х
К началу 1930-х Григорьев уже давно жил во Франции (в основном в районе Кань-сюр-Мер на Лазурном берегу). Он много писал местные пейзажи, натюрморты и портреты.
Подсолнухи — очень «провансальский» мотив (они там повсюду), а колокольня/башня — классический элемент французской деревенской
архитектуры. Общий колорит яркий и солнечный: доминируют жёлтые и
зелёные тона подсолнухов, контрастирующие с голубым небом или более
приглушёнными тонами заднего плана. Композиция динамичная, почти
«живописная» — подсолнухи словно «выступают» вперёд, а башня задаёт
вертикаль и масштаб.
Переходим в следующий “лепесток”.
Елена Поленова – Сказка (Зверь), 1895-1898 гг
Сестра живописца Василия Поленова. Она первой в России стала серьёзно собирать и стилизовать народные орнаменты, иллюстрировать русские сказки и возрождать народные промыслы. Это последняя и одна из самых поэтичных
работ художницы. Художница тяжело болела и умерла в ноябре 1898 года, не
успев завершить картину. Над ней она трудилась почти три года.
На переднем плане лежит поверженный Зверь (или Змий) — крупное, стилизованное, почти гротескное существо с открытой пастью и высунутым
языком. Оно выглядит побеждённым и неподвижным. В центре стоит девушка в народном костюме. Она тянется вверх и срывает красные плоды (яблоки или
сказочные фрукты) с огромного, фантастического дерева.
Дерево и весь окружающий лес — полностью декоративные и волшебные: стволы и ветви закручены в орнаментальные линии, листья и цветы стилизованы, цвета — яркие и контрастные (оранжевый, жёлтый, зелёный, белый).
Общая атмосфера — торжествующая и одновременно поэтичная. Девушка победила Зверя и теперь спокойно собирает плоды в волшебном саду. Это
классическая сказочная развязка: зло побеждено, гармония восстановлена.
Тут вот очень интересная техника – вначале картина выжигается по дереву
(пирография). А потом уже раскрашивается маслом. Этакое 3Д получается.
Мария Якунчикова-Вебер – Окно, 1896 г
Ученица и соратница Елены Поленовой, участница Абрамцевского кружка. Жила и работала в России и Франции, умерла очень рано (в 32 года).
На панно изображено открытое окно, через которое видна густая зелень старой ели. Белый подоконник и простой синий горшочек с букетом баранчиков (первоцветов) создают ощущение домашнего уюта и хрупкой весенней нежности.
Композиция очень декоративная и стилизованная. Контуры выжжены по дереву — это придаёт работе особый «природный» ритм и графическую чёткость, а потом поверхность покрыта тонким слоем масла. Цветовая гамма приглушённая, но гармоничная: мягкие зелёные тона за окном, белый подоконник и нежные жёлто-зелёные цветы в синем горшке.
Общее настроение — созерцательное, немного меланхоличное и мечтательное. Окно здесь не просто архитектурный элемент, а портал между внутренним миром и природой. Мотив окна — один из самых важных и постоянных в творчестве Якунчиковой. Через окно художница часто «выпускала» взгляд и душу наружу — в сад, парк, на горизонт, в мечту.
Сергей Виноградов – В доме, 1912 г.
Сергей Арсеньевич Виноградов известен светлыми, радостными пейзажами, жанровыми сценами и интерьерами. Он провёл в имении Головинка (Всеволода Саввича Мамонтова) около десяти лет и написал там целую серию интерьеров и жанровых сцен.
Картина решена так, будто мы случайно зашли в комнату и застыли на пороге,
наблюдая за тихой сценой. В центре — девочка (скорее всего, одна из дочерей хозяев, Соня или Катя Мамонтова) в синем платье, с косичками, перевязанными бантами. Она слегка наклонилась над круглым столиком, на
котором стоит ваза с яркими фруктами.
Комната типично усадебная: оливково-голубые полосатые обои, узнаваемые занавески, старинная мебель. Свет мягко разливается по комнате, создавая ощущение тепла и покоя. Композиция очень естественная и «жизненная» — ничего постановочного, просто момент обычной домашней жизни. Это дореволюционная Россия в её самом светлом и уютном обличье.
Завтра вторая часть будет:).