Пока Jetix затягивал нас в супергеройские битвы и экшен, Nickelodeon создавал совсем другую магию. Мало кто знает, насколько раньше конкурентов появился этот канал, хотя именно он был первопроходцем, который начал говорить с детьми на одном языке. Со временем Nickelodeon стал местом, где ценились свобода, творчество и капля безумия, а его успехи написали правила игры для детского телевидения.
Конечно, так было не всегда: на старте канал тонул в огромных убытках. Давайте разберем, как этот экспериментальный проект не только вырос сам, но и стал фундаментом, на котором повзрослело несколько поколений.
От запуска к первому кризису
В конце 70-х телевизор уже был частью семейных ритуалов, когда можно было собраться и вместе посмотреть фильмы или шоу. Детям, впрочем, было не так интересно, ведь контент для них выходил очень редко и покрывал не все возрастные группы. Эту нишу занял Nickelodeon, вышедший в эфир 1 апреля 1979 года. Никто не рассчитывал, что канал будет приносить доход, с помощью него планировали просто привлекать новых абонентов для кабельных пакетов от Warner Cable. Рекламы не было. Бюджетов, впрочем, тоже.
Канал запускали в спешке. Дизайн выглядел неубедительно, даже название вызывало вопросы у руководства. Оно отсылало к дешевым кинотеатрам начала XX века, где билет стоил всего пять центов (никель). По содержанию Nickelodeon вырос из кукольного шоу «Вертушка» (Pinwheel), созданного педагогом Вивиан Хорнер. Это и определило ранний курс канала: безопасно, поучительно и без насилия. В эфир выходили ламповые проекты с актерами и куклами: Video Comics, America Goes Bananaz или Standby! Lights! Camera! Action!, где детям объясняли, как снимается кино. Было даже интерактивное шоу Kid’s Writers, где оживали письма маленьких зрителей.
Но была одна проблема: канал создавался скорее для обеспокоенных родителей, чем для самих детей. Программы были правильными, но не находили отклика у детской аудитории. Nickelodeon приносил только убытки — если пересчитать те потери на современные деньги, речь идет о сотнях миллионов долларов. Канал продали в середине 1980-х, проведя сделку внутри медиахолдинга и передав управление MTV.
Новая команда во главе с Джеральдин Лейборн устроила настоящую революцию. На канале появилась реклама, финансирование, а вещание стало круглосуточным благодаря ночному блоку Nick at Nite. Пока дети спали, их родители с удовольствием смотрели классику американского ТВ 50-х и 60-х. В дневной сетке больше времени стали уделять анимации. Так, Nickelodeon стал по-настоящему семейным брендом.
Именно в этот ребрендинг родилась легендарная оранжевая клякса. Логотип, похожий на случайное пятно краски или детский рисунок стал манифестом новой философии. Он не имел строгой формы и мог быть чем угодно, что делало его непредсказуемым, живым и соответствующим детской энергичности. Оранжевый цвет превратился в символ абсолютной творческой свободы для сотрудников компании, а дети были готовы с гордостью носить на футболке или рюкзаке логотип Nickelodeon, ведь теперь это было по-настоящему их пространство.
Первые авторские проекты
Рост Nickelodeon был неразрывно связан с бумом кабельного телевидения и появлением новых партнеров. У канала появились ресурсы, чтобы выходить на международные рынки. Позже «Ник» станет значимой частью гигантской империи Paramount и начнет дружить со стримингами вроде Netflix, но тогда все решения сопровождались большими рисками. С приходом Херба Сканнела Nickelodeon был готов сделать ставку на авторские идеи и развивать собственную анимацию.
И здесь был важный нюанс: в то время в отличие от многих конкурентов, Nickelodeon начинал не с дизайна игрушек для продажи, а с поиска крутых сюжетов. В конце 1990-х Nickelodeon инвестировал в анимацию около 350 миллионов долларов. Для производства оригинального контента была открыта студия Nickelodeon Studios, которая работала совместно с парком развлечений, а позже центр производства переехал в Калифорнию. Каждый проект проходил испытания питчингами, пилотами и тестами на детской аудитории. Результаты не заставили себя ждать, ведь именно в это время появились культовые франшизы. «Ох уж эти детки» (Rugrats) не просто стали хитом — их полнометражка в 1998 году заработала около 100 миллионов долларов, на равных сражаясь в прокате с гигантами вроде Disney.
Отдельно Nickelodeon занимался интерактивностью. Так появилась премия Kids’ Choice Awards (с 1988 года), где победителей выбирали сами дети, а награды вручались в виде фирменного оранжевого дирижабля. Другие активности — World Wide Day of Play, в рамках которого канал на несколько часов прекращал вещание и призывал детей выйти на улицу играть, и лотерея Super Toy Run, где победители получали возможность за пять минут бесплатно вынести из магазина столько игрушек, сколько физически получится. Все эти инициативы укрепляли связь канала с аудиторией.
При этом Nickelodeon сохранял гибкость. Канал стремился адаптировать контент под локальные рынки и сегментировал контент по возрастам и интересам: Nick Jr., Nicktoons, TeenNick, Noggin. Такая структура помогала родителям ориентироваться в сетке вещания и повышала доверие к бренду.
В этот период Nickelodeon закрепил за собой статус «первого детского телеканала». Он рассказывал истории о детях и для детей разных возрастов. Девиз «Children First» («Дети — на первом месте») отражал, что дети воспринимались не только как потребители, но и как активные участники общества.
Именно поэтому канал не боялся «взрослых» тем. Задолго до того, как инклюзивность стала трендом, канал честно говорил с детьми о расизме, экологии и даже политике. Без скучных нотаций, через крутые истории. Был проект «Путь Кейтлин» (2000-2002) про сложного подростка или «Пелсвик» (2000–2002) про парня на инвалидной коляске — через них можно было учиться понимать мир во всем его многообразии. Канал показывал нам жизнь как она есть: иногда несправедливую, иногда сложную, но всегда интересную. Важные ценности — ненасильственность, уважение и принятие подавались через детское восприятие мира.
От риска к предсказуемости
С уходом Херба Сканнела после 2006 Nickelodeon начал отказываться от экспериментов. Он придерживался стратегии «безопасного контента» без рисков и поиска новых безумных идей. Эфир заполнили повторы и сиквелы. От потери доходов на фоне конкуренции с Disney Channel и Cartoon Networkis спасали мерчендайзинг, тематические парки и кроссплатформенность. Бизнес работал, но канал перестал быть «голосом поколения». В 2011 году его аудитория сократилась на 15-20% за считанные месяцы.
Ярче всего этот упадок виден на главном символе канала. Когда-то «Губка Боб» был триумфом авторского видения, но сегодня франшизу превратили в конвейер, эксплуатируя ее ради прибыли. Вместо того чтобы зажигать новые звезды, Nickelodeon скупал старые хиты: «Черепашки-ниндзя», «Смурфики», «Соник». Авторские проекты не находят былой массовой популярности. Даже вполне самобытный «Мой шумный дом» со временем начали критиковать за затянутость. Пытаясь нащупать почву в новой медиа-реальности, канал выпускает проекты вроде Wylde Pak — историю про корейско-американскую семью с отсылкой к былой мультикультурности. У таких проектов, как Wylde Pak или Best & Bester есть потенциал, но вряд ли они смогут вернуть каналу статус лидера индустрии.
Творческий кризис оказался лишь вершиной айсберга. За закрытыми дверями годами зрела катастрофа, обернувшаяся репутационным коллапсом. Главным фигурантом стал Дэн Шнайдер — один из ключевых авторов канала, создавший хиты «Дрейк и Джош», «Шоу Аманды», «iCarly» и «Виктория-победительница». Его обвиняли в неподобающем поведении, фетишизации детских образов и даже сексуализированном насилии в сторону детей, многие сомнительные кадры при этом попали на экраны. Он был уволен в 2018 году, как и многие другие сотрудники. Подробнее об этом скандале рассказали в документальном фильме 2024 года «Тишина на площадке: Темная сторона детского телевидения». Вся эта история нанесла колоссальный урон имиджу канала.
Сегодня Nickelodeon — это предсказуемая корпоративная машина внутри империи Paramount. Он всё еще приносит деньги, но магия исчезла. Из новатора канал превратился в архив собственных достижений, который живет за счет мерча, ностальгии повзрослевших зрителей и переработки старых идей. Выхлоп от новых проектов не сравним по ценности с ранними достижениями.
Проекты, сделавшие Nickelodeon узнаваемым
За несколько десятилетий Nickelodeon выпустил множество мульсериалов для разных возрастных групп — от дошкольников до подростков. Некоторые из них стали долгоживущими франшизами, определившими тренды детского телевидения 1990–2000-х годов.
«Ох уж эти детки». Первая большая франшиза.
Мультсериал «Ох уж эти детки» (1991–2004) от студии Klasky Csupo стал первой крупной франшизой Nickelodeon. Она выросла из простого вопроса: а что, если младенцы на самом деле всё понимают и разговаривают друг с другом, когда взрослые выходят из комнаты? Проект транслировал мир с точки зрения ребенка, показывая радость его открытий, но при этом цеплял и взрослых благодаря глубоким сюжетным линиям родителей. Nickelodeon рискнул, заказав несколько версий пилота для тестов, и не прогадал: со временем штат производства разросся с нескольких человек до пяти сотен сотрудников.
Главной визуальной фишкой стал намеренно небрежный контур, гротескность форм и использование экстремальных ракурсов, имитирующих взгляд ребенка на огромный мир. Дизайн главного героя, Томми, Габор Чупо списал со своего сына: косолапость, тонкие ноги и огромная голова. От привычной миловидности отказались сознательно, сделав ставку на восточноевропейский стиль, ранее не встречавшийся в массовой американской анимации.
В постановке большую сыграл Игорь Ковалев, художник-постановщик мультфильмов «Пластилиновая ворона» и «Следствие ведут колобки». До Nickelodeon Ковалев уже работал над лейаутами в The Simpsons, а в Rugrats он стал ключевой фигурой: занимался раскадровкой и аниматиком, включая работу над хитовой полнометражкой, для которой он был выбран режиссером. Со временем Klasky Csupo превратилась в творческую лабораторию Nickelodeon, выпустив еще несколько громких проектов, а сами «Ох уж эти детки» долгие годы удерживали статус самого популярного шоу канала и даже удостоились звезды на Голливудской аллее славы.
«Приключения Джимми Нейтрона, мальчика-гения» (2002-2006). 3D и риски.
Идея проекта о мальчике-изобретателе жила у Джона А. Дэвиса еще с 80-х. Джимми стал его альтер-эго: он воплощал в жизнь все детские фантазии автора о гаджетах и космосе. Сценаристам не мешало, что они не разбирались в науке, ведь помимо того, что Джимми Нейтрон был гением, он оставался ребенком.
Для начала 2000-х запуск полноценного 3D-сериала на ТВ был безумным риском. Nickelodeon поверил в проект после короткого сорокасекундного видео с Джимми и его робо-псом Годдардом. Этот ролик выиграл награды на выставке софта и анимации, получив освещение в профильных журналах. Главным техническим решением Дэвиса стал выбор LightWave 3D — доступного потребительского софта вместо запатентованных закрытых технологий. Это позволило снизить расходы на производство, хотя с некоторыми вещами приходилось хитрить. Например, чтобы не увязнуть в симуляции ткани и волос, их скульптурный и графический вид сделали частью дизайна. Это был совсем иной подход, нежели у Pixar, где программы были настолько сложными и перегруженными кодом, что художникам приходилось работать через программистов. Для рига также использовали общедоступный софт (messiah:studio), который позже задействовали в DNA Productions и при создании полнометражки. Сейчас проект визуально устарел, но в начале 2000-х это был технологический предел для детского телевидения.
«Шоу Рена и Стимпи» (1991-1995). Пределы допустимого.
Мультсериал рассказывал о безумных приключениях агрессивного чихуахуа Рена и наивного кота Стимпи. Это был визуальный эксперимент, направленный против канонов классической анимации и следовавший жестким правилам производства, например нельзя было отрисовывать одно и то же лицо дважды. Шоу строилось по технике storyboard driven (от раскадровки) без жесткого сценария. Как отмечал создатель мультфильма Джон Кришфалузи (Джон К.), в анимации важно всё, кроме текста. Это схоже со стендапом: даже плохой материал можно вывезти на хорошем тайминге и подаче.
Джон вообще много что привносил в работу студии и имел радикальный взгляд на профессию. Его раздражал дилетантизм и качество обучения специалистов. Он считал, что даже талантливый человек может развиваться самостоятельно лишь до определенного предела — своей «слепой зоны». Смысл платить за обучение он видел только в том, чтобы ментор указывал на слабые места и заставлял их исправлять. Такой бескомпромиссный подход плохо уживался с графиком производства: Джон регулярно срывал сроки, доводил команду до выгорания и конфликтовал с руководством Nickelodeon. Преимущественно, по содержанию самого мультсериала.
«Шоу Рена и Стимпи» быстро стало одним из самых популярных и обсуждаемых проектов Nickelodeon, но при этом родители заваливали канал жалобами на черный юмор и насилие. Главной фишкой мультсериала стали gross-ups — гиперреалистичные крупные планы с детальной прорисовкой вен, пор кожи и слизи. Этот прием отсылал к гротескным карикатурам Боба Клэмпетта, но в контексте детского ТВ выглядел пугающе. Вмешательство канала не позволило зрителям увидеть самые жесткие эпизоды с потрошением или вырванными языками, но даже оставшийся хаос и жестокость привели к тому, что шоу признали не соответствующим философии Nickelodeon. На пике популярности Джон К. был уволен и ушел в самостоятельное производство, а проект продолжил жизнь на других площадках как анимация для взрослых.
Несмотря на скандалы, степень свободы самовыражения и специфические визуальные приемы стали источником вдохновения для целого поколения аниматоров, пусть и в более сдержанной форме.
«Как говорит Джинджер» (2000-2006) и «Эй, Арнольд!» (1996-2004). Детям о личном и важном.
Эмили Капнек, создательница мультсериала «Как говорит Джинджер», ставила цель честно передать опыт взросления. Сюжет строился на её воспоминаниях о переезде в пригород, где она чувствовала себя аутсайдером. История школьницы Джинджер Фаутли — это честный разговор о давлении сверстников и неуверенности в себе. Шоу не избегало тяжелых тем: потери близких, жизни в неполной семье и эмоциональной изоляции. Сценаристы обменивались личными историями, наполняя ими каждую серию. Глубина и комплексность прописывались даже для второстепенных персонажей и взрослых. Команде дали большую творческую свободу, и во многом благодаря этому проект трижды номинировался на премию Emmy.
С технической стороны «Как говорит Джинджер» совершил маленькую революцию. Хотя студия Klasky Csupo немного смягчила свой фирменный гротеск, работа аниматоров стала в разы сложнее. В отличие от большинства сериалов, где персонажи годами «заморожены» в одном образе, герои Джинджер взрослели и постоянно меняли одежду и прически. Это требовало ресурсов на создание новых модельных листов, но позволяло зрителю стать ближе к героям и взрослеть вместе с ними.
Схожий подход к рассказам о личном показал и Крейг Бартлетт в проекте «Эй, Арнольд!», который ранее работал над сценариями «Ох уж эти детки». Арнольд, живущий с дедушкой и бабушкой, стал воплощением мечтателя, но как ребенок он также сталкивался с тяжелыми сюжетами о буллинге, одиночестве и сложных семейных отношениях. Особенно необычно в детском мультфильме звучит джаз на фоне сцен без диалогов и активных действий.
Бартлетт уделял огромное внимание читаемости силуэтов: Арнольда можно безошибочно узнать, даже если он занимает крошечную часть кадра. Знаменитая голова «футбольным мячом» появилась из ранних пластилиновых экспериментов Крейга — позже он выбрал 2Dанимацию, но сохранил необычную геометрию лиц. Особую атмосферу создавали задники, отрисованные карандашами и красками, что придавало кадру «живую» текстуру. Крейг благодарил Nickelodeon за то, что канал дал шанс новичку без опыта, позволив ему вырасти из начинающего сценариста в автора собственного культового проекта.
«Котопес» (1998-2005) и «Крутые бобры» (1997-2001). Конфликт как основа комедии
Мультсериал «Котопес» вырос из попытки Питера Хэннана удивить руководство Nickelodeon. Идея раздраженного кота и наивного пса, запертых в одном теле, была настолько безумной, что питчинг прошел мгновенно. Проект получил зеленый свет после того, как Хэннан лично исполнил на гитаре заглавную тему — песня так впечатлила руководство, что они заказали полноценный сериал, имея на руках лишь один абзац текста и пару набросков. Сюжет строился не только на конфликте противоположностей, но и на темах буллинга и социальной изоляции «братьев», вынужденных сосуществовать вопреки разнице характеров. Сериал не боялся быть странным, а кантри-блюзовый саундтрек идеально подчеркивал атмосферу американской провинции.
Для аниматоров «Котопес» стал настоящим вызовом. Одно тело на двоих — это мастер-класс по Squash and Stretch (сжатию и растяжению). Командам, в том числе на аутсорсе из студий Rough Draft Korea и Saerom Animation, приходилось изобретать, как персонажи могут двигаться в разные стороны, не «ломая» анатомию кадра.
Схожая тема братских отношений легла в основу «Крутых бобров» Митча Ли Шауэра. История Даггета и Норберта, которых родители выселили из дома, опиралась на личный опыт автора как младшего ребенка. Бобров сначала хотели сделать приятелями, но это не давало нужной химии. Также их хотели сделать бунтарями, ненавидящими всё модное и популярное (в оригинале они Angry — «злые»), что было бы данью любви автора к контркультуре. Шоу выделялось «кислотной» палитрой и резкими, угловатыми линиями, а многие диалоги рождались в импровизации и отсылали к жизни в Канаде и реальным фактам о биологии бобров. Поскольку сценаристы раньше не писали для детей, в шоу во многом удалось избежать примитивного юмора, но некоторые места приходилось сглаживать.
Проект также запомнился своим производственным контекстом. После перерасхода бюджета и срывов графика сериал был закрыт. Создатели попытались отрефлексировать это через сюжет: в финальном эпизоде Bye Bye Beaver бобры осознавали, что они — персонажи мультфильма, который отменяют. Они ломали «четвертую стену» и готовились отправиться в «мультяшный рай». Однако Nickelodeon запретил серию к показу: политика канала не допускала окончательных сюжетных точек, чтобы не лишать детей надежды на продолжение приключений.
«Аватар: Легенда об Аанге» (2005-2008). Глобальный хит
Проект был создан Майклом ДиМартино и Брайаном Кониецко, которые мечтали объединить в одном шоу эпическое фэнтези, восточную философию и мифологию. Перед питчингом Nickelodeon поставил условие: герой должен быть ребенком. Дали «добро» уже после первого взгляда на промо-иллюстрации — настолько продуманным выглядел их мир, прописаны были уже все основные сюжетные арки.
Дизайн «Аватара» часто называют «американским аниме». Авторы действительно заимствовали у японской школы отдельные элементы, в том числе выражение эмоций. Главным техническим достижением стала хореография боев: каждый вид магии основан на реальном китайском боевом искусстве. Брайан Кониецко сам тренировался у мастера, все движения записывались на видео, а затем достоверно переносились в анимацию. Продакшн был глобальным — над «чистовой» анимацией работали топовые корейские студии.
«Аватар» смело поднимал темы войны, идентичности, ответственности и гендерных ролей. Для детей сериал стал захватывающим приключением в мире, который казался абсолютно реальным и существующим за пределами кадра, а для взрослых — сложной эмоциональной драмой. Как отмечают создатели, Nickelodeon полностью доверял их видению, что позволило создать законченную и цельную историю от начала и до конца.
«Губка Боб Квадратные штаны» (с 1999). Самый узнаваемый.
История Губки Боба началась с образовательного комикса о морских обитателях, который так и не смог опубликовать биолог Стивен Хилленберг. Стивен всегда мечтал об искусстве и поначалу думал, что наука будет его кормить, а анимация останется хобби. В итоге он получил два образования, ярко заявив о себе дипломным анимационным проектом. Питчинг для Nickelodeon стал легендой: Хилленберг пришел на встречу в гавайской рубашке и принес аквариум с моделями героев. Проект одобрили мгновенно — у Стива было невероятно четкое видение мира Бикини Боттом, которое он отстаивал. Например, он не позволил сделать Боба ребенком, хотя канал на этом настаивал. Квадратным же Боб стал ради комедийного контраста: квадратная «кухонная» губка выглядит абсолютно не на своем месте в океанской среде.
Над шоу работала команда ветеранов Nickelodeon и опытных актеров озвучки, а ключевой фишкой производства стал метод storyboard-driven. Вместо детального сценария авторы создавали лишь краткий план сюжета на несколько страниц. Все визуальные шутки и гэги придумывали художники-раскадровщики прямо в процессе рисования. Как отмечает креативный директор Дерек Драймон, это стало возвращением к методам золотого века анимации, сделавшим шоу живым и динамичным. За разработкой следовала «чистка» раскадровок под модели, запись актеров (которые всегда работали в одной студии для «живой химии»), создание аниматика и финализация со звуком, вдохновленным гавайскими мелодиями со старых пластинок.
Визуальный стиль Боба отличается использованием смешанных техник. В кадре появляются даже реальные объекты и живые актеры. Одной из визитных карточек стали «цветы-облака» на небе: они всегда слегка размыты, создавая эффект наблюдения через толщу воды. Дизайнеры фонов проделывали колоссальную работу: они могли потратить несколько дней на один сюрреалистичный крупный план, который мелькнет на экране всего на пару секунд. Прорабатывалось всё — даже походка Губки Боба не случайна: аниматоры срисовали её с походки самого Хилленберга, перенеся в рисунок его чувство ритма и характерные жесты.
Считается, что «золотая эра» сериала закончилась на третьем сезоне и первом полнометражном фильме, после которых Хилленберг планировал закрыть проект. Тем не менее «Губка Боб» остается самым долгоживущим шоу канала. Легендарным стал и сам персонаж — воплощение невинности и детской жизнерадостности. Он наслаждается жизнью и работой даже тогда, когда всё идет наперекосяк. Никто не знал, что проект без детей-героев станет хитом, но все понимали: Стив невероятно талантлив. В конечном счете успех шоу — это результат коллективных усилий сотен мастеров, создавших мультфильм, который ничего не разжевывает зрителю и в мир которого всегда приятно вернуться.
Наследие Nickelodeon
Долгое время Nickelodeon оставался крупнейшим детским телеканалом и во многом определял вектор развития индустрии. Сегодня он существует в условиях жесткой конкуренции — с линейными каналами, стриминговыми платформами и пользовательским контентом. Канал проходит через реструктуризацию, явного упадка не произошло — скорее, канал прошел через глубокую трансформацию, адаптируясь к новым правилам медиарынка.
Nickelodeon — это прежде всего канал с историей. Даже самые преданные зрители со временем вырастают, а часть старых проектов неизбежно теряет актуальность. Однако выросло целое поколение людей, чье детство неразрывно связано с этими мультфильмами, и многие до сих пор сохраняют к ним теплую привязанность. Уникальный визуальный язык, смелая интонация и уважительное отношение к ребенку как к личности сформировали культурное наследие Nickelodeon. Именно поэтому его проекты продолжают пересматривать и цитировать даже те, кто не знаком с самим каналом.
Главное достижение Nickelodeon в том, что он открыл двери для нового поколения смелых режиссеров, сценаристов и художников. Он стал настоящим домом для авторской анимации, доказав, что мультфильмы могут быть странными, глубокими и безумно смешными одновременно.
Автор: Ксения Косарева