Как одежда раскрывает героев кино, и почему в их образах нет случайных деталей — рассказала художник по костюму Надежда Яковлева.
Расскажите, как попасть в профессию художника по костюму, как это было у вас?
Попасть в профессию можно исключительно по любви! Любая творческая профессия требует полного погружения в нее. Если в приоритете выбора профессии стоит заработок, медийность или иное коммерческое, то становиться художником по костюмам не стоит.
Будучи студенткой, я соглашалась абсолютно на любую бесплатную работу, которая связана с одеждой. На первом курсе я работала в театральной мастерской, мы шили спектакли для Большого и Кремлевского балета, а позже мне предложили стажировку у Эвелины Хромченко. Именно она стала моей фешн-крестной, я проработала у нее чуть больше года и ушла в свободное плавание.
Как с помощью одежды показать развитие персонажа? Существуют ли отработанные приемы или правила?
Как мне кажется, что костюм должен рассказывать историю без слов. Есть три плоскости: цвет, силуэт и фактура. Допустим, персонаж движется от хаоса к порядку. Мы можем показывать это через: упорядочивание цветовой палитры, появление четких линий в силуэте, смену «шумных» фактур на «гармоничные». И главное — костюм должен меняться вместе с персонажем, а не просто «обновляться». Старая одежда может трансформироваться, переосмысливаться. Как и сам человек.
Кажется, что чтобы создать что-то креативное, надо в первую очередь отмести очевидные референсы, всплывающие в голове. Работает ли это утверждение для художника по костюму? Ведь за «читаемость» образа отвечает узнаваемость и привычные маркеры.
Полное отрицание узнаваемых маркеров — это как пытаться говорить на языке, которого никто не понимает. Но если следовать клише, то это значит лишить персонажа индивидуальности. Секрет в том, чтобы взять знакомый всем типаж и добавить свою изюминку. Например, «бизнесмен» — это не обязательно просто строгий костюм. Можно поиграть с фактурой ткани или нестандартным аксессуаром. Так образ становится живым и запоминающимся. Очень важен баланс. Слишком простое может быть скучным. Слишком сложное — непонятным. Нужно найти золотую середину. Ведь зритель должен не просто «узнать», а «узнать и удивиться». Это и есть магия.
Удается ли художнику по костюмам транслировать свой личный почерк, когда он находится в рамках сценария?
Я считаю личным почерком не конкретные фасоны или цвета. Это скорее способ рассказывать истории через ткань. Даже в строгих рамках можно проявить себя. Например, через внимание к деталям, необычные сочетания привычных вещей и через то, как одежда движется с актером. Мой «почерк» — лёгкая ирония без перехода в шарж. Даже в самой безумной комедии костюмы остаются человечными. Почерк проявляется не в нарушении правил, а в том, как ты эти правила используешь. Как шепчешь на языке одежды, когда нельзя кричать.
Наш номер посвящен юмору, расскажите, как вам удавалось иронизировать в своей работе?
А это вообще самый классный аспект работы! Ирония в костюме, как тихий внутренний смех, которым ты делишься со зрителем. Это не про кричащие костюмы-шутки. Это про намеки. Безупречно одетый офисный работник и его носки с забавным принтом, которые видно только когда он садится. Персонаж, который хочет выглядеть дорого, но в деталях выдает плохой вкус. Слишком много аксессуаров, чуть кричащие цвета.
Самый изящный юмор — контекстный. Можно одеть героя в нелепый свитер, который ему связала бабушка. Смешно, но сразу добавляет глубины характеру. Главное правило: костюм должен смешить не сам по себе, а вместе с ситуацией и персонажем.
Ваш актуальный проект — музыкальная комедия «Невероятные приключения Шурика». Кому из героев было сложнее всего подобрать костюм? Почему? Насколько было сложно сделать их актуальными для современного мира?
Образы главных героев картин Гайдая в памяти зрителя уже стал архетипом, и любое отклонение воспринимается болезненно. По этому мы максимально приближались к оригиналам, а то и снимали оригинальные вещи. Допустим кепка и куртка, героя Михаила Галустяна, Фрунзика, является оригиналами найденными на Мосфильме. Так же мы находили платье героини Нины для сцены открытия банка, но оно было сильно фактурным для столь аккуратного героя. Самое главное — сохранить душу оригинала. Можно обновить покрой брюк, но если исчезнет та самая трогательная нелепость в деталях, то магия уйдет. Мы словно пересказываем старую историю современным языком, но с прежней интонацией. Сложностей с подбором обычно не возникает. Прежде чем показать вещи, я рассказываю актеру историю его героя.
Допустим когда мы снимали клип «Беги-Беги» на главных героях были яркие оранжевые блестящие костюмы. Не каждый мужчина осмелится такое примерить, но после того как я рассказывала, что они звезды времени, что мы играем в 1970 года, что это все на грани иронии, и актеры охотно надевали блестки и шелка.
Внедряли ли вы неочевидные «пасхалки» в образ героя, чтобы намекнуть самым внимательным зрителям на развитие сюжета?
Да, это очень интересно! И, несмотря на то, что я стараюсь создавать более статичные образы для героев, я могу добавить в костюм, например, едва заметный принт, который намекает на будущие перемены в судьбе героя, или похожие аксессуары у персонажей, которые в итоге окажутся связаны. А еще такие детали могут меняться вместе с сюжетом. Скажем, узор на галстуке постепенно становится сложнее, повторяя путь развития персонажа. Я считаю такие «пасхалки» секретным посланием самым внимательным зрителям. Приятно думать, что кто-то их разгадает при повторном просмотре.
Какие неожиданные места вы используете для поиска одежды на проекты?
Зачастую ту самую вещь можно найти в самых обычных местах. Массивные аксессуары зачастую можно собрать из строительных материалов: цепей и прочих металлических деталей. Также «Авито» является большой платформой для поиска «жемчужин». Там можно найти все: от кутюрного Dior 2000-х годов до актуальных коллекций, которые не представлены в России. Секрет в том, что настоящая киношная магия рождается не на брендовых полках, а в этих неожиданных местах. Именно там находится одежда с характером.
Нужно ли учитывать характер не только персонажа, но и актёра в создании образа героя?
Обязательно. Это не компромисс, а синергия. Представьте: вы создали идеальный костюм для персонажа, но он не «сидит» на актере. Ни физически, ни энергетически. Получается маска, а не живой человек. Моя задача — найти баланс между характером роли, физикой и манерой движения актера, а еще его внутренним ощущением правды. Иногда, с помощью небольшой корректировки, костюм начинает «работать» на обоих. Скажем, добавляем чуть более структурированные плечи робкому персонажу, если актер сутулится. Это и характер подчеркнет, и осанку улучшит. Ведь в конечном счете зритель верит не костюму, а человеку в нем.
А что делать, если актеру не нравится его костюм?
Главное — не воспринимать это как личную атаку. Сначала слушаю. Почему не нравится? Может, ткань колется, или жмёт, или актёр просто не чувствует себя в этом «героем». Часто проблема не в эстетике, а в физическом дискомфорте.
Потом ищу компромисс. Меняю подкладку, предлагаю альтернативный вариант в той же цветовой гамме. Иногда достаточно просто объяснить. Показать эскизы, рассказать, как этот костюм работает на персонажа. Но бывают случаи, и это профессиональный секрет, когда «неудобный» костюм помогает актёру. Слишком тесный пиджак для роли неудачника или нелепая шляпа для комичного персонажа. Тогда мягко объясняю: «Эта неловкость не ваша, а вашего героя». В конечном счёте, если актёр не верит в свой костюм, то в него не поверит и зритель.
Если взять мировой кинематограф, какой герой, на ваш взгляд, создан идеально с точки зрения его образа и костюма?
Сложный вопрос. Идеальных образов много, есть те, что становятся эталонными.