Мальчик, который рисовал раньше, чем говорил: рождение гения
Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Криспин Криспианино де ла Сантисима Тринидад Мартир Патрисио Клуни Руис Пикассо — а это только его полное имя, которое мама ему называла, если он плохо себя вел. Он появился на свет 25 октября 1881 года в испанском городке Малага, где апельсины цветут круглый год, а люди пьянели не от сангрии, а от собственного высокомерия.
Его отец, дон Хосе Руис-и-Бласко, был художником и преподавателем рисования. Правда, больше походил на сбежавшего монаха, который всю жизнь пытался нарисовать идеальную голубку, чтобы хоть чем-то выделиться. Мать, Мария Пикассо-и-Лопес, была женщиной с твердым характером, которая уверяла, что её сын станет либо великим художником, либо величайшим ничтожеством. Её слова, как и его картины, стали пророчеством.
По легенде, Пабло начал рисовать буквально с пеленок. В четыре года он нарисовал свой первый "шедевр" — голубку, от которой отец тут же отказался в пользу юного таланта. "С кистью он делал такие вещи, что я понял — всё, я закончился," — вздыхал дон Хосе. Вскоре он передал сыну не только свои кисти, но и несбывшиеся амбиции.
Детство Пабло прошло среди тёплых улиц Малаги, пока семья не переехала в Ла-Корунью. Там его "гениальность" впервые дали потрогать миру: он поступил в школу изящных искусств, где развивал свои навыки под чутким, но строгим руководством отца. В 14 лет он поступил в Академию изящных искусств в Барселоне, как будто к этому возрасту все уже знали: мир, готовься, это новый Рафаэль, только с большой дозой наглости.
Но Барселона — это лишь первая остановка. Молодой Пикассо не мог терпеть провинциальности, поэтому, набросав пару сотен "маленьких шедевров", он собрал свои чемоданы и направился в Мадрид, а затем в Париж — город, где родилась его карьера, его стиль и его демоны.
Гений или мошенник? Как Пикассо заставил мир поверить в свою гениальность
"Если бы только я хотел, я бы превратил это в золото!" — однажды бросил Пабло Пикассо, указывая на салфетку с несколькими линиями, нарисованными за пять секунд. Эта фраза идеально описывает его жизнь: он был не просто художником, а гениальным иллюзионистом, который убедил мир, что его искусство стоит миллионы, даже если оно напоминало каракули пятилетнего ребёнка.
Пикассо никогда не боялся вызывать раздражение или недоумение. "Он рисовал так, как будто смеялся в лицо всем академическим канонам искусства," — говорил легендарный галерист Амбруаз Воллар, который одним из первых выставил работы Пабло в Париже. Даже тогда критики были в шоке: мол, это что, искусство или издевательство? А коллекционеры были готовы продать родовые замки, чтобы купить его странные, ломаные фигуры.
Секрет успеха Пикассо заключался не только в таланте, но и в безграничной уверенности в себе. "Я делаю свои картины, чтобы заработать на жизнь, а не чтобы получить одобрение," — говорил он, и это не было пустой бравадой. Когда галерист Данкан Максвелл выставил его картину "Авиньонские девицы" в 1916 году, многие были шокированы: женщины с угловатыми телами и лицами, напоминающими африканские маски, выглядели как кошмар добропорядочного буржуа. Но именно этот кошмар превратился в революцию искусства.
Один из ключевых моментов его успеха — умение манипулировать обществом и маркетингом. Когда его искусство начали критиковать за "простоту" или "безобразие," он лишь добавлял масла в огонь. "Картина не должна быть красива, она должна заставлять задуматься," — заявлял Пикассо, подрывая традиционные понятия о живописи.
Но была ли в этом гениальность? Многие современники подозревали, что он просто смеётся над всеми. "Пикассо — это не художник, а шоумен," — писал критик Роберт Флетчер в одной из рецензий на его выставку в Нью-Йорке. Возможно, это и было его гениальностью: искусство Пикассо — это не только картины, но и спектакль, в котором каждый зритель становился участником.
Ещё при жизни Пабло получил статус живой легенды. Цены на его работы росли с космической скоростью. Картина "Сон" (1932) была продана за $155 миллионов, а "Алжирские женщины" (1955) — за $179,4 миллиона. "Пикассо — это бренд, который всегда будет стоить дороже, чем любой другой," — сказал известный коллекционер и миллиардер Стивен Коэн.
Вопрос "гений или мошенник?" остаётся открытым. Но, как говорил сам Пикассо: "Если ты не можешь победить их логикой, ослепи их своей харизмой." И он ослеплял — всех и навсегда.
Представьте себе мужчину, который может нарисовать вам корову, но нарисует квадрат и скажет: "Это корова на внутреннем уровне". Пабло Пикассо был тем, кто убедил весь мир в том, что если он рисует два квадрата и четыре полоски, то это не просто каракули, а революция в искусстве. Секрет его успеха? Безумная уверенность.
"Искусство – это ложь, которая помогает осознать правду," — говорил Пикассо, не уточняя, что под словом "ложь" он подразумевает цену в несколько миллионов долларов за свои работы.
Его революция в искусстве заключалась не в том, чтобы рисовать красиво, а в том, чтобы рисовать так, чтобы никто не понял, что это такое, и от этого ещё больше восхищался. "Он гений," – кричали одни. "Он обманщик," – думали другие. В любом случае, в итоге все платили.
Музой быть опасно: как женщины Пикассо теряли себя ради его искусства
Женщины в жизни Пикассо — это не просто музы, это строительные материалы для его гения. Он ломал их, перекраивал и собирал заново, превращая в шедевры, но часто оставляя лишь руины от их жизней.
Фернанда была его первой значимой музой и любовью. Молодая художница и натурщица, она вошла в жизнь Пикассо в начале его парижских лет. Это был период его «розового» творчества, где любовь к Фернанде отразилась в нежных образах циркачей и танцовщиц.
Но Пикассо не терпел равных. Когда Фернанда попыталась развивать свою карьеру, он начал ограничивать её. Постепенно она превратилась в тень, оставив свои амбиции ради мужчины, который видел в ней лишь модель для своих полотен. Их отношения закончились болезненным разрывом, а Фернанда осталась забытым эпизодом в истории его успеха.
Русская балерина Ольга Хохлова была женщиной другой эпохи. Строгая, утончённая, она казалась противоположностью буйного темперамента Пикассо. Они поженились в 1918 году, и она стала матерью его сына Пауло.
Их союз был благополучным только на поверхности. Ольга была женщиной, которая хотела стабильности, а Пикассо жаждал свободы. Он начал изменять ей и оскорблять её в своих работах. Одним из самых известных примеров стал её портрет в форме иссохшей ведьмы. Ольга не выдержала его измен и манипуляций, что привело к нервным срывам. Несмотря на разрыв, она никогда официально не развелась с Пикассо, надеясь сохранить статус жены гения.
Дора Маар, талантливый фотограф и художница, была одновременно музой и жертвой одного из самых известных шедевров Пикассо — «Герника». Она документировала процесс создания этой картины, но платила за это собственным разрушением.
Пикассо был заворожён её эмоциональной глубиной, но использовал её нестабильность против неё самой. Она позировала для знаменитой серии портретов, где её лицо искажено в кубистических формах, словно отражение её внутреннего состояния. После разрыва с Пикассо Дора провела много лет в одиночестве, страдая от психических расстройств.
Франсуаза Жило — художница, которая стала единственной женщиной, осмелившейся разорвать отношения с Пикассо. В их союзе родились двое детей, Клод и Палома.
Она вдохновляла его на создание ярких, живых работ, но её сила духа и независимость раздражали Пикассо. Когда она решила уйти, он использовал все средства, чтобы разрушить её карьеру. Однако Франсуаза осталась одной из немногих, кто смог найти себя после отношений с гением. Её книга «Жизнь с Пикассо» стала откровением о том, каким мучительным был её опыт.
Женщины Пикассо вдохновляли его, но часто теряли свою идентичность, попадая в орбиту его гениальности. Для него они были не людьми, а материалом, как краски или холсты. В итоге каждая из них оставила след в его искусстве, но платила за это слишком высокую цену.
И как он сам говорил:
"Каждый раз, когда я меняю женщину, я должен сжечь ту, которую оставляю за спиной."
Рога и носы: как Пикассо играл с чертовщиной в своих картинах
В работах Пикассо часто мелькают детали, которые заставляют задуматься: уж не заключил ли он сделку с дьяволом? Изогнутые линии, напоминающие рога, странные пропорции лиц и тел, зловещие ухмылки персонажей – всё это создавало ощущение, что художник целенаправленно флиртовал с темными силами. Его картины были не просто искусством; они будто впечатывали в сознание зрителей то, что человек так упорно старается скрыть – свои внутренние страхи и пороки.
Пикассо сам не раз говорил о своей тяге к изображению темного. «Я всегда искал нечто, что пробуждает страх, ибо страх – это начало истинного восхищения», – признавался он. Образы рогатых существ в его работах появлялись не случайно. Эти детали он использовал как символы власти, греха и первобытной силы. Рога несли в себе двоякую суть: они одновременно говорили о божественном могуществе и о низменной сущности человека.
Одним из главных мифологических персонажей, который вдохновлял Пикассо, был Минотавр – полубык, полумужчина, зверь, обречённый скитаться в лабиринте. В этом образе художник видел не только насилие, но и страдание. В его серии офортов «Минотавромахия» Минотавр – это сам Пикассо, мощный, безудержный и одновременно уязвимый. Этот персонаж стал для него олицетворением внутреннего конфликта: страсть против разума, гений против чудовища.
Пикассо любил провоцировать. В его кубистических портретах – изломанных, угловатых, будто нарочито обезображенных – многие видели признаки дьявольского вмешательства. Лица героев напоминали маски, под которыми скрывались загадочные, тревожные сущности. Одним из таких примеров стала картина «Портрет Доры Маар», где лицо его возлюбленной расколото на острые геометрические куски. Казалось, что он буквально разобрал её душу на части, чтобы показать миру её тёмную сторону.
Но, пожалуй, самый яркий пример "чертовщины" Пикассо – это «Герника». В этом монументальном полотне, посвящённом ужасам войны, бык с мощными рогами занимает центральное место. Он одновременно символизирует разрушение и неразрушимую силу, животное и человеческое, Бога и дьявола. Сам художник говорил, что бык – это вечный свидетель катастроф, который всегда остаётся жив.
Иногда кажется, что Пикассо намеренно играл с религиозными и моральными табу. Его трактовки библейских сюжетов и святых фигур часто шокировали своей дерзостью. Он словно насмехался над общепринятыми канонами, намекая, что искусство – это территория хаоса, где правил не существует. «Вы хотите видеть Бога? А как насчёт дьявола? В искусстве они одинаково прекрасны», – говорил он.
В конечном итоге, "чертовщина" Пикассо была не просто эстетикой, а философией. Он использовал образы демонов, чтобы показать истинное лицо человеческой природы. Это было не просто провокацией, а его способом понять и принять тьму, живущую в каждом из нас. Ведь, как утверждал сам мастер: «Чтобы стать великим художником, нужно танцевать с дьяволом, иначе ты просто ремесленник».
Пикассо и кубизм: как он разрушил старый мир искусства и построил новый
Пабло Пикассо не просто изменил искусство — он снес его до основания, оставив от старого мира лишь руины. Кубизм стал его орудием революции, разбившим традиционные представления о красоте, перспективе и форме. Вместо того чтобы рисовать мир таким, каким его видит глаз, Пикассо предложил смотреть на вещи так, как их чувствует душа: со всех сторон одновременно, словно через призму разбитого стекла.
Кубизм родился в момент разочарования в академических канонах. Искусство начала XX века жаждало свежего взгляда, и Пикассо вместе с Жоржем Браком ответили на этот вызов. Их «Девицы из Авиньона» — картина, которая разорвала всех в клочья. Кто-то назвал её уродством, кто-то шедевром, но равнодушных не осталось. Пять женщин на полотне были угловатыми, словно вырезанными ножом. Их лица напоминали африканские маски — странные, пугающие, и совершенно новые для западного искусства.
«Кубизм — это не стиль, это взрыв», — говорил Пикассо. Он разложил объекты на геометрические формы, словно собираясь собрать их заново. Мебель, люди, фрукты — всё на его картинах казалось вырезанным из бумаги и наложенным друг на друга под невозможными углами. Это был вызов самому понятию реализма. Зачем изображать яблоко, как оно выглядит, если можно показать его суть?
Гениальность кубизма была в его универсальности. Пикассо создавал миры, которые можно было рассматривать бесконечно, как сложные пазлы. Гитары и бутылки вина на его натюрмортах становились головоломками, которые каждый зритель решал по-своему. Эти картины напоминали нам, что мир — это не плоская картинка, а многослойная реальность, которую каждый видит по-своему.
Кубизм также стал вызовом обществу. В эпоху индустриальной революции, когда машины начали заменять людей, искусство тоже стало механическим. Работы Пикассо и Брака напоминали чертежи, созданные инженерами, а не художниками. Критики негодовали: «Это больше похоже на план здания, чем на искусство!» Но разве Пикассо волновали критики? Его целью было разрушение традиций, и он справился с этим блестяще.
Успех кубизма вдохновил целое поколение художников. Сальвадор Дали, Марк Шагал, Хуан Грис — все они, так или иначе, прошли через революцию, начатую Пикассо. Даже музыка и литература тех лет начали подражать кубизму, дробя свои структуры и играя с перспективой.
Но самое главное, кубизм подарил искусству свободу. Благодаря Пикассо художники больше не чувствовали себя связанными традициями. Если раньше нужно было доказывать технику, то теперь важнее было сказать что-то новое, сделать что-то дерзкое.
«Я разрушаю, чтобы создать», — говорил Пикассо. И это было не просто метафорой. Кубизм стал фундаментом, на котором стояло всё современное искусство XX века. Его картины — это не только революция в живописи, но и философия. Они напоминали нам, что в искусстве, как и в жизни, иногда нужно сломать старое, чтобы освободить место для нового.
Скандалы и аморальность: почему Пикассо был ходячим эпатажем
Пабло Пикассо был не только гением искусства, но и настоящей фабрикой скандалов. Кажется, эпатаж был для него не просто способом жизни, а частью его творческого метода. Он провоцировал, раздражал, шокировал — и делал это с таким мастерством, что публика либо восхищалась, либо хотела разорвать его на куски. Но равнодушным он не оставлял никого.
Пикассо был человеком, которому нравилось раздвигать границы дозволенного. Его личная жизнь — хаос из бесконечных романов, ревнивых сцен и разбитых сердец. Браки рушились, муз становилось всё больше, а в перерывах между бурными романами он успевал работать над очередным шедевром. Каждый его поступок — от отказа быть верным одной женщине до бесконечных самовосхвалений — становился темой для сплетен.
«Мораль? Она существует для слабаков», — можно было подумать, глядя на его жизнь. Во время оккупации Парижа он устраивал вечеринки, в то время как другие боролись за выживание. Его любили за дерзость, но ненавидели за бездушие. Во время Второй мировой войны он не выказывал никакой политической активности, хотя его картины, как «Герника», уже стали символами протеста.
Искусство Пикассо также не было лишено скандальности. Его работы часто называли аморальными, уродливыми, неприемлемыми для приличного общества. Женские фигуры на его полотнах напоминали карикатуры, их лица — маски, а тела — странные конструкции, лишённые классической красоты. Но разве это волновало Пикассо? «Если картина нравится всем, значит, она плохая», — говорил он.
Скандалы сопровождали его до конца жизни. В 1940-х его картины были запрещены нацистами за «дегенеративное искусство». Он шутил, что только благодаря этому стал ещё популярнее. В 1950-х критики назвали его экспонаты «плевком в лицо публике», а он отвечал, что лицо публики всегда просило быть немного испачканным.
Сам же Пикассо лишь усмехался в ответ на обвинения. Он понимал, что в мире искусства плохой пиар лучше, чем его отсутствие. Скандалы не просто создавали ему репутацию, они увеличивали стоимость его картин. Пока публика негодовала, галереи выставляли очередные шедевры, а коллекционеры соревновались за право владеть работой самого эпатажного художника XX века.
Пикассо — это пример того, как талант, наглость и полное отсутствие комплексов могут превратить человека в живую легенду. Его аморальность — это не слабость, а сила, которой он пользовался, чтобы ломать устои, менять правила и строить мир искусства по своим законам. И пока общество ворчало, Пикассо лишь продолжал делать своё дело — создавать скандалы, которые навсегда вошли в историю.
Мастер маркетинга: как Пикассо сделал имя себе и миллионы своим наследникам
Пикассо был не просто художником, а бизнесменом, опередившим своё время. Он знал, как создавать искусство, которое будут обсуждать, и как превращать собственное имя в бренд, который приносит миллионы. «Если ты хочешь стать известным, делай так, чтобы твоё имя всегда было у всех на слуху», — Пикассо мог бы написать эту фразу в своей автобиографии, если бы нашёл время между созданием шедевров и очередным любовным романом.
Начнём с того, что Пикассо никогда не стеснялся своей жадности. «Я хочу жить как бедный человек с кучей денег», — говорил он. Это заявление — ключ к пониманию его гениального подхода к управлению собственной карьерой. Пикассо был мастером дефицита: он мог намеренно удерживать свои работы, чтобы повысить их ценность, или раздавать эскизы друзьям, зная, что позже они станут дороже золота.
Он был первым художником, кто осознал: провокация продаёт. Кубизм, «Герника», искажённые женские портреты — всё это было не просто искусством, но и маркетинговой стратегией. Каждая новая работа становилась событием, а споры вокруг неё — бесплатной рекламой. Пока критики спорили, хорошая ли это живопись, коллекционеры выстраивались в очередь.
Но самое интересное началось после его смерти в 1973 году. Наследие Пикассо — это не только картины, но и права на его имя, подпись, даже образ. Сегодня наследники художника зарабатывают миллионы, лицензируя всё: от выставок до кроссовок с его портретами. Стоимость работ Пикассо на аукционах достигает сотен миллионов долларов, а имя художника стало символом успеха, который невозможно повторить.
Современные коллекционеры и галеристы превратили Пикассо в золотую жилу. «Его работы — это не просто картины, это инвестиции», — говорят они. В 2015 году его картина «Алжирские женщины» ушла с молотка за рекордные $179,4 миллиона, что подтвердило его статус самого дорогого художника в мире.
Но почему Пикассо? Почему именно он? Потому что он не просто создавал искусство — он создавал себя. Он знал, что искусство — это не только краски и холст, но и способ рассказать миру историю. И Пикассо всегда рассказывал историю, в которой он был главным героем — гениальным, аморальным, но всегда захватывающим.
Сегодня его наследники купаются в роскоши, а работы художника висят в лучших музеях мира. Но, если бы Пикассо мог заглянуть в будущее, он бы, наверное, лишь усмехнулся: «Я всё это спланировал».
Символы войны и мира: как Гуэрника стала криком эпохи
Пикассо часто называли эгоистом, но в 1937 году он превратил своё искусство в голос миллионов. Его «Герника» — это не просто картина, это вопль эпохи, запечатлённый на огромном холсте, где каждая деталь говорит о боли, разрушении и бессилии перед войной. Если бы картины могли плакать, «Герника» рыдала бы на весь мир.
Вдохновением для работы стало разрушение баскского города Герника в ходе авианалёта немецкой авиации. Это было не просто бомбардировка, а варварский эксперимент нацистов, проверявших новую тактику террора с воздуха. Когда весть о трагедии достигла Пикассо, он был в Париже, работал над заказом для Испанского павильона на Всемирной выставке. Вместо привычных заказных работ он создаёт шедевр, который станет символом антивоенного движения.
«Герника» — это не просто протест, это хаос, воплощённый на полотне. Разорванные тела, всадники без лошадей, женщины, пронзённые ужасом, и бессмысленный бык — символ жестокости, наблюдающий за всем этим безмолвным равнодушием. Краски ограничены: только чёрное, белое и серое, как будто художник специально убрал жизнь из картины, чтобы показать смерть.
Но эпичность «Герники» не только в её масштабе, но и в её судьбе. После выставки она отправилась в путешествие по миру, становясь визуальным манифестом против фашизма. В Нью-Йорке, Лондоне, Стокгольме — картина везде собирала толпы людей, которые видели в ней не только испанскую трагедию, но и отражение своих собственных страхов.
Особняком стоит история о том, как «Герника» стала политическим символом. Во время Второй мировой войны Пикассо жил в оккупированном Париже. Нацисты неоднократно приходили к нему с вопросами, и один из офицеров увидел фотографию «Герники». Он спросил: «Это вы сделали?» Пикассо, не моргнув глазом, ответил: «Нет, это сделали вы».
Сегодня «Герника» находится в Музее королевы Софии в Мадриде, возвращённая в Испанию после смерти диктатора Франко. Она остаётся символом борьбы против войны и напоминанием о том, как искусство может стать мощнейшим оружием. Но, конечно, с таким масштабом популярности не обошлось без саркастических вопросов: а не сделал ли Пикассо эту картину только для того, чтобы ещё раз показать миру, какой он гений?
Ирония в том, что даже если это так, «Герника» осталась вечным свидетельством того, что искусство может быть громче пуль и мощнее бомб. «Это моя жизнь, моя боль, моя Испания», — мог бы сказать Пикассо. Но что бы он ни сказал, его картина уже сказала всё.
Игра на публику: Пикассо как мастер провокации
Пикассо не просто создавал искусство — он сам был искусством. Если бы кто-то придумал современное понятие «пиар», Пабло Пикассо стал бы его ходячей иллюстрацией. Провокация для него была не просто инструментом, а стилем жизни, благодаря которому его имя стало синонимом гениальности, даже если кто-то из критиков называл его безумцем.
Его провокации начинались с малого. Например, выставить картину, где человеческие лица больше напоминают осколки зеркала, и заявить, что это новое видение реальности. Он заставлял людей не просто смотреть на его работы, а спорить, злился кто-то или восхищался — Пикассо это только радовало. Любое внимание было капиталом, который он конвертировал в узнаваемость. «Если ты не можешь понять моё искусство, значит, ты не достоин его», — как будто говорил он.
Но настоящая игра началась, когда он стал использовать свою личную жизнь как продолжение своих картин. Бурные романы с женщинами, которые становились его музами и жертвами, публичные скандалы и совершенно неприкрытая аморальность — всё это подогревало интерес. Его отношения с Дорой Маар — фотографом и художницей — напоминали болезненный перформанс, где и страсть, и унижение служили для создания шедевров.
Или взять историю его отказа подписывать свою знаменитую «Гернику» на одной из выставок. Когда его спросили, почему он не поставил автограф, он заявил: «Если вы не знаете, кто я, значит, эта картина вам не нужна». Такого уровня дерзости не видел даже Энди Уорхол.
Ещё один триумфальный ход — массовое производство «под Пикассо». Он понимал, что шедевров на всех не хватит, поэтому придумал идею «скромного искусства»: керамика, гравюры, литографии. На них он ставил своё имя, а покупатели толпами раскупали его работы, даже не задумываясь, что они получали лишь частичку гения.
Однако его главная провокация — это его отношение к критике. Когда один из журналистов назвал его картины «вызовом человеческому глазу», Пикассо лишь улыбнулся: «Мой глаз вызов уже принял». Каждая его выставка была вызовом обществу, эстетике и здравому смыслу. И пока кто-то злился, Пикассо продавал очередной холст за сумму, которая могла купить дом.
Сам Пабло говорил, что он родился, чтобы шокировать. Иронично, что эта философия сделала его не только богатым, но и бессмертным. Сегодня миллионы людей восхищаются его работами, а кто-то до сих пор задаётся вопросом: был ли это талант или талантливый обман? Но, как говорил сам мастер провокации: «Я не ищу, я нахожу. И если вы ищите скандалы, просто посмотрите на его жизнь — он там нашёл всё, что нужно.
От нищего художника до миллиардера: почему Пикассо стал иконой искусства
Пикассо — это не просто художник. Это бренд, валюта, икона, которая из человека превратилась в машину по штамповке денег. Забавно, что тот, кто всю жизнь размахивал кистью, в итоге сделал ее золотой лопатой для своего наследия. Человек, который раз за разом говорил: «Я рисую так, как думаю», наверняка и не подозревал, что его мысли окажутся оценены в сотни миллионов долларов. Если бы он увидел эти ценники, его знаменитый испанский темперамент взорвал бы аукционный дом.
И вот наследие. Его картины висят в лучших галереях мира, его имя упоминается в учебниках, а его работы продаются на торгах с таким азартом, будто это не холсты, а билеты в рай. "Пикассо не просто художник, он единственная настоящая суперзвезда искусства," — говорит арт-дилер Ларри Гагосян, у которого в глазах сверкают не муза, а чистый коммерческий интерес.
Самые дорогие картины Пикассо сегодня:
1. «Алжирские женщины (Версия O)», проданная за $179,4 млн. Это больше, чем он мог заработать за всю жизнь, даже если бы разрисовывал стены Лувра.
2. «Спящие», ушедший с молотка за $106,5 млн. Иронично: пока вы спите, ваше состояние вряд ли растет, а у него оно продолжает.
3. «Девочка с голубем», проданная за $68 млн. Картина, которая трогает душу, но, очевидно, гораздо сильнее трогает банковские счета.
Пикассо — это не про искусство. Это про то, как научить мир видеть красоту в хаосе, а потом заставить за это платить. А если вы думаете, что мир его гениальность понял только после смерти, то вот вам фраза критика Джека Бернетта: *«Пикассо был чем-то вроде рок-звезды до того, как рок-н-ролл вообще появился».
Буду признательна за коммент и лайк 😍🤗