Константин Андреевич Сомов (годы жизни 1869-1939) – разносторонний художник, писавший портреты, пейзажи и графические изображения для печатных изданий. Говорили, что в его работах редко можно встретить современность, но вместе с тем нет более современного художника.
Константин Андреевич родился в семье дворян в Петербурге. Отец был хранителем коллекций Музея Эрмитаж и коллекционером художественных работ. Мать была женщиной разносторонне образованной, талантливо играла на музыкальных инструментах. Были у будущего художника брат Александр и сестра Анна. Даже позднее, живя в эмиграции, Константин Андреевич регулярно писал письма сестре обо всём происходящем в жизни. Большое влияние на будущего художника оказали поездки в Париж со школьного возраста и раннее увлечение театром. С 1888 года Сомов обучался в Императорской Академии Художеств, где его преподавателем был Илья Репин. У Репина многие ученики перенимали широкую живописную манеру и некоторые черты импрессионизма. Они заметны в портрете Натальи Обер и в портрете отца, но вскоре Сомов от этой манеры наотрез отказался.
В 1897, не окончив полного курса Императорской Академии, Константин Андреевич отправился в Академию Коларосси в Париже. Там собралось небольшое общество русских художников, среди которых был, к примеру, Александр Бенуа. Именно в этом обществе Сомов знакомится со многими современными течениями, например, с творчеством мастера эпохи модерна Обри Бёрдсли. Одна из сохранившихся работ того периода – «Осень в Версальском Парке». Этот акварельный этюд приковывает взгляд яркостью и сочетанием использованных цветов. Всё творчество того периода связано с заинтересованностью пейзажем. Он отчётливо виден даже на таких картинах, как «Сумерки в Старом Парке» и «Конфиденции», которые отмечены идиллически-задумчивым, одухотворённым образом природы. В том же 1897 году Сомов приступил к одной из самых известных своих работ в карьере «Дама в Голубом». В тот период художник остро ощущал проблему медленного раскрытия своего таланта, что и выражал в письме своим близким.
В 1898 работы Сомова привёз в Россию Сергей Дягилев, который занимался организацией художественных выставок, и представил их публике. В Париже Константин Андреевич начал сотрудничество с журналом «Мир Искусства». Продолжил он его и по возращении в Россию. Для журнала он создавал полноценные иллюстрации. На выставках «Мира Искусства» представлялись его работы: портреты Елизаветы Мартыновой и Анны Остроумовой-Лебедевой, сцена «Вечер». В то же время работы художника участвовали во множестве заграничных выставок, печатались в известном немецком журнале «Югенда».
В 1904 году «Мир Искусства» был закрыт. В это время Сомов работал над серией благотворительных открыток, а во второй половине 1900-ых создал знаменитые графические портреты Александра Блока, Михаила Кузмина и Евгения Лансере. Портреты эти вызвали неоднозначные реакции в связи с манерой исполнения – современники отмечали, что лица на портретах выглядят мертвенными и застылыми. В этот же период Константин Андреевич сотрудничает с Императорским фарфоровым заводом. Его произведениями стали три статуэтки – «Дама с Маской», «Влюблённые» и «На Камне». Некоторые из них были раскрашены художником вручную. Статуэтки стали популярными и участвовали в международных выставках. Сомов и сам был не чужд фарфору: хорошо разбирался, коллекционировал, посещал аукционы. В 1913 он выпустил каталог своей коллекции фарфора, состоящей из 65 наименований.
Художник часто присутствовал в литературном центре столицы под названием «Башня», что привнесло в его творчество символизма и знаковых персонажей – Арлекина и Коломбину. Картины с этими героями передавали лживость окружающего мира, его стереотипность. С 1910-ых годов Сомов активно пишет портреты дам. На каждом из них тщательно проработаны ткани и детали заднего фона. Тогда же его работы приобретает московская Третьяковская Галерея и Русский Музей в Санкт-Петербурге, а в 1914 художник получает статус академика. Много работает Сомов и как иллюстратор. Именно он впервые открыл в России ранее табуированный жанр ню. Особенно известны его иллюстрации к сборнику классических эротических рассказов «Книга Маркизы» от Франца фон Блея.
В 1923 году как уполномоченный «Русской Выставки» Константин Андреевич выехал в Соединённые Штаты Америки. В тот же период он написал знаменитый портрет Сергея Рахманинова, который отличается большой жизненностью. Из США Сомов перебрался во Францию, где и жил до конца жизни. В то время, продолжая совершенствоваться в портретах, он много упражнялся, рисуя даже случайных знакомых. В 1920-ые европейская публика по-прежнему интересовалась его работами. В тот период творчество художника стало более демократичным, вместо дам на картинах появились крестьянки и современные девушки. Неоднократно Сомов рисовал и автопортреты. Скончался художник 6 мая 1939 года в возрасте 69 полных лет, он был похоронен в Париже.
1 картина. «Дама в Голубом»
- Дата создания: 1897-1900 годы
- Размеры: 103 х 103 сантиметра
- Место нахождения: Государственная Третьяковская Галерея (Москва, Россия)
«Дама в Голубом» – это портрет, на котором изображена художница Елизавета Мартынова – близкая подруга автора и его соученица по Академии Художеств. Перед нами старинный стилизованный парк и одетая в роскошное платье XVIII столетия женщина со своим сложным душевными миром.
Созданный художником ретроспективный портрет – явление в русском искусстве новое. Соединённые в картине детали «галантного века» и утончённый облик тоскующей дамы Серебряного века в итоге передают дух сложной и противоречивой эпохи. Композиция строится на сопоставлении планов и их колористическом решении. Стройная женская фигура идеально вписана в квадратный формат холста, что придаёт портрету известную репрезентативность. Переливы глубокого синего цвета одеяния героини оттеняют прозрачность голубоватых теней тонко написанного лица, открытых хрупких плеч, подчёркивают выразительность жеста прекрасных рук. Вся пластика модели напоминает о великих мастерах прошлых эпох.
Старинный парк с водоёмом и музицирующей вдали парой явственно контрастирует с настроением портретируемой. Это скорее парк-воспоминание, в котором время приглушило все краски, и листья куста, являющегося задним фоном для фигуры в синем – странного «неживого» цвета (такой бывает листва на старых выцветших гобеленах). Связующим звеном между прошлым и настоящим здесь оказывается мужская фигура, в облике которой угадывается автор картины. В творчестве Сомова портрет Мартыновой занимает особое место: никогда уже больше он не создаст ничего равноценного «Даме в Голубом» по возвышенности, поэтичности и чистоте образа, по силе выразительности и достигнутому некому «абсолюту» художественного воплощения.
2 картина. «Зима. Каток»
- Дата создания: 1915 год
- Размеры: 49 х 58 сантиметров
- Место нахождения: Государственный Русский Музей в Михайловском Дворце (Санкт-Петербург, Россия)
Константин Сомов – один из мастеров художественного объединения «Мир Искусства». В направление «ретроспективных мечтателей», как называли «мирискусников», он внёс особый оттенок болезненной остроты и иронии, возникающих от невозможности вернуть былое. Картина «Зима. Каток» стала воплощением представлений художника о «галантном веке». Творец изобразил людей как кукол-марионеток, тем самым обнажая суть минувшей эпохи – любовь к играм, отсутствие естественности, а порой и подлинной жизни.
Восприятие окружающего мира как своего рода бутафории и отождествление человечества с разрисованным картоном вместо настоящих людей отражают кризисное мироощущение, такое характерное для художников рубежа XIX-XX веков. Зимний вечер с синими тенями на снегу, быстро бегущие золотисто-розовые облака, прозрачная гладь льда – всё это рождает ощущение обаятельной сказки. Но, несмотря на бытовой, весёлый сюжет катания на коньках – весьма распространённой забавы XVIII столетия – сия небольшая ретроспективная сценка проникнута грустным настроением.
3 картина. «Радуга»
- Дата создания: 1897 год
- Размеры: 24 х 27 сантиметров
- Место нахождения: частная коллекция
Картина «Радуга» была написана Константином Сомовым в 1897 году. На ней изображены две девушки, ребёнок и собака, спрятавшиеся под кроной деревьев. Вероятно, на прогулке их застал дождь, от которого они и поспешили укрыться. Но теперь выглянуло солнце, на небе появилась радуга.
Одна из дам одета в бело-голубое платье, сверху на ней тёмная накидка. Голову украшает яркая красная шляпка. Она обернулась разглядеть радугу, будто не веря, что дождь уже закончился. Вся её фигура чуть наклонена от радуги, а рука поднята навстречу ей. Рядом с дамой сидит рыжий пёс, поспешивший вместе с людьми спрятаться от непогоды. Он наблюдает за чем-то вдали, радуга его совершенно не интересует. Вторая дама также неверяще подняла голову, разглядывая радугу. Она держит руками юбку, из-под которой виден кринолин. Вероятно, ей потребовалось быстро убегать от дождя до ближайшего безопасного места, а солнце и радуга, резко появившиеся на небе, стали настоящим чудом.
Рядом с женщиной стоит ребёнок в светлой шляпе. Взгляд его направлен на зрителей сцены, радуга ребёнку не интересна. Луг и лес на заднем фоне творения уже освещаются солнцем, хотя на переднем плане картины на траве ещё сохраняется тень. Выразительно передан художником цвет пасмурного неба и клубящиеся тучи. Розовый и красный цвет зонтиков женщин, а также оранжевый и голубой цвета платьев сочетаются с оттенками радуги. Всё окружение гуляющих в виде ажурных изгибов деревьев сочетается с плавными складками их нарядов.
Картина была написана художником под влиянием европейского художественного искусства и стала одной из работ Сомова как представителя русского модерна и символизма. Мастер написал «Радугу» во время пребывания в Париже. Там же он посещал местные галереи, где по-разному отзывался о выставленных картинах. Например, Сомову понравились работы Поля Гогена, но отрицательные отзывы были записаны об Анри Матиссе и Винсенте ван Гоге.
4 картина. «Арлекин и Дама»
- Дата создания: 1921 год
- Размеры: 48 х 38 сантиметров
- Место нахождения: Государственный Русский Музей в Михайловском Дворце (Санкт-Петербург, Россия)
Картина Сомова под названием «Арлекин и Дама» была написана им в 1921 году. Сцены из прошлых веков с присущими им нарядами и танцами постоянно присутствуют в творчестве художника.
Центральные фигуры картины – дама и кавалер в маскарадных костюмах. Они застыли в неестественной, но очень игривой позе. Арлекин снял маску и наклонился головой к даме, будто рассказывая ей что-то забавное и понятное только им двоим. Верхняя часть туловища Арлекина повёрнута к спутнице, а нижняя, противореча ей, смотрит вперёд, будто Арлекин только обернулся на проходящую мимо даму и сразу был поглощён увиденным настолько, что даже снял маску, взяв руку девушки. На лице дамы играет лёгкая, немного хитрая улыбка. Она с интересом вслушивается в речи кавалера. В одной руке её веер, другая же расслаблено лежит на пышных юбках.
Вспышки фейерверка, расцветающего над праздником, вместе с последними лучами уходящего солнца освещают сцену. Сзади видно кружащихся в танце людей. Краски картины то яркие, благодаря использованному сочетанию гуаши и акварели, то лёгкие, будто бы прозрачные. Во всей сцене видна театральность, будто всё действие и есть театральное представление – поза пары манерна, над ними, словно занавес на сцене, нависает арка, обвитая зеленью, в проёме видна застывшая статуя.
Картина исполнена тонкими, небольшими движениями кисти по подобию европейских акварелистов или русских художников первой трети XIX столетия. Поэт-символист Михаил Кузьмин говорил о картинах Сомова, как об ужасном зеркале, поднесённом к смеющемуся празднику. Константин Сомов написал три картины с Арлекином и дамой в разные годы своей жизни. Однако только на этой в персонажах, действительно, видна некая маскарадность, а лицо дамы закрыто.
5 картина. «Язычок Коломбины»
- Дата создания: 1915 год
- Размеры: 29 х 22 сантиметра
- Место нахождения: Государственный Русский Музей в Михайловском Дворце (Санкт-Петербург, Россия)
На картине «Язычок Коломбины» девушка в маске весьма легкомысленна. Это показано в её лёгком взгляде, аккуратной полуулыбке и кокетливом наклоне головы. Одна рука Коломбины игриво приподнята, пока вторая аккуратно придерживает чёрную накидку. Она будто остановлена прямо посреди танца.
Совсем другое настроение у фигур на фоне. Из-за юбки девушки будто подсматривает молодой человек – на картине показана только часть его головы и ладонь. С другой стороны от героини изображён вечно страдающий Пьеро. Освещают всю сцену яркие вспышки фейерверков, поддерживая настроение праздника Коломбины. Добавляют света разноцветные фонарики на деревьях. Цветовая гамма картины яркая, выразительная. Особенно выделяется наряд Коломбины. Его от событий, происходящих на фоне, отделяет чёрная накидка, что служит своеобразной границей между двумя мирами. Геометрический узор платья разительно контрастирует с окружающим пространством, где преимущественно царят синий и зелёный цвета. Это привлекает к девушке дополнительное внимание, неизменно притягивая взгляд зрителя именно к ней.
В 1910-ых годах художника особо привлекала тема театральности, маскарада и праздника. Работы тех лет объединяет собой участие в них традиционных персонажей итальянских комедий, своеобразная кулисная композиция и обманчивость веселья изображённой ситуации. Сомов рисовал эскиз наряда Коломбины для Анны Павловой в балете «Арлекинада» 1909 года. Однако платье на полотне гораздо длиннее (оно полностью закрывает ноги) и предусматривает накидку, что добавляет героине благородства.
6 картина. «Купальщицы»
- Дата создания: 1899 год
- Размеры: 75,2 х 105,2 сантиметров
- Место нахождения: Государственная Третьяковская Галерея (Москва, Россия)
При посещении Парижа в 1897 году Сомов познакомился с европейским художественным искусством. Он посещал Академию Коларосси, где работал с обнажённой натурой. Знакомство с творчеством Пьера Боннара, Эдуара Вюйара и Мориса Дени позволило ему увидеть в окружающем мире множество символов. Вернувшись в 1899 в Россию, художник написал «Купальщиц», мотив которых тщательно продумал ещё в Париже.
На картине изображена природа. Именно она занимает большую часть полотна: раскидистые деревья создают на яркой зелёной траве тени, между ними проложена тропинка к воде, и всё это освещает яркое летнее солнце. Лишь в нижней части картины изображена река и купальщицы. Девушек трое и с ними ребёнок. Они нашли прохладное место под сенью дерева. В воде только одна – она раздета, руки вытянуты вперёд, будто только собирается окунуться. Ребёнок подошёл к воде, и тянется руками вниз, всем корпусом наклонившись вперёд. На его голове шляпа с полями и во всей фигуре видно стремление тоже скорее окунуться в прохладу реки.
Вторая девушка уже искупалась и сидит на разложенной на траве ткани. Она раздета, расслаблена и смотрит в небо. Рядом с ней стоит третья девушка: она одета, её голову украшает шляпка. Под ногами дамы лежит ещё одна ткань, вполне вероятно, приготовленная для отдыха купальщицы, что сейчас в воде. Затемнённая верхняя и правая сторона картины оставляет пространство в центре будто пустым, самым тёмным, а потому левая сторона полотна на контрасте смотрится ещё более светлой и солнечной. Сама композиция картины необычна: зритель будто пролетает над купальщицами, лишь краем обзора улавливая их. Центральными элементами остаются природа и буйство зелени вокруг девушек.
7 картина. «Синяя Птица»
- Дата создания: 1918 год
- Размеры: 25 х 23 сантиметра
- Место нахождения: частная коллекция
В картине «Синяя Птица» можно найти параллели со знаменитым полотном Сомова «Дама в Голубом», где изображена Елизавета Мартынова. Девушка была смертельно больна, именно потому взгляд её полон печали и боли, а под глазами тени. Объединяет картины синий цвет с его оттенками. Как правило, он обозначает небо, потусторонний мир, недостижимое и несбыточное. Картина «Синяя Птица» была написана уже после смерти Мартыновой.
В самом центре полотна представлена девушка в синем платье, летящая над землёй. Руки её раскинуты, широкие рукава ещё не опали, будто она только что взмахнула руками и взлетела. Тело девушки белое, детали едва прорисованы. Отличается в части деталей лицо героини. Оно холодное, её взгляд под чёрными дугами бровей одновременно и мечтательный, но будто пустой, в нём не заметны яркие эмоции, он «невидящий», почти равнодушный. Губы девушки затронула лёгкая полуулыбка, но она не добавляет живости.
Художник много внимания уделил платью главной героини: складки ткани прорисованы широкими мазками, от чего похожи на плавные волны, на талии детализированы ленты, на груди ткань вот-вот может распахнуться, и удерживается лишь приподнятым поясом. Голову девушки украшает широкая лента, которая также развевается ветром, создавая дополнительный контрастный фон для её лица. Внизу, под ногами «птицы», изображена земля. Большая её часть показана лишь очертаниями – деревья, луга. Потому особенно ярко выделяется стрелец, целящийся в птицу. Он дополнительно обособлен художником светлым пятном, будто сзади него горит костёр. Эта часть – самая яркая на картине. Стрелец твёрдо стоит на ногах, его поза выверена, что говорит о решительном намерении попасть в цель. Голову мужчины украшает необычная шляпа с пером.
8 картина. «Радуга»
- Дата создания: 1927 год
- Размеры: 60,3 х 73,7 сантиметра
- Место нахождения: частная коллекция
Сомов не раз использовал мотив радуги в своих картинах, хотя она и считается одним из самых сложных явлений природы для изображения на холсте. В каждой работе самый яркий оттенок из семи цветов радуги соответствует преобладающему цвету того или иного элемента одежды изображённых на картине действующих лиц.
Большую часть полотна занимает природа. На переднем плане творения перед нами предстаёт берёза с одним отрубленным стволом, чуть дальше изображена полоса смешанного леса, а на заднем фоне, лишь очертаниями, показана ещё одна лесная полоса. По первому впечатлению берёза одинока, но при рассмотрении отброшенных теней можно понять, что художник предлагает зрителю наблюдать действие из такой же полосы леса.
Большое место на полотне занимает небо – почти всё оно покрыто облаками. Их цвет и даёт понять, что дождь закончился совсем недавно. Между облаками прячется радуга – она неполная, видно меньше четверти. Однако внимательного зрителя ждёт сюрприз – между ветвями берёзы художник спрятал ещё одну маленькую радугу.
Двух женщин с ребёнком дождик застал на прогулке, и они поспешили укрыться под берёзами. Одна из них в розовом платье с бирюзовым зонтом, голова её повёрнута к собеседнице, будто они ведут беседу о чём-то. Компаньонка дамы одета проще, на голове её желтый платок. За руку женщина ведёт ребёнка в яркой красной одежде. Оттенок зонтика, выбранный художником, гармонично пересекается с цветами леса, а наряды дам прекрасно гармонируют с цветами неба и радуги.
Картина входит в двадцатку самых дорогих картин кисти русских художников. В 2007 году она была продана за 3 300 000 фунтов стерлингов, с 5,5-кратным превышением верхней предполагаемой экспертами цены. У Сомова есть две картины с названием «Радуга» и на обеих присутствует изображение двух дам с ребёнком, одетых по моде XVIII или XIX столетия.
9 картина. «Портрет Сергея Васильевича Рахманинова»
- Дата создания: 1925 год
- Размеры: 63 х 51 сантиметр
- Место нахождения: Государственный Русский Музей в Михайловском Дворце (Санкт-Петербург, Россия)
Портрет композитора Сергея Рахманинова был написан Константином Сомовым в 1925 году по заказу фирмы «Стейнвей» для зала «Карнеги-Холл» в Нью-Йорке. Портрет планировалось использовать для оформления пластинок и афиш. В 1923 Сомов вместе с другими художниками отправился в США на выставку русского искусства. На родину Константин Андреевич больше не вернулся. За границей он и познакомился с семьёй Рахманинова. Вначале Сомов написал портрет дочери композитора – Татьяны. Затем художник отправился в Париж, где продолжил знакомство с Рахманиновыми и написал портрет самого композитора на даче в Корбевиле.
На полотне Рахманинов сидит на фоне плотной раскидистой зелени. Это связано с договорённостью между художником и композитором о лейтмотиве произведения – весне. Сквозь ветви деревьев пробиваются солнечные лучи, отбрасывающие тени на смуглое лицо композитора с лёгким средиземноморским загаром. Рахманинов изображён глубоко задумавшимся. Портрет передаёт нам сосредоточенность и внутреннее напряжение – это выражается в глубоком взгляде и крепко сжатых пальцах ладони. Один его глаз чуть больше второго, что связано с болями неврологического характера, которые внимательный художник просто не смог обойти стороной. Все цвета картины объединены общей тональностью – преимущественно это оттенки коричневого.
Картина была написана в необычной для Сомова широкой и свободной манере. Художник был недоволен портретом, говоря, что Рахманинов получился «грустным демоном», но семье композитора портрет понравился. В заметке дневника от 25 августа 1925 года Сомов написал:
«Портрет вышел идиотичным и только непонимание живописи и отсутствие живописного вкуса у Сергея Васильевича может меня спасти».
При этом важно отметить, что художник всегда очень требовательно относился к своим работам.
10 картина. «Две Дамы в Парке»
- Дата создания: 1919 год
- Размеры: 58,2 х 71,5 сантиметр
- Место нахождения: Нижегородский Государственный Художественный Музей (Нижний Новгород, Россия)
На этой конкретной картине изображены современницы художника, одетые и с причёсками по моде прошлых веков. Дамы расположились в тенистом месте парка на ярком цветастом одеяле. На лицах их в сей солнечный день блуждает скука.
Одна из дам сидит, в её руке маленькая красная книжка, которая является самым ярким пятном картины. Цвет книжки сообщает о её содержании – любовный роман или сборник стихов. Вторая рука расслабленно возложена на юбки, на ней выделяется объёмное кольцо. Взгляд героини из полуприкрытых век направлен вдаль – его будто вот-вот можно поймать зрителю сцены, но он ускользает. У ног дамы небрежно лежит шляпка. Цвет платья женщины как ярко выделяется на зелёных и коричневых цветах фона, так и отлично контрастирует с жёлто-зелёным платьем лежащей рядом девушки.
Вторая дама лежит. Одна её рука задумчиво подпирает щёку. Героиня, почти рассеянно, наблюдает за чем-то, происходящим неподалёку. Одну из её рук украшают браслеты, а на шее бусы в тон. На заднем плане картины расположена усадьба. От дам, находящихся на переднем плане, её отделяет яркая линия тропинки. Окружают крупный дом деревья. Вид на него отчасти закрывает статуя на высоком постаменте, но можно разглядеть сад с множеством цветов. Ярко контрастирует с зелёной нижней половиной картины изображение неба. Оно светло-синее с лёгкими перистыми облаками.
Картина написана в тяжёлое для Константина Сомова время, в ту пору он испытывал как материальные трудности, так и творческий кризис. После революции заказов было всё меньше, а картины всё чаще покупали за бесценок банально для дальнейшей спекуляции.
11 картина. «Влюблённые»
- Дата создания: 1920 год
- Размеры: 26,5 х 37 сантиметров
- Место нахождения: Саратовский Художественный Музей имени Александра Николаевича Радищева (Саратов, Россия)
Картина «Влюблённые» была написана Сомовым в 1920 году. Интересно то, что у этой работы есть «тёзки», написанные тем же автором, но в более раннее время. Константин Андреевич был известен тем, что любил экспериментировать и смешивать стили создания картин. Неудивительно, что данный портрет был написан с помощью живописной и графической техник. Картина относится к позднему периоду творчества художника. Это легко заметить даже без знания года создания работы, ведь здесь сильно выражено преобладание рассудка над чувствами, которое автор приобрёл уже в зрелом возрасте.
Справа на переднем плане картины находятся влюблённые, которые и дали название портрету. Мужчина в чёрном фраке и светло-коричневых штанах сидит на пне, держа на своих коленях свою любимую женщину и целуя её в левую щёчку. Дама рядом с мужчиной одета в коричневое платье. Кажется, что женщина совсем ослабела: она еле держится даже в объятьях любимого. Наверное, пара решила отдохнуть после долгого и тяжёлого пути. Это подтверждает и лежащая рядом с пнём тёмно-зелёная фуражка с чёрным козырьком, принадлежащая мужчине.
На заднем плане творения можно разглядеть светло-серую полоску. Скорее всего, это та самая дорога, по которой главные герои куда-то направлялись. Судя по тому, какую палитру цветов художник выбрал для написания работы, можно предположить, что это река, которая отражает цвет мрачного неба, покрытого тёмными тучами. Влюблённых окружает лес. Перед ними находятся низкорослые ёлочки, а над ними нависают берёзки, которые стремятся приютить уставших путников и защитить их от возможной грозы. Печальный лес, состоящий из кустарников и полуголых деревьев, наблюдает за этим романтическим зрелищем.
12 картина. «Портрет Натальи Францевны Обер»
- Дата создания: 1896 год
- Размеры: 105,2 х 69 сантиметров
- Место нахождения: Государственная Третьяковская Галерея (Москва, Россия)
Сомов написал портрет жены скульптора-анималиста – Артемия Обера – Натальи Францевны (урождённой Вебер) в Мартышкине под Санкт-Петербургом. Там летом 1896 года художник снимал дачу вместе с супругами Оберами и Александром Бенуа. Последний в книге воспоминаний рассказывал о создании произведения так:
«Всё началось с того, что я предложил написать Наталию Францевну в этом утреннем самом простеньком одеянии, светло-розово-сиреневый цвет которого, сам по себе довольно обыденный, прелестно вязался с окружающей зеленью берёзок. Сначала она должна была позировать стоя, и мы оба собирались её писать таким образом, но у меня опять-таки дальше акварельного наброска не пошло, тогда как Костя увлёкся красочной задачей, „завладел“ своей моделью и, затеяв серьёзную картину, предпочёл её усадить. Сеансов было не больше восьми, и хорошо, что не больше. Именно благодаря краткому сроку, Сомов свою картину не замучил, и вышла она у него необычайно свежей и „непосредственной“».
В тот же дачный сезон Сомов выполнил несколько портретов-набросков Обер, изобразив её одну на акварели, с матерью, с мужем и карандашном рисунке.
Живописный портрет Обер выделяется на фоне других произведений художника того же жанра. В нём соединились, с одной стороны, традиции русского реалистического портрета, воспринятые мастером от его учителя Ильи Репина, а с другой – тенденции импрессионизма и черты, присущие манере шведского живописца Андерса Цорна. Так, лицо женщины тщательно проработано и будто вылеплено (что будет типично для более поздних портретов творца), а платье и пейзажный фон написаны с использованием приёмов пленэрного освещения, длинными широкими мазками. Выражение лица и поза выдают сосредоточенность модели на важной «миссии» позирования художнику. Фигура женщины будто наложена на задний фон, декоративным акцентом в котором выступают разноцветные пятна развешенного белья за головой Обер.
Позже художник откажется от подобных натурных портретов в пользу светских репрезентаций с тщательно выверенными композициями, продуманными деталями интерьера и костюма. А этот портрет до поступления в Третьяковскую Галерею часто экспонировался на крупных российских и международных выставках, в том числе и на первой выставке Союза Русских Художников в 1903-1904 годах.