«Очарованье красоты
В тебе не страшно нам:
Не будишь нас, как солнце, ты
К мятежным суетам;
От дольней жизни, как луна,
Манишь за край земной,
И при тебе душа полна
Священной тишиной»
Евгений Баратынский (1824)
Выставка «Очарование красоты. Из истории ювелирных украшений в России» — это первый масштабный показ части обширной коллекции ювелирных украшений из собрания Особой кладовой Государственного исторического музея. Изделия этой коллекции не только демонстрируют разнообразие художественных форм и композиционных построений, оригинальность приемов исполнения и стилей работы русских и иностранных мастеров, но и открывают страницу истории бытования украшений в России в эпоху второй половины XVII — начала ХХ века. Что же можно увидеть на выставке?
Рассмотрим несколько тематических разделов.
Пшеничный колосок
Тема пшеничного колоска в русском ювелирном искусстве имела символическое толкование, созвучное с представлениями Нового времени о процветании и красоте Земли. Художественная привлекательность этой темы была стилистически связана с образом одной из главных древнеримских богинь Цереры, знаменующей благополучие людей через плодородие земли и культуру земледелия. Обращение ювелиров к неотъемлемому атрибуту богини — пшеничному колосу — превратило его в один из знаковых художественных мотивов драгоценных украшений в 1780–1830-х гг.
История «драгоценных колосьев» в России начинается с ассортимента бриллиантовых драгоценностей при императорском дворе в последней четверти XVIII века. По заказам императрицы Екатерины II и во время следующих правлений ювелирные украшения в форме колоска или с колоском в композиции выполнялись придворными ювелирами из золота и серебра с бриллиантами. И если в конце XVIII века «драгоценный колосок» использовался только в качестве броши-колоска или как элемент живописных драгоценных брошей-букетов, то следующим его назначением стали головные украшения: тиары и диадемы в начале XIX века и булавки для причесок в первой четверти XIX века.
Постепенно мотив пшеничного колоса вошел в декоративную структуру «русского стиля», усилив национальный колорит произведений ювелирного искусства второй половины XIX века. Яркий пример художественной интерпретации образа спелого пшеничного колоса — серебряная ваза, созданная мастерами фирмы «Никольс и Плинке».
«Никольс и Плинке», или «Английский магазин» («MAGAZIN ANGLAIS»), — одна из самых известных петербургских фирм. Владельцы фирмы Виллиам Плинке и Константин Никольс — английского происхождения. В 1804 году приняли присягу на подданство Российской Империи, с 1808 года были записаны в купцы 1-й гильдии, с 1844 года стали потомственными почетными гражданами. В. Плинке в 1815 году открыл мастерскую, с которой сотрудничали серебряных и золотых дел мастера К. И. Тегельстен, А. Тобинков, А. Лонг, С. Арнд, Г. А. Бернстрем и другие. Фирма получала наиболее крупную долю заказов Императорского Двора, стала одним из основных поставщиков художественного серебра, приобретаемого через Придворную контору.
Микромозаика
Мозаичные изображения итальянских мастеров приобрели известность благодаря популярным «большим путешествиям» в Европе в XVIII–XIX вв. В программе поездок, которые предпринимались с воспитательной и образовательной целями, были обязательные для посещения исторические культурные центры и живописные места. И главный маршрут европейского тура пролегал через Италию, запоминавшуюся своими древнеримскими руинами, шедеврами скульптуры и архитектуры эпох Средневековья, Возрождения и Барокко.
В ответ на это модное увлечение эпохи художники-мозаичисты создавали плакетки с мозаичными изображениями известных достопримечательностей в качестве сувенирной продукции. Как воспоминание о путешествии изобразительный ряд микромозаик в основном состоял из руин Колизея — выдающегося памятника древнеримской архитектуры, древних оборонительных башен, собора святого Петра — знаменитого творения итальянских мастеров эпохи Барокко. В соответствии с личным вкусом миниатюрные вставки с этими изображениями ювелиры инкрустировали в кольца, броши, брелки, гребни.
Ювелирная микромозаика в исполнении итальянских мастеров обращалась и к другим сюжетам — например, вместе с развитием естественнонаучных знаний появилась мода на изображения разнообразных птиц, которые «поселились» на гребнях для волос, серьгах, подвесках. А в ответ на увлечение Древним Египтом, рождение которого связано с египетским походом Наполеона в 1798 году и созданием науки египтологии в 1822 году, вошли в моду микромозаики с изображениями египетских древностей.
Камеи
В переводах с французского и греческого языков камея — это «драгоценность». С древности к камеям относились как к предметам роскоши, назначение которых — пробуждать чувство эстетического наслаждения и красоты.
Камеи — это классика ювелирного искусства, очарованного античностью. В истории культуры камея считается символом изысканной красоты, объединившей в миниатюрном резном изображении природную живописность камня и искусную работу мастера. Особенного интереса резчиков и ценителей камей заслуживали портреты близких людей и исторических личностей, сюжеты античного мира и мифологические персонажи. С античной древности искусно вырезанные камеи вставлялись в диадемы, кольца, браслеты, ожерелья, медальоны. Ими декорировали дорогую утварь и изделия личного обихода, предметы культа и мебель.
В XVIII — XIX вв. особенную популярность получила мода на «камейные коллекции». В России изделия с камеями вошли в моду во второй половине XVIII века и сохраняли свою популярность на протяжении XIX века.
В основном благодаря итальянским наставникам русские мастера быстро осваивали технику «камейной» резьбы. Развитию ее способствовала и организация медальерного класса в Академии художеств в 1800 году. В связи с открытием отечественных месторождений «узорчатых каменьев» в предгорьях Урала и поставкой самоцветов в Петербург также улучшались условия работы как столичных резчиков, так и уральских умельцев художественной каменной резьбы.