Если будете в Габрово - провинциальном болгарском городе, обязательно зайдите сюда - это приятное, светлое место, вы наверняка найдете что-нибудь интересное для себя.
Галерея носит имя Христо Цакова.
Христо Цокев (1847–1883) — болгарский художник, один из первых академически образованных живописцев в Болгарии периода Възраждане (Национального возрождения).
Он родился в Габрово и рано проявил интерес к искусству. Благодаря поддержке местных меценатов Цокев получил образование в Московской художественной академии, где изучал академическую живопись и иконопись. После возвращения в Болгарию стал одним из первых профессиональных художников, работающих как в светских жанрах, так и в религиозных.
Главные направления его творчества:
- иконы и церковная живопись (расписывал церкви в Габрово и окрестностях);
- портреты, выполненные в академической манере;
- бытовые сцены и жанровые композиции.
Цокев считается художником, который связал болгарские художественные традиции с европейским академическим стилем. Несмотря на раннюю смерть, он оставил заметный след в развитии болгарской живописи конца XIX века.
В музее выставлены две его знаковые работы:
Картина называется Портрет девочки.
Портрет написан в академической манере второй половины XIX века, но девочка выглядит очень странно. Не знаю, была ли она такой на самом деле, но художник сделал её лицо плоским, как будто изображение на глобусе растянули на карту.
Девочки серьёзна и неподвижна, как будто она позирует для важного семейного портрета.
У девочки маленькие, близкопосаженные глаза, особенно это заметно на её пухленьком детском личике.
Однако она одета, как взрослая, Причесана, как взрослая, и на ней множество украшений - серьги в ушах, кольца на пальцах и довольно большой, возможно, золотой крестик на шее. Украшения говорят о высоком статусе семьи и о том, что портрет был заказан как память.
Перед девочкой на столе лежит лист бумаги, чернильница и перо в её руке, будто она только что писала или собиралась начать. Этот мотив часто использовали художники эпохи болгарского Возрождения и XIX века — он символизирует воспитание, образование, стремление к знаниям.
Фон — нейтральный, гладкий, почти лишённый деталей, что типично для работ Цокева и позволяет сосредоточиться на модели. Лишь позолоченные элементы стула слегка оживляют композицию.
Картина сочетает черты:
- академической живописи, которым Христо Цокев обучался в Москве;
- болгарского портретного искусства Возрождения, где важна символика и социальный статус;
- внимательность к деталям одежды и аксессуаров — типичную для мастеров середины XIX века.
Следующая картина: Портрет Петко Манафова
На портрете изображён пожилой болгарский мужчина в традиционной одежде эпохи Възраждане. Его лицо — суровое, прямолинейное, с густыми белыми усами и напряжённым взглядом, который устремлён прямо на зрителя.
Он одет в тёплый тёмный гяггин (длинный верхний кафтан), под которым видно жилет с характерным восточно-балканским орнаментом. На голове — феска из плотной ткани, типичный мужской головной убор болгар XIX века.
Цокев тщательно подчёркивает выразительную фактуру лица, плавный блеск ткани одежды.
Фон нейтрален, почти монохромен — художник полностью концентрирует внимание на характере модели. Портрет передаёт твёрдость, достоинство и внутреннюю силу болгарского человека той эпохи.
В галерее эти работы находятся в зале художников -ураженцев Габрово разных времен:
Гатьо Миневски (1860-1887) «Нашето семейство» (Наше семейство)
На полотне Гатьо Миневски изображает болгарскую семью конца XIX века в замкнутом, тёмном интерьере. В центре композиции — молодая женщина в тёмном платье и красной шали, её поза задумчива, почти печальна: она сидит, опершись головой на руку. Справа — пожилая женщина с усталым взглядом и девочка, прижавшаяся к ней. В глубине комнаты видны остальные члены семьи — фигуры расплывчаты, но угадываются мужчины и дети, стоящие в дверном проходе.
Несмотря на бытовой сюжет, картина наполнена скрытой драмой: художник показывает бедность, тяжёлую жизнь, эмоциональную отстранённость людей, живущих под одной крышей. Мягкий свет выделяет лица, подчёркивая человеческую усталость и внутреннюю тишину сцены.
Борис Попов (1909–1988) Стара къща от Габрово
( Старый дом из Габрово)
На акварели Бориса Попова изображён старый габровский дом — характерное горное жилище с широкими стрехами, деревянными балками и неравномерной кладкой стен. Мягкие водянистые тона передают атмосферу тихой улочки: светлые пятна солнца ложатся на камни, а дальний фон растворяется в туманной дымке. Дом выглядит немного покосившимся, но живым — как носитель памяти о старом Габрово, его ремесленниках и уютных кварталах.
Это спокойный, почти ностальгический взгляд на исчезающую архитектуру города.
Драган Немцов (1935–2023) „Ботаническа градина“ («Ботанический сад»)
Картина Драгана Немцова «Ботанический сад» — это взрыв цвета и ритма, в котором природа превращается в живую декоративную фантазию. На первом плане работают три фигуры — женщины, занятые садовыми трудами. Их силуэты упрощены и окрашены в холодные синие тона, что создаёт контраст с ярким, почти солнечным окружением.
Фон — это буйство желтых, зелёных и оранжевых пятен, напоминающее одновременно сад и узор из народных орнаментов. Крупные листья, цветы и стебли словно колышутся, создавая ощущение движения и тепла. Фигуры людей растворяются в этой пышной растительности, становясь её частью.
Вся композиция построена на ритмичных повторениях форм и чистых, звучных цветах, что делает картину почти музыкальной. Это жизнерадостная, оптимистичная работа, прославляющая труд, природу и гармонию человека с землёй.
Иван Захариев (1897–1971)
„Глава на старец“ / «Голова старика»
Перед вами — проникновенный портрет, в котором художнику удалось уловить не просто черты лица, но саму суть долгой и нелёгкой жизни. Лицо старика вырастает из плотной, сероватой дымки фона, будто бы проступает из памяти. Мягкий, тёмный колорит создаёт ощущение тишины и сосредоточенности.
Главное в этом портрете — глаза: усталые, глубоко посаженные, но всё ещё живые, внимательные. Они смотрят внутрь себя, а не на зрителя — словно человек погружён в мысли или воспоминания. Длинная седая борода выполнена свободными мазками, контрастируя с аккуратно прописанными чертами лица.
Тип лица, одежда и серьёзная, почти иконописная неподвижность фигуры напоминают о сельских старейшинах конца XIX – начала XX века — людях, воплощающих народную мудрость и достоинство.
Картина создаёт ощущение уважительного, человеческого взгляда на старость — без украшательства, но с глубокой теплотой и пониманием.
Дора Бонева (1936–2021) Западен парк(Западный парк)
Перед нами крупное, эмоционально сдержанное полотно, в центре которого стоит девочка, видимая со спины. Она упирается руками в металлические перила балкона и смотрит на город — на суровые серые здания, на пустые улицы, на геометрическую, почти безжизненную архитектуру. Её ярко-красная одежда резко выделяется на фоне холодного, блеклого городского пейзажа — словно маленькое пламя, потерянное среди бетона.
Толстый, пастозный мазок создаёт ощущение шероховатой, настоящей, не приукрашенной реальности. Картина передаёт очень узнаваемое чувство — детское желание увидеть мир, который пока ещё кажется большим и чужим. Небольшой горшок с растением внизу слева усиливает контраст между жизнью и городским каменным пространством.
Это тихая, но сильная работа о взрослении, одиночестве и о том, как ребёнок впервые ощущает масштаб мира за пределами дома.
Емануил Попгенчев (1942-2010) Тореадор
Картина «Тореадор» — это не буквальная сцена корриды, а её эмоционально-символическая интерпретация, пропущенная через призму характерного для Попгенчева кубистического и экспрессионистского языка.
Перед зрителем — не реалистический тореадор, а мифологизированный герой, собранный из ломаных геометрических плоскостей. Его лицо — маска из треугольников, линий и будто пришитых фрагментов — отражает дух борьбы, внутреннее напряжение и готовность к смертельной схватке. Он держит символический рог быка — знак силы и арены.
Рядом с ним — образ быка, но также переработанный до символа и тотема. Голова животного словно вырезана из мраморных пластин, глаз — огромный, тревожный. Силуэт быка распадается на цветные призмы и снова соединяется, создавая ощущение движения, рывка, удара.
Жёлто-красная палитра внизу — это метафорическая арена, земля, напитанная страстью, кровью и жаром. Геометрические фрагменты вокруг напоминают раскалывающиеся щиты или трескающиеся декорации — мир корриды здесь выглядит опасным, хрупким и драматичным.
Попгенчев превращает корридную сцену в философскую притчу о человеке и силе, о древнем ритуале противостояния. «Тореадор» — это конфликт, сведённый к сути: человек, бык, арена и вечное напряжение между жизнью и смертью.
Затем мы выходим в просторный зал и знакомимся с творчеством болгарских художников:
Владимир Димитров – Майстора (1882–1960)
«Дружки» (Подруги)
Картина «Дружки» — это яркое и светящееся полотно, наполненное характерной для Майстора гармонией между человеком и природой. Перед нами две молодые женщины, тесно стоящие друг к другу, — их позы передают тепло, близость и женскую солидарность. Одна мягко обнимает другую за плечи, создавая ощущение доверия и спокойствия.
Лица девушек спокойные, задумчивые, въеденные в мягкое золотистое сияние, которое будто исходит изнутри. Художник намеренно сглаживает черты, избегая резких контрастов — он стремится не к портретной точности, а к созданию идеализированного образа женственности.
Традиционная одежда девушек написана в характерных для Майстора ярких, насыщенных полосах — розовых, желтых, зелёных, голубых. Эти ритмичные линии создают ощущение музыкальности и живой вибрации цвета. На заднем плане — плотный, почти декоративный ковер из крупных цветков. Фон не просто украшение, он усиливает ощущение радости и изобилия, превращая женщин в часть богатой природы Болгарии.
Картина дышит теплом и внутренним светом — двум девушкам, их дружбе и простому человеческому счастью здесь посвящена мягкая, светлая поэма в красках.
Вот другие картины этого художника из галереи в Софии. Его стиль легко узнать.
Никола Танев (1890–1962) „Из Тетевен“ → «Из Тетевена»
Перед вами — теплый, светлый пейзаж Никола Танева, посвящённый старинному городу Тетевен, одному из самых живописных уголков Болгарии. Танев был мастером солнечных городских видов, и эта работа не исключение.
На переднем плане — извилистая деревенская улица, залитая мягким золотистым светом. Крыши домов — деревянные, массивные, в типично тетевенской архитектуре. Виден высокий, почти пирамидальный навес —, вероятно, хозяйственная постройка или сарай. Художник использует широкие мазки и тёплую палитру, благодаря чему воздух кажется прозрачным и весенним.
Фигурки людей едва намечены, но создают ощущение живого движения — как будто жители заняты своими повседневными делами. За домами открывается голубоватая даль с очертаниями гор, которые всегда вдохновляли Танева.
Картина передаёт атмосферу тихой болгарской провинции, медленный ритм жизни и теплую красоту старого Тетевена.
Ярослав Вешин (1860–1915) Каруцир Возчик / Тележник
Небольшая, живая по настроению картина изображает мальчика-возчика, ведущего лёгкую деревянную телегу по сельской дороге. Улыбка и лёгкий разворот головы создают ощущение непосредственности и дружелюбия — словно ребёнок только что заметил художника и радостно откликнулся.
Позади — мягкий, туманный пейзаж с полями и далёкими холмами, написанный быстрыми, уверенными мазками. Светло-зелёные и голубоватые тона передают ясный, тихий день.
Вешин умело сочетает жанровую сцену и пейзаж: фигура мальчика энергична и ярка, телега прописана с любовью к деталям, а деревенская природа вокруг создаёт атмосферу спокойной, трудовой болгарской жизни начала XX века.
Иван Мърквичка (1856–1938) Селски пейзаж Сельский пейзаж
Картина изображает тихий болгарский сельский двор: соломенные крыши, каменные постройки, стога сена и бледно-голубые горы вдали. Композиция построена горизонтально, создавая ощущение простора и спокойствия.
Мърквичка использует мягкие, приглушённые цвета — охру, светлый серо-голубой, зелёные и землистые тона. Свет ложится ровно и мягко, подчёркивая ясность дня и прозрачность воздуха.
Работа передаёт атмосферу мирной, медленной сельской жизни. Здесь всё спокойно и естественно: нет людей, но присутствует их труд, их быт, их ритм. Картина становится своеобразным документом эпохи и в то же время поэтичным взглядом на болгарскую деревню начала XX века.
Васил Стоилов (1904–1990) "Васил Левски сред шопите (1966)"
Васил Левски среди шопов (1966)
Картина Васила Стоилова (1904–1990) изображает легендарного болгарского революционера Васила Левски в тесной комнате, окружённого крестьянами — «шопами», жителями Софийского края.
В центре композиции — Левски, освещённый мягким светом, уверенно указывающий жестом, словно объясняет план или даёт указания. Его фигура собрана и решительна, а лицо — спокойное, но сосредоточенное.
Вокруг него сидят и стоят мужчины в традиционной одежде: кто-то внимательно слушает, кто-то задумчив, кто-то напряжён и даже обеспокоен. У каждого — своё выражение лица, что создаёт ощущение реального собрания, где люди пытаются осмыслить услышанное.
Передний план заполнен домашней утварью: кувшинами, чашами, прялкой. Эти детали усиливают ощущение быта, подчёркивая, что разговор происходит в простой сельской хате.
Картина передаёт атмосферу тайной встречи, проникнутой тревогой, надеждой и готовностью к борьбе — а образ Левски выступает моральным и духовным центром группы.
Енчо Багрянов (1905–1976) – Пазар Базар (1964)
Перед нами яркая, насыщенная сцена городского рынка. Художник изображает кипящую жизнь: люди торгуют, переговариваются, ведут животных, раскладывают товары. Всё пространство дышит движением и шумом.
Картина построена как театральная сцена — вокруг изображён своеобразный «портал», как будто зритель смотрит на рыночную площадь через рампу. Это создаёт ощущение спектакля о народной жизни. В центре — вертикальная ось с минаретом и тремя высокими деревьями, которые вытягивают композицию вверх.
Багрянов работает в наивной манере, близкой к примитивизму: фигуры упрощены, линии нарочито детские, но выразительные. Именно эта «ненаучная» простота даёт картине живость и подлинность. Цвета тёплые, землистые, много охры, коричневого, терракоты.
Энергия, шум, человеческое тепло. Художник показывает рынок как сердце города — место встреч, торговли, новостей и маленьких человеческих драм.
Георги Велчев (1891–1955) „Скали край морето“«Скалы у моря»
Перед вами морской пейзаж Георги Велчева — мастера, который превосходно чувствовал движение воды и переменчивость света.
Картина построена на контрасте тяжёлых тёмных скал и живой, волнующейся поверхности моря. Волны разбиваются о камни, оставляя пену и холодный блеск на поверхности. Небо затянуто облаками, но в разрыве облачности появляется луч света — тонкая полоска надежды, которая отражается в воде.
Художник использует сдержанную цветовую гамму — серые, голубые, охристые тона. Благодаря этому зритель чувствует прохладу морского ветра и хрупкость этого мгновения на границе стихии и суши.
Пейзаж одновременно строгий и поэтичный: в нём слышны шум волн, тяжесть камня и дыхание природы, которая существует вне времени.
Александър Петров (1916–1983) Созопол – лято, Созополь — лето
На картине — силуэт женщины у балкона над морем, переданный через крупные цветовые плоскости. Жест поднятой руки создаёт ощущение движения и летнего света. За её спиной — тихая синяя линия моря и ясное небо, справа — парус или ткань, колышущаяся на ветру. Простые формы и мягкие оттенки передают спокойствие, жар и медленное лето на побережье Созополя.
Стоян Венев (1903–1989) Композиция
На картине изображена обнажённая женщина, полулежащая в небрежной, расслабленной позе на стуле и покрывале. Тело написано широкими, плотными мазками, передающими тяжесть и материальность фигуры. Фон состоит из уголков мастерской — стул, ткань, предметы, написанные схематично, чтобы внимание оставалось на модели. Свет ложится неровно, подчеркивая объём и естественность позы. Картина передает ощущение тишины, усталости и простоты рабочего момента в студии художника.
Стоян Венев (1904–1989) Голо тяло IV (1986) (Обнажённое тело IV (1986))
Лист выполнен тушью и построен на контрасте лёгкой линии и свободных пятен тени. Женская фигура лежит в непринуждённой позе, слегка повернувшись на бок. Венев передаёт форму минимальными средствами: несколько уверенных штрихов очерчивают контуры тела, а широкие серо-чёрные мазки создают объем и мягкую игру света. Работа выглядит спокойной, почти медитативной — как быстрый, но точный этюд, в котором художник ловит естественность и пластику человеческого тела.
Борис Иванов (1904–1993) На прозореца ( У окна)
Картина изображает женщину со спины, стоящую у открытого окна. Она опирается на балконные перила, а вокруг неё свободно ниспадает белая ткань. Светлый, чистый голубой фон неба и облаков создаёт ощущение свежего утреннего воздуха. Фигура передана мягкими, почти пастозными мазками, подчёркивающими спокойствие сцены. Справа стоит манекен или женская фигура в тёмно-фиолетовом, добавляющая камерной сцене лёгкую загадочность. Работа передаёт тихий момент уединения — когда человек на мгновение останавливается и смотрит в окно, словно впуская в себя свет и дыхание нового дня.
Панайот Димитров Глава на куманка (1934): Голова куманки (1934)
Скульптура представляет собой стилизованную женскую голову, выполненную из тёмного дерева. Форма обобщена и гладка, без лишних деталей — только плавные линии овала, чётко прорезанные глаза и тонкие губы. Светлые вставки в глазницах создают выразительный, чуть загадочный взгляд. Поверхность дерева сохраняет естественную текстуру, что добавляет работе теплоту и ощущение ручной работы.
Образ куманки — женщины из древнего кочевого народа — передан не как этнографический портрет, а как символический, почти масочный лик, в котором сочетаются древность, спокойствие и тайна.
Найден Петков (1918–1989) Натюрморт
На картине изображён высокий сухой стебель с засохшими бутонами, стоящий в глиняном кувшине на металлической подставке. Композиция выстроена строго и вертикально: вытянутый сосуд, тонкие линии растения и узкий стол создают ощущение спокойной устойчивости.
Колористика сдержанная — серо-бежевые стены, немного голубого на поверхности стола, мягкие охристые акценты в цветах. Текстура густая, шероховатая, что придаёт сцене почти настенной, фресковой глубины.
Это натюрморт о красоте простых вещей: о тишине, времени и достоинстве самых неприметных предметов.
Йордан Гешев (1907–1973) Пейзаж
На картине изображён горный вид, окутанный густым утренним туманом. Склоны мягко растворяются в белёсой дымке, и только отдельные гребни и заснеженные вершины появляются над облачным морем. На переднем плане — ветви кустарника и несколько тёмных елей, подчёркивающих глубину пространства.
Работа написана нежно и тонко: прозрачные слои передают воздушность, приглушённые серо-голубые оттенки создают ощущение спокойствия и раннего часа в горах. Это тихий, созерцательный пейзаж, в котором природа кажется почти нереальной — плавной, лёгкой и бесконечно спокойной.
Георги Радулов (1936–2025) Лежаща( Лежащая женщина)
Скульптура представляет собой абстрактно трактованную женскую фигуру в позе лёжа. Формы сглажены и округлены, тела как будто текут и перекатываются, образуя пластичную, почти органическую массу. Бронзовая поверхность мягко поблёскивает, подчёркивая плавные изгибы и создавая ощущение тёплой, живой материи.
Несмотря на обобщённость, в композиции угадываются ноги, руки, изгиб туловища — но они слиты в единую скульптурную волну. Работа передаёт покой и внутреннюю сосредоточенность, превращая человеческое тело в музыку линий и объёмов.
Лиляна Русева (1932–2009) Голо тяло III (Обнажённое тело III)
Картина изображает женщину со спины, сидящую у окна. Её тело выписано мягко и естественно, с тонкими переходами света по коже. Волосы собраны в аккуратный пучок, что придаёт образу спокойную собранность.
Свет из окна создаёт холодноватый серо-голубой фон, подчёркивая тепло телесных тонов. Белая ткань, наброшенная на колени, и синий плед позади добавляют сдержанные цветовые акценты.
Работа передаёт момент тихой уединённости — когда человек сидит у окна, погружённый в собственные мысли, и свет мягко очерчивает контуры его тела.
Борис Гондов (1935–2017) Семейство ( Семья)
Скульптура представляет собой две обобщённые, гладкие фигуры — мужчину и женщину — стоящих рядом. Формы предельно упрощены: нет лица, нет деталей, лишь мягкие силуэты, в которых угадывается человеческая пластика.Бронзовая поверхность отражает свет широкими бликами, подчёркивая плавность линий. Фигуры чуть наклонены вперёд, будто делают шаг или смотрят в одно направление — это создаёт ощущение единства и внутренней связности.Работа передаёт идею близости и поддержки, когда пара двигается вместе, как единое целое.
Зиятин Нуриев (1955) Орис ( Судьба)
Скульптура выполнена из тёмного камня и сочетает в себе гладкие геометрические плоскости и грубо обработанные участки. В верхней части угадывается стилизованная человеческая голова, словно появляющаяся из каменной массы. Лицо почти не проработано — это лишь намёк на человека, символ, а не портрет.
Ниже голова переходит в мощный, многогранный объём, напоминающий и осколок скалы, и архитектурный фрагмент. Контраст между гладкими полированными гранями и шероховатыми, «рваными» поверхностями создаёт ощущение внутреннего напряжения.
Название «Судьба» подчёркивает идею неизбежности и неотделимости человека от обстоятельств: фигура будто вырастает из тяжёлой материи, как из самой жизни, несущей и формирующей нас.
Димитър Караш (1936–2008) Синя тишина (1975)( Синяя тишина)
Картина изображает несколько лодок, стоящих в спокойной бухте. Художник использует яркую, насыщенную палитру, где доминирует глубокий синий цвет — море, небо и отражения сливаются в единый мягкий тон.
Лодки написаны крупными цветными плоскостями — красными, жёлтыми, зелёными, что делает их выразительными пятнами на фоне синевы. На горизонте виден городок, собранный из маленьких светлых мазков.
Композиция построена на гармонии пятен и ритме отражений в воде. Картина передаёт ощущение спокойствия и пленительной тишины приморского вечера, когда всё вокруг застывает в прозрачной синей дымке.
Георги Баев – Гецата (1924–2007) Съставка (Композиция)
Картина выполнена в абстрактно-фигуративной манере, типичной для Георги Баева. В центре — ритмическое нагромождение форм, напоминающих фрагменты фигур, животных, предметов и символов. Множество острых линий, ломаных плоскостей и фактурных пятен создают ощущение движения и напряжённости.Палитра построена на земляных коричневых, бежевых и серых тонах, с небольшими акцентами красного и белого. Поверхности выглядят будто состаренными или изъеденными временем — как следы памяти, истории, разрушения.Композиция воспринимается как хаотичная, но в то же время организованная внутренняя вселенная художника — переплетение образов, эмоций и ассоциаций, где фигура и абстракция существуют рядом, не разделённые строгими границами.
Ненчо Русев (р. 1943) Почиваща селякиня (Отдыхающая селянка)
Скульптура изображает лежащую женщину, выполненную в характерно обобщённой, монументальной манере. Формы простые, плавные и цельные, словно выточенные природой. Лицо слегка приподнято, взгляд спокоен и отрешён, что придаёт фигуре достоинство и внутреннее равновесие.
Тело трактовано как большой пластический объём — широкие бёдра, вытянутая спина, мягко сведённые ноги. Никаких лишних деталей: только строгая, спокойная линия. Материал с шероховатой поверхностью усиливает ощущение связи с землёй и трудом.
Образ передаёт момент отдыха и тишины — простой, жизненный, но наполненный силой и внутренней красотой.
Михалис Гарудис (1940–2021) Венера III
Картина соединяет элементы реализма и сюрреализма. Слева — крупно и почти фотографически точно выписанный фрагмент женского тела, развернутый спиной. Его тёплая, живая пластика контрастирует с холодной, безлюдной пустыней пространства справа.
На этой «пустыне» стоит маленький безголовый торс — словно музейная статуя или античный фрагмент. Рядом — яркий лимон и разбросанные смятые бумаги, напоминающие о творческом процессе, черновиках или «остатках» идеи.
Фон построен на чистом голубом небе с единственным странным облаком, похожим на птицу или знак. Тонкие красные линии разбивают пространство на геометрические сегменты, намекая на композиционную сетку, мерку красоты или визуальный расчёт.
Работа воспринимается как размышление о женском образе, идеале, фрагментации, о разнице между живым телом и культурным образом Венеры — вечной, но неполной.
Никола Манев (1940–2020) Пейзаж – крепостта Червен
Картина выполнена в характерной для Манева манере — декоративно-абстрактной, основанной на ритме форм и теплой цветовой гамме. На полотне изображены словно сложенные из каменных плит массивы — напоминание о древних стенах, башнях и уступах средневековой крепости Червен.
Фигуры дробятся на многочисленные овальные и прямоугольные элементы, будто камни, уложенные веками. Нижняя часть напоминает корни или старые подпорки, подчёркивая древность и историческую глубину места.
Охристо-оранжевая палитра создаёт ощущение тёплого воздуха, знойного дня и земли, пропитанной временем. Это не документальный пейзаж, а символическое, почти мифическое видение крепости, в котором реальность переплетается с памятью и ощущением болгарской земли.
Маргарита Пуе́ва (1950–2016) Жена с птица (1988) Женщина с птицей
Скульптура объединяет абстракцию и фигуративность. В центре — вытянутая женская фигура с золотистым лицом, напоминающим древние иконописные лики. Её тело переходит в широкую, почти лодкообразную форму, покрытую цветными геометрическими элементами — словно карта внутреннего мира.
Внутри одного из сегментов, как в окошке или нише, стоит маленькая птица. Этот образ добавляет поэтичности и символизма: птица — как душа, мысль или надежда, спрятанная в сердце женщины.Материалы и краски создают игру между тяжестью формы и лёгкостью смысла. Скульптура передаёт ощущение внутренней жизни, покоя и женской духовности, где внешнее и внутреннее соединяются в единый символический образ.
Красимир Рангелов (р. 1958) Ритуал
Скульптура изображает две вытянутые фигуры — мужчину и женщину, стоящих рядом, словно в момент древнего обряда. Формы предельно аскетичны: тонкие тела, удлинённые шеи, строгие, почти масочные лица.Мужская фигура обнажена и подчеркнуто пряма, тогда как женская окутана длинным, тяжёлым одеянием, которое переходит в фактурную поверхность, напоминающую землю или корни. Разница в пластике подчёркивает их разные роли, но общая поза и близость объединяют их в едином действии.Материал грубый, шероховатый, с серо-зелёным патинированным оттенком, что усиливает ощущение древности и символичности. Скульптура передаёт атмосферу тихой торжественности — как будто перед нами момент вечного, неизменного человеческого ритуала.
Георги Димитров – Стари Богородица с Младенеца и 12 пророци
Это классическая православная икона, выполненная в насыщенной, тщательно проработанной манере, характерной для болгарских зографов XVIII–XIX века.В центре — Богородица, стоящая во весь рост и держащая на левой руке Младенца Христа. Лики написаны мягко и выразительно, с лёгким наклоном головы и сострадательным взглядом — типичными чертами образа Одигитрии. Христос благословляет поднятой рукой.Одежды Богородицы богато украшены: розово-лиловый мафорий с золотой окантовкой и тёмный узорчатый хитон подчёркивают торжественность образа. Золотые нимбы выполнены тонким чеканным орнаментом.По сторонам от центральной сцены — 12 пророков в отдельных фигурных клеймах. Каждый держит свиток со словами пророчества, что символически указывает на их связь с пришествием Христа. Композиция рамки украшена золочёным барочным орнаментом.Икона воспринимается как торжественный, гармоничный образ духовности, соединяющий тщательно прописанные детали с мягкой, молитвенной атмосферой.
Захарий Зограф (1810–1853) Свето Благовещение
Икона изображает момент Благовещения — явления Архангела Гавриила Деве Марии.Слева стоит Архангел Гавриил, в богатых розово-золотых одеждах, с раскрытыми крыльями и мягким, благоговейным жестом, протягивающим лилию — символ чистоты и благой вести. Лик ангела светел, обрамлён сияющим нимбом.Справа — Богородица, сидящая перед раскрытой книгой Писания. Её поза выражает смирение и удивление. Она слегка наклоняет голову и придерживает розово-золотой мафорий. За ней возвышается архитектурная постройка — символ её дома в Назарете.В верхнем левом углу — Святой Дух в виде голубя, от которого исходят лучи света, устремляющиеся к Богородице.Работа отличается богатой декоративностью, характерной для стиля Захария Зографа: яркие одежды, тщательно прописанные складки, золотые нимбы с чеканкой, насыщенная цветовая палитра.Икона передаёт торжественность и духовную глубину момента, когда начинается история воплощения.
Картина Белое и черное, Инь и Янь.
Стефан Манолов – “Старе жени” (1991) «Старые женщины».
На работе видны три женские фигуры, написанные экспрессивными широкими мазками. Композиция наполнена движением: две пожилые женщины, нагруженные тяжёлыми сумками или вязанками, и более молодая женщина, словно обращающаяся к ним. Всё выглядит как сцена из деревенской жизни — усталость, разговор, бытовая тяжесть.
Манолов использует приглушённую, холодную гамму — серые, синие, коричневые тона, что подчёркивает тему старости, труда, измождённости. Лица едва прорисованы, но эмоции читаются через жесты и позы.
В этой работе Стефана Манолова перед нами предстаёт тихая, почти интимная сцена из повседневной жизни болгарской деревни. Три женщины сидят рядом на скамье, погружённые в своё неторопливое, понятное только им общение. Художник намеренно отказывается от детальной проработки лиц, позволяя зрителю сосредоточиться на жестах, наклоне голов и общей пластике фигур — именно через них передаётся характер и настроение каждой героини.
Пастозные, энергичные мазки создают ощущение движения и живого присутствия, а мягко приглушённая палитра подчёркивает простоту и достоинство изображённых женщин. Манолову удаётся уловить самое важное — атмосферу человеческой связи, маленький фрагмент жизни, в котором отражается целый мир женской стойкости, забот, дружбы и общности.
Картина звучит как тихий разговор — незримый, но глубокий, в котором легко узнаётся человеческое.
Михаил Мавров – “Синята дряна” (1976)
Перед зрителем — почти монохромное полотно, где всё пространство погружено в глубокую, матовую черноту. На этом тёмном фоне едва уловимыми следами проступают фактуры мазков, напоминая о невидимом, скрытом, о том, что существует за пределами света.Единственный акцент — небольшой розовато-сиреневый кусок ткани, спускающийся сверху, словно обрывок памяти или знак, оставленный временем. Он тонок, хрупок, подобен последнему трепету жизни среди тишины и пустоты.Мавров мастерски использует минимализм как язык эмоции: отсутствие деталей становится выразительным художественным жестом. Картина вызывает ощущение остановленного мгновения, в котором хрупкое и живое противостоит бездонной темноте.Это тихая, созерцательная работа — о памяти, о следе, который остаётся, и о силе одного-единственного цвета, способного оживить весь мир.
Венцислав Бешков — „Вход в Ереван“ (1990)
Ventsislav Beschkov — “Entrance to Erevan” (1990)
Картина передаёт яркое, импульсивное впечатление от города — не конкретный угол, а ощущение порога, момента входа в пространство, где сталкиваются прошлое и современность.
Бешков работает крупными цветовыми массами: тревожно-чёрный, огненно-красный, солнечно-жёлтый — всё это превращает сюжет в эмоциональный взрыв. Фигура, угадывающаяся в центре, будто растворена между стенами, тенями и вспышками цвета, как человек, которого город поглощает и одновременно принимает.
Эта работа — не о месте, а о переживании: о первом шаге в незнакомое, когда всё кажется резким, плотным, почти осязаемым, и каждый цвет — как отдельное чувство.
Венета Симеонова — „Долина“ (1981)
Veneta Simeonova — Valley (1981)
Небольшая, тихая картина, в которой зелёные холмы мягко растворяются в туманнеющем воздухе. Художница передаёт деревенский пейзаж через тонкие переходы зелёных и охристых оттенков: домики словно всплывают из зелёной массы, будто воспоминание о лете. В этой работе нет резких линий — только спокойствие, мягкость и ощущение раннего утра, когда мир ещё не проснулся и ничто не нарушает гармонию долины.
Венета Симеонова — „Портрет“ (1981)
Veneta Simeonova — Portrait (1981)
Мягкий, почти выцветший портрет, где фигура словно проступает через прозрачные слои краски. Художница намеренно избегает детализации — лицо, руки, одежда будто слегка размыты, как воспоминание, которое уже нельзя увидеть отчётливо, но можно почувствовать.
Женщина на картине спокойна и погружена в себя; её поза проста, естественна, без попытки позировать. Голубые и охристые оттенки создают тёплую, тихую атмосферу, в которой портрет превращается не столько в изображение человека, сколько в настроение — мягкое, задумчивое и человеческое.
Георги Пасев (р. 1970)
„Прозорец към спомена“ (2022)
Georgi Pasev — Window to the Memory (2022)
Картина похожа на найденный фрагмент старой двери или ставни, где краска облупилась, дерево потемнело, а память запечатлела только цветовые пятна. Пасев использует грубую фактуру — почти рельеф, — чтобы создать ощущение времени, прошедшего через материю.
Чёрный, красный, коричневый и белый цвета не просто образуют композицию, а словно хранят слои прожитого: тьму, тепло, землю, свет. Окно здесь не буквальное, а внутреннее — то, через которое человек заглядывает в себя. Тихая, минималистичная работа, но с удивительной силой внушает чувство памяти, которая всегда остаётся немного шероховатой, неполной и тёплой.
Каталина Цветкова:
Это яркий, динамичный пейзаж, написанный крупными цветными плоскостями. Формы домов, деревьев и дорожек намеренно упрощены и деформированы, почти как в фовистской или экспрессионистской манере. Палитра насыщенная — много синих, зелёных, жёлтых и красных тонов, которые создают ощущение движения и живой вибрации. Картина передаёт не столько реальный вид, сколько настроение — радостное, яркое, слегка импульсивное.
Александр Мирославов — Триптих (1992).
Симеон Веновски (р. 1951) «Ночь — долина Пчелин».
Ангел Паскалевский «Пейзаж» (1979)
В этой работе Паскалевский превращает вечерний городской квартал в почти сказочный лабиринт света и тени. Наклонённые крыши, ломанные линии и плотные тёмно-синие пятна создают ощущение сжатого пространства, будто дома тесно прижались друг к другу. Жёлтые прямоугольники окон вспыхивают как единственные тёплые точки, оживляя холодную палитру.
В правом нижнем углу появляется маленькая человеческая фигура — тонкий силуэт, который подчеркивает масштаб и загадочность окружающей архитектуры. Картина словно приглушённо звучит, передавая тихий, задумчивый ритм ночного города.
Ива Жилев (р. 1941) „Градинa“ — Garden
Картина Ивы Жилева «Градина» разворачивается как яркая, пульсирующая мозаика. Из множества маленьких цветовых квадратиков складывается причудливый сад — не реальный, а внутренний, воображаемый. Расплавленные красные, зелёные и пурпурные пятна напоминают то листья, то цветы, то кусочки ткани.
Среди цветовой россыпи угадываются маленькие символы: детские фигурки, лодочка, солнечные спирали, следы-знаки, словно оставленные в памяти. Картина живёт как гобелен — каждый фрагмент будто хранит свой собственный маленький рассказ.
Это сад не природы, а переживаний: тёплый, хаотичный, радостный и немного наивный — такой, каким его мог бы увидеть человек, вспоминающий своё детство.
А это- еще один зал:
Вот такая замечательная галерея. будете в Габрово- обязательно посетите!
Понравились ли вам эти картины?