Электронная музыка в 1970-е уже существовала как явление. Но была слишком далека от наших современных представлений. Практически без ритма, редко мелодичная, зато абстрактная и авангардная, она была скорее саундтреком эры освоения космоса. Синтезаторы использовали как средства для озвучивания научно-фантастических фильмов, и редко какие пластинки этого направления привлекали слушателей.
Исключения были, но штучные. 1970-е дали нам Клауса Шульце, Tangerine Dream, Вангелиса, Жан-Мишель Жарра, Kraftwerk, именно тогда начинали Китаро и Брайан Ино. Но потребовалось еще много времени, прежде чем электронная музыка, исполненная на синтезаторах, стала модной и популярной. Вот несколько пластинок того десятилетия, показывающие, как исполнители электроники искали свой стиль и старались донести до слушателей музыку новых тембров и созвучий.
1. Tangerine Dream - Rubycon (1975)
К середине 1970-х немцы Tangerine Dream совершили эволюцию в собственной музыке от абстрактных подражаний Pink Floyd до создания так называемой "Космической музыки". Формально их относили к краутроку, но стоило им начать осваивать синтезаторы, как в их музыке от рока уже не было практически ничего. То, что они исполняли в середине десятилетия, называли "Берлинской Школой Электронной Музыки". Ее отличительными чертами были пульсирующие повторяющиеся мотивы, исполненные секвенсорами, встроенными в Модульный Синтезатор Муга, импровизации на меллотроне и других клавишных и наличие множества синтезаторных эффектов. На альбоме Rubycon трио, состоящее из Эдгара Фрозе, Петера Бауманна и Кристофера Франке показало умение создавать мистическую космическую атмосферу. При этом, на пластинке нет ничего лишнего, всё движется очень быстро, а подобранные тембры и звуки удивляют своим разнообразие. Не чета многим другим тогдашним электронным экспериментаторам, экспериментирующим ради эксперимента.
2, Klaus Schulze - Mirage (1977)
Очень красивая музыка. Шульце когда-то был барабанщиком Tangerine Dream, но это обстоятельство почти никак не повлияло на его становление как музыканта. Эстетически он близок к своей бывшей группе, и тоже относится к "Берлинской Школе Электронной музыки". Только если в музыке Эдгара Фрозе и остальных есть место развитию, сменам фактур, она не статична, то музыка Шульце - наоборот. В течение длинных 30 минут перед нами формируется статичная звуковая скульптура, обрастающая нюансами. Секвенсоры исполняют запрограмированные мотивы, Шульце вокруг этого создает целые слои синтезаторов, звучащих, словно космический оркестр. При этом, музыка очень холодная, почти мистическая, медитативная, вводящая в транс. Шульце грешил тем, что записывал длинные композиции, в которых как будто бы ничего не происходило. Но на Mirage он раскрылся, как синтезаторщик, и это была для него веха.
3. Lucifer - Black Mass (1971)
В начале 1970-х в Америке было много специалистов, занимавшихся исследованием звука. Они сидели в специальных лабораториях, "ставили опыты" на новых инструментах, пытаясь раскрыть их звуковую палитру. Не важно, был ли это Модульный Муг, или какой-нибудь Buchla, окунаться во вселенную звуков было увлекательно и волнительно. Но нужно было как-то демонстрировать успехи, доказывая на практике, что синтезаторы способны на многое. Одним из таких испытателей был канадец Морт Гэрсон, очутившийся в Нью-Йорке и записывавший там экспериментальные альбомы. Сначала это был проект Zodiac, где при поддержке барабанщика Гэрсон сочинял что-то рОкоподобное. Затем был альбом синтезаторных исполнений песен из мюзикла Hair.
А в 1971-м вышел альбом "оккультного рока" Black Mass. От рока там ничего не было, всё исполнил Гэрсон на Муге, добавляя различные сэмплы, как, например, звук некоего африканского племени. Да и "оккультизм" тут был специфический: всё в кучу - от сатанизма и философского камня до ведьминского шабаша. Впрочем, музыкально довольно интересно. Тут и какие-то прото-эмбиент пьесы, и что-то ритмичное, и абстрактное, и шумы, и даже пародия на Баха с его инвенциями. Тогда электроника еще формировалась, и многие музыканты, работавшие с синтезаторами, видели в них нечто большее, чем просто источник забавных звуков для научно-фантастических фильмов.
4. Walter Carlos - Sonic Seasonings (1972)
Культовая пластинка. Во-многом опережающая то, что делал Брайан Ино несколькими годами позднее. Весь альбом, состоящий из четырех длинных композиций, посвящен Временам Года. Инструментарий - синтезатор Муга и записанные звуки природы.
Уолтер Карлос до этого сделал себе имя как виртуозный интерпретатор классической музыки. В 1968-м году его Switched-On Bach показал слушателям, что синтезатор может звучать, как оркестр. Придерживаясь классической манеры исполнения, Карлос при помощи Синтезатора Муга сделал электронные обработки произведений Иоганна Себастьяна Баха. И альбом был бестселлером. К тому же, очень хорошо помог продвижению и продаже самих синтезаторов. Какое-то время еще занимаясь обработками различных классических произведений (вспомним фильм "Заводной Апельсин" Стэнли Кубрика), Карлос пробовал сочинять и собственную музыку. Но это удавалось ему реже, да и оценивал он себя, как композитора, не высоко. Но увидевший в 1972-м свет альбом Sonis Seasonings показал Карлоса как умелого экспериментатора, способного создать звуковые пейзажи. Это был, наверное, первый полноценный электронный нью-эйдж альбом.
5. Heldon - Heldon 2 - Allez-Teia (1975)
Группу Heldon невольно сравнивали с King Crimson и Робертом Фриппом. И хотя в звучании это не так очевидно, лидер группы Ришар Пинхас никогда не скрывал своего увлечения работами английского коллеги. Ришар так же, как и Фрипп, осваивал различные гитарные примочки, пытался работать с текстурами, ввел меллотрон, приобрел различные модульные синтезаторы. Работы группы очень разные по стилистике: это могли быть джаз-роковые пьесы, а могли быть эмбиент-композиции, исполненные на синтезаторах.
Второй альбом Heldon - образчик именно гитарной эмбиент-музыки, где нет места ударным. Вместо этого много пропущенных через различные эффекты гитар, меллотрона, пульсирующих аналоговых синтезаторов и студийных эффектов. Первая композиция на альбоме называется In The Wake of King Fripp. А на конвертах было написано, что пластинка вдохновлена опытами Роберта Фриппа и Брайана Ино. Впрочем, французские электронщики не спроста пользовались успехом. Их тогда там возникло неожиданно много.
6. Zanov - Moebius 256 301 (1977)
И вот как раз такой пример. Так называемая "Французская космическая электроника". До того, как Жан-Мишель Жарр выпустил свой знаменитый Oxygene, подобную музыку, хоть и более экспериментальную, выпускали другие музыканты. Например, Пьер Залказанов, взявший псевдоним Zanov.
Инструментальный арсенал состоит полностью из синтезаторов, а музыка - типичная "космическая электроника". Но вместе с тем, Занов умудрился создать свои собственные музыкальные миры, и если вслушиваться в эту музыку, то можно отметить и стилистическое сходство с "Берлинской Электронной Школой". Впрочем, несмотря на то, что произведения его достаточно богато аранжированы по канонам жанра, Занову не хватает мелодий. Которые были в избытке у его прямого конкурента Жарра.
7. Jean Michel Jarre - Oxygene (1976)
Чем отличается от всего остального знаменитый альбом Жарра? Прежде всего своей концепцией. И дело в не том, что посвящен он космическим и природным явлениям. Жарр, когда записывал свой альбом, поставил цель создать пластинку в жанре электронной музыки, которая будет понятна любому. Даже домохозяйка, далекая от таких звуковых эстетик, должна была получать удовольствие от ее прослушивания. И у него, при всех оговорках, это получилось. В отличие от своих экспериментаторов-коллег, Жарр смог создать и прилипчивые мелодии, и легкие аранжировки, которые до сих пор на слуху. В этом заслуга Жарра как популяризатора электронной музыки и синтезаторов в частности. И так как до того времени существовал вполне обоснованный скепсис, касающийся этого жанра, то по началу и творение француза восприняли прохладно, особенно те, кому он предлагал издать музыку. Но история всё расставила на свои места. И теперь Жарр - беспрекословный лидер электронной музыки вообще.
8. Michael Hoenig - Departure From The Northern Wasteland (1978)
Тоже немец, которого можно стилистически отнести к Берлинской Школе. Хёниг одно время числился членом Tangerine Dream, и хотя всю свою карьеру был скорее кинокомпозитором, иногда выпускал пластинки с электронным эмбиентом. В то время Tangerine Dream уже сменили вектор направления, не желая топтаться на месте.
В то время как Хёниг записал альбом, в большей степени похожий на творения Эдгара Фрозе и его группы, чем сами творения TD. Такие же величественные басовые секвенции, призрачные синтезаторы, электроорганы, медитативная атмосфера и космическое настроение музыки. Прекрасное дополнение к тому , что считается классикой электронной музыки.
9. Popol Vuh - Affenstunde (1970)
Не всё, что издавалось в Германии в то время и было сыграно на синтезаторах, было близко к эстетике "Берлинской Школы". Например, Popol Vuh, ведомый клавишником Флорианом Фрике, играл абразивную электронику, где на первое место выводились этнические барабаны. Отдельный перкуссионист создавал ритм, который добавлял немного структуры в размытые импровизации Фрике на Синтезаторе Муга.
Он был одним из первых, кто понял суть этого инструмента, но не успел должным образом раскрыть. Его интересовали новые созвучия, а музыка, которая выходила из под его пера, не стремилась к классической структуре. Поэтому первый альбом Popol Vuh, как и следующий In Den Garten Pharaos, состоял из синтезаторных переливов, а музыка не была структурированной. Чем-то это напоминало музыку Эдуарда Артемьева к фильму "Солярис". Только более этнически ориентированную.
10. Isao Tomita - Snowflake Are Dancing (1974)
А вот это - совершенно другое крыло электронной музыки. Мы уже задели немного тему с обработками классической музыки на синтезаторах. Так вот особенно популярен был в этом японец Исао Томита, создавший студию электронной и экспериментальной музыки у себя на родине на рубеже 1960-х и 1970-х. Чтобы как-то отработать затраты, он, используя огромный арсенал клавишных и приборов, стал записывать интерпретации произведений классических композиторов. Особенно удались ему обработки пьес Клода Дебюсси.
Не секрет, что композиторы-импрессионисты смотрели далеко в будущее и хотели создавать музыку, эстетически близкую живописи. Электронная музыка, в определенном смысле, стремилась к тому же. И поэтому Дебюсси был "лакомым куском" для многих электронщиков. Вдохновлялись им, имитировали, подражали. Поэтому Томита выбрал для своей первой такой полноценной пластинки различные фортепианные пьесы французского композитора, раскрыв потенциал синтезаторов. Это могли быть эмбиент-композиции, а могли быть почти синти-поп зарисовки. Добавьте к этому особую въедливость японцев в области звука - и вы услышите дотошную технически совершенную работу. Потом в течение 1970-х Томита еще покажет своё мастерство в обработке классики. Но его первая работа занимает особое место среди любителей этой музыки.
Тогда в 1970-е Электронная музыка еще была на пути своего становления. В чем-то это было неуклюжей попыткой, в чём-то - авантюрой, а в чём-то - оправданным риском. Так или иначе. вдохновляя следующие поколения, электронщики 1970-х закрепились в истории и стали считаться заслуженными пионерами целого направления. А то, что случится в 1980-е и 1990-е в этой музыке, подтвердит важность их деятельности. Но такого ли результата они хотели?
Добро пожаловать! Подписывайтесь, впереди много интересного!