В XVIII и XIX столетиях Российская империя привлекала к себе многих иностранных мастеров кисти, зодчества и ваяния, которые обогащали отечественное искусство веяниями европейской культуры. Для многих из них Россия становилась вторым домом. В 1807 году в Санкт-Петербург прибыл юный Фиделио-Джованни Бруни (годы жизни 1799-1875), восьми лет от роду, вместе со своим отцом – итальянским художником Антонио Бруни. Впоследствии он стал известен как Фёдор Антонович и занял видное место среди приверженцев русского классицизма. Рождённый в Милане, мальчик рано проявил талант к рисованию, и его первым наставником стал отец. В десятилетнем возрасте Фёдор был зачислен сначала в воспитательное училище при Императорской Академии Художеств, а затем в класс исторической живописи.
В 1818, по завершении учёбы, он не получил академической стипендии для стажировки в Италии, но по настоянию отца отправился туда самостоятельно. Там он усердно работал, копируя фрески Рафаэля Санти по заказу академии и создавая полотна на библейские («Святая Цецилия») и мифологические («Пробуждение Граций») сюжеты. Известность и членство в Римской Академии Художеств в 1824 году ему принесла картина «Смерть Камиллы, Сестры Горация», выполненная в духе классицизма. В это же время он создавал гравюры по русской истории, вдохновлённые «Историей Государства Российского» от Николая Карамзина. Лишь в 1828, по указу императора Николая I, Бруни получил стипендию и остался в Италии ещё на пять лет. В 1834 году он был удостоен звания академика.
В 1835 художник женился на Анжелике Серни – образованной и красивой девушке, с которой прожил долгую и счастливую жизнь. Вернувшись в 1836 году в Петербург с молодой женой, Фёдор Бруни – уже профессор – преподавал в Академии Художеств и работал над росписью церкви Зимнего Дворца. В 1837 он был среди художников, запечатлевших облик Александра Пушкина сразу после его гибели, и его рисунок под названием «Александр Сергеевич Пушкин в Гробу» получил признание.
В 1838 супруги вновь отправились в Италию на два с половиной года, где Бруни работал над полотнами на библейские темы («Богоматерь с Младенцем»). Для Казанского Собора он создал образ, известный как «Покров Пресвятой Богородицы». В 1841 году Бруни выставил в Зимнем Дворце свою знаменитую картину «Медный Змий», получившую высокую оценку. В 1845 он представил 25 картонов с библейскими сюжетами для росписи Исаакиевского Собора.
С 1849 года Фёдор Антонович занимал должность хранителя картинной галереи Музея Эрмитаж, внося вклад в пополнение коллекции музея. В 1855 он стал ректором Академии Художеств, которая под его руководством была настоящим центром классицизма. В 1872 были утверждены его эскизы для росписи Храма Христа Спасителя, но работу выполняли его ученики. Фёдор Антонович скончался в Петербурге в 1875 году в возрасте 76 полных лет. Его произведения хранятся в Государственном Русском Музее, Музее Эрмитаж и Третьяковской Галерее.
1 картина. «Медный Змий»
- Дата создания: 1841 год
- Размеры: 565 х 852 сантиметра
- Место нахождения: Государственный Русский Музей в Михайловском Дворце (Санкт-Петербург, Россия)
В Библии есть эпизод, кажущийся довольно жестоким. После того, как иудеи вышли из земли египетской, они отправились в сорокалетнее странствование по пустыне в поисках земли обетованной. Через некоторое время люди начали роптать – отсутствие воды, еды, лишения пути заставили их сомневаться в том, что рабство в Египте было так уж плохо. Тогда разгневанный Господь, не желающий входить в их положение, послал на землю дождь из ядовитых змей. Падая, они жалили отступившихся иудеев, и люди, погибая, взмолились о прощении. Тогда Моисей, слушая веление Божие, сделал медного змия и поднял его на высокой колонне. Всякий, кто смотрел на него с истинной верой, исцелялся, и вскоре все были исцелены.
Картина Бруни показывает нам кульминацию этой истории. Змеи падают с неба, пугая людей. Распростёртое тело лежит прямо на переднем плане творения, дети ищут спасения у родителей, молодая женщина прижимается к мужу, надеясь, что он сумеет её защитить. К столбу со змием прижимается девушка, прижимает к колонне ребёнка, надеясь таким образом избавить его от болезни. Смятение, отчаяние, страх царят на холсте, и сквозь испуганную толпу идёт пророк Божий – Моисей – воздев свои руки к небу. Рядом с ним, в жреческих одеяниях, Елеазар. Люди укрывают головы плащами, пытаются помочь ужаленным. Пророки же шагают сквозь них напоминанием о том, что они сами избрали свою судьбу и полностью заслужили её.
Однако для зрителя они остаются скорее неправыми. Детей не наказывают, убивая их, и Ветхий Завет в новом времени представляется чрезмерно жестоким, даже немного жутким. Плач под нависающими низко, чёрно-серыми тучами, несущими змеиную грозу. Грозный Бог карает всех тех, кто посмел усомниться в нём, и змеи падают с неба, разворачиваются, ударяясь о землю, и несут возмездие и смерть тем, кто не поверил в то, что за пустыней – лучшая жизнь.
2 картина. «Смерть Камиллы, Сестры Горация»
- Дата создания: 1824 год
- Размеры: 350 х 526 сантиметров
- Место нахождения: Государственный Русский Музей в Михайловском Дворце (Санкт-Петербург, Россия)
Фёдор Бруни – один из наиболее значительных деятелей русской академической школы первой половины XIX столетия. Его отец – итальянец по происхождению – служил в войсках фельдмаршала Александра Суворова, в начале XIX века переехал в Россию, где состоял живописцем при царскосельских дворцах. Окончив в 1818 году петербургскую Академию Художеств, младший Бруни несколько лет жил в Италии. По возвращении он занимал должности профессора и ректора Академии Художеств, управляющего её мозаическим отделением, а также хранителя картинной галереи Музея Эрмитаж. Бруни был избран почётным членом римской, миланской, флорентийской и болонской академий художеств.
Художественное наследие Бруни очень велико. Он писал картины на исторические темы, портреты, исполнял монументальные композиции для Исаакиевского Собора в Петербурге и других церквей. Известность получил нарисованный им с натуры и литографированный портрет поэта Александра Пушкина в гробу, датированный 30 января 1837. Картина «Смерть Камиллы, Сестры Горация» была создана Бруни в Риме. Выставленная там же для всеобщего обозрения она прославила своего двадцатипятилетнего автора совершенством рисунка и композиции.
Сюжет картины заимствован из истории древнего Рима. Это предание о единоборстве между тремя римлянами – братьями Горациями и тремя Куриациями – воинами враждебного Риму города Альба-Лонга. Одержавший победу Гораций с триумфом возвращается в Рим и застаёт свою сестру Камиллу, оплакивающей Куриация, которого она любила. В порыве патриотического гнева Гораций убивает её. Стиль и содержание картины Бруни характерны для нового этапа русского классицизма, испытавшего значительные изменения под воздействием идей романтизма. Формальные элементы сохраняют во многом традиционную схему, и картина в целом напоминает нам финал классической трагедии, когда актёры расположились на сцене красивыми группами.
Композиция её строго упорядочена, фигуры размещены в неглубоком пространстве, параллельно плоскости холста, главный герой расположен в центре. Персонажи картины антикизированы, их позы и жесты вызывают в памяти античные статуи. Движения и мимика действующих лиц с их подчёркнутой патетикой отчётливо иллюстрируют идею произведения. Краски сочетают в себе цвета красного, зелёного, синего и жёлтого без полутонов. Новые веяния века смягчили в картине строгие классические нормы. Бруни придал изображаемому событию больше исторической и психологической достоверности и, вместе с тем, эмоциональной напряжённости.
3 картина. «Моление о Чаше»
- Дата создания: 1836 год
- Размеры: 246 х 134,5 сантиметра
- Место нахождения: Государственный Русский Музей в Михайловском Дворце (Санкт-Петербург, Россия)
Картина «Моление о Чаше» была написана русским художником итальянского происхождения Фёдором Бруни в Риме для церкви в имении сенатора Григория Рахманова. В основу творения легли религиозные мотивы. Чтобы сделать цветовую гамму более насыщенной и выразительной, автор использовал масляные краски. Холст выделяется нестандартным размером, что, вполне возможно, отсылает нас к высоким витражам христианских храмов. На нём Иисус Христос стоит на коленях перед священной чашей. Он уже знает, какие страдания ждут его впереди и какой мучительной казни он подвергнется. Полное скорби лицо и покорно сложенные одна на другую ладони освещены золотыми отблесками, несмотря на сумрак, царящий вокруг.
Его одежда выкрашена в чистый алый цвет, что так же выделяет её на фоне окружающей темноты. Иисус – словно свет во мраке, мессия, последняя надежда погрязшего в собственных грехах мира, и автор подчёркивает это многочисленными художественными приёмами. В свою очередь чаша, в отличие от центральной фигуры картины, изображена не так чётко. Она призрачная, дарующая едва уловимый свет. Для Иисуса единственной надеждой остаётся осознание его предназначения, которое поможет ему принять и тяжёлую судьбу, и предательство одного из учеников.
В своей картине Бруни использовал множество техник академического рисунка и добился целостной, правильно построенной композиции. Работа стала настолько знаменитой, что её несколько раз перерисовывали и другие великие мастера. Повторение этого произведения искусства до сих пор находится в церкви Академии Художеств.
4 картина. «Богоматерь с Младенцем в Розах»
- Дата создания: 1843 год
- Размеры: 64 х 40 сантиметров
- Место нахождения: Государственная Третьяковская Галерея (Москва, Россия)
Образ Богородицы был источником вдохновения для многих художников. Неоднократно обращался к этой теме и Фёдор Бруни. В 1843 году он пишет картину «Богоматерь с Младенцем в Розах», ставшую широко известной благодаря его таланту и совершенной технике. Около каменной ограды лицом к зрителю спокойно стоит молодая Мария. Лучи света освещают нежное и немного отрешённое лицо Богородицы. Она знает об участи, уготованной её родному сыну, и готова к этой жертве во имя спасения людей. В её грустных глазах светятся любовь и смирение. Двумя руками держит она цветок прекрасной белоснежной лилии на длинном стебле – символ чистоты и непорочности.
Белое покрывало, вышитое серебряной нитью, покрывает голову Богородицы, пряча золотисто-рыжие волосы. Переливаясь жемчужными оттенками, оно мягкими волнами падает на спину. Одеяние Мадонны традиционно – хитон яркого красного цвета и накидка глубокого синего тона, украшенная золотой вышивкой. Все цвета на картине имеют своё значение: белый означает чистоту, красный – жизнь, синий – символ божественного, небесного. Покрывало объединяет мать и ребёнка, один его край перекинут через плечо молодой матери, а другой лежит под ножками стоящего малыша, оберегая их от холода камня.
Маленький Иисус Христос, одетый в белую распахнутую рубашку, спиной прижался к Марии, облокотившись на её руку. Золотистые волосы мягкими волнами обрамляют задумчивое лицо. Серьёзный взгляд устремлён в будущее, по-детски пухлые губы печально сомкнуты. Рука, прижатая к щеке, говорит нам о скорби. Перед ними цветут великолепные алые розы – символ любви – божественный аромат разливается в воздухе. Изображение на полотне ограничено стенами арки, но синее небо с серыми облаками, виднеющееся через раздвинутые тяжёлые занавеси на заднем фоне творения, придаёт ему глубину и пространство.
Мастерство художника позволило ему сделать незаметным переходы цвета от одного оттенка к другому. Благодаря этому мы ощущаем реальность скользящего шёлка головного покрывала и тяжесть складок накидки, хрупкость лепестков роз и глянцевую поверхность листьев. Живыми кажутся и Мария с Иисусом. Гармонично сочетаются насыщенные и чистые цвета с пастельными, тёплыми оттенками, создавая лиричное, полное светлой печали настроение. Картина дарит нам умиротворение, готовность к преодолению любых испытаний.
5 картина. «Вакханка, Поящая Амура»
- Дата создания: 1828 год
- Размеры: 91 х 67 сантиметров
- Место нахождения: Государственный Русский Музей в Михайловском Дворце (Санкт-Петербург, Россия)
В центре картины – прекрасная спутница бога Вакха (Диониса в древнегреческой мифологии), которая даёт младенцу, прижатому к ней, испить из золотого кувшина. Вакханка повёрнута к зрителю лицом. Оно обрамлено тёмными волосами с вплетенным в них венком из виноградных листьев. Тонкие брови повторяют форму глаз героини, в них застыли нежность и тихая радость. Мягкие чувственные губы полуоткрыты, на них играет лёгкая улыбка. Верхняя часть тела, немного пухлого, невероятно мягкого, похожего на светлое и нежное облако, полностью открыто. Облик красавицы – потрясающе женственен, наполнен любви и романтизма.
К ней прижимается Амур – пухленький, полный жизни младенец с золотыми волосами, румяными щёчками и сочными алыми губками. Кудряшки его волос по форме напоминают листья винограда на голове вакханки, создавая гармонию и целостность двух персонажей. Золотой цвет кувшина гармонирует с золотом кудряшек. Образы вакханки и Амура наполнены спокойствием, нежностью, тихим счастьем, особой чувственностью и выразительностью. Они изображены на фоне тёмного леса, наполненного таинственностью и загадочностью. Орнамент из виноградных листьев, светлая тропинка, убегающая вдаль, создают перспективу и придают произведению глубину.
Главным средством для передачи настроения служит цветовая гамма. Сочетание светлых, тёплых насыщенных красок с глубокими тёмными оттенками придаёт образам объём. Ощущение нежности, чувственности и любви разрушают расположенные внизу розовые и голубые полотна ткани. Цвет, чётко и резко прорисованные складки, придают произведению некоторую холодность и официальность.