«Зачем делать сложным то, что проще простого».nautilus-pompilius-kazanova
Усвоенные алгоритмы решений иногда лишают возможности видеть веер решений – это присуще и моему рисованию. Зачем «городить огород» с подмалевком, а это в моем варианте наносить и втирать краску в бумагу, когда для сухой пастели есть замечательное решение – цветная пастельная бумага! С учетом этого сразу перехожу к алгоритму ведения работы:
Первый этап. Размышления - представления.
1. При изучении объекта рисования сначала определяем различные цветовые участки – пятна цвета.
2. Оцениваем общее Освещение, (здесь не лишним будет вспомнить каким оно бывает, а все зависит от Источника света) находим и обозначаем Тень, Рефлекс, Свет.
3. Уточняю форму объекта используя элементы перехода от Тени к Свету, вспомни их и Рассмотри, где они расположились, использую самый примитивный рисунок – шар. Думаю, что мне следует потренировать это умение распознавать элементы распределения света по форме предмета на всех элементах выбранной композиции.
4. Объемность изображаемых предметов проявит себя, если использовать такие приемы как: тональная градация, растушевка, слияние тонов. На этом этапе проводим интенсивную мыслительную работу в виртуальном пространстве своей ментальности.
Второй этап. Воплощение. Или «Методика работы сухой пастелью» из скаченной в инете книги с моими комментариями другим шрифтом.
1. Подбираем материалы: цвет бумаги, набор мелков пастели, влажные и сухие салфетки, растушевки, карандаши и все, все, все, что может потребоваться в процессе. Включаем музыку.
2. Два варианта создания рисунка, Линия и Пятно или и то и другое. Лучший вариант выполнять набросок используя свето- теневые градации усиливая или уменьшая нажим на пастельный мелок или то же самое на карандаш
3. Валёр – что скрыто в этом слове? (фр. valeur — цена, ценность; восходит к лат. valer — иметь силу, стоить) — в живописи и графике: оттенок тона, определяющий светотеневое соотношение в пределах одного цвета. Система валёров представляет собой градацию света и тени какого-либо цвета в определенной последовательности. В искусстве живописи достигается техникой лессировки. Подобная система помогает художнику добиться тончайших нюансов и еле уловимых цветовых переходов; более детально представить предмет в световоздушной среде, показать тонкость и глубину колорита. Думается, что сухая пастель поможет мне научиться создавать живописные рисунки не путем добавления одних красок в другие, а используя возможности пастели как сильно концентрированного художественного материала. Белая пастель мне в помощь
Вот зачем мне рисовать? Так мне отвечает учебник по рисованию пастелью: «Суть творческого процесса – стремление создать художественный образ. Это субъективная картина мира художника, и выражается она различными средствами – композицией, перспективой, цветом, тоном и т. д. Пастельная техника имеет ряд особенностей, влияющих на выбор подходов в процессе создания художественного произведения
Основную мысль, наиболее важное в картине, художники выделяют и подчеркивают различными формами, освещением, цветом, контрастами»
4. На этом этапе происходит полное закрытие листа слоем пастели – то, что еще называют Окрас. Работать по большим поверхностям лучше боковой стороной мелков, а для этого необходимо избавится от обертки мелка да еще и разломить мелок. Понятно, что этого делать не буду из-за того, что «птичку жалко» и так материал сыпучий, а если нарушить оболочку, так вообще все мои руки будут в пигменте, совсем как Золушка в начале сказки.
5. Основные задачи:
• задать в работе общую массу освещенных поверхностей и теней;
• придать композиции единое цветовое (колористическое) решение;
• выявить цветовые особенности каждого объекта изображения (человека, предметов, окружения).
После того, как поверхность листа затерта иными словами Заштрихована пастелью, следует начать растирку. Нужно стараться избегать тщательной растирки, отдавая предпочтение решению тоновых отношений. Не стоит часто использовать белый и черный мелки пастели, так как они при смешивании с последующими слоями лишают работу сочности красок. На этом, а это третий этап, нужно стараться работать общими отношениями. Как? Вот так: старайтесь сначала выявить локальные цвета предметов без отвлекающих оттенков и единое освещение. На этом и последующий этапах необходимо не потерять точность построения. Штрих и растирка должны не просто заполнять пространство, их задача выявлять особенности формы.
Для меня всегда была загадка указание препода в художке: «рисуйте по Форме!» Думала: «и как этот горшок по форме рисовать?» Оказалось все достаточно просто: мысленно разбиваем сложный предмет на простые формы, которых не так и много, вспомним школьный курс геометрии: круг, квадрат, треугольник, прямоугольник и т.д. и штрихуем короткими линиями (линии короткие потому что влияние Света учитываю) до того места, где форма меняется с одного вида на другой.
Таким образом, получается, что художнику необходимо научится Одновременно представлять как объект распадется на мелкие формы и как Освещение обозначит на этих формах игру света и тени, бонусом идет: а как окружающие объект предметы влияют на него? Когда это понимаешь, начинаешь ценить этот свой биологический компьютер, который все эти задачи сводит воедино, выявляя значимое и отбросив лишнее.
6. На четвертом этапе уточняются цветовые отношения, начинается проработка наиболее важных участков. Более явно следует показать особенности освещения. Освещение имеет четкую закономерность – свет и тень взаимно противоположны. Если освещение создается лампой накаливания, и свет желтый (теплый), то тень – синяя (холодная), и наоборот. Когда ярко светит Солнце то все будет совершенно по другому. Но это – не точно! Контрастность изображения зависит от интенсивности освещения – чем сильнее освещение, тем сильнее контраст света и тени.
7. Основные задачи четвертого этапа:
• тонально и колористически разнообразить работу. С учетом того, что силу надавливания пастелью на бумаге мы использовали ранее, то два варианта: покупать еще другие наборы пастели в поисках дополнительных оттенков цветов от других производителей, потому что вот те 48 цветов – максимум, что производит эта моя фирма. Второй вариант – «забить» на живописность, ну нет у меня других цветов! Написала и вспомнила про лежащие на пианино забытые коробки с Масляной пастелью. Прочла, в книге, что если немного, то можно их совместно использовать. Выявить наиболее темные и наиболее светлые места, выделить насыщенные оттенки;
• добавить необходимые рефлексы на поверхностях;
• выявить особенности материальности предметов (глянцевые, зеркальные, матовые, шершавые поверхности), добавляя по необходимости штриховку на светах и смягчая тени; • акцентировать передний план, постепенно прорабатывая мелкие детали.
• добиваться мягкости (списанности) краев форм и поверхностей или наоборот, оставить «жесткие» края, верным будет, что в рисунке должно бы присутствовать разные типы краев.
8. Продолжая работу на пятом этапе, необходимо отвлечься от лишних деталей, отойти и посмотреть на сделанное как на единое целое. Не торопясь заметить недоработки, ошибки, требующие исправления. (На всех стадиях для наилучших результатов рекомендуется отходить от своей работы для анализа.) На завершающем этапе автору особенно важно донести смысл работы до зрителя. Художники советуют заканчивать работу тогда, когда действия перестают раскрывать замысел. В пастельной живописи это особенно важно, так как, увлекаясь мелкими недочетами, можно испортить уже хорошо сделанное, повредить поверхность листа. В последнем случае пастель перестанет ложиться на поврежденную область. Исправить подобные ошибки, как правило, можно, применяя смешанную технику (например, нанести на поврежденный участок акварель с белилами).
9. Основные задачи завершающего этапа:
• передать разницу материалов, текстур и фактур в работе;
• акцентировать или смягчить отдельные места по необходимости;
• добиться единства и гармонии всех составляющих картины: цвета, тона, настроения и т. д. Это не просто, но надеюсь справлюсь!
Завершающий этап работы схож с начальным этапом – он требует смелости и цельности видения. Не стоит злоупотреблять большим количеством проработанных деталей, необходимо сконцентрировать внимание на картине в целом, никакая композиция не должна «рассыпаться» на составные элементы равной значимости. Элементы картины должны находится в соподчинении друг другу, подводя внимание зрителя к композиционно-смысловому центру работы. В работе не должно быть ничего неоправданного, перегруженность всегда воспринимается хуже, чем недосказанность, однако при реалистическом подходе не стоит пренебрегать точностью детальной проработки. При этом нужно помнить: мелкие детали, как и мастерство их передачи, не самоцель, хотя и передают фактуру материала, усиливают ощущение плановости. Художественная работа может быть сделана за час или изменяться художником десятилетиями, но по-настоящему ценной она становится, когда выражает гармоничный художественный образ, ваше видение мира.
На такой приятной ноте начну совмещать озвученную теорию с практикой. Не буду рисовать совсем простое и слишком сложное, воспользуюсь своим фото.
