Ретро-фонотека. Выпуск первый.
||| Авторы: Иван Батура / Тимур Лукиянчук |||
Описание сути Рестро-фонотеки читайте здесь
///
При всём желании постоянно двигаться вперёд, порой нас тянет обернуться назад и вернуться к тому, что было. Например, из целей оценить ещё раз альбом, на котором звучание и стилистика Deep Purple поменялись во второй (?) раз и которому в 2024 г. исполняется 50 (!) лет.
///
Пятьдесят лет назад (в феврале 1974 г. в Великобритании и в марте того же года – в США) вышел восьмой альбом Deep Purple. Он ознаменовал очередное революционное изменение в звучании коллектива, чья популярность на тот момент находилась на пике – в первую очередь, благодаря трём альбомам, ставшим общепризнанной классикой рок-музыки. Но у славы, как это обычно и случается, была обратная сторона. Напряжённый график работы, изнурительные гастроли по всему миру, общее опустошение, усталость и, как следствие, недовольство друг другом – всё это привело и к кризису идей. 9 декабря 1972 г. Иен Гиллан пишет письмо в адрес менеджеров группы о своём уходе. Понимающее и сметливое руководство в таком случае прекратило бы турне и дало всем участникам время отдохнуть. Но Гиллана уговорили остаться ещё на пару туров и один альбом. Из звёздного состава Mark II выжимают все соки, но группа всё же находит силы для выпуска неплохого, но уступающего «расцветным» работам Who Do We Think We Are, а также ряда концертов. Итог краха – потеря солиста и бас-гитариста. И если Гиллан ушёл сам, то Роджер Гловер был «выдавлен» из группы усилиями других участников. В этих условиях и начался поиск новых музыкантов.
И если с лидером английского коллектива Trapeze Гленном Хьюзом, которому изначально прочили место басиста, всё было более-менее понятно, то на роль ведущего вокалиста (несмотря на выдающиеся данные Хьюза по этой части, Ричи Блэкмор под стиль группы искал более низкий вокал, с мужественным тембром) рассматривали Пола Роджерса из Free, который отказался, т.к. только что создал Bad Company. Поэтому группа разместила объявление и из множества присланных плёнок выбрала ту, на которой некто Дэвид Ковердейл, тогда ещё никому не известный, выкладываясь на полную катушку, пел Everybody’s Talkin’ Гарри Нильсона.
Вот как он сам вспоминает свою встречу с Гленном:
«С самого начала мы с Гленном идеально подошли друг другу. Наша любовь к американской соул-музыке мгновенно привела к резонансу – сразу же получилось вибратто. Пока другие ушли на перерыв, я начал играть песню, которую сочинил от нечего делать. В ней были мажорные и минорные септаккорды, инспирированные Стиви Уандером. Гленн тут же подключился и начал подпевать мне. У меня просто волосы встали дыбом – с этого момента началось наше сотрудничество».
Запись нового диска проходила в Монтрё (Швейцария), а микширование – в Лондоне. Звукорежиссёром выступил давно сотрудничающий с группой Мартин Бёрч. Он вспоминает, что у всех было отличное настроение, а каждый из музыкантов стремился к совместной работе, сделав в итоге хороший альбом. Что же нас встречает на нём, спустя долгие годы, снова и снова?
Перезагрузка. Впрыск свежей, бурлящей крови. Кипящий рифф заглавной композиции (позаимствованный, кстати, у Джорджа Гершвина и его Fascinatin’ Rhythm), тут же вставшей в один ряд со вчерашней нетленкой команды, пулемётные очереди ударных, разряды мелких молний в гитарно-органном соло (Блэкмор также заимствует фрагменты 24-го каприса Ля-минор великого итальянского скрипача Никколо Паганини), мгновенная запоминаемость и попадание в коллекции любых уважающих себя советских меломанов.
Но если заглавная композиция выполнена вполне в духе прошлого этапа творчества, то уже Might Just Take Your Life несёт любопытные изменения. В палитре эмоций появляются новые краски, прежде всего, вокальные. Композиция как будто медленно растекается аппетитной яичницей по раскалённой сковородке – на жгучей подложке неся нежное содержимое.
На смену рубящей длани и клубящимся завихрениям первозданных рок-сущностей предыдущих четырёх пластинок приходят плавность, чувственность и эмоциональность иного толка. В жанровый поток примешиваются течения фанка, соула и даже джазовые интонации. Самый яркий пример – скоростная, но стелящаяся приятным ветром автострады, You Fool No One (манера пения Ковердейла здесь напоминает Боуи, особенно памятуя и его увлечение соулом).
Ещё одной находкой альбома стал дуэт двух потрясающих голосов, которые и поныне заслуженно считаются одними из узнаваемых и главных в роке. Сладкозвучный, чистый, пафосный, но в строго отмеренной дозе, голос Дэвида Ковердейла (тогда ещё практически новичка), смещающий хард-роковый фокус группы к блюзу и соулу (пока ещё – в малой, но уже ощутимой, части). Вовсю это начинающее дарование раскрывается в Mistread, исполняя тягучую блюзовую вещь про «облом» со стороны молодой особы с надрывом и остервенением. И пронзительный, прорезающий толщи великолепного инструментала, залихватско-летящий вокал Гленна Хьюза. Их сочетание, как бы это цинично не звучало, позволяет почти равнодушно отнестись к уходу Гиланна. Достойная замена. На Burn Хьюз ещё не пытается перетянуть внимание к себе (что он будет пытаться сделать позже, внеся частичку в развал Mark III) – пример этой идеально работающей демократии обнаруживается и на зажигательной Lay Down, Stay Down; и на вьющейся таинственным туманом Sail Away. Певцы делят куплеты на части, а в припевах Хьюз примеряет бэк-вокал, но порой выдают сдвоенные партии (What's Going On Here).
Всего восемь композиций, из которых, пожалуй, только последняя не тянет на роль обязательного и неотъемлемого элемента. Чрезвычайно цельный, сохранивший все сильные стороны традиционного «пэпловского» саунда, но и обогативший звучание новыми оттенками. Как и его культовая обложка с восковыми лицами членов группы (свечи в виде голов были специально изготовлены и подожжены для фотосессии) он всё ещё горит, напоминая об одном из многих поворотных эпизодов в насыщенной истории Deep Purple.
///
P.S. от Тимура
С моей точки зрения, один из самых сильных альбомов Deep Purple, записанных в 1970-ых годах. Не в последнюю очередь он мне симпатичен именно тем фактом, что на Burn группа попыталась разнообразить звучание по-хорошему прямолинейного хард-рока, форму которого они выкристаллизовали на Machine Head. Теперь нам предложили несколько композиций, под которые можно приплясывать. Настойчивое буги Might Just Take Your Life не отпускает на протяжении всего трека благодаря зажигательной перкуссии и роскошному заключительному соло на органе. На Sail Away Джон Лорд выдаёт отличный аккомпанемент на синтезаторе, отдающий клавишными экспериментами Стиви Уандера, который в тот момент и сам находился на пике своей формы. Что тот, что другой трек захватывает с самого начала и призывает трясти ягодичными мышцами, даже если изначально подобного совершать вы не планировали. Интересно, насколько такие пассажи слушатели того времени посчитали допустимыми? Ведь как там говорится, «мужики не танцуют»?
|||
Источник изображений: www.discogs.com
///