Галереи Тейт — это группа художественных музеев в Великобритании, которые вместе представляют собой национальную галерею британского и международного искусства. Включает в себя четыре основных музея: Тейт Британия (Tate Britain), Тейт Модерн (Tate Modern), Тейт Ливерпуль (Tate Liverpool) и Тейт Сент-Айвс (Tate St Ives).
Основателем галереи является сэр Генри Тейт, предприниматель и меценат, который подарил свою коллекцию британского искусства и финансировал строительство первой галереи. С течением времени коллекция значительно расширилась за счет пожертвований и приобретений. В 2000 году, после открытия Тейт Модерн, коллекция была разделена, и каждая из галерей получила свою специализацию.
Галереи Тейт играют ключевую роль в культурной жизни Великобритании, представляя как национальное наследие, так и достижения международного современного искусства. Они привлекают миллионы посетителей ежегодно, способствуя развитию культуры, а также предлагая образовательные программы и поддерживая художников. Галереи Тейт — это не только места для демонстрации, но и важные культурные институции, оказывающие влияние на мировое восприятие британского и современного искусства.
В этой статье мы рассмотрим 15 картин из собрания музея Британской галереи Тейт (Tate Britain).
1. "Офелия"
Изображённая сцена взята из "Гамлета" Шекспира, где Офелия, лишившаяся рассудка после убийства её отца возлюбленным Гамлетом, падает в ручей и тонет. Шекспировские произведения были излюбленным источником вдохновения для викторианских художников, а трагически-романтический образ Офелии особенно часто появлялся на выставках Королевской академии.
Милле начал работу над фоном в июле 1851 года в Юэлле, графство Суррей. Следуя целям Братства прерафаэлитов, он старательно писал, внимательно наблюдая за природой. Фигура Офелии была добавлена позже. В качестве модели выступила Элизабет Сиддал, любимица прерафаэлитов, которая впоследствии вышла замуж за Данте Габриэля Россетти. Ей пришлось позировать в течение четырёх месяцев в ванне с водой, подогреваемой лампами. Однажды лампы погасли, и она сильно простудилась. Её отец угрожал Милле судебным иском, пока художник не согласился оплатить счета врача.
Растения на картине, многие из которых имеют символическое значение, были изображены с кропотливым ботаническим вниманием к деталям. Розы на платье Офелии, а также полевая роза на берегу, возможно, указывают на то, что её брат Лаэрт называл её "майской розой". Ива, крапива и маргаритка ассоциируются с покинутой любовью, болью и невинностью. Анютины глазки символизируют безответную любовь. Фиалки, которые Офелия носит на цепочке на шее, означают верность, целомудрие или смерть молодых — каждое из этих значений может быть уместным в данном контексте. Мак символизирует смерть.
2. "Леди из Шалот"
Картина изображает строки из четвёртой части "Леди из Шалот" поэта Альфреда Теннисона. Стихотворение, впервые опубликованное в 1832 году, повествует о женщине, страдающей от загадочного проклятия. Она живёт в изоляции в башне на острове Шалот, расположенном на реке, вытекающей из замка короля Артура в Камелоте. Ей запрещено покидать башню и смотреть из окна; она может видеть внешний мир только через его отражение в зеркале. Однажды она замечает отражение рыцаря Ланселота и не может устоять, чтобы не взглянуть на него прямо. Зеркало разбивается, и в наказание за свой поступок она отправляется в лодке вниз по течению к Камелоту, "напевая свою последнюю песню", но умирает, не достигнув замка.
Уотерхаус изображает момент, когда она отпускает цепь лодки, глядя на распятие перед тремя свечами. Биограф Уотерхауса Энтони Хобсон упоминает, что у художника был экземпляр собрания сочинений Теннисона, и он покрыл каждую чистую страницу карандашными набросками. Пейзаж на картине реалистичен; она была создана в период пленэрной живописи Уотерхауса. Традиционно считается, что натурщицей была жена художника.
3. "Мастерский замах сказочного дровосека"
Эта незавершённая работа считается шедевром Ричарда Дадда. Картина была написана для Х.Г. Хейдона, сотрудника Бетлемской больницы, куда Дадд был помещён после того, как сошёл с ума и убил своего отца в 1843 году. В июле 1864 года его перевели в Бродмур, и он не успел завершить картину, однако позже написал длинное и бессвязное стихотворение под названием "Устранение картины и её предмета - под названием "Fairy Feller's Master-Stroke", в котором попытался объяснить некоторые образы.
За исключением шекспировских Оберона и Титании, изображённых в верхней половине картины, все фигуры являются плодом воображения Дадда. В центре картины изображён Волшебный человек, который поднимает топор, готовясь расколоть большой каштан, предназначенный для постройки новой волшебной кареты королевы Мэб. Рядом с ним стоит белобородый патриарх, который поднимает руку, приказывая лесничему не наносить удара, пока не будет подан сигнал. Феи внимательно следят за процессом, с нетерпением ожидая, удастся ли леснику расколоть орех одним ударом. Патриарх, похожий на волшебника, носит корону, которая отсылает к Папе Римскому. Дадд видел Папу во время визита в Рим в 1843 году и, по-видимому, был охвачен желанием напасть на него. Крошечный аптекарь в правом верхнем углу картины, размахивающий ступкой и пестиком, является портретом отца художника, Роберта Дадда.
Картина выполнена с мельчайшими деталями, и Дадд работал над ней от шести до девяти лет. Его техника включала создание подробного наброска композиции, а затем раскрашивание каждого объекта по отдельности, прежде чем переходить к следующему. Он использовал довольно густую краску, нанесённую крошечными каплями, придающими поверхности вид булыжника. Странные нарушения масштаба и отсутствие перспективы усиливают фантастическое ощущение картины, а зритель видит происходящее сквозь завесу из веток и травы.
4. "Снежная буря: пароход у устья гавани"
Шедевр Уильяма Тёрнера, возможно, вдохновлён сильным штормом в январе 1842 года, хотя точное время происшествия не установлено. Несмотря на название судна "Ариэль", в этот период не было зарегистрировано ни одного судна с таким именем, потерянного в шторме или вышедшего из Харвича. Тёрнер говорил про картину: "Я нарисовал это не для того, чтобы быть понятым, а чтобы показать, как выглядит такая сцена".
Картина вызвала противоречивые отзывы. Тёрнер был подвергнут критике, что его работа представляла собой лишь "мыльную пену и белила". Критик Джон Раскин вспоминал, как Тёрнер, услышав эту критику, сидел у камина и бормотал: "Мыльная пена и белила! Интересно, на что, по их мнению, похоже море? Жаль, что их там не было".
5. "Великий день Его гнева"
Эта картина является третьей в триптихе Джона Мартина, известном как "Судный день". Вместе с двумя другими панелями, "Страшный суд" и "На равнинах небес", она была вдохновлена апокалиптическими видениями из Откровения Святого Иоанна Богослова, последней книги Нового Завета. Целью Мартина было передать возвышенную и разрушительную силу природы, демонстрируя беспомощность человека перед волей Бога. Из всех его библейских сцен эта представляет самое катастрофическое видение разрушения, изображая целый город, разорванный и поглощённый пропастью.
Кроваво-красное сияние заливает сцену, придавая ей жуткий оттенок. Горы превращаются в гигантские волны камня, уничтожающие всё на своём пути. Молнии разрывают скалы, которые с грохотом падают в бездну, и группы беспомощных людей неумолимо поглощаются тьмой.
6. "Вид на собор Солсбери с луга"
Картина "Вид на собор Солсбери с луга", начатая Констеблом в 1830 году, представляет собой вид с северо-запада, открывающийся на реку Наддер с точки возле пешеходного моста, известного как Длинный мост. На переднем плане слева упряжка из трёх лошадей тянет повозку через реку, справа на лугу пасется скот. В центре переднего плана находится чёрно-белая овчарка, чей взгляд направлен на собор, как бы указывая зрителю путь к зданию или шторму, который разворачивается над ним.
Шпиль собора пронзает небо, заполненное клубящимися облаками. Темная дождевая туча нависает над ним, освещенная молнией, но над всем этим раскинулась радуга, символизирующая надежду на завершение грозы. В то время как деревья на среднем плане слева качаются от ветра, поверхность реки остается гладкой, отражая разноцветное небо. Свежие капли дождя блестят на кустах ежевики.
7. "Плач по Икару"
Икар, сын Дедала, утонул в море, когда летел с Крита над Эгейским морем. Дедал, мифический скульптор и изобретатель, создал крылья для себя и своего сына. Однако Икар, подлетев слишком близко к солнцу, расплавил воск, скреплявший крылья, и погиб. В его честь было названо Икарийское море. Художник всё же изобразил крылья, всё ещё прикреплённые к телу Икара.
Использование мужского тела для выражения субъективных эмоций, как в картине "Плач по Икару", было характерно для поздневикторианской живописи и скульптуры. В этом произведении тело Икара будто растворяется в объятиях одной из нимф. Дрейпер использовал эффекты жидкого света, сохраняя при этом чёткие формы и предпочитая тёплые цвета. Загорелая кожа Икара подчеркивает его близкое приближение к солнцу перед падением, а лучи заходящего солнца на далёких скалах акцентируют быстротечность времени.
Сентиментальная и чувственная картина "Плач по Икару" стала символом эпического провала. Однако удивительно, что крылья Икара изображены целыми, вопреки мифу, где воск растаял, и он упал, размахивая голыми руками. Образ "крылатого существа" используется для создания более символичного и романтического облика.
8. "Джованна Бачелли"
Итальянская танцовщица Джованна Франческа Антонио Джузеппе Дзанерини, известная как Джованна Бачелли, родилась в Венеции и взяла фамилию своей матери в качестве сценического псевдонима. Она стала ведущей балериной лондонского Королевского театра на Хеймаркете, дебютировав там в 1774 году. Пик её карьеры пришёлся на сезон 1780-1781 годов, когда она выступала с Гаэтаном Вестрисом и его сыном Огюстом в нескольких балетах, поставленных Жаном Жоржем Новером. Один из рецензентов того времени отмечал, что на портрете она запечатлена в костюме и позе из балета "Непревзойденные девушки", подчеркнув, что художник постарался передать её яркую внешность и грим.
Бачелли также имела успех в Венеции в 1783-1784 годах и в Парижской опере в 1788 году. Она была последней любовницей Джона Фредерика Саквилла, 3-го герцога Дорсета. Когда её портрет был выставлен в Королевской академии в 1782 году, портрет герцога был изъят из экспозиции из-за этических соображений. Герцог также был покровителем Джошуа Рейнольдса, который написал другой портрет Бачелли в 1783 году.
Портрет Джованны Бачелли является прекрасным примером зрелого стиля Гейнсборо. Художник использовал мелкие, быстрые и лёгкие мазки кисти, чтобы передать движение и характер танцовщицы. Бакчелли была скорее обаятельной, чем красивой, и этот портрет точно передаёт её харизму и обаяние.
9. "Beata Beatrix"
Россетти на своей картине проводит параллели между отчаянием Данте из-за смерти его возлюбленной Беатриче и собственным горем по поводу утраты жены Элизабет Сиддалл, которая скончалась 11 февраля 1862 года. Данте Алигьери рассказал историю своей несчастной любви и печали по Беатриче Портинари в "Новой жизни". Этот текст стал первым переводом Россетти на английский язык, опубликованным в 1864 году в его собственном издании "Ранние итальянские поэты".
Картина изображает Элизабет в образе Беатриче. Её образ создаёт ощущение сна или видения, и наполнен символическими намёками. Россетти стремился изобразить её не в момент смерти, а в состоянии духовного преображения. Она изображена в позе экстаза, с вытянутыми руками и приоткрытыми губами, словно готовясь принять Причастие. На заднем плане картины тёмная фигура Данте смотрит на Любовь, представленную ангелом, который несёт мерцающий огонёк жизни Беатриче.
Вид на Понте Веккьо указывает на Флоренцию, место действия рассказа Данте. О смерти Беатриче напоминает голубь — символ Святого Духа, спускающийся к ней с опиумным маком в клюве. Это также символическое отражение смерти Элизабет Сиддалл, которую Россетти нежно называл "Голубкой" и которая умерла от передозировки лекарством на основе опия. Голубь и фигура Любви изображены в красных тонах, символизирующих страсть, хотя Россетти представлял голубя не как вестника любви, а как смерти.
10. "Эллен Терри в роли леди Макбет"
Эллен Терри, известная актриса и член известной актёрской династии, предстаёт перед нами в роли Леди Макбет, в которой она блеснула в новой постановке "Макбета" сэра Генри Ирвинга на лондонской сцене театра "Лицеум". Для Сарджента, который был восхищен её талантом, она сыграла ключевую роль в их впечатляющем сотрудничестве. На первых портретных сессиях она неохотно позировала, однако после уверенного успеха постановки согласилась на продолжение работы.
На полотне Терри изображена в момент, когда Леди Макбет готовится возложить на себя королевскую корону Дункана. Этот эпизод, не встречающийся в самой пьесе, был создан художником для усиления драматической интенсивности. Критики отметили непревзойденное исполнение роли, подчеркивая "её спутанные рыжие волосы, свисающие длинными прядями, и румяные щеки, что указывает на её северные корни, соответствующие её кричащему зеленому платью, расшитому золотом".
11. "Симфония в белом, №2"
Эта картина, известная также как "Маленькая белая девочка", была представлена Уистлером на выставке Королевской академии в 1865 году. Она изображает молодую женщину в белом, стоящую у камина и смотрящую в зеркало с глубоким вниманием. Её лицо в зеркале создаёт силуэт на фоне морского пейзажа, что придаёт картине атмосферу задумчивости. На её левой руке заметно обручальное кольцо, что подчеркивает её внутреннюю грусть и возможные меланхолические размышления.
Уистлер, возможно, вдохновлялся картиной Веласкеса "Венера Рокеби", где тоже используется мотив отражения лица женщины в зеркале, отличающийся от её реального облика. Поэт Алджернон Чарлз Суинберн настолько был поражён этой картиной, что написал стихотворение "Перед зеркалом". Уистлер, в свою очередь, восхищённый стихами, распорядился напечатать их на золотой бумаге и поместить в рамку вместе с картиной, чтобы усилить её эмоциональное воздействие.
Моделью для этой работы стала любовница Уистлера, Джо Хиффернан, а местом — дом, который они совместно арендовали в Линдси-Роу, Челси. В руках модели — японский веер, специально созданный для европейского рынка, что отражает влияние японской культуры, которой Уистлер был восхищён с ранних лет. Яркие цвета японского веера и декоративных предметов, таких как красный горшок и бело-голубая ваза на каминной полке, добавляют картине яркость и контрастность.
12. "Эпоха невинности"
Эта картина, подаренная Национальной галерее в 1847 году и переданная в дальнейшем Тейт в 1951 году, оставалась одной из самых известных работ Рейнольдса на протяжении многих лет. В XIX веке она часто копировалась и восхищала зрителей своей уникальной композицией и стилем. Картина известна под названием "Эпоха невинности", хотя само это название произошло не от самого художника, а от гравюры 1794 года, которая вторично отразила идею произведения.
Эта работа была представлена на выставке Королевской академии в 1785 году под названием "Маленькая девочка". Современный анализ показал, что "Эпоха невинности" нарисована поверх другой знаменитой картины Рейнольдса, "Девушка с клубникой". Рентгеновские снимки показали, что Рейнольдс оставил некоторые части оригинальной картины "Девушка с клубникой" неизменными, что отражает его технический подход к художественному процессу.
Идентификация модели на картинах Рейнольдса остается предметом дебатов. Возможно, что это была Теофила Гуаткин, внучка племянника художника, либо леди Анна Спенсер, младшая дочь герцога Мальборо, сходство с которой видно в лице на картине. Однако точная личность модели остаётся загадкой, несмотря на различные предположения и исследования.
13. "Гвоздика, лилия, лилия, роза"
Вдохновение для этой картины пришло во время лодочной экспедиции Джона Сарджента по Темзе в Пэнгборне в сентябре 1885 года, когда он увидел китайские фонарики, висящие среди деревьев и лилий. Работа над картиной началась в доме художника Ф.Д. Миллета на Бродвее, Вустершир, вскоре после переезда Сарджента в Великобританию из Парижа. Изначально моделью для картины была пятилетняя дочь Миллетс, Кэтрин, но затем её заменили Полли и Дороти (Долли) Барнард, дочери иллюстратора Фредерика Барнарда, чьи рыжие волосы соответствовали видению художника.
Сарджент использовал естественное освещение и завершал работу вечером, когда сиреневый закат придавал окружающему пейзажу мистический оттенок. Осенью, когда цветы завяли, художник заменил их искусственными экземплярами.
Картина получила своё название от популярной песни "Венок" Джозефа Мадзинги. Название отсылает к стихам песни, которые часто пелись в доме Миллетов, где под музыку друзья и семья Сарджента весело проводили время.
14. "Золотая ветвь"
Картина "Золотая ветвь" представляет собой визуализацию мифологической темы из "Энеиды" Вергилия, сцены с озером Аверн и Сивиллой, держащей золотую ветвь, которая служит проводником Энею в подземный мир. Картина привлекала внимание своей глубокой символикой, включая изображение змеи, ассоциируемой с искушением, и фигуры лисы, играющей под деревом, что вызывает ассоциации с подземным миром.
Символизм и тщательно продуманная композиция "Золотой ветви" подчёркивают влияние классических мифов и литературы на творчество Тёрнера, делая его одним из ключевых произведений художника.
15. "Смерть майора Пирсона"
Картина "Смерть майора Пирсона, 6 января 1781 года" Джона Синглтона Копли является выразительным произведением, изображающим драматическую сцену сражения на Сент-Хелиере, Джерси. В центре внимания находится майор Фрэнсис Пирсон, окружённый британскими солдатами в красных формах, несущими его раненое тело под флагом "Юнион Джек". Вокруг него развивается живая сцена: мать, бегущая с младенцем и еще одним ребёнком, и чернокожий мужчина, борющийся с французскими войсками.
Копли внимательно воссоздал детали окружающей обстановки, включая Королевскую площадь с фигурами и статуей Георга II. Фигура чернокожего мужчины, вероятно, была вдохновлена одним из двух порабощённых слуг, оставленных капитаном Джеймсом Кристи в Лондоне. Этот элемент картины подчёркивает сложные социальные отношения того времени, связанные с рабством и наёмным трудом. Картина не только героизирует майора Пирсона, но и служит символом британской победы, укрепляя доверие к Британской империи в период потери американских колоний.
***
Спасибо, что уделили время для прочтения нашей статьи! Мы надеемся, что Вы нашли её интересной и полезной. Ваше внимание и поддержка значат для нас очень много. Вы можете поддержать развитие канала по ссылке:
Если Вы ещё не подписаны на наш канал, то подпишитесь, чтобы не пропускать новые публикации.
Мы также приглашаем Вас ознакомиться с другими статьями:
#галереятейт #искусство #картины #музеи #тёрнер #рейнольдс #сарджент #уистлер #лондон #гейнсборо