Я много лет наблюдаю как духовно ориентированные люди растут в разных направлениях. Это не может не радовать. Люди начинают разбираться всё в более широком круге знаний и успешно применять их на практике. Тут и психология, и вопросы питания и здоровья, и строительство, и шитьё, и эзотерика. Чего только не изучают сейчас люди, но, главное, в любой из тем ярко звучит вопрос всё большей ЭКОЛОГИЧНОСТИ. Однако я, как специалист, ясно вижу, - есть всё же тема, где сильно провисает "техническая часть" и та самая экологичность. Иногда даже у тех, кого я искренне считаю своими духовными учителями и проводниками в мир глубоких знаний о мире, конкретно данная тема остаётся на уровне "нравится - не нравится"... Сложно сказать, почему так происходит, ведь у людей бывают очень разные задачи на земное воплощение. И всё-таки что же это за тема? Сформулирую её так - ЭКОЛОГИЧНОСТЬ В МУЗЫКЕ. Даже люди с хорошо развитым вИдением тонкого плана часто совершенно не ориентируются в технических тонкостях процесса создания, а самое главное, - влияния музыки. Многие тонкие и глубоко чувствующие люди часто по-детски наивно ловятся на хитро расставленные в современной музыке "ловушки" и крючки. Ведь сейчас аудиторию буквально "прикармливают", как рыбку в пруду. Но мы это редко осознаём и часто хорошими песнями считаются те, в которых просто "хороший"... текст. А сама музыка - это фон для текста, а что же ещё? И даже достаточно осознанные люди иногда "залипают" на определённых стилях музыки, не в состоянии до конца понять её воздействие на своё подсознание.
Я наблюдаю этот процесс уже много лет. И со временем я это приняла, ведь, возможно, многим людям сейчас просто не до этого. Но всё-таки искренне хочу поделиться своим более глубоким видением этой темы.
Честно, не знаю, откуда у меня настолько тонкое чувствование любой технической мелочи в музыке. Но эту статью я собиралась дописать ещё год назад. Сомневалась, надо ли, но даже через год чувствую - да, я хочу этим поделиться. Этот текст - продолжение серии моих прошлогодних видео-уроков. Он насколько объёмный, что тянет на маленькую книгу, поэтому для удобства я разбила эту статью на части.
Итак, есть способы "повысить вибрации" музыкального произведения и сделать его более экологичным. Речь, конечно, не о том, чтобы выполнить все пункты сразу и одномоментно. Это и невозможно чаще всего. Но они могут послужить вам ориентиром в огромном и запутанном мире музыки.
20 правил:
1) "Быть самим собой и иметь своё место"
Это значит, что у каждого инструмента и голоса есть своя частотная ниша, никто никому не мешает. Всё читаемо и ясно. Скрипка звучит как скрипка, бас как бас. При этом есть разные "пласты" по громкости: чёткий передний и задний план. То есть, всегда на чём-то держится фокус внимания слушателя, остальное - фон. Как на профессиональной картине или фото. Например, такое встречается в классике и предполагает очень профессиональную и удачную аранжировку и исполнение, а в случае студийной работы - качественные звукозапись и сведение. Неважно, сколько звучит голосов/инструментов - два или сто двадцать два. Правила одни. Каждый играет свою уникальную роль и играет её хорошо. Задний план не пытается "спорить" с передним, поэтому внимание слушателя собрано на важном и не размыто.
С этим пунктом особенно сложно у начинающих, ведь так хочется утрамбовать в 3 минуты песни все до единого свои умения и таланты и чтобы всё и сразу кидалось в глаза. И как это - увести моё сверхважное "пиу-пиу" на задний план?!
2) "Мелодия в главной роли"
В фокусе нашего внимания находится именно МЕЛОДИЯ или гармоничное сочетание нескольких мелодий.
От мелодии колоссально зависит то, что чувствует и думает слушатель. Она - сердце музыки и её душа. Весь образ произведения опирается на мелодию, аккомпанемент - на втором месте. Поэтому, нигде аккомпанемент не "перечит" задаче мелодии и не глушит её.
Ударные, если они есть, гармонично вписаны в канву произведения и выполняют роль аккомпанемента.
Но в современном мире этот пункт страдает и очень сильно. Например, тонны современной клубной музыки замешаны на сплошных "сгустках" из ритм-секции и баса, и абсолютно точно не ставят своей целью донести какой-либо "образ" до слушателя. Место, где у человека эти самые образы формируются - буквально "отключается" от шквала электронных ударных и сверхнизких частот. Вместо мелодии, кстати, часто звучат обрывки из пары нот, и нагромождение синтетических, "роботизированных" звуков. Не хочется обижать ещё больше людей, но разговор и речитатив под музыку - мелодию также не создают:) Но если вы искренне считаете, что я зря "гоню волну" на всё модное, попробуйте "посчитывать" ОБРАЗЫ с drum&bass, house, trance, techno и прочего.
3) "Бас - фундамент, а не крыша или окна"
Повторюсь - бас и все инструменты басового регистра - это такой же аккомпанемент, как и ударные! Единственное исключение - бас, который ведёт основную мелодию. Но слишком громкий, резкий или без смысла "импровизирующий" бас может убить любую песню. А сейчас, к слову, вообще модно импровизировать, просто чтобы доказать всем что ты крутой музыкант и умеешь быстро перебирать пальцами. Поэтому бас, если он есть, в адекватном произведении выполняет свою "базисную" функцию, даже если нужны элементы импровизации. Также правило "бас = часть аккомпанемента" касается и способов его звукообработки. В противном случае низ "пробивает", как ледокол, все слои песни и "захватывает" территорию (а заодно и мозг слушателя) себе.
4) "Плавность - равно цельность"
Это означает мелодичность и плавность переходов из ноты в ноту даже в быстрых и активных произведениях. Это очень хорошо слышно в большинстве произведений первой половины и середины 20 века. Независимо от стиля и жанра, вокалисты, например, считали совершенно естественным попадать в ноту не "сразу", а на "глиссандо" " - снизу вверх. Этот "подъезд" на ноту мог быть длинным или совсем коротким, но он присутствовал почти всегда и везде в музыке на всех континентах. Эта же плавность была у и любого начала музыкальной фразы, вступления в первую ноту. Никто на нотку не "запрыгивал"(!) резко сверху, как повсеместно учат современные педагоги. Но, начиная с 90-х годов, это правило плавности сохранилось с большего только в классической музыке и считается в поп-"культуре" чем-то вроде пережитка прошлого. Однако именно эти "микро-подъезды" к ноте как в инструментальных, так и в вокальных партиях создают ощущение непрерывности, цельности образа и чувства. Плавность и связность также убирает клиповое мышление, человек учится из "бессвязных" кусочков составлять мозаику.
Для примера послушайте любые песни 40-50х годов в оригинале, а затем в современном исполнении, и вы услышите эту разницу.
5) "Громче-тише - так музыка дышит"
Динамическое "дыхание". То есть спады и подъёмы по громкости.
Как и в речи человека, так и в музыке есть более громкие и более тихие места. Это всегда звучит более естественно, чем разговор на одной громкости. Стоит помнить об этом и на репетиции, и в момент звукозаписи и сведения. "Да не убий в песне динамику" - должно висеть у каждого звукорежиссёра над компрессорами ( приборами, "выравнивающими" громкость).
Современные же стили поголовно соревнуются в игре - "чья песня громче", попутно превращая холмистую задумку многих произведений в унылое плоскогорье "модного трека".
6) "Средства работают на цель"
Одна из задач музыки - вызвать у слушателя определённое целостное состояние, а не доказывать что-то и постоянно впечатлять чудовищными экспериментами. Грубо говоря, даже самый экстравагантный по рецепту салат всё же отличается от содержимого мусорного ведра. Сейчас же время тотальной эклектики и стирания любых границ, правил и смыслов. И здесь каждого заносит в свой кювет. Например, яркая африканская перкуссия - в аккомпанементе к русской народной песне. Думаю, раз такое возможно, то гусли вполне себе подойдут, чтобы выразить суть коренного населения Танзании…
Хотя сейчас многие со мной не согласятся: ведь это же "прикольно" - ...запивать молоком солёные огурцы.
7) "Смысл - в каждой мелочи"
Если мелодия - это Душа, то аккомпанемент - тело произведения. И любые процессы в нём должны быть слажены и обоснованы. Например, любая смена аккорда, тональности, лада, тембра обязательно имеет смысл! Каждая новая гармония, новый тембр или звук - только помогает ещё больше раскрыть цельный образ и задумку автора. Когда нет ничего "просто так", "для красоты", "так модно", "так круто", «просто нравится и всё» - это зрело и мудро.
Гениальное - это не когда нечего добавить, а когда нечего убрать.
8) "Долой "ядовитый" верх!"
Это значит, естественное, мягкое звучание всех высоких и ультра-высоких частот.
Особенно, это правило касается процесса звукозаписи и сведения. Ведь современные технологии позволяют делать с "верхом" что угодно и задирать его "до небес". То же правило касается и живого исполнения. Ибо, например, некоторые барабанщики-импровизаторы уверены, что если у них на стойках что-то висит, оно обязательно должно звенеть от начала до конца композиции. Висит 10 тарелок? Чудесно, тем веселее будет!
Вывод: здорово, если в произведении нет "яда" и ничего не "торчит" не в ту сторону:)
9) "В 432 Гц - реально "человечнее""
Да, строй в 432 Герца более гармоничен и больше соответствует нашей природе.
Искренне надеюсь дожить до тех времён, когда эта тема станет предметом серьёзных научных исследований и опытов и все результаты будут широко обнародованы. Хотя, кому надо, уже давно в курсе и свои исследования провёл. Дело в том, что строй в 432 Гц воспринимается человеком как более мягкий и естественный. А, популярный с середины 20-го века, строй в 440 Гц - как более резкий, раздражающий. Проверила это утверждение неоднократно на себе, ибо сама много лет пела и играла в 440, а затем мы с мужем перешли на 432 - и мне есть с чем сравнить. Уровень "душевности" произведения сильно зависит от этого. И да, 99,9 современной популярной музыки написано в 440 Гц, а иногда и выше.
10) "Без фальши - значит, ЧЕСТНО"
Обязательная чистота звучания. Отсутствие музыкальной фальши как отсутствие фальши душевной, когда мысли, чувства и действия - заодно.
По-простому: если каждый находится полностью в нужном актёрском образе и обладает достаточной для этого технической компетенцией, фальш исчезает сама. Кстати, грязь в вокале часто указывает на сильные физические зажимы, мышечные и энергетические блоки в теле у вокалиста. Соответственно чистое пение легче даётся людям с более здоровой энергетикой. Хотя здесь есть нюансы, но это тонкая, более эзотерическая тема и глубоко её касаться не буду. Только кратко: музыкант ( даже не совсем здоровый физически и психически) может быть проводником разных сил и эгрегоров и ему может выдаваться некий "кредит" навыков и энергии для выполнения им определённой задачи. И отключи человека от этого "банка-кредитора", и он уже не сведёт концы с концами, то есть станет существенно хуже петь или играть. Доказать этот нюанс чисто объективно не могу - поэтому он для индивидуального размышления.
Продолжение следует.
Ссылка на предыдущую статью: