В академической музыке, с самого начала ее истории, всегда существует и, вероятно, будет существовать только одна разновидность творческого объекта – музыкальное произведение. Это общепринятый научный термин, хотя в разговорной речи часто встречаются еще два распространенных названия - "сочинение" или "опус". Музыкальным произведением называется завершенный результат композиторской деятельности, имеющий целостность формы и содержания и ограниченный культурными и историческими рамками. Этот объект состоит из четырех основных компонентов – музыкального жанра (заданные условия), авторского замысла (содержание), нотной фиксации (текст) и музыкального восприятия (исполнительская и слушательская трактовка).
Авторский замысел – наиболее таинственная сторона любого произведения искусства, в т.ч. и музыкального произведения. Принятое в искусствоведении определение авторского замысла такое: «Это первая ступень творческого процесса, возникающее в воображении автора до начала непосредственной работы представление о содержании и форме будущего произведения, его основных чертах и свойствах; первоначальная схема будущего произведения»[1]. Музыка располагает особыми средствами выражения содержания – звуками определенной высоты и приятного для слуха тембра, которые должны воздействовать на слушателя как по отдельности, так и во взаимоотношениях во времени и пространстве ("музыкальной ткани"). Исходя из знания условий этого воздействия, которые исторически сложились в их сегодняшние формы и жанры – композитор воплощает свой замысел, отшлифовывая и редактируя нотную запись и исполнение на инструменте до тех пор, пока она не будет максимально точно соответствовать его представлению выражения замысла. Но сам механизм появления замысла в воображения является тайной даже для самих композиторов. Этому состоянию есть множество названий – вдохновение, инсайт, озарение, пришествие музы, божественное откровение – но ни одно из них не является научным термином, который можно расшифровать и разъяснить.
Тем не менее, можно с полной уверенностью утверждать одно: авторский замысел несет в себе художественное содержание. Оно зависит от многих факторов – жизненного опыта композитора, общественного контекста возникновения замысла, условий музыкального жанра, и различных других условий; малейшее изменение в душевном или даже физическом состоянии композитора повлияет на его авторский замысел. Например, названия произведений «Каприччио на отъезд возлюбленного брата» (И.С. Бах) или «Ярость по поводу потерянного гроша» (Л. ван Бетховен) говорят сами за себя. Содержание произведения связано с формой: как можно догадаться, более крупные сочинения имеют более серьезное содержание, но даже это не является правилом: фортепианные миниатюры композиторов эпохи романтизма – Р. Шумана, Ф. Шопена, Э. Грига – при своих небольших и даже откровенно миниатюрных формах имеют весьма глубокое философское содержание - как говорил Бальмонт, "В каждой мимолетности вижу я миры...". Музыка имеет очень большой набор выразительных средств, о которых более подробно будет сказано в одной из следующих глав, а также их комбинаций, и все они могут послужить композитору в его замыслах. Каждое из этих средств, как единица музыкального языка – будь то мелодическая интонация, ритмический рисунок, количество голосов, тембр инструмента или что-либо еще, имеет свое собственное маленькое содержание, или семантику. Семантика (от греч. «обозначение») – это смысловое значение единицы языка, на которое человек реагирует определенным образом. Знание этих маленьких смыслов и помогает слушателю правильно понять авторский замысел, а композитору – в наилучшей степени выразить его.
Нотная запись, или нотация – это система фиксации музыки с помощью специальных письменных знаков. Нотная запись музыкального произведения – это единственный способ для композитора передать свой замысел исполнителю, а также сохранить его для истории. На протяжении веков существовало много видов нотации, но современная пятилинейная тактовая нотация является наиболее информативным способом записи музыки. Она обеспечивает фиксацию как интонационной - мелодической, так и временной - ритмической стороны музыки, а также запись отдельных элементов исполнения - штрихов, динамики. Пять линеек нотного стана и промежутки между ними привязаны к ступеням заданного звукоряда.
Основными символами нотации являются ноты, высотные ключи и знаки повышения и понижения ноты (диезы, бемоли и отменяющие их бекары). Нота, написанная на линии или между линиями, определяет относительную высоту звука (чем выше расположена нота на линиях, тем выше звук) и его длительность. В нотации принято бинарное деление длительностей нот, т.е. разделение каждой из возможных длительностей, начиная с целой ноты (пишется как незакрашенный овал без штиля) ровно надвое. Так в одной целой ноте укладываются две половинные длительности, в половинной - две четверти, в четверти - две восьмые и т.д. Группируются длительности с помощью размера - математической пропорции, принимающейся в начале музыкального произведения как постоянная величина и обозначающей заданное количество тех или иных длительностей в такте - например, две четверти (2/4), три четверти (3/4), шесть восьмых (6/8) и множество других различных вариантов. Верхняя цифра дроби означает количество долей в такте, а нижняя – основная длительность этих долей.
Ключ определяет абсолютную высоту, так как каждый из них привязан к определенной ноте. Скрипичный ключ, самый знаменитый из них, символ музыки, соответствует ноте соль первой октавы и пишется на второй линейке снизу. Басовый ключ, рассчитанный на нижний регистр, привязан к ноте фа малой октавы и пишется на второй линейке, считая с верхней. Существует также ключ до, менее известный простому обывателю, но хорошо знакомый альтистам, саксофонистам и некоторым другим инструменталистам; он соответствует ноте до первой октавы, но отличается тем, что может быть написан на любой из пяти нотных линий, в расчете на тембр инструмента или голоса; ключ до, написанный на центральной линейке, распространен более всего и назван "альтовым". Каждый из ключей задает определенную высоту той строчки, на которой он расположен, и делает ее исходной координатой для всех остальных нот.
Что касается знаков повышения и понижения, то их назначение – указать на повышение или понижение определенной ноты на половину тона, целый тон или четверть тона по отношению к исходной высоте ноты, заданной ключом. Наличие полутонов и четвертитонов значительно обогащает музыкальную палитру и способствует выражении большего количества нюансов художественного содержания. Существует три основных знака альтерации – диез (♯, знак повышения), бемоль (♭, знак понижения), и бекар (♮, знак отмены действия). Также есть и другие знаки, например дубль-диез и дубль-бемоль, и особые знаки для четвертитоновых изменений. Знаки альтерации ставятся в нотном тексте перед нотой (в таком случае их действие распространяется до конца такта), или при ключе (т.н. «ключевые знаки») – тогда их действие распространяется на все музыкальное произведение, определяя его тональность - или до их отмены при смене тональности.
Кроме нот, ключей и знаков, в пятилинейную нотацию входят также тактовые черты разных видов, символы для обозначения группировок нот, особых ритмических рисунков, звуковой динамики, пауз, разделов музыкальной формы («фонари», «da capo al fine» и др.) и исполнительских штрихов. Темп игры, т.е. скорость звучания музыки, обозначается специальными, сложившимися в эпоху барокко итальянскими обозначениями (напр. allegro, andante, adagio, largo), или обозначениями количества определенной длительности в минуте (♪ = 60). Более точные указания по исполнению делаются с помощью авторских ремарок.
Музыкальное восприятие – это психологический опыт исполнения и слушания музыки, переживание эмоций и размышления, происходящие для понимания авторского замысла. Это последний этап появления на свет музыкального произведения, такой же необходимый, как и рождение замысла и запись. Все люди, не имеющие композиторского дара, делятся на три условные группы – музыканты-исполнители, профессиональные слушатели и простые слушатели. Музыканты – это специально подготовленные люди, обученные петь, танцевать в балете, играть на музыкальных инструментах или дирижировать оркестром; только у них есть достаточно навыка, чтобы воплотить авторский замысел в жизнь. Бывает и так, что сам композитор является исполнителем своих сочинений – в этом случае вероятность правильной подачи содержания наиболее велика. Но если в исполнении задействованы другие музыканты, изменение замысла, хотя бы небольшое, неизбежно – поскольку у каждого исполнителя есть свой эмоциональный и профессиональный опыт, свои приемы исполнения, свои музыкальные вкусы, и все это наряду с более мелкими факторами будет влиять на каждое последующее проигрывание. Опытные музыканты умеют пользоваться всеми этими факторами для улучшения качества исполнения и создания собственной исполнительской интерпретации авторского замысла, которую иногда называют "вторым творением".
К категории профессиональных слушателей относятся, как правило, те же музыканты-исполнители, на данный момент не задействованные в концерте. Также это могут быть другие композиторы, музыкальные ученые, музыкальные критики, музыкальные просветители – все, кто так или иначе связан с музыкальной сферой, знает семантику музыкального языка и может определить стилевую и жанровую принадлежность произведения.
В профессиональных музыкальных кругах большое значение имеет феномен абсолютного слуха – врожденного умения определять на слух без настройки точную высоту тона. Это умение проявляется довольно редко даже среди музыкантов - согласно статистике, абсолютным слухом обладает всего 0,005% населения планеты. Восприятие музыки людьми с абсолютным слухом и музыкальной подготовкой отличается от обычного слушания музыки: каждая нота слышится ими в отдельности, как бы произнося свое название, что затрудняет получение целостного впечатления от музыкального произведения. Но это свойство слуха особенно ценно для самих музыкантов, учителей музыки и музыковедов, так как помогает сохранять чистую интонацию при пении и или игре на инструменте. Также абсолютный слух облегчает музыкальный анализ – т.е. выделение и изучение отдельных компонентов музыкального языка с целью более глубокого понимания авторского замысла.
Простыми, или непрофессиональными слушателями являются абсолютно все люди на планете, не относящиеся к профессиональной музыкальной деятельности – потому что нельзя представить, что хотя бы один человек никогда в жизни не слышал никакой музыки. Восприятие музыки людьми, прежде всего, связано с их собственным эмоциональным и интеллектуальным опытом: чем больше человек испытывал в своей жизни эмоций от совершенно различных аспектов жизни, чем больше жизненных аспектов, идей и знаний ему знакомы, тем наиболее глубокое музыкальное содержание он будет способен понять. Музыка изначально и имеет цель воздействовать на слушателя через его эмоции, поскольку сама является воплощенными в звуках эмоциями. Музыка может передать душевное состояние гораздо лучше, чем слова или изобразительные искусства – но для этой передачи необходимо, чтобы приемник, разум слушателя, был настроен на верную частоту. Распространенное в последние десятилетие понятие «фоновой музыки» связано именно с тем, что большая часть заложенного автором содержания уходит в мировое пространство, не задев струны ничьей души, или же это такая музыка, которая изначально не предназначена задевать эти самые струны.
Обычно инструментальные музыкальные произведения носят названия, соответствующие названию жанра - напр, Пятая симфония, Второй концерт, Прелюдия и фуга, Мазурка, Сюита и т.д. Но иногда, гораздо реже, композиторы дают им сюжетные названия. Таковы, например, симфоническая сюита "Шехерезада" Н.А. Римского-Корсакова, увертюра "1812 год" П.И. Чайковского. И конечно, названия имеют вокальные, хоровые и театральные произведения. Некоторые произведения могут сочетать в себе несколько жанров - в виде последовательных пьес в рамках цикла (напр. сюиты), или даже объединяя признаки нескольких жанров в одном произведении. Например, цикл прелюдий Шопена содержит 24 небольших разнохарактерных пьесы, среди которой нет ни одной с повторяющимся содержанием: разница в содержании обеспечивается, помимо все прочего, скрытыми признаками разных жанров, например мазурки, полонеза или марша. Однако прелюдия - отдельный жанр, хотя и достаточно свободный, но все же имеющий собственный жанровые признаки, отличающиеся от вышеназванных. Музыкальный прием, описанный выше, называется «жанровыми истоками тематизма» - т.е. в музыке, в темах определенного произведения, которое не заявляет в названии определенный жанр, появляются признаки этого незаявленного вторичного жанра.
Существуют и противоположные приемы, при которых признаки жанра, заявленного в названии, намеренно искажаются или даже почти исчезают. Иногда эти изменения имеют комический или игровой характер – наиболее характерным примером являются «Марш деревянных солдатиков» из «Детского альбома» Чайковского. А иногда эти изменения могут быть, наоборот, преувеличены до уровня гротеска или для внушения ужаса – как тема вариаций из 1-й части «Ленинградской симфонии» Шостаковича.
Когда композитор создает сочинение, он всегда стоит на распутье – либо выбрать подходящий по замыслу жанр, либо модифицировать имеющийся жанр в соответствии с замыслом, либо создать нечто совершенно новое. Каждый из трех путей, так или иначе, становится для композитора творчески определяющим – по крайней мере, на определенном жизненном этапе. Например, огромное количество симфоний и сонат, написанных Гайдном и Моцартом, обусловлено именно тем, что они работали по готовой жанровой модели, которая их трудами постепенно развивалась. Но этот путь вовсе не ограничивал композиторов ни в чем, и гениальность их позволяла создавать по моделям подлинные шедевры.
Ближе к XIX веку композиторы начали тяготиться ограниченными условиями своего творчества – в частности, появилось понятие «свободного художника», т.е. автора, который не работает на определенного хозяина-заказчика всю жизнь (а именно эта форма музыкальной деятельности практиковалась в XVII-XVIII вв.), а создает музыку, исходя только из собственных побуждений (хотя может принять и сторонний заказ). Такой подход позволил появиться особому роду композиторов – жанровых реформаторов. Одним из первых подобных реформаторов был Кристоф Виллибальд Глюк (1714-1787) – венский оперный композитор, изменивший подход к содержанию и музыкальному языку жанра итальянской оперы-seria, усилив их драматургическую взаимосвязь. В XIX же веке все крупные композиторы, так или иначе, были реформаторами или даже создателями новых жанров, возникших на основе старых – например, появились жанры «песня без слов» Ф. Мендельсона, «симфоническая поэма» Ф. Листа, «музыкальная драма» Р. Вагнера и множество других. Но при этом в создании новых жанров композиторы все равно опирались на уже известные им традиции.
В XX веке наиболее популярным среди композиторов стал третий путь – создание абсолютно новой музыки. Примерами может послужить творчество «нововенской школы» - А. Шёнберга, А. Берга и А. Веберна, которые развивать в своем творчестве новые техники композиции - атональность и додекафонию, или балеты Стравинского с их «полифонией пластов», или минималистическое творчество Филипа Гласса, или электронные композиции П. Шеффера или К. Штокхаузена… XX век обладает таким огромным разнообразием новых жанров и техник музыкальной композиции, что его по праву называют «эпохой стилей». Тем не менее, многие композиторы по-прежнему остаются приверженцами старых жанров, и даже возрождают старинные, вышедшие из употребления жанры средневековой и барочной музыки (например П. Хиндемит, В. Мартынов). Из этого можно сделать особый вывод: определенный жанр не может исчезнуть, пока не исчезли все изданные экземпляры и все аудиозаписи исполнения всех музыкальных произведений, написанных в этом жанре или имеющих истоки тематизма, связанные с этим определенным жанром, пока не исчезли все исполнители, когда-либо игравшие произведения в этом жанре, все книги и статьи, в которых записаны научные наблюдения за данным жанром, т.е., не может исчезнуть, пока существует культура, породившая его.
Выводы:
1. Музыкальное произведение есть единственно возможный носитель художественного образа в академической музыке.
2. Музыкальное произведение есть совокупность: 1) авторского замысла (содержания), 2) жанра (системы средств музыкальной выразительности и формы), 3) нотного текста и 4) восприятия (исполнения и прослушивания).
3. Смысловое содержание присуще не только музыкальному произведению в целом, но и отдельным его элементам.
4. Наиболее точной системой для записи выражения музыкального содержания и всех средств музыкальной выразительности является пятилинейная тактовая нотация.
5. Люди могут воспринимать музыкальные произведения по-разному; каждый имеет свой собственный индивидуальный уровень музыкального восприятия.
6. Чем ближе к сегодняшнему дню, тем свободнее композиторы относятся к построению музыкальных произведений.
Спасибо за внимание! Подписывайтесь, ставьте лайки!
