Леонардо да Винчи считал живопись царицей искусств. Её образные возможности, её художественный язык, в основе своей природы имеют цвет. Исторически этот вид искусства сложился, как художественное освоение пространства (плоскости) - через создания на нём цветного изображения красками. Живописные технологии освоения пространства в разные эпохи и времена были различными, но сама суть – освоения плоскости - не менялась. Менялись взгляды на задачи, стоящие перед живописью, но ничто не могло помешать главному в существовании этого вида искусства – художественному осмыслению мира, своими специфическими средствами.
Что есть художественные критерии произведения живописи? В чём их суть и смысл, признаки и особенности? Что определяет художественность и, как убедиться в том, насколько это более или менее художественно?
И по сей день, эти вопросы остаются насущными и ответы на них, возможно, необходимо искать в природе, - как искусства вообще, так и конкретного вида в частности.
О живописи, как о виде изобразительного искусства, известно много. О ней говорят и пишут, снимают фильмы. Существует много методов и способов объяснения живописи.
Конечно, в разном возрасте, её и понимают по, разному. Взрослые, понимают её по-своему, дети – по-своему. Это нормально, потому что, каждому возрасту присущи свои знания, своё понимание – того или иного явления. Живопись - вид искусства, обладающий весьма сложными характеристиками. Для живописца, их знание и понимание, постигаются в течение длительной, кропотливой работы над технологией, осмыслением целей и задач стоящих перед ним.
Иногда, о живописи говорят, что она гладкая: имея ввиду гладкий, тонкий, мазок, почти невидимый и превращающий изображение в очень гладкую, тонкую поверхность.
Иногда говорят, что живопись пастозная, - мазок большой объёмный, высоко поднимающийся над поверхностью плоскости, которая выглядит – если можно так сказать - шершавой, неровной.
Живопись может быть гладкой, пастозной, может быть какой угодно – главное, чтобы она была ЖИВОПИСЬЮ.
Но, что, под этим понимать? Качество? Наверное. Но тогда, что из себя, представляет содержание этого качества, каковы его критерии? Почему есть признанные, великие мастера, и просто – художники? Какая между ними разница? Вопросы - ответы на которые, требуют анализа этого вида изобразительного искусства.
Совершенно не претендуя на АНАЛИЗ ( я не совсем понимаю, что это такое – в ИСКУССТВЕ), попробую высказать свои суждения, накопленные за многие годы работы с детьми, в художественном музее.
Прежде всего, нельзя не согласиться с тем, что ЖИВОПИСНЫЙ ОБРАЗ, обладает определёнными, только ему, присущими свойствами. Какими?
Ну, например, он - постоянен. Это означает – что он недвижим, неизменен, и существует, как единое целое в постоянном пространстве, которое не изменяется.
Действительно. Художник закончил работу, отложил кисти в сторону. Через некоторое время краски высохли, и всё - картина начинает жить. Она начинает жить для зрителя. Она уже никогда не измениться, будет жить, как самостоятельное, самоценное, законченное произведение, если только с ней ничего не произойдёт и она, не попадёт в руки реставратора или другого художника – тогда изменения могут быть - это понятно.
Не повезло «ДАНАЕ» Рембрандта,
не повезло «ИВАНУ ГРОЗНОМУ» Репина, - придурки, к сожалению есть.
В идеале, живописный образ на плоскости, всегда будет постоянным и неизменным. Это будет столько лет, сколько отпущено картине её судьбой. Мы знаем, что в музеях, некоторые картины живут не одну сотню лет. Время от времени, они попадают на стол реставратора, но продолжают жить как образ, когда-то созданный художником и находящийся в определённом постоянстве - изображён момент, который в силу своей специфики, - изменить нельзя, невозможно. Автор так задумал, так сделал, так у него получилось и осталось на века. Хотя понятно, что бывает всякое - многое погибает и пропадает - по разным причинам.
А теперь, давайте поговорим о родовой УСЛОВНОСТИ живописи. Это один из важнейших критериев для понимания характерных особенностей этого вида изобразительного искусства.
Под родовой условностью, я понимаю некий ДОГОВОР художника со зрителем, который выражается в том, что зритель соглашается с тем, что перед ним, на изобразительной плоскости - всего лишь - ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ ОБРАЗ. Он может рассматривать его и размышлять о нём с разных точек зрения, но он всегда должен помнить о том, что это - ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ ОБРАЗ.
Это важно: потому что качественная оценка произведения, не может, не включать в себя, понимания того, что всё, что мы видим на изобразительной плоскости - вымысел, фантазия, сочинение – ХУДОЖНИКА.
И, на какие бы фактологические источники он не опирался - ВИДИМОЕ, ЗНАЕМОЕ, - на плоскости, всё, создаётся его глазами, его головой, его руками.
И уже в раннем возрасте, об этом, надо, как-то пытаться ( ну, кто, как умеет) говорить с детьми. Ребёнок должен понимать, что на картине, кроме собственно ИЗОБРАЖЕНИЯ, ничего настоящего быть не может. Настоящее – только сама картина, краски на ней, холст под красками (возможно, другой материал), подрамник, рама - и всё. Ребёнку надо так и говорить: - Видимое изображение, это ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ ОБРАЗ.
При каждом рассматривании картины, это надо повторять всегда, (как при освоении букваря – мы постоянно повторяем буквы). Надо порождать в голове ребёнка понимание того, что увиденное на картине - не, настоящее, а всего лишь – изображение. Он должен привыкать к этому и в своём сознании, укреплять это. То есть, это должно вызревать в его сознании и становиться ЗНАНИЕМ.
Особенно, как мне кажется, это касается картин на темы далёкой истории.
Мы то – взрослые, прекрасно понимаем, что это всё фантазии и вымыслы автора. А ребёнок?
И, когда я показываю детям «Последний день Помпеи» Карла Брюллова, то самый распространённый вопрос: - А, это художник сам видел?
Приходиться объяснять: что нет, не видел – придумал. Что это было давно, что художник жил в другое время и поэтому, картина - его сочинение.
Да известно, что многие наши художники и Брюллов, и Суриков, и Репин и другие, старались по возможности, как можно больше узнать об изображаемом явлении из документов, текстов, музейных экспонатов, из самых разных источников. Все эти знания, они воплощали в своих произведениях.
Но – художественный образ на плоскости - это их дитя. Среда, внешние обстоятельства, знания, конечно же «участвуют» в создании образа, но опосредованно. Они – помощники, а создатель – ХУДОЖНИК.
В контексте заявленной темы, нельзя не вспомнить импрессионистов. Это уникальное явление в изобразительном искусстве второй половины 19-го века.
Когда-то, французский живописец Клод Моне, написав мотив восходящего солнца, отправил искусствоведов в далёкий и необъятный путь рассуждений по этому поводу. Дети тоже с удовольствием смотрят картины импрессионистов и реагируют весьма интересно и своеобразно.
В чём же художественный смысл импрессионизма и почему художественные творения импрессионистов, через столько лет, продолжают оставаться предметом для дискуссий и обсуждений? Видимо, всё то, что представляет истинную ценность, всегда будет актуально и поговорить об импрессионизме через призму его методологии, представляется возможным.
Метод живописного импрессионистического создания образа заключается в том, что художник, отходит от традиционной – академической (классической) трактовки изображения на плоскости и, не, нарушая законов искусства, создаёт своё художественное видение образа. Оно базируется на таком известном свойстве человеческого мозга, как ассоциативное восприятие - образное мышление, вне контекста зрительного восприятия.
Методика построения импрессионистического изображения на плоскости зиждется на разрушении привычных логических схем создания изображения. Она явилась результатом длительного исторического процесса, заключавшегося в том, что, конкретные изобразительные схемы, присущие данному времени (эпохе), достигая определённой доминанты, подвергались естественной эволюции (жизнь, среда, обстоятельства - не стояли на месте) и в результате, к середине 19 века, у художников появляются устойчивые представления о том, что художественное видение может опираться не только на иллюзию видимого, но и на ассоциативное видение.
Это, так называемое внутренне видение, позволяло создавать изображение, резко отличающееся ( на тот момент) от привычного стереотипа. Естественно, что сама технология создания такого образа была другой. В этом случае художник наносит мазок на плоскость не по привычной лессировочной схеме, создавая иллюзию видимого явления, а, позволю себе употребить этот термин – ИНТУИТИВНО – сообразно своим представлениям о том, как должен выглядеть образ. Эта интуитивность особого рода. Она происходит из таланта и способности автора - так видеть и так создавать. Красота и особая художественность импрессионизма в том, что, художник – импрессионист, размывает границы формы, скорее намекая на их присутствие, чем обозначая. Рациональное (иллюзорное) видение, уступает место, так называемому – ВПЕЧАТЛЕНИЮ.
В импрессионистической живописи мазки ложатся так, что привычная, человеческому глазу форма, как бы размывается, если угодно - ломается (растворяется) и, как результат - изображаемое явление наполняется своим особым художественным смыслом, выражающим отношение автора к данному явлению. Суть этого смысла заключается в том, что появляется возможность новой разновидности живописного видения. Появляется свобода нового самовыражения, в контексте своего времени.
Оно – время, играет существенную роль в возникновении импрессионизма. Видимо, некая объективная закономерность, складывается именно в эти годы и позволяет художникам отходить от традиции и искать новое. Расширяются границы интерпретаций видимого мира, в изобразительную художественную проблематику всё больше включаются фантазии и ассоциации, поиск нового всё более и более овладевает желаниями живописцев. И, как показало будущее, когда, привычные глазу формы изображения на плоскости, стали заменяться, дотоле неизвестными, то это породило широкую волну самых разнообразных изобразительных новаций и дало толчок к появлению новых направлений.
Импрессионизм, как корневая система породил новые побеги и, в каком-то смысле, повлиял на появление большого спектра художественных течений. Не являясь конкретным источником подобных направлений, он, всё-таки, во многих случаях, подпитывал художественные поиски конца 19-го века. Его роль и значение, вне всякого сомнения, присутствуют в искусстве 20-го столетия.
Когда-то, художник Казимир Малевич написал на холсте обыкновенный чёрный квадрат, и заставил говорить и писать о нём очень многих людей. Искусствоведы, историки искусства, знатоки и любители – кто только не выяснял и не объяснял - что же такое «ЧЁРНЫЙ КВАДРАТ». А для самого Малевича это была картина - прежде всего картина, в которой он выражал своё отношение к некоему явлению. К какому? Возможно, только он это и знал - но, книгу, о своём новом искусстве, написал любопытную. Вы, возможно мне возразите: - Как это можно придумать чёрный квадрат, когда художник, конечно же, хорошо знал и много раз видел эту геометрическую фигуру?
Соглашусь. Действительно, он прекрасно знал о её существовании.
Но, я всё-таки продолжаю утверждать: - Да, квадрат, как геометрическую фигуру он знал и видел, а картину – как произведение изобразительного искусства, он – придумал.
Вот поэтому, между геометрической фигурой под названием квадрат, пусть даже и закрашенной чёрной краской и картиной «ЧЁРНЫЙ КВАДРАТ» художника Казимира Малевича – огромная дистанция. И заключается она в том, что картина, это и есть – ФАНТАЗИЯ художника, о которой нельзя забывать.
Я давно заметил, что абстрактные изобразительные хитросплетения, вызывают у детей такое обилие самых разных впечатлений, из чего можно сделать вывод, что: абстрактная живопись имеет полное право, на осмыслением детским сознанием. Как-то, мы с детьми размышляли над десятой «КОМПОЗИЦИЕЙ» Кандинского - был «лес» рук и практически весь класс хотел высказаться.
И, слушая детей, иногда, даже задумываешься над тем: а чья фантазия больше – автора, или смотрящего? Обилие высказываний, размышлений – захлёстывает.
Известная «Голова лошади» Пикассо, вызывает такой восторг, такую бурю эмоций, такое желание высказаться.
ЗАКАНЧИВАЮ. А ТО, ВЫ, ВИДИМО УСТАЛИ.
Осмысляя явление на плоскости, художник выражает своё собственное мнение о явлении. Это его художественное видение. Оно может быть таким, сяким – самым разным. Поэтому осмысление образа, принятие или непринятие его зрителем, процесс сложный, сугубо индивидуальный и сказать, что и как надо - я, затрудняюсь. Каждый видит - как ОН видит. А уж, научить воспринимать художественный образ ребёнка - процесс ещё более сложный, долговременный. Да, и что значит – научить воспринимать? Сколько лет работаю (42г.) - постоянно над этим размышляю. Однозначного ответа у меня на этот вопрос – нет. Слишком сложное это явление – ИСКУССТВО.
Но есть в мире одна картина, которую, мне бы очень хотелось, чтобы дети обязательно увидели. Вот она.
Это великая картина. И нам повезло - она у нас.