Работы британского художника Аниша Капура (Anish Kapoor) не делают заявлений и не дают ответов. Его скульптуры — это не законченная форма, а лишь приглашение к диалогу со зрителем и окружением. Монументальные творения художника внутри оказываются еще больше, чем кажутся снаружи. Благодаря продуманным цветам и выверенным пропорциям, которые соотносятся с человеческим телом, скульптуры не только вторгаются в пространство, но и меняют его. Произведения Капура нужно не просто смотреть, их нужно обойти вокруг, заглянуть в них, а иногда и зайти внутрь. Ни одна фотография не способна передать те ощущения, которые возникают при непосредственном созерцании его творений.
Аниш Капур родился 12 марта 1954 г. в Бомбее (Мумбаи). Он был старшим сыном в семье индуса и иракской еврейки. Отец будущего скульптора был гидрографом и составлял карты океана для флота. Родственники Капура с материнской стороны — евреи, эмигрировавшие в Индию из Ирака в 1920-е гг. В 17-летнем возрасте молодой человек отправился вместе с братом в Израиль — жить в кибуце и учится в инженерной школе. Однако после двух лет жизни в Израиле и нескольких месяцев обучения Аниш понял, что точные науки — не его стезя. В 1973 г. Капур переехал в Лондон, чтобы учиться на художника в Колледже искусств Хорнсей, а затем в Школе искусств и дизайна Челси. Там будущий художник познакомился с творчеством художников-модернистов, таких как Ив Кляйн, Барнетт Ньюман, Казимир Малевич и Марк Ротко.
"Мой дед по матери был кантором в синагоге в Пуне — небольшом городе неподалеку от Бомбея, но мои родители всячески старались избегать религии. Мои родители были настоящие космополиты. Мы росли с иудаизмом как культурной составляющей, семейной составляющей, но не религиозной".
В 1978 г. в лондонской галерее Хэйворд проходит первая выставка Аниша Капура. И хотя корни эстетики скульптора по большей части произрастают из почвы раннего модернизма, в его работах есть вдохновение индийской культурой. В прославившей скульптора серии работ 1979 г. "1000 имен" художник вдохновляется традициями Индии. С одной стороны, по форме и цвету он интерпретирует прилавки на индийском рынке с горками абира (порошковая краска, используется для фестиваля красок Холи). С другой стороны, само название цикла — отсылка на бога Вишну, у которого была 1000 имен. Капур использует чистый порошковый пигмент, придает ему причудливые формы и незаметно фиксирует особым образом. Кажется, что скульптуры вот-вот рассыплются. Это непостоянство и хрупкость подчеркнуты нарочито небрежными следами краски на полах и стенах галереи. Довольно скоро Аниш Капур приобрел широкую известность и уже в 1990 г. художник представлял Великобританию на Венецианской биеннале, где был награжден "Premio Duemila". В следующем году скульптор получает премию Тернера.
Аниш Капур постоянно экспериментирует, обращаясь к самым разным материалам — порошковому пигменту, латексу, камню, воску и даже грунту. Когда художник получил эксклюзивное право на использование в произведениях искусства самого черного вещества в мире Vantablack (материал пигмента поглощает 99,6% света) произошел скандал, который вызвал достаточно бурную полемику в мире искусства. Однако, права на материал так и остались у скульптора.
Несмотря на то, что скульптура Капура абстрактна, она всегда соотносится с человеческим телом, соразмерна ему, учитывает особенности зрения и цветоощущения. Художник стремится сделать свои работы масштабными, чтобы они захватывали пространство и позволяли зрителям погрузится в них. Например, работа "Левиафан", представленная в Гран Пале в 2011 г. — это конструкция из плотной текстильной мембраны темно-пурпурного цвета площадью около 13 500 кв. м. Инсталляция заняла собой все пространство выставочного зала. Посетители могли увидеть "Левиафана" не только снаружи, но и изнутри. Попадая внутрь посетители видели алое нутро, которое пропускало дневной свет. Художник вкладывал в это произведение не столько библейский смысл, сколько интерпретацию этого термина Томасом Гоббсом (философ использует образ Левиафана для описания могущественного государства, "смертного бога", который пожирает своих "детей" — граждан). Аниш Капур посвятил ее задержанному в тот момент китайскими властями художнику Аю Вэйвэю.
Алый — один из главных цветов в творчестве Капура. Помимо того, что по словам самого художника "это самый индийский цвет", алый еще и цвет человеческой плоти и крови: того, что внутри нас. Движущиеся скульптуры, созданные из воска и пигмента, которые источают особый аромат и видоизменяются с течением времени, стали одной из самых узнаваемых серий работ скульптора. Так "Сваямбху" (санскр. स्वयम्भू — самозарождающийся) представляет собой "поезд", который двигается по рельсам в пространстве галереи, оставляя за собой след. Одним из источников вдохновения для своей работы Капур называет фильм "Поезд-беглец" Андрея Кончаловского, снятый по сценарию Акиры Куросавы. В этом фильме во время снежной бури на Аляске потерявший управление поезд несет своих пассажиров в даль, где каждый новый километр приближает их то ли к смерти, то ли к спасению.
Зеркальные поверхности также один из любимых приемов Капура — благодаря изогнутой зеркально отполированной нержавеющей стали он вторгается в пространство и меняет его: то переворачивая вверх тормашками, то растягивая в причудливые формы, а порой, просто давая зрителю возможность насладиться небом, не поднимая головы. Эти скульптуры и по своей физической сути, и по метафизической — зеркала. То, что в них отражается, гораздо важнее того, что сами эти скульптуры из себя представляют. "Облачные врата", пожалуй, самая известная скульптура Капура из этой серии. Форма этой работы напоминает кому-то боб, кому-то облако. В любом случае, это произведение Капура стало центром притяжения для жителей и гостей Чикаго.
В 2022 г. Аниш Капур представил в Венеции свои первые скульптуры, с использованием Vantablack. Этот материал создан по сложной технологии для аэрокосмической промышленности и состоит из множества крошечных полых углеродных нанотрубок, каждая из которых примерно в 50000 раз меньше ширины человеческого волоса. Площадь поверхности площадью 1 кв. см. содержит около 1 миллиарда нанотрубок. Когда свет падает на эти нанотрубки, он поглощается, и лишь очень маленькая часть света достигает нашего глаза. Таким образом, Vantablack — это фактически "отсутствие цвета", что позволяет Капуру продемонстрировать зрителю завораживающую глубину бездны.
Одна из самых необычных и захватывающих инсталляций Аниша Капура — "Вознесение". Эта работа, после показа в день открытия Венецианской биеннале 2011 г. в базилике Сан-Джорджо-Маджоре, стала одной из главных тем для обсуждения на биеннале. При помощи света и дыма (движением которого управляют десятки вентиляторов, установленных вдоль четырех декоративных колонн вокруг помоста) художник дает зрителю возможность увидеть нечто нематериальное, визуальную демонстрацию духа. Эта работа отсылает к библейскому сюжету о Моисее: столб дыма, столб света, пустыня. Инсталляция, пожалуй, ярче других работ демонстрирует интерес художника к тому, как нематериальная идея становится объектом. Одна из главных целей творчества Аниша Капура — показать, что все, из чего состоят сами люди, космос и даже пустота имеют одну природу.
"Я думаю, что принадлежность к иной культуре — это всегда проблема. На протяжении двадцати пяти лет я избегал разговоров о связи моих работ с моим индийским происхождением. Сейчас я гораздо спокойнее к этому отношусь, но я по-прежнему хочу, чтобы искусство имело собственный язык, позволяющий художнику, то есть мне, быть абсолютно свободным. Если бы я всегда был неразрывно связан со своими индийскими корнями, я бы просто не смог стать настоящим художником… Когда речь идет об искусстве, необходимо выходить за рамки культурных стереотипов и отодвигать все экзотическое в сторону".
— Аниш Капур.