Здравствуйте, дорогие читатели!
Сегодня у меня для вас первая часть длинной и нудной статьи, цель которой — показать, что профессия актёра — это сложное и тонкое искусство. Ну, вдруг кто-то не в курсе. 🙃
Однажды знаменитый профессор Петухов, советский и российский , профессор кафедры общей психологии МГУ, задался вопросом: у каких профессий самая высокая когнитивная сложность? То есть, где работа мозга достигает своего пика, требуя одновременно анализа, креативности и мгновенной реакции. Ответ оказался неожиданным для многих: на вершине этого списка оказались актёры. Да, те самые люди, которые могут раз за разом плакать в кадре, носить килограммы грима и костюмов, а потом с лёгкой улыбкой пересекаться с коллегами, которым накануне влюблённо смотрели в глаза.
А еще высокая когнитивная сложность, по словам профессора Петухова, свойственна шизофреникам. Вот так вот – актеры и шизофреники оказались в одной когнитивной лодке. Разница только в том, что актеры добровольно “живут” чужими жизнями, а шизофреники, ну, немного вынужденно. Зато и те, и другие способны держать в голове столько противоречивой информации, что нам, простым смертным, остается только удивляться.
Так что, если вы думали, что актёры — это просто “красивые люди, которые что-то там изображают”, то вот вам факт от профессора Петухова: актёры — это гении многозадачности. И актёр, в совершенстве владеющий своим мастерством, по праву заслуживает миллионные фан-клубы и бесконечное восхищение.
Не Станиславским единым, но Станиславским едины.
Популярные актерские системы
Но начнём мы с основ, и да, тут будет чуть-чуть умного. Актёрское искусство заходит далеко за рамки простого заучивания текста и умения эффектно смотреться на сцене. Всё начинается с обучения, которое включает сотни техник, систем и подходов.
Давайте разберём, как всё это строится, и чем система обучения “дышит” сегодня — ну, хотя бы на Западе.
Константин Станиславский: Начало всего
Константин Станиславский и его легендарное «Не верю» знакомо практически каждому, кто хоть немного интересуется театром или кино. Но в чём же его главная заслуга? Он стал первым в истории, кто создал полноценную актёрскую систему, положив начало современному актёрскому мастерству.
До Станиславского актёрская игра строилась на подражании и ремесле, то есть в основном — «запомнил текст, поулыбался в нужный момент, не споткнулся». Но он изменил всё, решив, что зритель должен не просто видеть персонажа, а чувствовать его внутреннюю правду. Так что, по сути, он не только придумал актёрскую систему, но и усложнил жизнь всем, кто решил выйти на сцену.
Одной из главных идей системы Станиславского стала концепция «магического ЕСЛИ». «Что бы я сделал, если бы оказался в этих обстоятельствах?» — простой, но мощный вопрос, который перевернул представление об актёрской игре. Вместо механического воспроизведения текста актёр начинал по-настоящему жить ролью, исследуя переживания персонажа через свои собственные ощущения.
Станиславский заложил основы, которые позже стали фундаментом для почти всех известных актёрских систем. Его идеи разлетелись по миру благодаря гастролям Московского Художественного Театра, а в XX веке ученики и последователи в Америке и Европе, как настоящие творческие экспериментаторы, начали адаптировать и развивать его подходы.
Итак, система Станиславского стала прародителем практически всех современных актёрских систем. Его идеи легли в основу работы целого поколения актёров и педагогов, в том числе представителей The Group Theater.
The Group Theater — это легендарная театральная труппа, созданная в 1931 году в Нью-Йорке, которая оказала огромное влияние на американский театр и кино. Её основали Гарольд Клёрман, Ли Страсберг и Шерил Кроуфорд. Главной целью The Group Theater было создание реалистичного, правдивого театра, который отражал бы жизнь обычных людей и их проблемы.
Труппа возникла как реакция на коммерциализацию театра в Америке того времени, когда сцена всё чаще превращалась в фабрику по производству денег, а не искусства. Создатели The Group Theater стремились вернуть театру глубину, социальную значимость и эмоциональную честность. Вдохновлённые идеями Станиславского, они адаптировали его систему под американские реалии, делая акцент на психологической правде, эмоциях и сложных взаимоотношениях персонажей.
The Group Theater стал своего рода творческой лабораторией — экспериментальной площадкой, где новые методы актёрской игры не только обсуждались, но и активно испытывались на практике. Хотя труппа просуществовала всего около десяти лет (1931–1941), её влияние оказалось колоссальным. После распада участники пошли своими путями, но именно их работа стала основой для создания таких знаковых подходов, как «метод» Страсберга, подход Адлер и система Майснера. Каждая из этих школ по-своему сформировала облик современного актёрского мастерства.
Каждый из них взял что-то своё из системы Станиславского и развил её в новом направлении, создав методы, которые до сих пор используются в театрах и на съёмочных площадках по всему миру.
“Метод” Ли Страсберга или “Метод полного погружения”
Важно понимать, что Ли Страсберг и другие представители The Group Theater вовсе не занимались «плагиатом» системы Станиславского. Они дорабатывали и развивали его идеи, подгоняя их под реалии американского театра и кино. К слову, сам Страсберг в своих лекциях постоянно ссылался на Станиславского, признавая, что без его идей многое бы просто не состоялось.
Главным вкладом Страсберга в актёрское мастерство стала техника, известная как “эмоциональная или аффективная память”. Её суть проста, но далеко не для слабонервных: актёр черпает эмоции из своего реального опыта и переносит их на сцену. То есть, если персонаж рыдает — вспомни, как ты рыдал на выпускном, или когда не взяли в школьную футбольную команду.
Такой подход требует от актёра глубокого погружения в личные переживания, что иногда делает процесс подготовки невероятно эмоционально затратным. Не зря метод Страсберга называют “полным погружением” — тут либо ты играешь, либо ты проживаешь, а иногда всё сразу.
Метод Страсберга стал известен как “Метод полного погружения” или “Голливудский метод”, поскольку именно в Голливуде он обрёл широкую популярность и признание. Многие легендарные актёры пользовались этой техникой для создания своих самых запоминающихся ролей. Среди них такие звёзды, как Марлон Брандо, Роберт Де Ниро, Аль Пачино, Дастин Хоффман и Мэрил Стрип.
Их способность полностью вживаться в образ, проживать эмоции персонажа и делать их настолько реалистичными, что зритель забывает, что это игра, стала настоящей визитной карточкой метода. Именно благодаря этому подходу такие роли остаются в памяти зрителей на десятилетия, а сами актёры превращаются в легенды.
Несмотря на свою популярность, метод Страсберга всегда вызывал (и продолжает вызывать) споры — главным образом из-за своей интенсивности и потенциального вреда для психики актёров. Сегодня мало кто на Западе готов работать по этому методу: полное погружение в персонажа означает, что актёр носит его «маску» не только на съёмочной площадке, но и за её пределами. А это уже опасная игра, причём не только для самого актёра, но и для его близких — они-то явно не подписывались на жизнь с человеком, который неделю разговаривает голосом своего персонажа и отзывается только на его имя.
Тем не менее, вклад Страсберга в актёрское мастерство невозможно переоценить: его метод до сих пор вдохновляет новых актёров на поиски глубокой эмоциональной правды, даже если не все готовы идти в этом поиске до конца.
Стелла Адлер: Воображение как основа
Ученица и соперница Ли Страсберга, Стелла Адлер разработала метод, который считается одним из наиболее близких к оригинальной системе Станиславского. Она была единственной из американских педагогов, кто лично изучал систему Станиславского в Москве и привёз в США обновлённое понимание его идей.
В отличие от Страсберга, Адлер сделала акцент на использовании воображения и действия для создания эмоций, полностью отвергнув практику эмоциональной памяти. Она критиковала этот подход, считая его слишком опасным и близким к шизофреническим состояниям. Адлер верила, что актёр не должен выкапывать личные травмы ради искусства — вместо этого он должен научиться создавать эмоциональную правду через работу с обстоятельствами и фантазию.
Её подход позволял актёрам не зацикливаться на собственных переживаниях, а погружаться в мир персонажа через представление и создание обстоятельств “как если бы”. Адлер считала, что именно воображение, а не личные травмы, должно стать основой для создания эмоциональной правды. Благодаря этому её метод стал наиболее близким к изначальным принципам Станиславского, сохранив их гуманистическую и творческую природу.
Сэнфорд Майснер: Слушай и реагируй
Сэнфорд Майснер разработал технику, которая позволила актёрам сосредоточиться на честной коммуникации и естественном взаимодействии с партнёрами на сцене. Его знаменитое упражнение на повторение (Repetition Exercise) учило актёров быть “здесь и сейчас”, реагировать на партнёра в моменте, а не зацикливаться на заранее заученных эмоциях или механических действиях.
Основная идея метода Майснера — это эмоциональная честность. Вместо того чтобы углубляться в самоанализ или копаться в личных переживаниях, актёр в методе Майснера раскрывает сцену через действие и взаимодействие.
Ещё одной ключевой частью его подхода была эмоциональная подготовка. Этот процесс позволял актёру исследовать материал через собственные ассоциации и размышлять о его эмоциональном смысле, но без необходимости буквально представлять себя в обстоятельствах персонажа. Майснер утверждал, что актёр никогда не сможет стать Гамлетом или Офелией, но он точно знает, что такое предательство, утрата или отчаяние — и именно эти чувства помогут создать правдивую игру.
Сегодня метод Майснера невероятно популярен на Западе, и многие актёры высоко ценят его за универсальность и практичность. Техника не только учит фокусироваться на партнёре, но и помогает избежать излишнего драматизма и опасного погружения в роль, как это бывает в методе Страсберга. Для многих Майснер стал идеальной альтернативой, позволяя создавать правдивые образы без необходимости приносить в жертву собственное эмоциональное благополучие.
Михаил Чехов: Психологический жест
Но Россия, матушка, не Станиславским единым! У нас есть ещё выдающаяся школа Михаила Чехова — племянника Антона Павловича Чехова.
Система Станиславского, ставшая основой современного актёрского мастерства, изначально делала акцент на психологической правде и внутреннем состоянии актёра — то есть на работе с эмоциями, мыслями и мотивацией персонажа. Однако Станиславский упустил один важный аспект — работу с телом и движением.
Михаил Чехов восполнил этот пробел и предложил более «внешний» подход к актёрской игре. Он разработал технику психологического жеста, в которой физическое движение напрямую связано с эмоциями и внутренним состоянием персонажа. Этот метод оказался особенно полезным для начинающих актёров, поскольку снижал уровень анализа и позволял сосредоточиться на интуитивном восприятии роли.
Интересно, что сам Станиславский в конце жизни осознал недостатки своей системы и начал вносить изменения, чтобы уделить больше внимания физическим аспектам игры. Он назвал это «методом физического действия», но эта часть его работы осталась менее популярной, чем основные концепции, такие как «магическое если».
Михаил Чехов не только развил идею физической выразительности, но и сделал её универсальным инструментом, позволяющим актёрам соединять внутренний мир персонажа с его внешним проявлением. Кстати, в школе Чехова училась сама Мэрилин Монро.
Мы разобрали самые популярные и широко известные актёрские системы, но это лишь верхушка айсберга. В мире существует множество других техник и методов, каждый из которых предлагает свой уникальный взгляд на актёрское мастерство.
Классическая школа
Вдохновлённая традициями шекспировского театра, классическая школа делает акцент на технике речи, дикции, правильном использовании жестов и построении текста. Такой подход особенно важен для театральных актёров, которым необходимо владеть голосом и телом, чтобы их слышали и понимали даже на самой дальней галерке.
Метод Александера
Этот британский подход фокусируется на осознании тела и правильной осанке. Метод Александера помогает актёрам избавиться от излишнего мышечного напряжения, что позволяет лучше контролировать голос, движения и общее сценическое присутствие.
Школа Viewpoints (Точки зрения)
Разработанная Энн Богарт и Тадаши Судзуки, эта техника изучает физическое взаимодействие актёра с пространством и временем. Viewpoints особенно полезна для ансамблевой работы, позволяя создавать динамичные, визуально выразительные сцены.
Индийская школа Natya Shastra
Этот древний текст о театре предлагает супердетализированные инструкции для актёров, включая движения тела, мимику и даже то, как правильно двигать ноздрями. Школа Natya Shastra до сих пор остаётся основой классического индийского театра и балета, доказывая, что актёрское мастерство можно разбирать буквально по миллиметрам.
Брехтовская школа
Разработанная немецким драматургом Бертольтом Брехтом, эта техника основана на концепции «очуждения». Брехт считал, что зритель не должен теряться в иллюзии, а напротив — осознавать, что перед ним спектакль, и критически воспринимать происходящее. Если вы когда-то смотрели постановку и ловили себя на мысли: «Так, а чего мне тут пытаются сказать?» — возможно, это был именно Брехтовский театр.
Импровизационная школа (Импро)
Эта техника делает акцент на спонтанности и живом взаимодействии актёров. Активно развиваемая в Америке (например, в The Second City и Upright Citizens Brigade), она помогает актёрам развивать креативность, молниеносно реагировать на изменения и, что самое главное, не бояться провалов. Ведь в импро главное правило: «Всегда говори “да”!»
Метод Лекока
Француз Жак Лекок изучал движение, клоунаду и работу с маской. Его метод широко используется в физическом театре, где актёры выражают эмоции через тело, а не через слова. Если вам кажется, что актёр «переигрывает», возможно, он просто следует школе Лекока.
Метод Гротовского
Польский режиссёр Ежи Гротовский разработал технику, ориентированную на “бедный театр” — минимальные декорации, минимум внешних эффектов, максимум актёрского мастерства. Он считал, что тело и голос — это всё, что нужно для создания мощного сценического образа.
И хотя эти подходы различны, их цель остаётся одной: создать убедительного, живого персонажа. Разница лишь в том, кого в процессе обманывает актёр — зрителя (классическая школа, техника Майснера) или самого себя(метод Страсберга).
Отличный пример, где можно увидеть столкновение двух разных актёрских школ, — это фильм «Марафонец» (1976). В одной сцене Лоуренс Оливье и Дастин Хоффман буквально демонстрируют противоположные подходы к созданию образа. Оливье, представитель классической школы, опирается на чётко отработанные техники, текст и внешний контроль, чтобы создать своего персонажа. Его игра сдержанная, точная, но невероятно выразительная.
Дастин Хоффман, напротив, использует "Метод" Страсберга. Он полностью погружается в персонажа, проживая его эмоции. По слухам, для подготовки к роли в одной из сцен, где его герой испытывает физическое истощение, Хоффман несколько дней подряд намеренно не спал, чтобы достичь нужного состояния.
Эта знаменитая разница в подходах даже породила анекдот: после съёмок сцены Оливье якобы сказал Хоффману: «Дастин, а вы не пробовали просто играть?»
Фильм «Марафонец» — это редкий пример того, как два абсолютно разных метода могут сосуществовать на одном экране, создавая незабываемое впечатление и подчёркивая уникальность каждого подхода.
Какая же школа лучше?
Если вы спросите профессиональных актёров, какая школа или система лучше, большинство хороших актёров ответят: «Несколько сразу». Ни одна система не даёт полного набора инструментов, поэтому изучать нужно несколько подходов. Именно поэтому приличные учебные заведения, где обучают актёрскому мастерству, включают в свои программы несколько систем.
Например, в знаменитой Juilliard School в Нью-Йорке студентов обучают системе Станиславского, методу Майснера, технике Александера и другим современным подходам. Акцент делается не только на актёрском мастерстве, но и на голосе, движении и сценическом бою. Среди выпускников школы — такие звёзды Голливуда, как Робин Уильямс, Джессика Честейн, Оскар Айзек и Адам Драйвер.
Королевская академия драматического искусства в Лондоне (RADA) известна своим фокусом на классической британской школе актёрского мастерства. Здесь студенты глубоко изучают шекспировский репертуар, тренируются в технике речи, движении и сценическом бою. Преподаются и международные методы, включая элементы системы Станиславского. Среди выдающихся выпускников RADA такие имена, как Энтони Хопкинс, Алан Рикман, Вивьен Ли и Тильда Суинтон.
Пекинская киноакадемия — главный центр обучения актёров в Китае. Здесь традиционные китайские техники, такие как методы пекинской оперы, сочетаются с современными подходами. В академии преподают систему Станиславского, метод Майснера и элементы метода Чехова. Дополнительно акцентируется внимание на боевых искусствах и движении, что отражает богатые культурные традиции Китая.
Современные актёры имеют богатый арсенал инструментов, основанных на системах Станиславского и его последователей. Независимо от того, какую технику они выбирают, главное — это оставаться честным и убедительным в каждом моменте игры. Все современные стили актёрской игры либо напрямую происходят от системы Станиславского, либо являются реакцией на неё.
Дорогие читатели, что-то меня понесло, и актёрским системам и методам я посвятила целую статью. Поэтому продолжение про актёрское мастерство придётся оставить на следующую часть. Обещаю, там будет меньше теории и больше конкретики: поговорим об актёрских инструментах, раскроем, что такое интерпретация, и затронем другие интересные темы.
Ну да, давайте оставим в стороне Китай да Запад. Посмотрите вот, что творят наши первокурсники на зачёте у Саркисова. Считаю, роль второго плана заслуживает номинации! 😄
Спасибо что прочитали и кушайте хорошо.