Настоящая фамилия Льва Самойловича Бакста (годы жизни 1866-1924) – Розенберг. Он родился в традиционной еврейской семье, его отец был сведущ в талмуде. В том числе и из-за финансовых соображений он избрал себе в супруги девушку, отец которой был преуспевающим коммерсантом. Позднее последний переехал в столицу Российской империи с тем, чтобы расширить своё предприятие, и семья его дочери переехала вместе с ним. Дочь, вместе с зятем, находились на полном содержании у деда будущего великого художника. Лев так и не окончил Шестую Санкт-Петербургскую гимназию, четыре года посещал Академию Художеств, но, не видя смысла в дальнейшем образовании, перестал ходить на лекции. Источником дохода для него была книжная иллюстрация.
Фамилия Бакст, под которой художник стал известен в России и мире, происходит от девичьей фамилии его матери – Бакстер. Первая выставка живописца состоялась в 1889 году. В 1893-1897 он проживал в основном во Франции, но периодически всё же возвращался на родину. Тогда же он вступил в кружок, позже превратившийся в объединение «Мир Искусства», которое издавало собственный журнал. В нём художник опубликовал свои работы графического жанра; они были благосклонно восприняты аудиторией – тогда к Баксту и пришла самая настоящая известность. В то время мастер также проявил себя в станковой живописи, создав немало замечательных портретов, в числе прочих для него позировали Зинаида Гиппиус и Сергей Дягилев.
В 1898 году на выставке под названием «Первая Выставка Российских и Финских Художников», организованной последними, были представлены и работы Льва Самойловича. В 1899 Бакст получил наследственный титул почётного петербургского гражданина. Чтобы жениться на Любови Третьяковой, в 1903 году художник в Варшаве обратился в лютеранство. Для этой же цели он официально сменил фамилию Розенберг на свой творческий псевдоним, получив для этого разрешение самого императора. Брак с дочерью знаменитого коллекционера Павла Третьякова просуществовал недолго, возобновился он в 1907, а затем распался вновь. Одним из учеников мастера был именитый Марк Шагал. В 1909 в знак протеста против притеснения евреев Бакст демонстративно вновь принял иудейскую веру, отказавшись от христианства. Это имело для него плачевные последствия: его выслали из столицы за еврейство.
С 1910 года он преимущественно проживал в Париже, занимаясь театральными декорациями для балета Сергея Дягилева. Дружеские отношения, связывавшие Бакста с Дягилевым, на время прервались в 1918, но несколько позднее, в 1921, возобновились снова. Длительное время художник посвящал свой талант книжной иллюстрации (ему принадлежат иллюстрации для журналов «Аполлон» и «Золотое Руно»). Однако больше всего зрителям запомнились работы, связанные с театральными декорациями для оперы и балета. Несмотря на нестабильные отношения с Дягилевым, именно то, что живописец сотрудничал с ним в течение «Русских Сезонов» за границей позволило раскрыться этой грани художественного таланта.
Эскизы декораций к балетам «Нарцисс», «Шахерезада» и многим другим из тех, которые принесли за границей славу России и русскому искусству, выполнены именно Львом Самойловичем. Художник первостепенное значение придавал передаче атмосферы эпохи. Больше всего его захватывала история Древней Греции и Востока. Следует отметить, что мастер не стремился к точности, его интересовал именно дух времени, поэтому он нередко позволял себе вольности, применял свою богатую фантазию для того, чтобы создать живописные и немного фантастические костюмы. Для того чтобы подготовить эскиз, Бакст изучал, каким образом двигается танцовщик, и учитывал это в своей работе. Умер живописец в 1924 году во Франции, заболев отёком лёгких. На момент кончины ему было 58 полных лет.
1 картина. «Ужин»
- Дата создания: 1902 год
- Размеры: 150 х 100 сантиметров
- Место нахождения: Государственный Русский Музей в Михайловском Дворце (Санкт-Петербург, Россия)
Мастер, творивший в начале ХХ столетия, Лев Бакст вошёл в историю русского искусства скорее как театральный художник, нежели станковист. Оформив несколько десятков спектаклей для «Русских Сезонов» Сергея Дягилева в Париже, Бакст придал театрально-декорационному искусству своё самостоятельное звучание на сцене. Феерия красок и роскошь костюмов, созданных художником, заставили французскую прессу 1900-ых-1910-ых годов воскликнуть:
«Париж был подлинно пьян Бакстом!».
Станковое творчество мастера в основном посвящено жанру портрета и запечатлевает круг близких и знакомых художника. В работе «Ужин» изображена жена выдающегося художника, критика и учредителя объединения «Мир Искусства» Александра Бенуа – Анна Кинд (прозванная домашними и друзьями просто Атей).
Силуэтность и подчёркнутая графичность линий, контраст белого интерьера, чёрного наряда молодой женщины и рыжих акцентов на волосах и апельсинах создают стиль начала ХХ века. Мода на лаконизм изобразительных средств во многом сформировалась благодаря получившей распространение и популярной книжной графике и рекламе. Бакст стал одним из выразителей вкусов своего времени.
2 картина. «Древний Ужас»
- Дата создания: 1908 год
- Размеры: 250 х 270 сантиметров
- Место нахождения: Государственный Русский Музей в Михайловском Дворце (Санкт-Петербург, Россия)
На картине изображена гибель цивилизации, имеющей отношение к Древней Греции. Есть вероятность, что живописец хотел показать гибель Атлантиды, однако нет фактов, подтверждающих сию догадку. Название картины имеет глубокое символическое значение. Под «Древним Ужасом» подразумевается ужас бессилия человека перед лицом всемогущей Судьбы. Язычники верили: что предначертанное человеку, несомненно, сбудется, и у него нет никаких шансов изменить всё это. Подобный фатализм свойственен именно языческой концепции мироздания. С приходом христианства ситуация несколько изменилась. Христианин не считает, что жизнь полностью предопределена: она находится в руках Божьих, однако Бог сам предоставляет возможность выбора.
Впрочем, в связи с тем, что христианство, а вместе с ним и старая культура, сходит со сцены, дохристианские, нецивилизованные и неотёсанные стереотипы вновь предстают в своей первозданной наготе. Изображённая на картине гибель цивилизации неслучайно ассоциируется именно с концом истории мифической Атлантиды – точно так же, как и тот воображаемый материк, этот затопило океанскими водами. Зритель догадывается, что вода, уже затопившая прекрасные архитектурные сооружения, храмы, выполненные с безупречным искусством дома богатых горожан, поднимается всё выше. Наступит момент, когда и горы будут затоплены, и, несмотря на свою кажущуюся незыблемость, всё же сгинут в пучину вод.
Однако над этим бедствием возвышается античная кора, улыбающаяся архаичной улыбкой. Хотя по традиции её и называют Афродитой, доподлинно неизвестно, какой именно богине коры (женские статуи, распространённые в период архаики) они были посвящены. Мудрость, которая видна в облике богини, не подвержена переменам, поэтому, по замыслу автора, всё может погибнуть и обязательно погибнет, а она так и останется до самого конца.
3 картина. «Элизиум»
- Дата создания: 1906 год
- Размеры: 161 х 143 сантиметра
- Место нахождения: Государственная Третьяковская Галерея (Москва, Россия)
В 1906 году в Санкт-Петербурге основатель Драматического театра Вера Комиссаржевская решила его преобразовать в духе того времени. Тогда актуальным было соединение стилей, жанров и видов искусства. Режиссёром был приглашён Всеволод Мейерхольд. К постановкам были подключены поэты, писатели и, конечно же, художники. Среди последних был Лев Бакст. Ему была поручена особенно важная задача: нарисовать занавес для театральной сцены. Так возникла театральная декорация «Элизиум». Название картины неслучайно: Элизиум – это загробный мир у древних греков, где царит уют, спокойствие и умиротворение – прямая противоположность Тартару – подземному миру. Сцена была оформлена в греческом стиле, подобно древнегреческому храму в честь Дионисия. Именно поэтому Бакст и выбрал тему греческого рая для своей главной декорации.
Само изображение насыщено зелёным и тёмно-синим цветами. Это сделано для того, чтобы было ощущение пребывания в саду. Людей на картине не много, но все они ведут беззаботную жизнь: одни обсуждают что-то, рассматривая дерево, другие же просто отдыхают, а влюблённая парочка мило ведёт беседу. Элизиум – это настоящий древнегреческий рай, где все живут без забот и хлопот, где царит блаженство. То, что это сад греческий нет ни малейшего сомнения: тут и здания с колоннами (подобно Парфенону), и люди в хитонах, и статуи с изображением женской красоты. Заметна ностальгия автора об утраченном золотом времени античности, отражение нетленности искусства и величия природы.
В центре картины можно увидеть мифический антропоморфный персонаж, каковых любили древние греки. Это существо с головой и руками человека, но крыльями подобно пегасу. Картина нарисована в стиле модернизм, поэтому ей свойственен минимализм (даже лаконизм), прямота линий (особенно вертикальных) и целостность форм.
4 картина. «Портрет Зинаиды Гиппиус»
- Дата создания: 1906 год
- Размеры: 54 х 44 сантиметра
- Место нахождения: Государственная Третьяковская Галерея (Москва, Россия)
Портрет писательницы и поэтессы Зинаиды Гиппиус стал одной из самых выдающихся работ в карьере Льва Бакста. Сперва картина была лишь наброском, но автор так захотел передать всю суть своей натурщицы, что работа всё-таки была завершена полностью. Более того, для изображения невероятно длинных ног поэтессы Бакст подклеил к листу ещё немного бумаги. Портрет выполнен карандашом и сангиной. Он изображает Зинаиду Николаевну полулежащую на стуле в расслабленной и уверенной позе, и вытянувшую вперёд свои прекрасные ноги. Благодаря их диагональному расположению на листе они кажутся ещё длиннее.
Бакст также передал резкость лица Гиппиус: прищуренные глаза, тонкие нос и губы – всё выдаёт насмешку, даже некое презрение к окружающим. На поэтессе мальчишеский облегающий костюм, пиджак из чёрного бархата, рубашка с жабо – этот популярный среди взрослых женщин образ взят из повести английской писательницы Барднед о маленьком лорде по имени Памплероб. Поза, костюм, выражение её лица, передают свойственные Гиппиус уверенность в себе, стремительность, даже дерзость – качества, которыми тогда обладали скорее мужчины, нежели женщины. Поэтому публика, увидев портрет, была ошеломлена столь непристойной для начала XX столетия картиной.
Однако для самой Гиппиус такая реакция неожиданной не оказалась: она, сохраняя при всём прочем грациозность и искренность, любила подписывать свои произведения мужскими именами, примерять подобные костюмы – эпатаж, желание произвести впечатление не были ей чужды. Эти её черты Лев Самойлович очень точно перенёс на бумагу. Даже подпись художника на рисунке не следует канонам – она расположена не справа внизу, а в совершенно противоположном углу. До 1920 года полотно хранилось в коллекции композитора Сергея Кусевицкого, а в настоящее время находится в московской Третьяковской Галерее.
5 картина. «Портрет Сергея Павловича Дягилева с Няней»
- Дата создания: 1906 год
- Размеры: 161 х 116 сантиметров
- Место нахождения: Государственный Русский Музей в Михайловском Дворце (Санкт-Петербург, Россия)
Сергей Дягилев – издатель и критик, деятель искусства конца XIX и начала XX столетий. С художником Львом Бакстом их связывала долгая, пятнадцатилетняя дружба. На картине «Портрет Сергея Павловича Дягилева с Няней» художник изобразил своего близкого друга. Бакст писал портрет более двух лет, потому что Дягилев постоянно был в разъездах.
С картины на нас смотрит статный мужчина. Поза, ухмылка и приподнятые брови выдают в нём самоуверенного человека. Стоит отметить, что отношение художника к Дягилеву в реальной жизни «вылилось» и на картину: Бакст очень уважал своего друга, ценил его незаурядный ум и способности, но просто на дух не переносил заносчивость и излишнюю самоуверенность Сергея Дягилева.
Фигуру няни, как и интерьер, художник добавил в самую последнюю очередь. На заднем плане композиции мы видим старушку со скорбным лицом. Она примостилась в углу, наблюдая за Дягилевым. Существует версия, что Бакст добавил на картину ещё одного персонажа для продолжения своей мысли об излишней самоуверенности своего друга.
Скромно одетая, робкая няня выступает некой «антитезой» успешности своего молодого подопечного. Маячащая где-то на периферии, она не даёт Дягилеву забывать, что его успех не был мгновенным, что в своём прошлом он так и остаётся провинциалом. Таким образом, основным средством выразительности на полотне становится контраст, как цвета, так и смысла. Иссиня-чёрная занавеска на заднем плане полотна как бы «соединяет» две главные фигуры, но в то же время подчёркивает различия их статуса, состояния и отношения к миру.