Государственная Третьяковская галерея — обязательное место для посещения в Москве, поскольку это одно из крупнейших в мире собраний изобразительного искусства и одна из главных культурных достопримечательностей города.
Адрес: г. Москва, Лаврушинский пер., д. 10.
История создания Третьяковской галереи
Общепризнанной датой создания галереи считается 22 мая 1856 года. Именно тогда Павел Третьяков купил для коллекции музея два полотна: «Искушение» Николая Шильдера и «Стычку с финляндскими контрабандистами» Василия Худякова.
Изначально все экспонаты будущей Третьяковской галереи меценат хранил в своём доме в Лаврушинском переулке, а позднее, когда они перестали там помещаться, начал строить отдельное здание, примыкающее к его особняку.
В августе 1892 года Павел Третьяков передал в дар Москве свои картины, а также коллекцию брата Сергея Михайловича. Изначально собрание было выставлено в их семейном доме в Лаврушинском переулке, уже через год в Москве для горожан открылась Городская художественная галерея братьев Третьяковых — первый общедоступный музей России.
Некоторые интересные факты о Третьяковской галерее:
Тайные входы. Внутри здания Третьяковской галереи есть сквозные проходы во все строения музейного комплекса, в том числе в депозитарий и инженерный корпус.
Они созданы для того, чтобы сохранить картины, ведь носить их по улице опасно. В галерее для них поддерживают специальный климат, а на открытом воздухе они могут пострадать.
Фальшивая стена. За одной из стен залов Третьяковки расположена шахта большого грузового лифта, на котором картины доставляют из депозитария и обратно. Это стена закреплена на крупных петлях, при желании её можно снять — она служит дверью в лифт.
Полотно Михаила Врубеля «Принцесса Греза». Оно долго хранилось вертикально в свёрнутом виде под главным куполом храма, так как не помещалось в залах галереи. Позже панно было перенесено и сегодня экспонируется в зале Врубеля в Третьяковской галерее.
Кража четырёх произведений искусства. В 1891 году в Третьяковской галерее, которая к этому времени уже имела статус общенационального достояния, произошла кража четырёх произведений искусства. Это событие крайне опечалило Павла Третьякова, и он решил закрыть музей для посетителей на два года. Две картины удалось найти спустя несколько лет.
Экспозиция галереи размещена в нескольких зданиях в центре столицы. В историческом корпусе в Лаврушинском переулке представлены более 1300 произведений русского искусства — от древнерусских до пейзажной, портретной и исторической живописи.
В соседнем Инженерном корпусе проходят временные выставки классического и современного искусства.
А в Новой Третьяковке на Крымском валу — крупнейшая в России экспозиция отечественного искусства XX века: авангард, соцреализм, советский андеграунд 1960–1980-х, минимализм, сюрреализм, неорелизм.
Залы 1−7. Живопись и скульптура XVIII века
Экспозиция начинается с работ художников и скульпторов XVIII столетия. Здесь вы можете увидеть произведения Ивана Никитина, Дмитрия Левицкого, Владимира Боровиковского, Федота Шубина, Ивана Мартоса и других знаменитых мастеров.
В основном это портретная живопись, но в коллекцию входят также пейзажи и сюжетные полотна по мотивам греческих мифов.
Боровиковский Владимир (1757-1825) Портрет Е.А. Нарышкиной 1799
Известный знаток искусства Александр Бенуа писал, что среди полотен В.Л. Боровиковского, проникнутых тонким пониманием жизни и красоты, на первом месте стоит поэтичный портрет красавицы-княгини Суворовой (Е.А. Нарышкиной).
Елена Александровна Нарышкина (1785–1855) была дочерью обер-камергера А.Л. Нарышкина и внучкой адмирала А.Н. Сенявина.
В 1800 году она вышла замуж за князя А.А. Суворова, который, как и его великий отец, фельдмаршал А.В. Суворов-Рымникский, избрал военную стезю. В 1811 году Елена Александровна овдовела, и спустя двенадцать лет стала женой князя В.С. Голицына. Княгиня вела светский образ жизни, считалась талантливой певицей, переписывалась со многими знаменитыми деятелями искусства, включая композитора Дж. Россини, сочинившего в ее честь кантату.
На полотне Боровиковского Нарышкиной всего четырнадцать лет. Она одета в изящную тунику, дополненную голубой шалью, соскользнувшей с левого плеча. Ничто не омрачает прекрасных черт лица юной девушки, облик которой не лишен оттенка томности. Элегичный пейзажный фон характерен для многих женских портретов Боровиковского рубежа веков (портреты М.И. Лопухиной, 1707, Е.Г. Темкиной, 1798). Трепетные розы символизируют любовь и красоту. В произведении нашли отражение сентиментальные настроения дворянского общества, культивировавшие мир чувств, гармонию бытия на лоне природы.
Изысканной внешности Нарышкиной соответствует не менее изысканная живопись. Боровиковский избегает резких акцентов, используя зеленоватые, голубоватые жемчужно-белые, золотистые, дымчатые тона. Письмо художника отличается особой прозрачностью с большим количеством лессировок. В белом ампирном платье модели тонко обыгрывается контраст теплых коричневых теней и холодных голубовато-серых полутеней. Сплавленные красочные мазки и примесь лака создают эффект блестящей эмалевой поверхности.
Рубеж XVIII–XIX веков считается временем наивысшей славы Боровиковского. Созданный в эти годы «Портрет Е.А. Нарышкиной» – является прекрасным примером зрелого творчества мастера, стоявшего на пороге нового столетия, когда на смену сентиментальным образам постепенно начнут приходить строгие и регламентированные мотивы «эпохи ампира».
Залы 8−15. Живопись и скульптура первой половины XIX века
Экспозиция Третьяковской галереи продолжается работами художников и скульпторов первой половины XIX столетия, эпохи романтизма. Среди первых полотен этого периода вы увидите картины Ореста Кипренского — в том числе знаменитый портрет Александра Пушкина.
Орест Кипренский. Портрет Александра Пушкина. 1827
Кипренский создал этот портрет в 1827 году по заказу одного из близких лицейских друзей Пушкина — поэта Антона Дельвига. Александр Пушкин позировал художнику в Шереметьевском дворце.Картина была готова всего за два месяца и в том же году уже участвовала в выставке Академии художеств.
На портрете Пушкин изображен с клетчатым шотландским пледом, перекинутым через правое плечо. Этой деталью Кипренский подчеркнул любовь поэта к творчеству Джорджа Гордона Байрона — английского поэта-романтика шотландского происхождения, одного из кумиров эпохи романтизма.
В том же 1827 году Пушкин написал стихотворение «Кипренскому», в котором упомянул этот портрет:
Себя как в зеркале я вижу
Но это зеркало мне льстит.
Оно гласит, что не унижу
Пристрастья важных аонид.
Так Риму, Дрездену, Парижу
Известен впредь мой будет вид.
Последние две строки в этом стихотворении намекали на то, что как раз в то время Кипренский готовился представить свои работы за рубежом.
"Портрет поэта Михаила Юрьевича Лермонтова" П. Заболотский 1837 год
Выпускник Императорской Академии художеств Заболотский давал Михаилу Лермонтову (1814-1841) уроки рисования в 1836–1837 годах, познакомившись с ним, скорее всего, в доме родственников поэта – Философовых. Портрет был написан в январе – феврале 1837.
Поэт изображен в парадной форме корнета лейб-гвардии гусарского полка, которую он носил после окончания в 1834 году Школы гвардейских подпрапорщиков и кавалерийских юнкеров.
Но в связи с ссылкой на Кавказ, последовавшей после написания им стихотворения "На смерть поэта" под впечатлением от смерти А.С. Пушкина, он утратил право носить эту форму. Портрет находился в доме бабушки Лермонтова, Е.А. Арсеньевой, а позднее перешел к ее брату А.А. Столыпину и его потомкам.
Интересным фактом из биографии поэта является следующее событие: оказывается, судьбу поэта решила обыкновенная монетка. После того как он возвращался из отпуска на службу, он подбросил монетку для того чтобы решить: «Остаться в Пятигорске еще на несколько дней или отправиться на службу». Монетка выпала на «Пятигорск». Именно там он и повстречал свою смерть.
«Явление Христа народу» — гигантская по размерам картина русского художника Александра Иванова, написанная в 1837–1857 годах.
Сюжет полотна связан с событием, описанным в первой главе Евангелия от Иоанна, — явлением Иисуса Христа во время крещения людей у реки Иордан. В центре композиции находится фигура Иоанна Крестителя (Предтечи), указывающего на приближающегося Христа.
Действие разворачивается на берегу реки Иордан, где происходит крещение и очищение от грехов первых христиан. Центральной фигурой полотна является Иоанн Креститель, пророк, который первым узрел Иисуса, приближающегося к нему.
Особое внимание в картине привлекает фигура раба, который подаёт одежду своему господину. На его лице можно прочитать широкий спектр чувств — от недоверия и смятения до радости, умиления и восторга.
Важнейшую роль в картине играет пейзаж. Не имея возможности побывать в Палестине, Иванов воспроизводит природу Римской Кампаньи, используя характерное для итальянского пейзажа яркое и контрастное освещение.
«Чердак здания Академии художеств» — картина Петра Васильевича Басина, созданная в 1831 году. На полотне изображены прачки, развешивающие бельё на чердаке Академии.
Пукирев Василий (1832-1890) Неравный брак 1862
Имя Василия Пукирева, занимавшегося преимущественно жанровой живописью, неразрывно связано с одной из самых драматичных картин в собрании Третьяковской галереи – полотном «Неравный брак». Трагический образ невесты пробуждает в зрителе сочувствие к истории несбывшегося женского счастья. Белоснежное подвенечное платье озарено алым пламенем церковной свечи – так художник словно кровавым сиянием помечает невинную жертву нравов времени.
Браки по расчету, а не по любви, очень часто с большой разницей в возрасте, были достаточно распространенным явлением в середине XIX века – богатое купечество чаяло породниться с обедневшим дворянством для обретения статуса, а последние, в свою очередь, так поправляли финансовое положение. Избранный Пукиревым сюжет был весьма популярным в живописи и литературе того времени. Знаменитое федотовское полотно «Сватовство майора» выглядело комичным живописным воплощением темы смотрин. Однако трагические интонации, пронизывающие картину «Неравный брак», заставили современников взглянуть на проблему иначе – как на беду общества, как на унизительную коммерческую сделку, грубое вмешательство в судьбу человека.
На полотне изображен момент церковного венчания, которое предстает обыденным явлением, притом что бракосочетание старости и молодости противоестественно. В отличие от других бытовых картин той поры, «Неравный брак» имел необычайно крупный формат: фигуры даны почти в размер натуры, а композиция выстроена таким образом, чтобы усилить впечатление жизненной достоверности изображенного. Более того, зритель чувствовал себя соучастником происходящего, то есть стоящим здесь же в храме. Персонажи расположены вплотную у края полотна, их немного, и им тесно в пространстве рамы.
Наблюдателю этой сцены становится важно восстановить ее предысторию, и при внимательном разглядывании персонажей могут обнаружиться реальные судьбы. Попыток проследить историю создания картины искусствоведами предпринято немало.
Невеста, бледная как смерть, обескровлена собственной драмой, а самодовольный старик-генерал, умело скрывающий волнение, наблюдает за поведением невесты, быть может, опасаясь непредвиденного. Впоследствии Репин писал, что эта работа «испортила много крови не одному старому генералу, а Н.И. Костомаров, увидав картину, взял назад свое намерение жениться на молодой особе
Действительно, картине было суждено расстроить не один неравный брак. Факт, приведенный Репиным, свидетельствует и об огромном просветительском и морализирующем влиянии на современников искусства той эпохи, в особенности бытового жанра.
«Тройка» («Ученики мастеровые везут воду») — картина русского живописца Василия Перова, написанная в 1866 году.
Сюжет: трое уставших и замёрзших детей тащат по зимней улице сани с бочкой, полной воды. Девочка и оба мальчишки одеты в потрёпанную одежду, на ногах — ветхие ботинки, а на лицах — выражение безысходности и бесконечной усталости. Сзади повозку толкает взрослый мужчина, во главе процессии бежит собака.
«Никита Пустосвят. Спор о вере» — крупноформатная картина русского художника Василия Перова, написанная в 1880–1881 годах.
На картине изображён драматический момент «спора о вере» — исторического события времён московской смуты 1682 года. Прения состоялись 5 июля 1682 года в Грановитой палате Московского Кремля.
Композиция картины строится на противопоставлении правой части, где находится группа раскольников-старообрядцев во главе с суздальским священником Никитой Пустосвятом, и левой части, где изображены власть имущие — царевна Софья Алексеевна, патриарх Московский Иоаким, архиепископ Холмогорский Афанасий (Любимов) и другие.
«Вид на Кремль в ненастную погоду» — картина Алексея Саврасова, написанная в 1851 году.
Сюжет: большую часть полотна занимает хмурое небо, вздымающееся грозовыми тучами. Под их тяжестью клонится высокое дерево, предвещая надвигающуюся бурю. В центре композиции возвышается белокаменный Кремль, наполовину укрытый облаками. На переднем плане — ветхий шалаш, рядом с которым женщина с ведром спешит укрыться от ненастья.
Тревожный момент приближающейся грозы мастерски передан Саврасовым через контрастное сопоставление светлых и тёмных клубящихся туч, освещённого солнцем силуэта Кремля и сгибаемого порывами ветра могучего дерева на переднем плане. Состояние общего смятения, царящего в природе, подчеркнуто изображением торопливо идущей женщины.
«Мокрый луг» — картина русского художника Фёдора Васильева, написанная в 1872 году.
На полотне изображён момент изменения погоды: по небу плывут тучи, но слева уже светлеет. На переднем плане — омытый дождём луг, на заднем плане находятся несколько деревьев.
«После грозы» — картина русского художника Фёдора Васильева, написанная в 1868 году.
Сюжет: большую часть холста занимает небо, частично ярко-голубое, а частично затянутое облаками и тучами — последствиями недавней грозы. Ниже изображена тёмно-зелёная полоса леса, а на переднем плане — размытая от дождя просёлочная дорога.
«Оттепель» — пейзаж русского художника Фёдора Васильева (1850–1873), написанный в 1871 году.
На полотне изображён период ранней весны, когда зима ещё не совсем отступила. Зритель видит просёлочную дорогу посреди подтаявшего грязного снега; она размыта от постоянной непогоды, на снегу — следы крестьянских телег. Дорогу пересекает полоса талой воды. Небо, как и снег, желтовато-серое, затянуто тучами. Слева — небольшие кустики, справа видна крестьянская изба с покрытой снегом крышей, а большую часть заднего плана занимают леса. По дороге идут мужчина и ребёнок.
Весной 1871 года картина была представлена на конкурсной выставке Общества поощрения художников и отмечена там первой премией. Вскоре после окончания работы над полотном его приобрёл Павел Третьяков.
Залы 16−31, 35−37. Живопись и скульптура второй половины XIX века
В зале №16 начинается новая часть экспозиции — здесь выставлены картины и скульптуры мастеров второй половины XIX столетия. Вы увидите работы Ивана Крамского, Ильи Репина, Василия Сурикова, Виктора Васнецова, а также произведения других живописцев и скульпторов той эпохи.
Лагорио Лев Феликсович (1826-1905) «Грот в чаще леса», (1882)
Айвазовский Иван (1817-1900) Радуга 1873
Знаменитый маринист Иван Айвазовский за свою долгую жизнь создал множество картин, их число превышает несколько тысяч. С неизменным восторгом публика встречала новые полотна мастера – умиротворяющие пейзажи Венецианской лагуны и Неаполитанского залива, виды солнечного Крыма, колоритного Константинополя, египетских пирамид в Гизе и даже Ниагарского водопада. С поразительной легкостью маринист передавал все состояния строптивой водной стихии – от умиротворяющего морского штиля до поражающих воображение бушующих штормов. Полная драматизма картина «Радуга» – одна из самых известных в творчестве Айвазовского. Выполненная в духе романтизма, она воплощает противостояние героя всемогущей природе, бросающей ему вызов. Пейзаж наполнен глубокими философскими смыслами – в нем подняты извечные вопросы судьбы человека, пределов его мужества и силы воли.
У неприступных гористых берегов терпит бедствие корабль, застигнутый страшной бурей. В борьбе за жизнь моряки спустили шлюпки на воду – одна уже приближается к скалам, другая, вдали, только снаряжается. Волнующееся море, срывающаяся с гребней волн пена, брызги, туман и мелкая морось – всё смешалось в нечто единое, олицетворяющее буйство рассвирепевшей стихии. Виртуозно переданы сложные колористические соотношения, тональные переходы в цвете волн – от прозрачно-бирюзовых до пепельно-розовых и белых в их гребнях. Море в «Радуге» Айвазовского словно закипает и пенится. При взгляде на картину задаешься вопросом: удастся ли спастись отважным морякам? Изначальное название пейзажа – «Восход солнца на Черном море» – уточняет для зрителя авторский замысел. Мягкое рассеянное освещение зарождающегося нового дня и, главное, показавшаяся над шлюпкой радуга вселяют надежду на спасение и скорое окончание бури. Картина «Радуга» входит в число немногих произведений Айвазовского, которое приобрел для своей коллекции Павел Третьяков.
«Дети, бегущие от грозы» — картина, написанная Константином Егоровичем Маковским в 1872 году.
Сюжет: брат с сестрой отправились по грибы, но, заметив приближающуюся грозу, поспешили домой. Девочка гораздо старше своего брата, поэтому заботится о нём, как мама. Она взяла малыша на спину и отважно несёт через ручей. Мальчик крепко прижался к сестре — видно, что ему очень страшно. Девочке тоже страшно, но она старается не подавать виду, чтобы не испугать маленького. Она лишь с опаской оглядывается на покрытое тучами небо.
Прототипом главной героини послужила реальная девочка, с которой художник познакомился в Тверской губернии, когда путешествовал по российским глубинкам. Он предложил нарисовать её, но на встречу, назначенную на следующий день, девочка так и не пришла. Зато прибежал её братик и рассказал историю похода за грибами. Мальчик поведал художнику, что они бежали от грозы. Перебегая мостик, его сестрёнка поскользнулась и упала в болото. Сам мальчик быстро выбежал на сушу, а она долго выбиралась, после чего заболела. К вечеру у девочки появился жар, поэтому на встречу она не пришла. Эту историю и решил изобразить Маковский на своей картине.
Марк Матвеевич Антокольский (1843-1902) Иван Грозный, 1875
В начале 1870-х Антокольский создал одно из самых значительных своих произведений, ставшее вершиной творчества мастера и принесшее ему известность. Через личность Ивана Грозного скульптор стремился проникнуть в существо тех трагических противоречий, которые характеризовали сложную и жестокую эпоху русского самодержца. Принципиальное новшество трактовки и подчеркнутый реализм изображения проявились в том, что главный акцент перенесен на психологическую характеристику образа «мучителя и мученика».
«Свидание» — картина русского художника Владимира Маковского, законченная в 1883 году.
Сюжет: крестьянка, приехавшая из деревни в город на встречу с сыном, отданному на обучение ремеслу. Возможно из-за смерти отца-кормильца, мать была вынуждена отдать сына на заработки в город. Мальчик, которому не более 13 лет, по-видимому, трудится подмастерьем на какой-то небольшой фабрике или в мастерской.
Встреча лишена объятий, разговоров и вообще какого-либо общения — измученные герои устали от тяжкого труда и переживаний. Декорации, на фоне которых разворачивается свидание, только подчёркивают крайнюю нищету.
В картине преобладает тёмный колорит, «разбавленный» лишь яркими контрастными пятнами — одеждой и лицами героев.
«На бульваре» — картина Владимира Маковского, написанная в 1886–1887 годах.
Сюжет: художник изобразил встречу семейной четы на Сретенском бульваре в осенний воскресный день. Сюжетная коллизия строится на сопоставлении двух героев — подвыпившего румяного мастерового с гармошкой в руках и грустной ссутулившейся женщины с грудным ребёнком, приехавшей к мужу в город.
Важную роль в картине играет осенний пейзаж: рассеянный свет пасмурного дня, пожелтевшая листва, мокрые крыши домов, старинные фонари, редкие фигуры прохожих придают лирическую окраску всему произведению.
Произведение было представлено на 15-й выставке Товарищества передвижников в 1887 году. Картина была сразу приобретена Павлом Третьяковым за значительную в то время сумму в 1500 рублей.
Врубелевские залы 32−34
Экспозицию второго этажа завершают три зала, в которых выставлены работы Михаила Врубеля — еще одного художника, который подолгу жил и работал в имении Абрамцево.
Михаил Врубель. Принцесса Греза. 1896
Как только вы попадете в зал №32, сразу увидите большое панно «Принцесса Греза». Врубель создал его по мотивам стихотворной драмы Эдмона Ростана. Художник написал главного героя этого произведения — влюбленного трубадура, который тяжело болен и видит в грезах свою прекрасную возлюбленную.
Эту работу и панно «Микула Селянинович» (оно хранится сейчас в Русском музее) в 1896 году художнику заказал министр финансов Сергей Витте. Он хотел, чтобы произведения участвовали в нижегородской художественно-промышленной выставке. Но Императорская Академия художеств не одобрила творчество Врубеля и не рекомендовала выставлять их в Нижнем Новгороде.
Михаил Врубель. Демон сидящий. 1890
«Демон сидящий» — одна из самых известных картин Михаила Врубеля. Художник создал ее по мотивам поэмы Михаила Лермонтова «Демон», к которой рисовал иллюстрации.
Образ этого мистического героя встречается у Врубеля несколько раз в картинах разных лет: «Демон летящий», «Голова Демона», «Демон поверженный». Сам художник писал: «Демон — дух не столько злобный, сколько страдающий и скорбный, при всем этом дух властный, величавый…»
На этой картине Демон намеренно изображен так, словно рама вокруг полотна стесняет его движения: таким образом художник подчеркнул характер героя, его стремление к свободе.
Михаил Врубель. Царевна-Лебедь. 1900
На картине «Царевна-Лебедь» Врубель изобразил героиню пушкинской «Сказки о царе Салтане». На этот образ художника вдохновила его жена — певица и актриса Надежда Забела: она играла Царевну-Лебедь в опере Николая Римского-Корсакова по мотивам произведения Пушкина. Врубель запечатлел жену в сценическом костюме, эскизы для которого создал сам.
«Утро в сосновом лесу» — картина русских живописцев Ивана Шишкина и Константина Савицкого, написанная в 1889 году.
На полотне изображён утренний дремучий лес, на его фоне медведица и трое молодых мишек играют с поваленными деревьями. Когда-то буря с корнем вырвала из земли могучую сосну, и на её сломанном стволе спокойно чувствует себя семья медведей.
Замысел композиции был предложен Шишкину Савицким, который в итоге стал соавтором полотна и по ранее нарисованным Шишкиным эскизам написал медведей.
«Княжна Тараканова» — самая известная картина русского живописца Константина Флавицкого. Написана в 1864 году.
На полотне изображён каземат Петропавловской крепости, за стенами которой бушует наводнение. На кровати, спасаясь от воды, прибывающей в зарешеченное окно, стоит молодая женщина. Промокшие крысы выбираются из воды, подбираясь к ногам узницы.
Меншиков в Берёзове» — картина русского художника Василия Сурикова, завершённая в 1883 году.
Тема произведения связана с историческими событиями конца 1720-х годов — ссылкой приближённого и ближайшего сподвижника Петра I Александра Даниловича Меншикова и его семьи в город Берёзов (ныне посёлок городского типа Берёзово в составе Ханты-Мансийского автономного округа).
На картине в интерьере крестьянской избы изображены сам Меншиков и трое его детей — старшая дочь Мария, младшая дочь Александра и сын Александр.
«Боярыня Морозова» — картина Василия Ивановича Сурикова, изображающая сцену из истории церковного раскола в XVII веке.
Сюжет: момент, когда боярыню Феодосию Морозову, закованную в цепи, провозят по московским улицам, чтобы затем заточить в Боровский монастырь.
После дебюта на 15-й передвижной выставке 1887 года картина была приобретена для Третьяковской галереи, где и остаётся одним из основных экспонатов.
«Приём волостных старшин Александром III во дворе Петровского дворца в Москве» (1884–1886) — масштабное полотно Ильи Репина. Картина изображает один из эпизодов торжеств по случаю коронации Александра III — обращение императора к волостным старшинам на праздничном обеде во дворе Петровского дворца 21 мая 1883 года.
Художник работал над заказом почти два года, выполнив большое количество подготовительных этюдов, рисунков и эскизов. Картина экспонировалась на выставках передвижников в Санкт-Петербурге (1886) и Москве (1887). В 1887 году, по распоряжению императора Александра III, полотно было повешено в аванзале Большого Кремлёвского дворца. С 1953 года картина находится в собрании Третьяковской галереи; ныне представлена в основной экспозиции музея.
«Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года»— картина русского художника Ильи Репина, написанная в 1883–1885 годах. Изображает эпизод из жизни Ивана Грозного, когда он в сильном гневе якобы нанёс смертельный удар своему сыну царевичу Ивану.
Картина стала центральным событием Тринадцатой выставки Товарищества передвижников, открывшейся в Петербурге в 1885 году. Именно на выставке её увидел император Александр III и был очень недоволен сюжетом. Император запретил картину к показу, но благодаря заступничеству многих деятелей культуры запрет был снят.
Залы 38−48. Живопись и скульптура рубежа ХIХ–ХХ веков
Произведения мастеров, которые творили на рубеже столетий, занимают в Третьяковской галерее 11 залов первого этажа. Здесь вы можете увидеть пейзажи Исаака Левитана и Константина Коровина, работы одной из первых российских женщин-скульпторов — Анны Голубкиной, портретную живопись Валентина Серова и Зинаиды Серебряковой, жанрово-исторические сцены Михаила Нестерова и русских красавиц Бориса Кустодиева.
Михаил Нестеров. Видение отроку Варфоломею. 1889–1890
Картина «Видение отроку Варфоломею» стала первой работой в цикле, который Михаил Нестеров посвятил Сергию Радонежскому — одному из самых почитаемых русских святых, в миру его звали Варфоломеем. На это полотно художника вдохновил эпизод из жития святого: тот был еще мальчиком, когда встретил незнакомого монаха, который спросил отрока, чего бы он хотел. Варфоломей ответил, что больше всего на свете хочет научиться грамоте. Тогда монах благословил его, дал немного просфоры — церковного хлеба для причастия — и сказал, что теперь Варфоломей превзойдет сверстников в учебе и знаниях.
Наброски для пейзажа Нестеров делал в окрестностях Троице-Сергиевой лавры. Первую версию картины художник не закончил: однажды во время работы он оступился, упал и повредил холст так, что писать на нем дальше было невозможно. Пришлось заказывать новый холст и начинать все сначала. Незавершенная версия картины хранится сейчас в Башкирском художественном музее имени Михаила Нестерова.
Валентин Серов. Девочка с персиками. 1887
На картине «Девочка с персиками» Валентин Серов изобразил дочь Саввы Мамонтова — 11-летнюю Веру. В то время художник гостил у Мамонтовых в имении Абрамцево и однажды набросал портрет Веры, когда она ела персик за столом. Постепенно он дорабатывал этот эскиз, пока тот не перерос в полноценную картину. Работа над полотном заняла несколько месяцев: Серов заканчивал его уже в сентябре. Поэтому на нем летние персики соседствуют с пожелтевшими осенними листьями. Веру Мамонтову художник намеренно изобразил в повседневной одежде и не просил ее переодеваться для позирования в парадное платье: ему хотелось запечатлеть спонтанность и естественность момента.
«Февральская лазурь» — пейзаж русского художника Игоря Грабаря, написанный в 1904 году.
Грабарь работал над картиной в подмосковной усадьбе Дугино. Для работы над полотном, продолжавшейся в течение двух с лишним недель, в снегу была вырыта траншея глубиной около метра, в которой художник расположился вместе с мольбертом и установленным на нём холстом.
Описание: большую часть переднего плана занимает берёза с ритмически расположенными ветвями, сквозь которые просвечивает ярко-голубое небо. Вершины дерева не видно — она срезана верхней границей холста. Позади находятся другие, более тонкие берёзы, объединённые в группы по два-три дерева. Вдали, на горизонте, виден сплошной берёзовый лес. На снегу, находящемся на переднем плане, видны тени деревьев, расположенных позади зрителя.
«Февральская лазурь» является одним из наиболее показательных примеров использования цветового разложения (дивизионизма, или пуантилизма) в творчестве Грабаря — картина написана чистым цветом, без смешивания красок на палитре, разные краски нанесены на поверхность холста короткими мелкими мазками.
«Больная» — картина Василия Дмитриевича Поленова, созданная в 1886 году. Холст, масло, размер: 135,7 × 188 см.
На полотне изображена комната с кроватью больной женщины, затенённая, тонущая во мраке. Единственным лучиком света выступает настольная лампа с наклоненным абажуром, чтобы свет не бил в лицо женщины. Луч света выхватывает из темноты отдельные предметы — тумбочку, на которой стоят стакан и графин с водой, лежит несколько книг, тонкую и бледную руку больной девушки, бессильно упавшую на постель.
Тема полотна навеяна чередой утрат в жизни мастера, начиная от безвременной кончины первого ребёнка в семье, до смерти любимой сестры.
Залы 49−54. Графика ХVIII — начала ХХ века
Залы 49−54 занимает выставка графических работ. Она постоянно обновляется — раз в полгода здесь выставляют новые произведения. Здесь же проходят и временные выставки графики из других коллекций — например, из собрания Русского музея.
Зал 55. Сокровищница
Из залов графики вы попадете в сокровищницу Третьяковской галереи.
В отличие от всей остальной экспозиции, здесь представлены не картины и скульптуры, а изделия из золота, серебра и драгоценных камней: церковная утварь, оклады икон, книжные переплеты, ювелирные украшения разных эпох.
Свенская (Печерская) икона Божией Матери — одна из самых ранних сохранившихся икон, созданных в Киево-Печерском монастыре. Авторство приписывается преподобному Алипию иконописцу.
На иконе изображена Божия Матерь, сидящая на престоле, на коленях у Неё Богомладенец. С двух сторон от Пречистой — основатели русского иночества — преподобные Феодосий Печерский и Антоний Печерский, которые держат в руках длинные свитки с письменами.
До 1288 года икона находилась в Киево-Печерском монастыре, где прославилась чудесами. В 1288 году Черниговский князь Роман Михайлович, будучи в Брянске, лишился зрения. Услышав о чудесных исцелениях от иконы, он послал в Печерский монастырь милостыню и прошение отпустить чудотворную икону к нему в Брянск.
В 1288 году икона была обретена на дубу, у берега реки Свены, впадающей в Десну недалеко от Брянска. После обретения иконы князь прозрел и в память о своём исцелении основал на этом месте Успенский Свенский монастырь.
В 1925 году Свенскую икону изъяли и перевезли в Москву в Третьяковскую галерею, где она хранится и поныне.
Залы 56−62. Древнерусское искусство
Завершается экспозиция несколькими залами, в которых вы можете познакомиться с искусством Древней Руси. Прежде всего это старинные иконы разных школ, которые опирались на византийские каноны письма.
Здесь вы увидите работы Феофана Грека, Андрея Рублева, Дионисия и других знаменитых и безымянных мастеров.
По преданию, Донская икона Пресвятой Богородицы была написана Феофаном Греком по заказу великой княгини Евдокии на молитвенную память о своём муже Димитрии Донском и о воинах, погибших в Куликовской битве в 1380 году.
Считается, что самый древний образ Донской Божией Матери был создан Феофаном Греком около 1392 года для возведённой Дмитрием Донским Успенской церкви в Коломне. По другой версии, Феофан Грек писал икону в Москве с несохранившегося коломенского оригинала.
С середины XVI столетия «Богоматерь Донская» находилась в местном ряду иконостаса Благовещенского собора Московского Кремля, куда была перенесена между 1552 и 1563 годами из Успенского собора в Коломне.
Заключение
Третьяковка — символ города и обязательный пункт в программе каждого туриста, наравне с Кремлём или Государственным историческим музеем.
Спасибо за Ваше внимание, уделенное время, прочтение и активность (подписка, комментарии, лайки)!
Популярные направления
Посмотрите на список, может Вас заинтересуют эти направления для путешествия:
• Москва • Московская область • Санкт-Петербург • Ленинградская область • Владимирская область • Калининградская область • Рязанская область • Тверская область • Нижегородская область • Новгородская область • Псковская область • Мурманская область • Тульская область • Краснодарский край • Чувашская республика • Костромская область • Ярославская область • Самарская область • Калужская область • Смоленская область •