В истории осталось очень мало достоверных фактов из его биографии. Исследователи считают, что его фамилия – это на самом деле прозвище, которое получил его отец, переселившись в Регенсбург из Альтдорфа. Известно, что отец художника незадолго до рождения сына получил права горожанина, что означает приём в один из городских цехов или гильдий. Сведений о характере занятий Альтдорфера-старшего не сохранилось. Судя по тому, что Альбрехт без особого труда получит в будущем звание городского архитектора, можно предположить, что и отец его имел отношение к строительству. Дата рождения Альбрехта Альтдорфера (годы жизни 1480-1538) также не сохранилась. О детстве и молодости художника сведений нет. Известно, что по каким-то причинам семья художника покинула Регенсбург и переселилась в Нюрнберг. Дальше снова следует пробел в биографии длиною в полтора десятка лет. На эти годы приходится время обучения и получения профессии, о чём информации не осталось никакой.
Предание гласит, что обучался Альтдорфер у своего тёзки – Альбрехта Дюрера. Подобные выводы делают искусствоведы, изучившие манеру письма Альбрехта, его монограмму, напоминающую подпись его учителя. А вот ученических работ мастера не сохранилось. Его первая подписанная работа относится к 1506 году, работа очень зрелая и мастерски выполненная. По традиции ещё средневековой, Альтдорфер совершает несколько путешествий, совершенствуя свои профессиональные навыки. Одно из путешествий по Дунаю сыграло решающую роль в направлении творческой мысли художника, привело к созданию целой школы живописи, так и названной позже – Дунайской. Во время этого путешествия художник открывает для себя красоту природы юга Германии, Австрии и Венгрии. Эта любовь к природе станет главным источником вдохновения Альтдорфера на протяжении всей его творческой жизни.
Творчество мастера было настолько новым, ярким, выразительным и интересным, что слава об Альтдорфере быстро распространяется по всей Германии. Его заказчиками были и великие герцоги Баварии, богатые монастыри Австрии, немецкие князья и даже сам император. Немцы с его помощью смогли, наконец, увидеть всю красоту своей природы, её живописность и мощное звучание. Среди работ Альбрехта Альтдорфера появились пейзажи в чистом виде – это стало революцией в немецкой живописи. В своих творениях на библейские, мифологические и аллегорические сюжеты, мастер также уделяет большое значение пейзажу, который не просто выступает декорацией, а играет в его картинах равноправную роль.
В творчестве Альтдорфера особняком стоят портреты. Умение художника изобразить внутреннюю красоту человека, одухотворённость, разгадать тайны характера – вот только несколько параметров, которые снискали художнику славу. Интересным выглядит и подход мастера к написанию библейских сюжетов. Он смело разрушает все средневековые каноны, а известные библейские персонажи «звучат» в его работах необыкновенно свежо, реалистично и сильно. Он скончался 12 февраля 1538 года в возрасте примерно 58 полных лет.
1 картина. «Битва при Иссе (Битва Александра с Персами)»
- Дата создания: 1529 год
- Размеры: 158 х 120 сантиметров
- Место нахождения: Старая Пинакотека (Мюнхен, Германия)
Баварский художник Альбрехт Альтдорфер жил в городе Регенсбурге. В 1511 году он совершил путешествие вниз по Дунаю на юг к Альпам. Красота тех мест произвела на него глубокое впечатление, и он стал одним из первых живописцев, изображавшим пейзажи эмоционально и выразительно, а не просто в качестве удобного заднего фона для картины. Вершиной искусства живописца стала картина «Битва при Иссе (Битва Александра с Персами)», написанная для Вильгельма IV, герцога Баварского. В ней небеса, море и земля играют одинаковую роль, и лишь табличка на небе указывает, что это та самая битва, в которой Александр Македонский разгромил персов на реке Иссе в 333 году до нашей эры. По доспехам воинов и архитектуре далёкого города на заднем плане полотна эта сцена могла бы показаться относящейся к XVI столетию.
Чтобы создать ощущение грандиозности происходящего, Альтдорфер нарисовал баталию как бы с высоты птичьего полёта. Перед зрителем открывается бурлящий водоворот крошечных силуэтов солдат, сливающихся в единую массу, на фоне горного пейзажа, где солнце драматически прорывается сквозь тучи, прогоняя прочь луну. Александр сражается в первых рядах воинов в самой гуще битвы, преследующий персидского царя Дария на своей колеснице. Александр – царь Македонии – самый известный из всех завоевателей древности – был учеником Аристотеля, уже в восемнадцать лет командовал кавалерией; разгромил персов, завоевал Египет и основал Александрию. В храме Аполлона дельфийская сивилла предсказала ему, что он непобедим. Александра Великого часто изображают верхом на его коне Буцефале – белом жеребце, который подчинялся лишь его чуткой руке.
По легенде, когда армия Македонского захватила греческий город Фивы, один из подчинённых ему командиров изнасиловал знатную женщину Тимоклею, потребовав, чтобы та отдала ему свои деньги. Тимоклея подвела его к колодцу, в котором она якобы спрятала свои драгоценности, и, когда он нагнулся, чтобы заглянуть вниз, она столкнула его в колодец. За содеянное женщина была представлена на суд Александру, и он оправдал её. Эта легенда нашла воплощение в картине Пьетро Делла Веккьи под названием «Тимоклея, Приведённая к Александру», где запечатлён момент освобождения Тимоклеи Александром за её величие духа и чувство собственного достоинства.
После битвы при Иссе Александр проявил такое же благородство и великодушие к побеждённому Дарию и его семье. Когда его армия захватила и разграбила лагерь персов, Александр уважительно отнёсся к матери, жене и двум дочерям Дария. Паоло Веронезе изобразил Александра и его друга Гефестиона, посещающих царскую семью, в картине «Семейство Дария Перед Александром». Мать Дария по ошибке приняла более высокорослого Гефестиона за своего завоевателя, но Александр не придал значения ошибке и, отшутившись, успокоил её, сказав, что Гефестион – это ещё один Александр. Преследуя Дария, Александр обнаружил царя персов умирающим от смертельной раны, нанесённой его собственными подданными. Когда Дарий умер, Александр оказал почести своему врагу, накрыв его тело собственным плащом. Прославленный Александр был убеждён, что лучше править посредством доброй воли, чем с помощью насилия, стараясь объединить разные обычаи. Он женился на Роксане, которая, по некоторым источникам, была дочерью Дария, а по другим – дочерью правителя завоёванных им азиатских земель.
2 картина. «Мученичество Святого Флориана»
- Дата создания: примерно 1520 год
- Размеры: 79 х 67 сантиметров
- Место нахождения: Галерея Уффици (Флоренция, Италия)
Работа немецкого художника эпохи Возрождения и главы Дунайской школы живописи Альбрехта Альтдорфера входила в большой живописный цикл, ныне рассредоточенный по разным музеям и представляющий сцены из жития святого Флориана. Священное предание гласит, что этот римский солдат, живший в III-IV веках нашей эры, тайно принял христианство и пытался спасти в верхнеавстрийских землях христиан от казни, за что и был приговорён к смерти. Ему привязали камень на шею и бросили в реку.
Альтдорфер изобразил Флориана на мосту, стоящим на коленях, с огромным жерновом, привязанным к его шее. Вокруг столпились мучители и просто зеваки. Художник представил всю сцену увиденной снизу, отчего в пролёте моста открывается захватывающий пейзаж: прозрачные воды реки, образующие завихрения вокруг опор, тонут в солнечной дымке далёкие голубые горы, виднеется на вершине замок. Мир на картинах Альтдорфера выглядит волшебно прекрасным, даже когда он изображает мученичество. Приподняв всю сцену композиционно, живописец выразил тем самым величие подвига, совершённого Флорианом, а сияющий вокруг него мир подчёркивает душевную красоту святого.
3 картина. «Пейзаж с Семьёй Сатира»
- Дата создания: 1507 год
- Размеры: 23 х 20 сантиметров
- Место нахождения: Берлинская Картинная Галерея (Берлин, Германия)
Немецкий художник и мастер гравюры рубежа XV-XVI веков Альбрехт Альтдорфер прославился, главным образом, своими произведениями на религиозные и исторические сюжеты. Представленная выше панель – это совсем другой сюжетный пласт, имеющий большую популярность среди мастеров того времени (как в живописи, так и в литературе): жизнь людей и полулюдей-полузверей на фоне естественного пейзажа. Иногда творцы обращались к мифологическим сюжетам Греции, а порою и сами выдумывали истории, делая главными героями сатиров и других получеловеческих существ. Именно такой фантазией и является картина «Пейзаж с Семьёй Сатира», написанная им в 1507 году.
На пологом уступе скалы, поросшим деревьями и травой, зритель видит семью сатиров. Глава семьи – темнокожий мужчина с козьими ногами. К нему льнёт обнажённая блондинка, поддерживая малыша, который несмело стоит у неё на бедре. А на соседнем лугу, чуть поодаль, разворачивается другая сцена – женщина в красном платье захвачена не менее колоритным персонажем, чем сатиры, нагим мужчиной. Бедняжка пытается увернуться и убежать из цепких рук, но голый персонаж мёртвой хваткой держит девушку то ли за платье, то ли за плечо. Самое интересное, что семья сатиров совсем не обращает внимания на происходящее недалеко от них.
Рассматривая данную работу, следует обратить внимание сразу на два аспекта: изображение природы и изображение людей и сатиров. Исследователи отмечают: похоже, что Альтдорфера вдохновляли пейзажи венецианской школы, а именно Джорджоне. Хотя совершенно неизвестно, был ли живописец в Венеции. Подлинник совсем небольшого размера, и можно сказать, что автор работал в новаторской миниатюрной технике. Герои же на картине выглядят несколько непропорционально – стоит внимательно рассмотреть жену сатира: её голова слишком мала для столь массивных плеч.
Картину иногда называют просто «Семейство Сатиров», но это не совсем корректно. Именно длинное название «Пейзаж с Семьёй Сатира» передаёт наиболее полно замысел художника, ведь именно природе автор отдал ведущую роль. Картина относится к ранним работам Альтдорфера, и одной из первых, которую художник подписал, взяв за основу знаменитую монограмму другого живописца – Альбрехта Дюрера. За свою длинную историю картина успела побывать у нескольких коллекционеров, пока в 1874 году не была выставлена на продажу. Счастливым обладателем творения стала знаменитая Берлинская Картинная Галерея.
4 картина. «Святая Ночь»
- Дата создания: 1511-1513 годы
- Размеры: 36,2 х 26 сантиметров
- Место нахождения: Берлинская Картинная Галерея (Берлин, Германия)
Немецкий художник Альбрехт Альтдорфер, принадлежавший к Дунайской школе живописи, в своём творчестве несколько раз обращался к сюжету Рождества Христова. Картина «Святая Ночь» буквально завораживает своим исполнением, реалистичностью и неким ореолом романтизма. Мы видим полуразрушенное здание – осыпавшаяся кирпичная кладка обнажает голые деревянные балки. Это сооружение давно превратилось в развалины, о чём свидетельствуют цветы и травы, успевшие прорости прямо на камнях. Именно здесь и нашло приют Святое Семейство.
Лунный свет выхватывает Иосифа, Марию и Младенца из тёмного закутка старого здания. Свечение полной луны делает все контуры более явными, контрастными, что кажется можно рассмотреть все детали пейзажа. Вообще, главные заслуги Альтдорфера связаны, прежде всего, с пейзажем. Работая в небольшом пространстве (его картины весьма скромны по размерам), художник, можно сказать, изобрёл минималистическую технику письма. И в представленной выше работе мы можем заметить, как скрупулёзно выписана каждая деталь – травинки, кирпичи, деревянный остов. Кажется, что перед нами разворачивается какая-то таинственная история, сказка.
Фигуры же людей на картине написаны более эскизно и приблизительно. Мария сложила руки накрест на груди. Её облик, как и облик Иосифа, удручён, печален и одновременно смирен. Почти на самой земле лежит Младенец в окружении трёх ангелочков. Ангелочки с картины – и те, что возле Иисуса Христа, и те, что парят над зданием-развалюхой, и тот, которого можно заметить в ярком пятне облака ниже луны: все они однотипны и не имеют ярко выраженных индивидуальных черт. Это вполне свойственно для эпохи, в которой творил Альтдорфер. Персонифицировать небесных героев в живописи станут чуть позднее.
Однако Альтдорфер стал новатором в другом – автор смело использует контрастные цветовые сочетания, уравновешивая тем самым композицию светлыми пятнами: луна, жёлто-белое облако под месяцем, ангелочки на небе и сам младенец Иисус. Слева от главных героев едва различимая фигура ягнёнка (вернее его голова) и это довольно известный христианский символ. Иносказательно присутствие этого животного на картине можно выразить следующими словами: Бог заботится о своей пастве, как внимательный пастух об овцах. Ягнёнок в стойле – ещё одно доказательство великого предназначения только-только родившегося младенца Иисуса.
5 картина. «Причастие Апостолов»
- Дата создания: 1516-1518 годы
- Размеры: 42 х 32,5 сантиметра
- Место нахождения: Берлинская Картинная Галерея (Берлин, Германия)
Творчество живописца и мастера гравюры Альбрехта Альтдорфера, ярчайшего представителя Дунайской школы живописи, сосредотачивалось, главным образом, на религиозных сюжетах. Предположительно, в 1516 году он обратился к популярной теме, не раз воспроизведённой художниками – Причастию Апостолов. Причастие или Евхаристия – священнодействие, которое предусматривает собой освящение хлеба и вина особым образом и употребление их после. Таким образом, приверженцы христианской религии приобщаются к Крови и Телу Иисуса Христа и соединяются с Богом во Христе. Символическое значение этого таинства объяснил своим апостолам сам Иисус на Тайной Вечере, которая предшествовала казни. Как уже упоминалось, множество художников захватывались этим сюжетом, представляя своё видение новозаветной истории. Но Альбрехта Альтдорфера спутать невозможно ни с кем! Этот известный мастер времён Северного Возрождения перенёс своих героев из зданий/комнат/залов (как у других живописцев) на природу.
Сказочно красивый задний фон отличается красотой и неким романтизмом. Серо-синее небо с тяжёлыми белыми облаками, безмятежное и красивое, зубчатый неровный контур гор или скал, могучее толстоствольное дерево, которое разместилось с правой стороны картины, старинная каменная арка, поросшая травой и цветами – природа у Альтдорфера выписана с особой тщательностью и доскональностью. Каждый элемент виден отчётливо (травинки, листочки, расщелины камней), и некоторые исследователи утверждают, что это всё влияние гравюры, которой Альбрехт уделял не меньшее время в своём творчестве. На фоне этой сказочной красоты разворачивается действие, полное бытовых подробностей. Мы видим босых апостолов, одетых в яркие свободные одежды (можно отметить, что художник пытается придать фактуру драпировкам и складкам ткани). Они заняты каждый своими делами: одни большой группой стоят у дерева и что-то обсуждают; двое других присели на камни; третьи находятся чуть поодаль и выписаны не столь подробно.
Самого действия причастия художник не изобразил – складывается впечатление, что мы видим события, которые предшествовали этому. Техника художника особенная для того времени – мастер работает тонкой кистью, накладывая мелкие неровные мазки. Цвета Альтдорфер выбирает достаточно яркие и контрастные (на репродукции это нельзя разглядеть достаточно хорошо): красные, жёлтые, синие, зеленоватые. В результате фактура у автора получается суховатая и пёстрая. Живописец делал свои религиозные работы очень «настроенческими» и этим, разумеется, отходил от религиозных канонов. Поэтому и «Причастие Апостолов» – это не просто авторская трактовка религиозного сюжета, а маленькая живописная новелла, полная красоты и поэзии.
6 картина. «Лот и Его Дочери»
- Дата создания: 1537 год
- Размеры: 107,5 х 189 сантиметров
- Место нахождения: Музей Истории Искусств (Вена, Австрия)
История о Лоте и его дочерях нашла своё воплощение в картине дунайского живописца Северного Возрождения Альбрехта Альтдорфера. Эта работа появилась ровно за год до смерти мастера, она написана в духе маньеризма. Отец семейства – старый Лот – спасаясь из горящего Содома, потерял свою жену. Та, несмотря на веление посланников Господа не оглядываться на умирающий город, всё же это сделала и превратилась в соляной столб. Дочери Лота приняли уничтожение греховных Содома и Гоморры за конец света и посчитали, что они остались последними женщинами на земле. Их долг, решили дочери, не дать роду человеческому сгинуть и «возлегли» они с отцом своим Лотом, до этого опоив его. Тему инцеста Лота с дочерьми можно найти в творчестве Франческо Фурини, Адриана ван дер Верффа, Доменико Мароли, Яна Мюллера, и многих других. Как мы видим, щекотливый сюжет пользовался у живописцев большой популярностью, так что вовсе неудивительно, что Альтдорфер обратил, в конце концов, на него внимание.
На переднем плане творения Альбрехт Альтдорфер в полный рост изображает хмельного Лота с одной из его дочерей. Вторую дочь, также обнажённую, можно заметить вдалеке – она то ли грустит, то ли страдает, снедаемая завистью к сестре. Интимную сцену мастер изобразил с достаточно смелой для тех времён откровенностью – нагая героиня лежит на коленях отца, который обнимает её двумя руками за предплечья. В руках дочери бокал с красным вином, она улыбается, игриво заглядывая в лицо отцу, а тот хищно глядит в ответ. Видно, что девушка подготовилась к этому «свиданию» – её голова украшена каким-то изысканным убором, а на шее изящная цепочка с рубиновым кулоном. Можно без труда отметить, как изменилась техника изображения человеческого тела Альтдорфера – от эскизного и приблизительного до «итальянской модели», полной реалистичности и нюансов. Замечаем выступающие рёбра худого Лота, женственные изгибы с подчёркнутой талией его дочери-любовницы.
Всё разворачивается, как водится у Альтдорфера, на фоне пейзажа, но теперь автор добавляет сюда ткань и цвет, драпировка которой подчёркивает бледность обнажённых тел. Примечательно и колористическое исполнение: автору удалось особенное освещение, так что тела героев на картине будто светятся. Заметна тонкая прорисовка деталей, игра света и тени, цветовая насыщенность. Несомненно, перед нами зрелая работа, демонстрация выкристаллизованного стиля, который складывался годами и последняя картина кисти Альтдорфера. После неё живописец напишет ещё несколько фресок, которые сохранились лишь фрагментарно.
7 картина. «Распятие. Христос на Кресте. Мария и Иоанн»
- Дата создания: 1515-1516 годы
- Размеры: 116,5 х 102 сантиметра
- Место нахождения: частная коллекция
Самые драматичные картины на религиозный сюжет – это, конечно же, те, что связаны с темой распятия и оплакивания Иисуса Христа. Выдающийся представитель Северного Возрождения, немецкий художник Альбрехт Альтдорфер, принадлежавший к Дунайской школе живописи, также не обошёл мимо данный сюжет. Религиозная живопись того периода была скованна некоторым образом соответствующими канонами, но Альтдорфер смело уходит из тесных рамок. Удивительно талантливый пейзажист, он всегда изображал героев на фоне роскошной природы, но здесь поступил совсем по-новаторски – Христа, распятого на кресте, автор помещает на берег моря, хотя известно, что это произошло на скале (холме) Голгофе. То есть, мастер не только отходит от принятых принципов передачи христианского сюжета, а меняет место действия. Поразительная смелость!
Да и посмотрите на саму природу – безмятежная красота её не говорит о трагических событиях: восхитительное голубое небо, лазурная морская вода, живописные деревья, городская арка вдалеке. Но от этого контраста: восхитительно красивый безмятежный фон и истекающий тонкими струйками крови Сын Божий, тягостное ощущение только усиливается. А может этим живописец хотел подчеркнуть то, какую муку принял Иисус во имя спасения человечества, которое теперь может наслаждаться этой красотой? По краям работы автор изображает Марию и Иоанна. Лиц этих героев автор почти не показывает – Иоанн вовсе отвёрнут от нас, а лик Марии наполовину прикрывает платок. Поза её довольно неестественна – изогнутая фигура, разведённые, будто в недоумении, руки. Живописец никогда не уделял пристального внимания фигурам людей, оставляя главным действующим героем природу, но исследователи отмечают тщательное изображение драпировок. И здесь можно заметить с какой филигранностью мастер изобразил фактуру ткани с многочисленными складками и переливами.
Тело распятого Иисуса изображено не столько анатомически точно, сколько эмоционально сильно. Худощавая фигура с раскинутыми руками вся в крови, которая стекает неровными линиями к ногам, где вбит грубый гвоздь. Прямо под крестом автор изобразил шестиконечную звезду – это древнееврейский символ, имеющий множество трактовок. Цветовая палитра Альтдорфера богата и насыщена – яркий красный, светящийся белый, голубой, бирюзовый, жёлтый, коричневый. Смелое колористическое сочетание вкупе с мелкой техникой нанесения создаёт яркую картину, отличающуюся эмоциональностью и проникновенностью.
8 картина. «Пейзаж с Мостиком»
- Дата создания: 1518-1520 годы
- Размеры: 41,2 х 35,5 сантиметров
- Место нахождения: Национальная Галерея Лондона (Лондон, Англия)
Альбрехт Альтдорфер справедливо считается выдающимся живописцем эпохи Возрождения. На формирование его творческого лица оказали сразу несколько мастеров. Исследователи называют Альбрехта Дюрера, Михаэля Пахера и Лукаса Кранаха-старшего. Однако вдохновлённый достижениями других, Альтдорфер смог изобрести свою стилистику и, прежде всего, это касается пейзажа (даже в произведениях на религиозный или мифологический сюжет мастер первое место всегда отдавал именно пейзажу). Представленная выше работа целиком и полностью посвящена пейзажной теме. Сразу отмечаем необычный ракурс – зритель будто смотрит снизу вверх, отойдя от главного объекта на несколько шагов. Этим самым главным элементом картины является мостик, который соединяет собой берег и каменное строение. Автор не оставляет подсказки, которая помогла бы определить, что это за задние, но можно предположить, что перед нами часть замка или храма, выстроенного в романском архитектурном стиле (толстые стены, узкие маленькие окошки).
Природа у живописца, как водится, величава и очень красочна. Могучие толстоствольные деревья, обрывистые желтоватые скалы, покрывающие их заросли кустарников и дикая трава – автор любил более всего именно такую природу, которая находится в некотором запустении, не тронутая рукой человека. Безошибочно можно угадать Альтдорфера по небу – сине-голубая чистая гладь, без единого облачка, лишь с небольшими постепенными аккуратными переходами (от насыщенного синего до искрящегося белого). На заднем фоне творения можно заметить долину. Там виднеется гора, прихотливой извилистой линией лежит тонкая речушка, уходящая к линии горизонта.
Колорит у живописца отличается разнообразием. Альтдорфер не стеснялся в выборе цвета, прибегая порою к контрастным сочетаниям, в ущерб реалистичности. Оттого картина мастера выглядят очень ярко, особенно в репродукции. Подлинник же на много скромнее в насыщенности красок. Некоторые исследователи считают, что в первоначальном варианте «Пейзаж с Мостиком» имел именно такой броский колорит, но с течением времени (полутысяча лет) краски потускнели. Альтдорфера отличает также детализация своих пейзажей. Как точно прорисованы здесь листочки, травинки, ветки. На переднем плане мы видим кустарник, листья которого не просто тщательно выписаны, а ещё и не ровно окрашены, будто солнце ложится только на одну часть куста. Это очень тонкий и интересный момент. Особенно для XVI столетия. Завершив работу, автор не забыл оставить и свою монограмму, «дизайн» которой позаимствован у Дюрера. Её можно заметить в правом верхнем углу картины.