Как современная популярная кульура влияет на окружающую нас реальность и наполняющие ее предметы? Как искусство вышло из стен музеев и проникло в ювелирные магазины, на прилавки супермаркетов, подиумы, зачем банки и промышленные организации поддерживают галереи и создают с ними общие проекты, почему в коллекциях мировых кутюрье все чаще проскальзывают отсылки к полотнам мастеров Возрождения или оп-артистам, почему многие бренды предпочитают собственным дизайнам коллаборации с современными художниками.
Об этом мы бдем говорит в двух-частной статье о взаимопронкновении искусства и повседневности! Часть 1.
Многие думают, что искусство, особенно современное – это что-то непонятное и приближенное к определенным группам населения, с достатком выше среднего и положением. Правда, так и было в какой-то момент истории, но с течением времени искусство во всех своих проявлениях начало становиться общедоступным, а сейчас и вовсе немного мейнстримным. И хотя у демократии плохй вкус, я счаитаю что популиризаци contempotrary art еще не кому не времдила.
Важной вехой в процессе всеобщего просвещения стало появление художественного направления, связавшего искусство и окружающий нас мир. Это направление получило название поп-арт.
Что же такое поп-арт и почему я начинаю отсчет именно с него?
Потому что перед тем, как искусство проникло в нашу повседневную жизнь, окружающий нас предметный мир проник в искусство, как раз в поп-арт.
Поп-арт это художественное движение, возникшее в середине 1950-х годов в Великобритании, но получившее наибольшее распространение в США. Данное направление стало смелым вызовом традиционной живописи, делая акцент на изображениях из массовой культуры, включая рекламу, комиксы, обычные предметы и новости, при этом привнося в работы элементы несерьезности, иронии и значительную порцию китча.
После Второй мировой войны Америка пережила минимальные потери и вступила в период стремительного экономического роста. Промышленность, которая окрепла и расширилась в годы войны, начала заполнять рынок разнообразными товарами — от лаков для волос и стиральных машин до сверкающих новых кабриолетов, которые, по утверждениям рекламы, обещали стать материальным символом счастья. Этот рост, в сочетании с технологическими инновациями и развитием средств массовой информации, способствовал возникновению так называемой «культуры потребления». Важную роль в поддержке культуры потребления сыграли развитие телевидения и новые тенденции в печатной рекламе, где акцент стал делаться на графические изображения и узнаваемые логотипы брендов. Это явление стало характерным для людей с высоким и стабильным доходом, а также свободным временем.
Предпосылки для возникновения поп-арта также коренятся в этой культуре потребления. Поп-арт стал реакцией на изобилие товаров и визуальных стимулов, с которыми сталкивались люди в повседневной жизни. Художники, такие как Энди Уорхол и Рой Лихтенштейн, начали использовать образы массовой культуры, рекламы и комиксов в своих работах, отражая и критикуя общественные ценности того времени. Он стремился стереть границы между высоким искусством и массовой культурой, подчеркивая, что искусство может быть доступным и понятным для широкой аудитории. Таким образом, поп-арт не только отразил дух времени, но и стал важным элементом культурного диалога, исследуя вопросы идентичности, потребительства и массового производства.
К примерам таких работ можно отнести скульптуры Класа Олденбурга, увековечившего обыденные предметы, такие как сантехника, печатные машинки и гамбургеры, а также картины и шелкографии (трафаретный печатный способ) Энди Уорхола с изображениями упаковки супа, мыла и бутылок «Кока-кола». Художники этого направления заявляли: «Кино, научная фантастика, реклама, поп-музыка. Мы не испытываем неприязни к массовой культуре, распространенной среди интеллектуалов. Напротив, мы принимаем её как данность, обсуждаем и с энтузиазмом потребляем».
Но как на том этапе развитии искусства художники обратились к окружающему предметному миру, так и простые фабриканты, производители, дизайнеры одежды, вдохновились искусством и оно начало распространяться повсеместно.
Наш разговор мы условно разделим на две части. Первая – это искусство вокруг нас, вторая -коллаборации и третья искусство как инструмент рекламы.
1. Покрас Лампас и Атриум
В арт-пространство уличного искусства под открытом небом на наших глазах превратился торговый центр «Атриум» напротив Курского вокзала. Известные граффити-райтеры работали там в рамках проекта ARTRIUM. Тогда на фасадах появились работы шести известных граффити-райтеров: Покраса Лампаса (куратор проекта, Россия), Фелипе Пантоне и других. Каллиграффити Лампаса не бьют по глазам и не конкурируют с рекламой. Они настолько вписались в архитектуру объекта, что некоторые зрители даже посчитали их частью оформления здания. Каллиграфия основана на стиле "Каллиграфутюризм", разработанном Покрас Лампасом она основана на цитатах известных русских авангардистов, например, Малевича.
2. Бэнкси.
Граффити - это вообще идеальный пример искусства вокруг нас, конечно, я говорю не про тэги и надписи вроде "коля-дурак", а про что-то более остросоциальное, саркастичное вроде работ Бэнкси, возьмем его деятельность как общеизвестную граффити историю. Безусловно, «феномен Бэнкси» – результат грамотного маркетинга, его фишки – положение инкогнито и работы на злобу дня. Произведения художника часто имеют политический и социальный подтекст. Бэнкси порой грубо высмеивает пороки нашего времени, протестуя против консерватизма и уклада современного общества. Его произведения заставляют задуматься о проблемах нашего мира.
Еще один интересный пример интеграции, но уже от зарубежного художника и на улицах Москвы мы рассмотрим далее.
3. Шепард Фейри
Шепард Фейри был приглашен в Москву, чтобы создать на улицах нашей столицы мурал. Шепард расписал стену на территории самого старого трамвайного цеха Москвы — депо имени Апакова.
Свой проект Фейри назвал «Туннельное зрение». Художник изобразил печатный станок в плакатной стилистике, а также нанес надпись «Искусство должно быть повсюду».
Я думаю вы уже были знакомы с этим художников-дизайнером, но сами того не подозревали, ведь именно он является создателем брэнда Obey. студент Род-Айлендской школы дизайна учил друга изготовлять трафареты для граффити, и по счастливой случайности в газете нашлось изображение Андре Рене Русимова (2,24 м, 236 кг), французского рестлера и актера польского происхождения, более известного под прозвищем Андре Гигант. Трафарет превратился в стрит-арт-кампанию под названием Obey Giant («Повинуйся Гиганту»). То, что началось с стикеров, расклеенных по улицам выросло в марку одежды. Марка OBEY, гибрид из рабочей одежды, военной формы и излюбленной атрибутики уличной культуры, родилась в 2001 году — как еще одно своеобразное материальное «медиа», с помощью которого Шепард стал транслировать свои идеи.