Балет - высшая ступень хореографии. Как танцевальное искусство он поднимается до уровня музыкально-сценического представления. Как придворно-аристократическое искусство балет появляется намного позже танца: в 15-16 веках. Танец же был ещё у первобытного человека. Он использовался в ритуалах и сопровождал различные стороны жизни человека. Потом появился античный театр, частью которого и стал танец. У него была своя муза - Терпсихора.
Танец путешествовал по разным временам и видоизменялся.
Началась театрализация танца. Наиболее интенсивно это происходило в Италии в 14–15 веках. На основе народных танцев сформировались танцы бальные и придворные, появились первые танцмейстеры.
Термин «балет» тоже появился в Ренессансной Италии в 16 веке. Тогда он означал не спектакль, а танцевальный эпизод с некой сюжетной линией.
В Испании такие эпизоды называли мореской, а в Англии - маской.
В середине 16 – начале 17 веков появился фигурный танец, то есть составленный на основе геометрических фигур (балло-фигурато). С того времени известен «Балет турчанок», исполненный в 1615 при дворе герцогов Медичи во Флоренции.
Ещё можно упомянуть конные балеты, которые также известные с начала 16 века. Во время таких представлений всадники гарцевали на лошадях, последние делали интересные танцевальные фигуры, а всё это сопровождалось музыкой.
Во Франции первый балетный спектакль, который объединил в себе танец, музыку и пантомиму был создан раньше чем в Италии, а именно в 1581, а его автором является итальянец Бальтазарини ди Бельджойозо. Назывался он «Цирцея, или комедийный балет королевы», и был поставлен при дворе Екатерины Медичи в Париже.
С тех пор балет (придворный) начал активно развиваться во Франции.
17 век - век барокко. Балетные представления этого времени всегда пышные и зрелищные.
Во времена Людовика XIV спектакли придворного балета достигли наивысшего великолепия, включали в себя сценические эффекты, придававшие зрелищу характер феерии. Людовик XIV и сам не был чужд музе танца, в 1653 он выступил в роли Солнца в Балете ночи, с тех пор его называли «Король-солнце».
В настоящий балет такие танцы стали превращаться только тогда, когда появились определённые правила исполнения, которым должны были следовать все без исключения. Впервые их сформулировал балетмейстер Пьер Бошан, работавший с Люлли и возглавивший в 1661 французскую Академию танца. Она записал свод правил для исполнителей, а в основу положил принцип выворотности ног.
Свой свод канонов он разделил на несколько разделов: приседания, прыжки, вращения, положения корпуса. Также он обозначил 5 позиций ног и 3 позиции рук.
К 18 веку балет становится полностью самостоятельным видом искусства. Итальянские танцовщики принесли на сцену свой неповторимы прыжковый стиль.
Человеком, которые положил начало классическому балетному танцу, и который соединил эти два направления в одно целое, является Луи Дюпре. Такие изменения потребовали адаптации костюма.
Изначально танцевали в балете только мужчины. Потом в состав танцоров начали входить женщины. После «реформации» Дюпре в женском костюме были упразднены тяжёлые фижмы и панье, затем пришлось укоротить юбку. Появилась обувь на низком каблуке.
В то время в моду вошла лёгкая одежда в стиле антик, которая только способствовала развитию техники женского балета.
Однако, всё же в 18 веке содержание балетных номеров ещё было слабо связано с сюжетом оперы и носило характер антре. Жанр сюжетного балета, к которому мы так привыкли, ещё не сложился.
Интересно, что «колыбелью» русского балета стал Сухопутный шляхетский кадетский корпус, открывшийся в Петербурге в 1731 году.
Тогда будущую военную элиту обучал хорошим манерам и танцу Жан-Батист Ланде. Когда в Россию приехала очень известная оперно-балетная труппа из Италии под руководством композитора Арайя, то в качестве кордебалета они взяли кадетов. Представление вышло очень успешным, а кадетов стали постоянно приглашать на дворцовые спектакли.
Спустя шесть лет, Ланде подаёт проект школы, которая должна готовить артистов для Придворного оперно-балетного театра. Так появляется «Собственная Ея Величества танцевальная школа». Сейчас она называется Академией русского балета имени А.Я. Вагановой.
Талантливые русские танцовщики и танцовщицы были дублёрами иностранцев.
Балет в эпоху Просвещения
Эта эпоха - одна из ключевых этапов развития балета. Происходила реформация балета. Дж. Уивер и Д. Рич в Лондоне, Ф. Хильфердинг и Г. Анджоли в Вене вместе с В.К, Глюком пытались поставить балет наравне с оперой, что у них успешно получилось. Начали ставиться первые балеты, в основном на античную тематику.
Балет в эпоху сентиментализма
Со второй половины 18 века наступает сентиментализм. В это время появляются балетные спектакли, где главным становится человек, а не античный бог или герой. Балет становится доступным для большого круга зрителей.
На первом месте теперь стояла пантомима,а не танцевальность, за счёт чего возрос интерес к литературной основе спектакля. Появляются первые балетные либретто.
На рубеже 18–19 веков женский балетный костюм вновь облегчают, появляются первые пуанты. Первыми девушками, которые встали на пуанты были Женевьева Гослен и Амалия Бруньоли.
Так образовались две балетные «школы»: французская всё также отличалась своей лёгкостью и воздушностью, а итальянская делала акценты на прыжки и вращения.
Балет в эпоху романтизма
В эпоху романтизма женский балет выдвинулся на первые роли. К началу 1830-х на первый план вышли контрасты между возвышенным и житейски низменным.
Главными героями балетов стали мифологические существа, духи, персонажи германского и кельтского фольклора.
Также очень большую роль в балете стала играть музыка. Она задавала ритм спектаклю, создавала определённое настроение и атмосферу, давала дополнительные характеристики героям.
Романтизм в балете достиг наибольшего успеха во Франции. Первым балетмейстером, который работал в этом стиле стал Филипп Тальони, поставивший балет «Сильфида» в 1832.
Конечно, жемчужной романтического балета стала «Жизель», премьера которой состоялась в 1841 году на сцене Парижской оперы. В «Жизели» достигнуто единство музыки, пантомимы и танца.
На смену пышным, тяжеловесным нарядам, стеснявшим движения, пришли струящиеся ткани, газ, трико, теперь одежда подчеркивала красоту исполняемого па – она не должна была мешать танцу. Фирменным знаком спектаклей Дидло стали полёты. Но, разумеется, теперь артисту требовалось предельно отточить технику исполнения: небрежность, смазанность движения и вялость были бы на виду. Артист должен был не просто безупречно исполнять свои партии, но в полном смысле слова проживать, чувствовать своего персонажа. На сцене окончательно воцарились женщины - в программках фамилии танцовщиков печатались первыми – но именно балерина получила главенствующую роль. С именами Дидло и особенно – божественной балерины Марии Тальони связываются ещё две вещи, которые стали неотъемлемой частью балета: это пачки и пуанты. Легкая многослойная юбка из невесомой материи, в которой Тальони появилась в образе Сильфиды в 1832 году, превращала живую женщину в волшебное создание, сотканное из воздуха. Уверенные па «на кончиках пальцев» (по-французски - sur les pointes) доводили зрителя до экстаза.
Балет в эпоху реализма
В этот период европейский балет оказался в состоянии кризиса и упадка. Он был вытеснен феерией и мьюзик-холлом. Во Франции балет перешёл в фазу отработки схем и приёмов, и только в России он сохранил характер и эстетику гранд балета - «монументального искусства» со сложными композициями и фигурами.
Известный французский танцовщик Мариус Петипа переезжает в Россию в 1847 году. Это он поставил спектакли, которые до сих пор считаются вершинами классического симфонического балета. Он переместил центр хореографической культуры в Россию. Во второй половине XIX века «сошлись звезды» композиторов-симфонистов П. И. Чайковского, А. К. Глазунова и балетмейстера Мариуса Петипа. Можно сказать, что предыдущие сто лет были долгой и серьёзной школой по постановке танца, обучению виртуозным приемам, так что к появлению таких шедевров, как «Лебединое озеро», «Щелкунчик», «Спящая красавица», «Раймонда».
Импрессионизм в балете
На рубеже 19–20 веков в балет проникает свободный танец: моден, дунканизм, ритмопластический танец. Зародился свободный танец в США и Германии. Новая хореография шла в разрез с традиционными балетными формами. Это проявлялось в интуитивном чувствовании музыки, ритмопластике, танец модерна допускал позицию «носки внутрь», когда в классическом балете все позиции ног должны быть выворотными. В модерне нет пальцевой техники, прыжков и заносок. Главное здесь пластика корпуса, рук, подвижность бёдер.
В начале ХХ века уже никому бы не пришло в голову считать балет пустой забавой, оторванной от реальных проблем, не тревожащей душу. Смелое обращение к шедеврам, не предназначенным для танца, оказалось почти революционным в мире балета. Кроме того, поиски нового звука, нового мелодического и ритмического рисунка, работы таких композиторов, как Скрябин, Стравинский, Прокофьев, Равель, Дебюсси требовали совершенно нового визуального ряда.
Открытый, свободный танец, когда человеческое тело, жест, поза по выразительности могут быть сопоставимы с музыкой и словом, немыслимые прежде движения, полная раскрепощённость и снятие всех условностей – вот что такое балет Серебряного века. В 1908 году тогда ещё совсем молодой М. Фокин поставил балет «Шопениана», хореографически аранжировав ряд произведений Ф. Шопена. Кстати, именно после легендарной «Шопенианы» появились балетные юбки-«шопенки»: полупрозрачные, лёгкие и длинные, в отличие от практически горизонтальных пышных пачек.
Всем известные «Русские сезоны» (1909–1911) С.П. Дягилева оказали огромное влияние на развитие мирового балета.
Дело в том, что традиционный балет, центром которого в то время была Россия, вытесняли европейские балетные коллективы. Ведущими тенденциями становятся метафоричность, бессюжетность, ритмопластика, - танец модерн.
Начиная со второй половины XX века в балете развивается постмодерн. Теперь спектакли сопровождались различными эффектами освещения и звука, кино и фотопроекцией, электронной музыкой и тд. Появилось такое понятие как хэппенинг, то есть участие зрителей в балетном спектакле.
«Русские сезоны» напомнили о традиционном балете.
Центром европейского балетного искусства в 1920–1930-х стала Франция. Там до 1929 работала труппа «Русский балет» Дягилева.
В ХХ веке произошла революция и «Собственную Ея Величества танцевальную школу» удалось сохранить А. Я. Вагановой, В. Д. Тихомирову, Р. В. Захарову и многим другим выпускникам этой школы.
Россия подарила миру балета звёзд первой величины: Наталью Дудинскую, Алексея Ермолаева, Галину Уланову, Майю Плисецкую и других.
История русского и мирового балета продолжается...
Вот что писал о балете Сатыков-Щедрин: «Я люблю балет за его постоянство. Возникают новые государства, врываются на сцену новые люди, нарождаются новые факты, изменяется целый строй жизни; наука и искусство с тревожным вниманием следят за этими явлениями, дополняющими и отчасти изменяющими самое их содержание, — один балет ни о чём не слышит и не знает».
Ну как? Пишите в комментарии знали ли вы о таком и ставьте лайки, есть понравилось! Ну а если вам известны ещё какие-то факты, о которых я не упомянула - обязательно расскажите об этом в комментариях) будет интересно почитать)
Конечно же не забывайте подписываться на мой канал, чтобы не пропускать много интересного!
