Согласно широкой культурологической концепции искусством может быть названо все, что создано в процессе осознанного действия человека. Однако, опираясь на формулировку Фридриха Ницше о том, что это все же является проявлением "метафизической деятельности человека в этой жизни", хочу заметить, что достойно самого пристального внимания лишь то, что проходит настоящую проверку временем. Когда я слышу, что годы не властны над некоторыми вещами, я заключаю, что предмет рассуждения относится к категории вечных ценностей, к тому, что создано вдохновенным творцом силою всего своего воображения и мастерства для формирования у окружающих соответствующего эстетического настроения. И если это способствует и духовному развитию человечества, то, не смотря на весь релятивизм и утилитарность нашей эпохи, такие "evergreen" творения будут еще долго неутомимо притягивать к себе других людей.
Из моих колонок разносятся гармонии альбома "Aqualung" группы Jethro Tull, и я не могу ничего с собой поделать, – снова как когда-то с благоговейным трепетом погружаясь в эту волнующую насыщенную сладостную атмосферу. Это был уже четвертый альбом в дискографии этой британской прогрессив-роковой команды, и он был выпущен по соглашению с лейблом "Chrysalis Records" на "Island Records" аккурат 19 марта 1971 года. Его отмечали как концептуальный альбом, в котором центральная идея – "отличительное разграничение между религией и Богом", хотя музыканты и заявляли, что вовсе не собирались записывать концепт, и что лишь несколько песен имеют некоторые объединяющие темы, касающиеся религии наряду с личным опытом солиста Иэна Андерсона. Между тем, по словам Эдера Брюса, конечный итог вылился "одним из самых интеллектуальных альбомов, когда-либо достигавшим ушей миллионов слушателей рока", и его успех сигнализировал поворотный момент в карьере группы.
Это классический концептуальный рок-альбом с множеством слоев философской глубины. Здесь соседствуют неопрятные городские зарисовки и старинные пасторальные реминисценции, твердость блюз-рока с хардовой примесью и фолк-прихоти, резкая социальная критика и нежные домашние оды. Так много противоречий, и в то же время такое полное и цельное, почти естественное музыкальное воплощение. Если бы Jethro Tull после этого не записал никаких других альбомов, этот альбом можно было бы легко рассматривать как достойную кульминацию. К счастью для нас, этого не произошло, но пока присмотримся повнимательнее к этому почти идеальному продукту.
"Aqualung" стал последним альбомом с Клайвом Банкером на барабанах и перкуссии, который покинул Jethro Tull вскоре после его релиза. Кроме того, это был первый альбом с клавишником Джоном Эваном в качестве постоянного участника группы, так как на записи предыдущей пластинки, "Benefit", он как сессионный музыкант исполнил лишь несколько партий на ряде треков. Лидер группы Иэн Андерсон не мог ни оценить, что появление Эвана, с которым он когда-то вместе посещал гимназию в Блэкпуле и выступал в клубах, существенно изменило стиль группы: "Джон добавил новое измерение в музыке, и теперь я могу писать более свободно. Фактически, с ним как клавишником возможно теперь все". Помимо него, вместо Гленна Корника, покинувшего коллектив 6 декабря 1970 года, в группе появился новый басист – Джеффри Хаммонд, старый приятель Андерсона и Эвана, хотя и Гленн успел немного поучаствовать в ранних сессиях. У Хаммонда до приглашения в Jethro Tull был довольно длительный период воздержания от музицирования где-либо с тех самых пор, как он поступил в художественную школу, так как после окончания средней он предпочел изучать живопись, а не заниматься музыкой. Примечательно, что Иэн Андерсон в свое время в честь него написал "A Song for Jeffrey", фигурирующую на дебютном альбоме группы и выходившую отдельно синглом. Андерсон изобразил Джеффри в строках песни несколько снисходительными словами как человека с эмоциональными проблемами, который легко заблудился. Поэтому его возможное появление в качестве участника группы было чем-то вроде сюрприза. Когда-то в начале 60-х трио в составе Андерсона, Эвана и Хаммонда совместно начинало свою музыкальную карьеру, а последним коллективом Джеффа была The John Evan Band, группа Джона Эвана, и выбор в пользу него был обусловлен в большей степени из-за его социальной совместимости с другими участниками группы, чем из-за его музыкальных навыков. Как позже рассказывал Иен Андерсон:
"Мы взяли Джефри не потому, что он великий гитарист. Он еле выковыривал ноты из баса. Сейчас он стал хорошим музыкантом, но тогда мы взяли его оттого, что человек он был свой, мы дружили с ним много лет и друг друга понимали прекрасно".
Гленн Корник был, конечно, помастеровитее, но в последнее время он начисто утратил связующие элементы с другими музыкантами группы, а главной причиной его ухода были не творческие разногласия, а чрезмерное увлечение алкоголем и прекрасным полом, поэтому его замена была предопределена. Для того, чтобы окончательно склонить Джеффри в пользу Jethro Tull и музыкальной карьеры, ему сразу же купили новую бас-гитару. Мартин Барр, гитарист сменивший в группе Тони Айомми после его недолгого в ней пребывания, вполне уже освоился после своего пришествия в конце 1968 года, он теперь готов был еще в большей степени поддерживать новые идеи Андерсона и еще дальше шествовать в сторону хард-рока от блюз-роковых, фолковых и фьюжн корней музыки группы.
Их первый альбом "Where This Was" был несколько бесцельным и дезорганизованным, "Stand Up" с его увлечением этническими и классическими формами был в лучшем смысле эклектичным. В 1970 году Jethro Tull выпустили альбом "Benefit", на котором в результате экспериментов был выкован звук, который, наконец, придал группе конкретную индивидуальность, продемонстрировав намеки на более широкое видение, которое не могло быть ограничено одним жанром. Обычно, как только группа приходит к единому стилю, следующим логическим шагом идет создание концептуального альбома, и именно на излучинах концепций многие садятся на мель. Часто в таких альбомах отсутствует намек на самоиронию, которая является основой великого рок-н-ролла, и поэтому они порой звучат помпезно и вычурно.
"Benefit", не смотря на все его достоинства, не помог попасть в десятку лучших в США, достигая в "Billboard 200" 11-го места. В Великобритании все тоже обстояло не слишком успешно – третья строчка хит-парадов, – но разве сравнимо это было с успехом "Stand Up", который покорил британские чарты годом ранее. Итак, новый творческий стиль был обретен, но как собирался "Андерсон со товарищи" его применять? Иэн явственно понимал, что им нужно сделать еще один шаг и превзойти на это раз себя, чтобы заполучить и мейнстримовую американскую аудиторию и вернуться на вершину в Великобритании. Успех был нужен, в конце концов, и для того, чтобы стать коммерчески успешными или хотя бы свести концы с концами. Как он признавался позже:
"К двадцати двум годам моя доля от общего долга группы составляла 70 тысяч фунтов – по нынешним деньгам это где-то около миллиона. Страшно представить... Поэтому Новый диск должен был выгодно отличаться от всех предыдущих" .
Потому-то все нужно было тщательно продумать, и еще была необходима какая-то побудительная идея для творчества, тем более, что члены группы были изнурены шестимесячными гастролями совместно попеременно с Led Zeppelin и Yes. И такая идея появилась благодаря фотографиям бездомных на набережной Темзы, сделанными первой женой Андерсона Дженни, урожденной Дженни Фрэнкс, бывшей секретаршей "Chrysalis", на которой Иэн женился 7 февраля 1970 года. Брак, кстати, продержится лишь четыре года.
"У нее был дядя – профессиональный фотограф, и она решила, что она хочет изучать фотодело. Одним из первых ее заданий было фотографирование бездомных людей, живущих в картонных коробках в определенной части Лондона. И она принесла то фото, которое и вдохновило нас с ней на песню".
Надо заметить, что у самого Иена был своеобразный взгляд на окружающий мир, годом ранее он давал интервью, которое помогает понять формирование будущего замысла:
"Сейчас разрушаются многие важные моральные ценности. Секс вышел из подполья, а любовь и романтика задушены напрочь порнографией. Я не против большей свободы в этой области, но не доводить же все до таких крайностей. Все хотят мгновенной революции, но революции редко бывают успешными, тем более, когда они совершаются за столь короткое время. Я думаю, что все эти рок-революционеры успокоятся, когда обзаведутся своими собственными детьми. Я не христианин, но верую в Высший Разум. И хотя я вообще не читаю Библию, я знаю о чем она. Если я найду ответы на свои вопросы, то попытаюсь рассказать об этом в своих песнях...
Я вырос в христианской среде, и меня на самом деле устраивают практически все христианские догматы – единственное, что меня не устраивает, это сам Иисус Христос и все, что с ним связано. Вот тут начинаются проблемы!
Я не был фанатично верующим, религия – это просто составной элемент взросления, как и познание анатомии девушек. В молодости ты многое воспринимаешь неадекватно, стесняешься и все это не так уж здорово. Неудивительно, что семь лет спустя я об этом написал...
Я сам сбежал из церкви в возрасте восьми лет, примерно в третий раз, когда меня послали, потому что я боялся. Сильнее всего меня поразила тактика страха перед религией, которую мои родители пытались заставить меня принять. По этой и другим причинам я много лет жил отдельно от отца, не мог даже разговаривать с ним. Что ж, такая религия основана на концепции Бога, который правит над человечеством. Вы делаете все по Его пути, иначе это соляные столбы и адский огонь. Бог становится довольно призрачной фигурой. Для меня это ужасный шанс – познакомить ребенка с религией таким образом, чтобы он мог быть заражен ее аспектом страха, в отличие от идеи любви, идеи сосуществования. Я думаю, что в религию лучше войти по мере того, как человек достигает большего осознания и опыта с возрастом".
Очевидно, что теперь фотографии Дженни помогли сложить пазл, и ответы были найдены, посему Андерсон предложил свою особую трактовку бытия. Суть ее сводится к тому, что семь миллионов лет назад "Человек создал Бога по образу своему и подобию" и наделил его всеми правами и полномочиями. И уже дальше началась обычная рутина: "И создал Бог нашу Землю за семь дней..." . Потом Человек в порядке эксперимента создал Акваланга, и ему подобных, названных так из-за их специфичного туберкулезно-ревматического придыхания с кашлем, но они наскучили Ему и были выброшены за ненадобностью. Тем не менее, рассеянное по Земле племя Аквалангов выжило и адаптировалось к реальности. По сути, Акваланги – это никчемные создания, бродяги, ведущие бездуховную жизнь. Настоящих же людей на нашей планете очень мало, но и Акваланг может стать одним из них, если "прозреет" или испытает сильное душевное потрясение.
Идеи, заложенные в "Aqualung", потянули за собой схожую мировоззренческую тематику других песен альбома. В том числе – о воздействии урбанизации на природу и влиянии социальных конструкций, таких как религия, на общество. Довольно интересным замыслом было поставить несколько коротких акустических песен между достаточно жесткими композициями. Так, впервые в истории рок-музыки появилось единое концептуальное полотно, нечто вроде рок-оперы, в которой подвергалась яростным нападкам религия. А основным лейтмотивом была сентенция о том, что "Бог находится не на небе, а в сердце каждого человека". Хотя, по признаниям самого Иэна Андерсона, ни он, ни его коллеги по группе не рассматривали на тот момент весь альбом как концепцию:
"В то время я всегда говорил, что это – не концептуальный альбом; это просто альбом разнообразных песен с разными инструментарием и интенсивностью, в котором три или четыре являются ключевыми пьесами для альбома, но это не делает его концептуальным альбомом".
Он, как водится, написал для альбома основной материал, которому теперь необходимо было придать законченные формы, и структурировать все в единое полотно. Одной из ведущих прогрессив-роковых команд, бывшей, по сути, фолк-группой с электричеством, предстояло избавиться от эклектики предыдущих альбомов "Stand Up" и "Benefit", более гармонично вплести хардроковые риффы и напор в присущий ее музыке кельтский мелодизм в стилистике Pentangle. Тем более, что сам Андерсон утверждает, что его главными вдохновителями для написания альбома были Рой Харпер и Берт Янш. А образность и загадочность лирики должны была в полной мере компенсировать возможную искусственность и шероховатость аранжировок, в оркестровке которых традиционно помогал дирижер Дэвид Палмер.
В целом стоит признать, что замыслимое не только благополучно разрешилось, но и превзошло все ожидания. И это не смотря на технические проблемы в студии и еще не восстановившиеся инструментальные навыки Джеффа Хаммонда. К счастью, группа ограничила его басовые партии простой поддержкой ритма для того, чтобы другие смогли в полной мере продемонстрировать свои достоинства. Как заметил гитарист Мартин Барр, чья виртуозность и значимость недооценена как того заслуживала: "Вся группа внесли свой вклад в создание альбома". Сам Барр блистательно презентует свою гитару на таких шедеврах хард-рока "Hymn 43", "Aqualung", "Cross-Eyed Mary" и классике "Locomotive Breath", придавая темам сокрушительную энергию, загружая риффы и интермедии между портретами несчастных, негодяев и повес, и провозглашениями непочтительных и обличительных лозунгов. Как в джазовой традиции, альбом подкупает искусством быстрого переключения внимания слушателя на каждый вновь вводимый инструмент. В то же время, фортепиано Эвана, флейта, гитара и вокал Яна Андерсона и электрогитара Мартина Барра на фоне вполне тактичной ритм-секции никогда еще лучше не звучали совместно. Вот одно из свидетельств критиков:
"Переход от "Benefit" к "Aqualung" – одно из самых поразительных достижений в истории рока. За время одного альбома Jethro Tull перешли от относительно скромного электрифицированного фолк-рока к грандиозному концептуальному року, полному сложных композиций и огромных интеллектуальных лирических построений".
Концептуальной вышла эта работа или нет, но "Aqualung" – один из величайших альбомов всех времен, творение необычайной глубины, мощи и таланта. Его лирика яснее и сильнее, чем на любом другом альбоме Jethro Tull, а музыкальные приобретения Иэна Андерсона, Мартина Барра, Джона Эвана и Клайва Банкера просто экстраординарны. Как и во всем материале Jethro Tull, движущей силой "Aqualung" явился сам Андерсон. Гармоническая основа, тексты песен, вокал и флейта "украшают" всю звуковую конструкцию с элементами актуального в те годы хард-рока чередующимися короткими акустическими номерами. Андерсон уже использовал ранее акустическую гитару, но именно на этом альбоме он "всерьез занялся пением и игрой, а потом уже записью и исполнением песен вживую".
"Все делалось отдельно. Мы разучивали партии вместе с Эваном, и он старательно тренировался, пока у него пальцы не начинали отваливаться. Но он держался молодцом. Конечно, процесс замедлялся, и нам приходилось терпеливее работать над аранжировками".
Сочиняя музыку, Иэн всегда пользовался гитарой, поэтому работая над "Aqualung", "писал песню и быстренько передавал ее ребятам, чтобы они сами додумывали аранжировки". А сам он лишь добавлял позже флейту. Перемены в подходе к записи произошли и благодаря возрастающей студийной самостоятельности Андерсона:
"Понимание того, как следует работать с той или иной песней, возможно, обуславливалось тем, что в студии я часто был предоставлен сам себе. Я записывал акустические гитарные партии, и если ребята долго не приходили, то накладывал еще что-нибудь. Когда они наконец появлялись, многое уже было готово. Я чувствовал себя немного виноватым, ведь создавалось впечатление, что остальные не участвовали в творческом процессе. Но зато я добивался того, что хотел. Мне не нравилось, когда все постоянно играли одновременно. Очень трудно заставить кого-то хоть немного помолчать".
Итогом получился искусный микс фолка, прога и хард-рока, с некоторым количеством протометаллических риффов, добавленных в уже бурлящее жаркое. Правда, в начале сам Андерсон не был уверен, правильно ли они все сбалансировали:
"Мы стали довольно эзотерическими на альбоме, и я чувствовал, что мы, возможно, зашли слишком далеко в этом отношении. То, что притягивает внимание на одной территории, может не быть столь же привлекательным в других местах. На пластинке было намного больше акустики и авторских песен, но Jethro Tull стал теперь восприниматься как рок-группа. Риффовый рок-материал сразу же заметила публика, так что я почувствовал себя достаточно уверенно и удовлетворенно. С этим никогда не угадаешь, пока не выпустишь пластинку. А после она была очень хорошо принята, так что все у нас получилось как надо".
И это действительно случилось. Окончательный вариант стал свидетельством непрерывной музыкальной эволюции группы, чему способствовал порой сбивающий с толку аудиторию меняющийся состав музыкантов. Это был один из тех альбомов, которые, не будучи полностью концептуальными, обладают сквозным идейно-эмоциональным настроем и особой изобретательностью, искусством приковывать внимание слушателя.
Работа началась на Лондонской "Morgan Sound Studios", где создавался предыдущий альбом, с записи композиции "My God" в период 11–12 апреля 1970 года, затем там же 21 июня последовала сессия "Wond'ring Aloud". Но основные сессии проходили уже в декабре на новой студии "Island Records", расположенной на Лондонской Бэйсинг-стрит. Она возникла в бывшей церкви, которую реконструировали и переоборудовали, оснастив новейшей аппаратурой. Здесь было два полноценных студийных помещения, причем в меньшем из них в это же самое время Led Zeppelin работали над своим эпохальным альбом "Led Zeppelin IV". Каково, два бессмертных классических рок-альбома создавались одновременно в одном и том же месте! Jethro Tull досталась большая студия, которая и была основным корпусом преобразованной церкви. Позже Иэн Андерсон сетовал на то, что записываться в этой студии было очень сложно:
"Место абсолютно не подходило для того звучания, к которому мы привыкли. Звук получался холодным и гулким, было очень сложно добиться того, чего мы хотели".
Новую студию оснастили в соответствии с последним словом техники. В ней было столько необычных приборов и примочек, что музыканты со слов Андерсона не могли нормально работать:
"Такую технику мы еще не освоили, и она создавала массу проблем. Комната, оборудование, мониторы... Звучало все ужасающе. И хуже всего обстояло с атмосферой. Помещение было ненормально огромным, с ужасной планировкой, и предназначалось для оркестра. Мы хотели работать в удобной студии с низкими потолками, но ее уже арендовали наши старые соперники... Мы со многими из них общались, Джимми Пейдж был довольно приветливым; Джон Бонэм – это гениальный сумасшедший".
Продюсером "Aqualung" выступил Терри Эллис, соучредитель "Chrysalis Records", ему помогал сам Иэн Андерсон, а звукоинженером был Джон Бернс. Позже, 2 марта 1971 года, мастер-треки будут собраны уже на "Apple Studios".
Надо заметить, что это новое творение Jethro Tull, хоть и продемонстрировало, что группа все еще готова к экспериментам, но не было лишено некоторых шероховатостей. Просто не все, находившиеся в новой студии, в силу своей неопытности понимали как правильно эксплуатировать все это новое оборудование и какие у него имеются возможности. Это одна из причин, почему "Aqualung" является шедевром, не лишенным некоторых недостатков. На альбоме присутствовали звуковые анахронизмы: такие, как странный голосовой отрывок в заглавном треке, "стоп-щелчки" в "Mother Goose", слышимые склейки лент с разных сессий во время сольного пассажа на "My God", непонятное внезапное ослабление струн в "Slipstream" и довольно сомнительный выбор с точки зрения уровня звука в заключительной части "Wind Up". Впрочем, и на солнце. как известно, имеются пятна.
Все это не умаляет и значительных достоинств альбома. Иэн Андерсон проделал замечательную работу сразу в нескольких категориях: затейный композитор, язвительный и проницательный текстовик, человек, умеющий варьировать свои вокальные способности, наконец, виртуоз флейты. Он потрясающе ловко использует ее, как никто другой давая почувствовать спонтанность своей игры. Если партии Питера Гэбриела в Genesis служили лишь развитию общих музыкальных тем, то пассажи Андерсона были по-настоящему изысканны и порой проникновенно вычурны. Как лирик, он глубоко проникает в гущу жизни и представляет нам разнообразные ее стороны, окрашенные богоборческой и не только философией. Как вокалист, он заложил фундамент разнообразия музыки Jethro Tull, заключающийся в интересных переменах темперамента и пафоса: то мы слышим его тихие лирические напевы в "Cheap Day Return", "Wond'ring Aloud", "Slipstream", "Mother Goose", то грубоватый и прямо нахальный голос в "Cross-Eyed Mary" или циничный в "My God".
Стоит отметить, что на "Aqualung" порядок вывернут наизнанку, поскольку только самый передовой и самый узнаваемый материал ("Aqualung", "Cross-Eyed Mary", "Hymn 43" и "Locomotive Breath") является электрическим и риффоцентричным. Две основные темы альбома – это состояние человека (первая сторона пластинки) и отношение к религии (вторая сторона). На первой предпринята попытка исследовать сущность человека, представляя нам целый сонм красочных персонажей – от бомжеватого Акваланга до жертвы обстоятельств косоглазой Мэри. Это мастерски сделанная серия зарисовок: пара героев из массы человеческого отребья, почти Горьковского дна мира людей; некто из воспоминаний самого Иэна Андерсона, ожидающий поезда и размышляющий о визите к своему отцу в больницу; еще кто-то, замеченный на прогулке по Хэмпстед-Хиту; одна сцена из повседневной жизни пары; а другая – из реалий работяг. Этот метод портретной живописи обеспечивает единство в восприятии всего материала и делает лирику Андерсона открытой для интерпретации. Сама музыка при этом чередует хард-роковые забойные риффы и акустические экзерсисы, выдавая порой несколько схожие паттерны, что только усиливает ощущение общности тематики альбома.
Вторая сторона с условным названием по имени вступительного трека, "My God", препарирует общественные институты религии. Да, Безумный Флейтист явно преследует тех, кто наполняет души неисполнимыми ожиданиями и вводит в заблуждение массы. Его нападки злобны, если не мстительны. Вторая сторона содержит три из четырех самых длинных треков всего альбома, но не дает меньше инструментального пространства. Тут вам и интересные партии акустической гитары, и драматичное фортепьяно, и мощная электрогитара Барра, и находчивая флейта, которая с издевкой руководит хоровыми партиями. После превосходного заглавного трека и довольно жесткого фортепианно-гитарного "Hymn43", альбом как бы берет паузу камерным "Slipstream", но лишь для того, чтобы взорваться после продолжительного интро "Locomotive Breath" гитарным риффом близким по исполнению в "Hymn43". Венчает все разнотемповая арт-роковая "Wind Up", напоминающая немного заглавную композицию, зацикливая тем самым все повествование. На этот раз Андерсон нападает на систему образования, в которой немаловажная роль отведена религии. Медленное, гипнотическое акустическое начало сменяется хард-роком, после чего мы вновь возвращаемся к исходной ритмике.
В апреле 1971 года "Aqualung" достиг 4-й строчки в британском чарте и 7-й – в американском. Помимо этого, он был сертифицирован американской ассоциацией "RIAA" как трижды платиновый. Всего в мире альбом был продан тиражом более семи миллионов копий и стал самым продаваемым альбомом группы. Пиратские тиражи – не в счет.
Обратимся теперь к отдельным композициям альбома.
"Aqualung"
Открывающая альбом композиция "Aqualung" – одна из самых сильных по степени эмоционального воздействия вещей в рок-музыке. Текст песни был написан Андерсоном совместно с женой Дженни, которая как-то рассматривала сделанные ей фото бездомных. Она в свое время наспех записывала свои впечатления на обороте фотографии этих бродяг, встреченных ею в парках и на улицах. Позже, не лишенная поэтического таланта, Дженни написала часть текста к песне:
"Идею титульной песне дала фотография лондонского бомжа, которую сделала моя тогдашняя жена. По отношению к таким, как он, бездомным, я чувствовал и свою вину, и страх, незащищенность перед подобными страшноватыми субъектами. Все это вместе дало нам слегка романтизированный портрет человека, который не имеет своего угла, но все же в душе свободен, и не хочет или не имеет возможности войти в общество и смириться с его рамками и предписаниями...
Она на самом деле была ответственна за лирику в первых двух куплетах... Я полагаю, что в целом, вероятно, около половины текста были словами или словесными ассоциациями, которые у нее возникли на основе фотографий бездомных, которые Дженни сделала как обучающийся фотограф...
Под впечатлением от фотографии и с этими мыслями я начал писать слова к "Aqualung", а музыку я написал позднее, когда мы были на гастролях в Америке. Мы жили в одной комнате с басистом Гленном Корником. Все использованные мной аккорды были с баррэ, и мне приходилось постоянно держать палец поперек шести струн, из-за чего он кровоточил. Но когда в результате появляется произведение, в котором музыка и слова так неразрывно связаны друг с другом, ты получаешь такое профессиональное удовлетворение, с которым не сравнится и работа гинеколога – а ведь они тоже по-своему получают удовольствие от того, что делают... Помню, как я сидел в отеле в Лос-Анджелесе, пробуя аккорды к куплетам. Это сочетание аккордов – словно пытка, но их роль – взять вас за уши, приподнять и снова поставить на землю, когда начнется более нежная акустическая секция".
В целом текст передает историю бомжа по имени Акваланг:
Он сидит на скамейке в парке
И подглядывает, явно с нехорошими намерениями, за маленькими девочками.
Сопли текут из носа, грязные пальцы пачкают лохмотья.
Он обсыхает на холодном солнце,
Наблюдая, как мельтешат трусики с рюшечками.
Чувствует себя как дохлая утка и отхаркивается ошметками своей несчастной судьбы...
"Aqualung" – это по сути три песни; по мере того как раскрываются различные настроения рассказчика, соответственно меняется и музыка. Начальное мелодичное высказывание, исполненное резким, угрюмым голосом, некрасиво и тяжеловесно; затем песня переходит во что-то более трогательное и сочувственное, а затем во что-то более раскачивающее. Первые две строфы дают исчерпывающую характеристику персонажу. Он не может ни вызывать чувства безнадежности и отвращения, поскольку ни один человек в мире никогда бы ему не помог. Акваланг одинок и болен и обречен "сгибаться, чтобы подбирать окурки". Он несчастен, он находится в самом низу статусной иерархии общества, он болен, умирает и страдает от боли. Вот что сам Андерсон говорит об этом персонаже:
"Акваланг – это грустный, деградировавший, социально отверженный тип. Это прозвище, которое можно применить к кому угодно в сообществе бродяг".
Все это описание идет на фоне волнующих жестких риффов. Во втором куплете звучание песни меняется с электрического на гитарно-акустическое с заискивающими вкраплениями фортепиано, и мы уже слышим явные нотки симпатии рассказчика к Аквалангу, сочувствия его положению. Изолированность от других, одиночество, само по себе – уже большое несчастье. Акваланг боится всех, кто к нему подходит: "Не убегай в панике, приятель!". В последнем хард-роковом куплете мы уже видим, что жизненные силы Акваланга подходят к концу, его дыхание теперь прерывисто, но сама жизнь вокруг продолжается, и на земле царит безразличие к чужому горю, "и цветы цветут, как безумие весной" .
"Я полагаю, все это было объединено с немного романтизированной картиной бездомного, но при этом свободного духа, который либо не хочет, либо не может присоединиться к предписанным обществом форматам. Итак, исходя из этой фотографии и этих чувств, я начал писать слова "Aqualung". Я помню, как сидел в гостиничном номере в Лос-Анджелесе и разрабатывал структуру аккордов для стихов".
В целом песня отличается типичной эклектикой. Спокойно тренькающая акустическая гитара и изысканное фортепиано представлены в нескольких тактах, взбесившаяся бас-гитара и барабанный пассаж в следующих – и все это увенчано решительным соло электрогитары. А открывалась песня тяжелым мучительным риффом, многим напомнившим пятую симфонию Бетховена. Роль этих восьми нот, по словам Иэна, "взять вас за уши, приподнять и снова поставить на землю, когда начнется более нежная акустическая секция". И действительно, когда тяжелые раскаты сменяет акустическая гитара, голос Андерсона начинает вдруг звучать приглушенно. Такой эффект достигается после обработки звука в студии, когда вырезаются все частоты кроме узкой полосы в 1000 Гц.
"Ну, как и любой хороший рифф – здесь все дело в мгновенно узнаваемом подборе нот, будь то "Whole Lotta Love" или Пятая симфония Бетховена. И это была продуманная и удачно придуманная совокупность нот. А вот аккорды, которые следуют за ним. довольно необычны. Они, скорее, ближе к классической музыке, чем к року. И сверх того, на протяжении почти всей песни я бренчу на акустической гитаре и ненавязчиво, полусвязно рассказываю историю. Люди обращают внимание на открывающий рифф, а ведь то, что дальше – тоже интересно".
Дальше мелодия ускоряется и в ход вступает гитарное соло Мартина Барра, а вот флейта Иэна отсутствует напрочь. В итоге "Иэн и Ко" создали хриплый, по-настоящему роковый, но все же печальный заглавный трек, на котором каждому удалось заявить о себе. Мартину Барру пришлось попотеть над гитарным соло на этом треке. Как вспоминал Андерсон:
"Однажды в студию пришел Джимми Пейдж, и Мартин совершенно растерялся. Возможно, поэтому он потом записал все за один раз, чтобы никто больше за ним не наблюдал".
Мартин Барр позже сам рассказал об этой любопытной ситуацию в студии во время записи соло песни:
"Мы заперлись в студии и работали над "Aqualung", а они работали над "Led Zeppelin IV", – и я вообще не видел Джимми Пейджа . Наконец, он вошел в диспетчерскую, чтобы поздороваться, как раз в тот момент, когда я записывал соло для "Aqualung". В те дни, если у вас не было гитарного соло за один или два дубля, оно могло превратиться в соло на флейте. Это было так: "Иди и сделай это, или иначе...". И вот Джимми махал как сумасшедший – "Привет, Мартин!" – и я думаю: "Я же не могу махнуть в ответ, или я сорву соло!"."
К юбилею этого легендарного альбома Jethro Tull был выпущен новый анимационный клип. Видео было произведено молодым иранским режиссером Сэмом Чегини, и начинается со знаменитой иллюстрации старика на обложке альбома "Aqualung", затем все переходит в суровую и порой сокрушительную оду о бездомности с абстрактными и документальными кадрами: от тех, кто живет на городских улицах, до беженцев, перемещенных по всему миру. Сам Иэн Андерсон также играет эпизодическую роль в клипе, появляясь с помощью эффекта анимации ротоскопа:
"Эта песня очень старая, принадлежит уже истории, но описывает вполне современную ситуацию, поскольку в каждом большом городе есть люди без крова и средств к существованию, из-за этого они стремительно опускаются. Существует конкретная социальная задача – остановить падение этих людей. Некоторые мои песни отражают что-то материальное, принадлежащее к определенному времени. Другие – универсальны, в них я старался рассказывать не о сиюминутном. Не всегда получалось, но я старался писать песни, которые были бы актуальны хотя бы пару лет".
Видео с официального ютуб-канала Jethro Tull
"Cross-Eyed Mary"
Альбомы Jethro Tull обычно довольно высоко оцениваются по шкале интенсивности, и "Aqualung" – самый стабильно интенсивный из всех. После мощного вступительного номера мы абсолютно не расслабляемся, когда переходим во второй трек. "Cross-Eyed Mary" – еще одна исключительно хорошо аранжированная песня, группа выдает здесь рок по-полной: флейта Иена полна энтузиазма, Джон Эван добавляет несколько сказочных штрихов, Мартин делает свое обычное гитарное дело, а Клайв Банкер выдает изумительные штрихи на перкуссии. Здесь фирменная партия флейты вокалиста Иэна Андерсона парит над пульсирующей бас-темой Джеффри Хэммонда и утонченными водоворотами оркестровых аранжировок Дэвида Палмера. Красивое, почти минутное вступление на меллотроне и флейте с добавкой порций фортепиано, сменяют это прогрессив-роковое интро размеренным хард-роком с отличными риффами, вызывая в целом тревогу и беспокойство. Затем на территорию гитары вливается песня, при этом фортепиано, колокольчик и вернувшаяся флейта Андерсона соперничают с роковой мощью ритм-гитары, бас-гитары и ударных.
Как и в "Aqualung", песня обращается к низшим слоям населения. Другой подонок общества, косоглазая Мэри, школьница-проститутка, которая предпочитает компанию "похотливых серых субъектов" своим одноклассникам, является объектом внимания Акваланга. Ее персонаж как раз и задумывался в компаньоны к открывающему треку альбома.
"Что касается "Cross-Eyed Mary", потенциальный насильник малолетних должен понимать в этом толк. В "Aqualung" упоминаются маленькие девочки. Насколько я могу припомнить, люди какого бы то ни было возраста не обманывали меня подобным образом...
Это песня о другом типаже из низших слоев общества – проститутке-школьнице, но только без грубых выражений. Она встречается с грязными стариками, делая им, таким образом, одолжение, дает людям то, что они хотят, и делает их счастливыми. Это веселая песня".
Кто захотел бы прозябать в бедности, попрошайничать или воровать,
Будь у него под рукой богач.
Кто стал бы тянуть конфету изо рта у смеющегося ребенка,
Если бы ее можно было взять у денежного человека.
Косая Мэри опять тут как тут,
Она не подписывает бумажек, но она всегда в игре.
То, что героиня песни Мэри – проститутка, указывает, что ее имя было выбрано, естественно, для того, чтобы напомнить о Марии Магдалине, а учитывая богоборческий характер тематики альбома, возможно, и о матери Христа.
Видео с официального ютуб-канала Jethro Tull
"Cheap Day Return"
Песня "Cheap Day Return" – это короткая изящная акустическая виньетка, в которой Иэн ждет поезда, чтобы навестить своего отца в больнице. Повествование от третьего лица делает эту небольшую зарисовку мощными стихами; если бы он написал это от первого лица, перспектива могла бы быть слишком завуалирована эмоциями.
"Cheap Day Return – это день, когда я шел посетить моего отца в больнице в Блэкпуле. Я садился в поезд в девять, четыре часа ехал, четыре часа проводил с отцом, и четыре часа возвращался назад. Это была длинная песня, большей частью касающаяся железнодорожной поездки, но секция на записи касается именно посещения моего отца. Это – правдивая настоящая песня.
И это одна из песен, что я сам записал в студии, где я, по сути, играю вживую и пою. И она получилась сразу – с первого или со второго раза. Меня это очень подогрело, потому что я всегда восторгался такими людьми, как Боб Дилан, Берт Янш и Рой Харпер, которые могли вот просто так взять в руки гитару, слегка настроить – и пошли-поехали творить чудеса. И мне так хотелось".
На платформе Престон выводят свой шаркающий танец
Твои мягкие туфли.
Ты стряхиваешь сигаретный пепел с брюк,
И грустно размышляешь,
Хорошо ли заботится о твоем старике сиделка.
Она угостила тебя чаем и попросила на память автограф.
Смех да и только.
Видео с официального ютуб-канала Jethro Tull
"Mother Goose"
Песня "Mother Goose" – еще одна акустика, на этот раз в стиле елизаветинского мадригала с очаровательной электрогитарой от "Monsieur Le Barre" во второй части. Гитара Андерсона звучит очень похоже на так почитаемых им Берта Янша и Роя Харпера, а перкуссии Клайва Банкера заслуживают самых теплых слов. В общей канве она радикально отличается от риффового рока, присущего первым двум композициям альбома. Тем не менее, она зажата между двумя другими короткими акустическими номерами, которые в этом контексте кажутся немного неуместными, поскольку они только сбивают слушателя с толку. Андерсон называл эту песню "сюрреалистическим бредом", изобилующим литературными аллюзиями, такими как Матушка Гусыня, воображаемый автор детских стишков и песенок, известный по меньшей мере с XVI века. Есть здесь и персонаж романов американского писателя Фрэнка Баума Джонни Пугало, а также пират Джон Сильвер из "Острова Сокровищ" Р.Л. Стивенсона. Тем ни менее все вышло довольно прикольно:
Когда я гулял по Хемпстедской ярмарке,
Увидал я Матушку Гусыню – да и отпустил ее на волю.
Она громко кричала,
А студент-иностранец задал мне вопрос:
"Неужто это правда, что в цирке на Пикадилли
Показывают слоников со львами?"
Видео с официального ютуб-канала Jethro Tull
"Wond'Ring Aloud"
Следующая далее "Wond'Ring Aloud" – еще одна изысканно и вдумчиво аранжированная акустическая виньетка, начинающаяся как какая-нибудь песня Боба Дилана. Но меллотроные и фортепианные штрихи на фоне нарочито скупого баса придают ей какой-то особый шик законченности. Судя по всему, песня была посвящена жене Андерсона – Дженни:
Когда она хлопочет на кухне, я ощущаю запах
Тостов и масла. Потом она входит, и крошки сыпятся
На постель, а я качаю головой. Я размышляю вслух – пощадят ли нас годы?
Видео с официального ютуб-канала Jethro Tull
"Up to Me"
Первая сторона завершается возвращением к року, основанному на риффах, хотя в "Up to Me" это происходит в более спокойном тоне. В композиции, полной британского мачизма, рассказчик, судя по всему работяга, вслепую ищет повод надрать кому-то задницу, чтобы сохранить некоторое чувство высокой самооценки. "Up To Me" мелодически построена вокруг одной музыкальной фразы, словно вырванной из какой-то старинной кельтской народной песенки, с бриджем посредине в стиле Стива Хэкетта из Genesis. Весьма запоминающаяся тема, то грустная, то задорная.
А я простой рабочий парень,
Полбутылки горькой да хлеб с повидлом,
И если захочу, могу нашлепать это повидло на тебя,
Когда легавый отползет восвояси,
О, мне это в кайф, о, знаешь, мне это в кайф, да...
Видео с официального ютуб-канала Jethro Tull
"My God "
Открывающая вторую сторону "My God" – настоящее пиршество прогрессив-рока. Под обличительным тоном повествования лежит трогательная музыкальная тема. Опять же, структура постоянно меняется. Есть величественные изменения в припевах, джазовый брейк флейты, пышный и обстоятельный мотив, который, когда перевернут, принимает более хроматическую, современную депрессию. В тематике песни охватывается весь спектр религиозных переживаний. Это в некотором роде альтернативная рок-песня, написанная на два десятилетия раньше своего времени. Она начинается как медленный акустический блюз под фортепьяно и гитару, мелодраматическое и акустическое вступление требует времени, чтобы превратиться в преднамеренный напряженный фортепианный рифф, который уступает место гулким звукам электрогитары во время куплетов, а затем зачинается длинный и причудливый компромисс между флейтой и хоровой интермедией в срединной части. Здесь наконец-то звучит отличное соло на флейте, а в хоре уловимы классические церковные мотивы.
Песня была написана еще перед альбомом "Benefit" и была впервые исполнена на публике в апреле 1970 года. Пишут, что Андерсон даже хотел назвать весь альбом "My God", а не "Aqualung". Достоверно так и не известно чья же бас-гитара попала в финальный микс – Джеффри Хаммонда или Гленна Корника, который писался на ранних ее сессиях.
"После того, как мы выступали на разогреве у Led Zeppelin в 1969 году, мы отправились с туром по Америке в начале 1970-го, и на этот раз у нас на разогреве играли Yes. И как раз в этом туре мы начали исполнять "My God". Хотя слова были другими, и некоторые куски другими, но сама песня у нас уже была...
"My God" – не песня против Бога, или против идеи Бога, а против богов и лицемерной церкви; это – критика Бога, которому они хотят поклоняться. Она – мое неудовлетворение тем, что дети должны следовать за тем же Богом, что и их родители. …Дети обречены стать иудаистами, католиками или протестантами только по случайности места рождения... Религия проводит разделительную линию между людьми и это неправильно".
В лирике Андерсон сетует на то, что религией пользуются для выманивания денег, а не для духовных целей. Акцент делается на разоблачении абсурдного лицемерия, которое всегда сопровождает организованную форму религию:
Эх, люди, что вы наделали –
Заперли Его в Его золотой клетке, золотой клетке.
Вы насильно обратили Его в свою веру –
Его, восставшего из мертвых, восставшего из мертвых.
Он – это Бог пустоты – если вы видите только это,
Вы – Бог всего сущего – Он внутри нас с тобой.
Видео с официального ютуб-канала Jethro Tull
"Hymn 43"
"Hymn 43" – абсолютно ударный хард-роковый трек, выходивший отдельно синглом на "Reprise Records" одновременно со всем альбомом. Шикарный гитарный рифф с триолями на неприжатых струнах и сочные шрихи меллотрона с минимумом флейты на фоне хонки-тонк фортепиано дополнены вкусным гитарным проигрышем Мартина Барра и неожиданно уверенным выведением партии баса Джеффри Хаммонда. Надо заметить, что ритм-секция в этой оптимистичной хард- рок песне соответствует лучшим образцам жанра.
Название же – это по сути отсылка к библейскому 43-му Псалму, в котором даются наставления. Однако здесь в тексте идут непочтительные обличения ко всем разновидностям институционной религии, особенно к христианству. Иэн Андерсон описал эту песню так:
"Это – блюз для Иисуса, о кровавых, искателях славы, которые используют его имя как оправдание для множества отвратительных вещей...
Это про меня, четырнадцатилетнего, когда в школе я терпеть не мог уроки Закона Божьего. Это засело во мне еще со школьных лет, и прорывалось наружу. Я считаю, это – анафема, когда тебе велят во что-то верить, и ты должен в это верить. Я мгновенно перестаю верить любому, кто полагает, что он посланник божий и слепо верит во спасение. Просто потому, что я не считаю это правильным. И я точно в таком же ужасе от ультраконсервативных последователей Библии, как и от радикальных исламистов. Я выступаю против догмы организованной религии. Нет ничего плохого в том, чтобы указывать на вещи острой указкой. Так поступают комедианты в пабе, драматурги и писатели. Но иногда, когда это делают музыканты, считается, что они перешли черту. Может быть, нас считают просто затейниками, призванными развлекать толпу, этакими болванами в облегающих трико с гульфиком, отплясывающими перед королем и его свитой".
Если Иисус избавитель – о, пусть Он сам избавится.
От обагренных кровью искателей славы, которые убивают
С Его именем на устах. О, Иисус, избави мя!
Видео с официального ютуб-канала Jethro Tull
"Slipstream"
Следующая далее "Slipstream" – очень короткая фолковая акустическая пьеска, такой небольшой фрагмент изысканно выделанного гобелена с гитарой и оркестровкой. В иносказательной манере Иэн повествует о смерти, намекая на возможность реинкарнации:
Тебя обволакивает пьяное отчуждение и обстановка довольства
Толкает тебя на гребень волны их бездуховного бессмертного "я".
И ты суешь божьему привратнику свой последний пятак,
Когда Господь выставляет тебе счет.
И тебя закручивает поток, безразличный, безрассудный,
И выносит из этого хаоса, и выносит тебя из этого хаоса.
Видео с официального ютуб-канала Jethro Tull
"Locomotive Breath"
Еще один ударный трек "Locomotive Breath" – один из самых известных концертных хитов группы, выпускавшийся и на сингле в ноябре 1971 года. И что делает ее шедевром, так это потрясающая аранжировка. Это вроде бы забойный хард-рок на блюзовой основе, но переливы флейты окрашивают эту композицию в прогрессив-роковые тона. И еще более сгущает эту атмосферу классическое фортепьянное вступление, переходящее в свинг, вдохновленный джазовыми стандартами. Эван написал его прямо в студии в то самое время, когда другие участники группы обедали. В этот момент мы слышим, как электрогитара Мартина присоединяясь, выдает мягкий и очень соблазнительный пассаж. Инструментальный отрывок служит мини-версией повествования песни: простого человека уничтожает то, что он не может ни объяснить, ни опровергнуть. Песня переходит в динамичный синкопированный ритм основной части на фоне плотных ритмов Клайва Банкера. Ситуацию взрывает гитарный рифф – такой на первый взгляд простой, но ужасно заразительный – снова игра на приглушенных струнах. Эту же находку Мартин использует и в заключительной "Wind Up". А какое драматичное проявление вокала Иэна Андерсона !
В тексте же он снова обращается к смерти:
В сумасшедшем свисте дыхания паровоза
Очертя голову несется вечный неудачник навстречу свей смерти.
Он слышит скрип поршней, и пар обжигает ему брови,
Старик Чарли украл рычаг, и поезд теперь не остановить –
Ему никак не затормозить, О...
Запись именно этой песни в студии вызвала сложности:
"Всем известно, сколь сложной оказалась "Locomotive Breath". Мы не могли свести ее воедино. Мы пытались играть ее в студии вживую, но это ничего не давало. Мы были не в состоянии добиться нужного настроения, я потерял надежду втолковать остальным о чем эта песня и как ее надо играть.
Я пришел в студию один и сперва в течение четырех минут записывал ударные. В общем, я отыграл на хай-хэте и басовой бочке, задав тем самым ритм. Затем я сыграл партии акустики и кое-что на электрической гитаре. Ребята послушали пленку: "А, так вот чего ты хотел добиться!" Потом мы добавили вступление, то есть гитару Мартина. Наконец, все остальные записали свои партии поверх моих. И еще был отличный фрагмент, исполненный на пианино, – почти классика, почти Бетховен. Так создалось ощущение блюза. Так что никто не играл на этой песне одновременно, но получилось не так уж и плохо. На тот момент это был для нас единственный в своем роде случай".
Видео с официального ютуб-канала Jethro Tull
"Wind Up"
"Wind Up" завершает альбом и воплощает в себе большинство сложностей альбома. Вновь разнотемповая композиция, структурно напоминающая самую первую вещь альбома. Медленное, умиротворяющее акустическое начало сменяется хард-роком, после которого все вновь возвращается к начальному темпу. На этот раз Андерсон нападает на систему образования, в которой немаловажная роль отведена религии. В то время как Андерсон искусен в музыкальном приближении идеи, его тексты чрезмерно преднамеренны, тяжеловесны и дидактичны. Он сформулировал основной замысел так:
"Бог – не игрушка часового механизма, которую нужно, скручивая пружину, заводить однажды, чтобы она всю неделю работала!
Касательно "Wind Up" у меня есть много хороших задумок. Название предполагает, что это песня на все времена. Но она была написана о том, что тревожило меня в 14 лет".
Видео с официального ютуб-канала Jethro Tull
Другие релизы
Альбом пользуется устойчивым спросом, поэтому периодически выходят его новые издания. Так, вышедший квадрафонический LP был иначе смикширован и содержал альтернативную версию "Wind-Up". В американском CD отсутствует вступительная гитарная партия в "Aqualung" и последние 30 секунд "Wind-Up". Песня "Lick Your Fingers Clean" была записана в свое время для "Aqualung", но так и не вошла в альбом. Жаль, мне представляется, что именно ее энергии альбому как раз и не хватило. Позже она был выпущена в качестве бонус-трека к переизданиям "Aqualung" в 1996 и 2011 годах.
Видео с официального ютуб-канала Jethro Tull
На сегодня вышло несметное количество переизданий этого эпического произведения на виниле, CD и DVD. Особняков в этом ряду стоит приуроченный к 50-летнему юбилею релиз на UHQR-виниле "Analogue Productions" с каталожным номером AUHQR 0003-45, появившийся на прилавках магазинов ограниченным тиражом 5 000 копий в начале декабря 2020 года и тут же полностью распроданный. Он отпечатан на двух 200-граммовых дисках на 45 оборотов и поставляется в роскошной коробке. Выверенная до микронов одинаковая толщина на любом удалении от центра диска гарантирует корректность работы VTA головки звукоснимателя и радикальное снижение искажений. Ремастеринг выполнен Крисом Беллманом на полностью аналоговом тракте с аналоговых мастер-лент на студии "Bernie Grundman Mastering", печать сделана на ручных формах "Finebilt" с обязательной визуальной проверкой каждого диска перед упаковкой – в итоге перед нами оказались одни из наиболее качественно сделанных пластинок современности.
Обложка
Концептуальность классического альбома была закреплена его оформлением. Главная идея скрижалями была заложена в письменных пассажах на задней стороне конверта альбома, которые представляют собой интерпретацию первой главы книги Бытия. Для монументальности и значимости все надписи производились готическим шрифтом.
Обложкой альбома стала акварель, выполненная художником Бертоном Сильверманом. Продюсер Терри Эллис заказал ее ему после того, как увидел его работы в журнале "Time" . Основное изображение Акваланга было создано на основе фотографий, сделанных женой Сильвермана на улицах Лондона. Эта полная злобы и жестоких замыслов фигура на полусогнутых ногах, вызывающая неподдельные эмоции, – настоящее произведение искусства.
На оборот поместили изображение того же бродяги, но уже сидящего на мостовой вместе с собакой. Его вид теперь вызывает сочувствие и сострадание, подчеркивая дуальность мироздания. Иэну Андерсону такой вариант обложки не понравился:
"Иллюстрация обложки основывалась на фотографии старого бродяги. Но Терри захотел, чтобы человек с обложки походил на меня: то же старое пальто и все остальное. Мне действительно не понравилось, что мой имидж был использован для конверта, я не хотел ассоциироваться с героем той песни!"
Бертон сделал еще несколько набросков группы во время записи альбома, которые потом использовал для внутреннего разворота конверта, выполненного так же акварелью. Здесь музыканты группы вписаны в интерьер часовни в образе загулявших средневековых скоморохов.
"Другой мой фаворит – альбом "Aqualang" 1971 года, ведь он оказался очень успешным не только потому, что пьесы "Aqualang", "Cross-Eyed Mary" или "Locomotive Breath" очень хорошо воспринимались публикой на концертах. Мне-то тогда было куда как интереснее играть акустические номера вроде "Slipstream". Однако "Aqualang" не только превратил Jethro Tull в общеизвестную группу, но еще и показал публике, что рок-музыка может быть не только такой, к которой она привыкла – а с обилием акустического материала. "Aqualang" важен для меня как акустический альбом".
Разочарование Иэна Андерсона по поводу того, что альбом был обозначен как концептуальный, непосредственно привело к созданию в 1972 году "Thick as a Brick", задуманного как ответ на намеренно"чрезмерный" концептуальный альбом. Но это уже другая история.
➤Если понравился материал, ставьте лайк и подписывайтесь на канал, будет еще много интересного.
Прежние материалы схожей тематики:
✔️ Самый странный рок-альбом, из когда-либо появлявшихся в этой вселенной. King Crimson "Islands"
✔️ На третий день творения Electric Light Orchestra
✔️ Хрупкость Yes. Абсолютный шедевр
✔️ Трилогия Эмерсона, Лейка и Палмера
✔️ Духовное завещание The Who: Альбом "WHO"
✔️ Quadrophenia The Who. Самый величайший из классических рок-альбомов
✔️ Солнечный Огонь Manfred Mann's Earth Band
✔️ Тирания и мутации. Умный рок
✔️ К 50-летию альбома "Deep Purple in Rock". Воспоминания музыкантов группы
✔️ Лучшее в музыке. Магия двойных рок-альбомов. Часть 1
✔️ Мормонский прогрессив-рок The Osmonds - The Plan
✔️ Заклание агнца на Бродвее Genesis. Часть 1
✔️ 50 лет альбому Джорджа Харрисона "All Things Must Pass". Воспоминания участников
✔️ Джон Леннон о своем первом пост-битловском альбоме
