Кажется, это что-то похожее, или же одно и то же, названное по-разному. Но если посмотреть на картины фламандских и голландских художников, понимая, где кто, разглядев детали, узнав сюжет и сравнив цвета, можно с легкостью определить, Фландрия это или же Голландия.
Предыстория
В XVII веке в Нидерландах произошел раскол между северными и южными столицами страны. В 1579 году от Нидерландов отделились северные провинции, именуемые Голландией. Южная часть назвалась Фландрией.
Голландия отделилась из-за политических и религиозных соображений, а именно – бегство от Испанской короны и католицизма. Голландия – страна протестантская, в отличие от южных провинций, где господствовал католицизм. Естественно, такое разделение влияло на всю общественную и культурную жизнь разъединённых провинций. Искусство шло по разным путям развития, начиная от выбранных сюжетов и заканчивая техникой нанесения красок на холст.
Появились две художественные школы – голландская и фламандская.
Голландская живопись
Существует такой период в истории живописи Нидерландов как Золотой век голландской живописи, приходящийся на XVII век, как раз после разделения страны и воцарения относительного спокойствия и мира.
Голландская живопись в это время развивалась по особому пути, не интересуясь популярными стилями и сюжетами в мире.
Протестантизм своим образом жизни отличается от католицизма. Отсутствие пышного убранства в церквях, умеренность, сдержанность и некоторый аскетизм, спокойствие и равнодушие ко всему кричащему, яркому и монументальному. Церковь не давала заказы художникам на оформление храмов, так как считала, что дом Бога – не место для картин и предметов интерьера: ничего не должно отвлекать человека от той единственной цели, для которой, собственно, и строятся храмы.
Из-за сокращения заказов на религиозные темы появляется множество заказов на бытовые сюжеты. Можно сказать, что искусство Голландии XVII века – искусство культуры повседневности. Бюргеры (горожане) заказывали картины на привычные им сюжеты, лишенные каких-то библейских или мифологических тем: пейзажи, жанровые сцены, натюрморты.
Новые требования и предпочтения в живописи способствовали развитию художественного реализма в искусстве – изображение жизни такой, какая она есть, без кричащих цветов, неестественных поз и тел, со скромными, но уютными интерьерами, с восхитительно красивыми и спокойными пейзажами. Голландская живопись XVII века – это разговор про уют и про повседневность, которая кажется немного скучной, но, безусловно, чарующей свой простотой и легкостью.
Также, благодаря активному развитию путешествий, освоению новых земель и географических открытий, голландские художники часто изображали на портретах адмиралов и офицеров или же изображали морские сцены с кораблями и торговыми судами.
Анатомические театры (помещения для учебного вскрытия трупов и проведение лекций) тоже стали довольно часто изображаться на полотнах. Голландия шла в ногу со временем и не остановилась на месте, просто способ передачи окружающего мира происходил по другому пути.
«Малые голландцы» - условное название художников Голландии XVII века, которые писали бытовые жанровые сценки, пейзажи и натюрморты. Никаких парадных портретов, мифологии и библейских сцен. Малыми их назвали по причине небольших размеров полотен: заказы приходили исключительно от обычных обывателей, дома которых не поместят в себе большие полотна.
Малые голландцы – все художники Золотого века Голландии, кроме Рембрандта и Франса Халса, так как они писали и монументальные произведения на разные темы.
Бытовой жанр и пейзаж в художественном мире занимали последнюю ступень в иерархии жанров: зачем рисовать то, что видишь каждый день? Тем не менее, именно в период Золотого века Голландской живописи жанровые сцены приобрели популярность среди бюргеров и других заказчиков. Не было надобности создавать монументальные библейские сюжеты и придворные портреты с присущей им пышностью и роскошью. Голландское общество не интересовалось такими вещами. Именно поэтому развитие бытового жанра приходится на XVII век: появляется спрос.
Каждый художник имел свою четкую специализацию. Жесткая конкуренция не предполагала разброс таланта не все жанры и поджанры: необходимо было довести до совершенства что-то одно, тем самым обеспечивая себе бесперебойное получение заказов.
Например:
Ян Стен (1626-1679) – жанровые сцены, которые он обогащал сатирой на современное общество, в шутливой манере обличал пороки и слабости людей; иллюстрировал пословицы и аллегории, к творчеству подходил с юмором, с не отталкивающим, а скорее добрым порицанием пороков простых обывателей.
Питер Клас (1597-1661) – мастер натюрморта, которые делились на две группы: завтраки/банкеты и ванитас (жанр живописи, где изображается человеческий череп как символ быстротечности жизни).
Якоб ван Рёйсдаль (1628/1629-1682) – пейзажи. Реалистичные, атмосферные и невероятно чарующие пейзажи, где буквально передается время года, чувствуется воздух, моросящий дождь.
Питер де Хох (1629-1684) – изображение повседневных интерьеров.
Герард Тербох (1617-1681) – жанровая живопись, изображение частной жизни бюргеров. Домашняя обстановка, повседневные занятия, спокойствие и умиротворенность.
Каждый художник развивал свой талант в определенном жанре. И не тягался с тем, что ему не по силам. Отличительная черта голландского художника – довольствоваться тем, что умеет и может делать хорошо, не пытаясь изображать то, что было популярно. У него не было необходимости прыгать выше головы и создавать того, что требовал большой мир. Удовлетворение своим положением и отражено в их работах.
Особняком от них стояли Рембрандт ван Рейн (1606-1669) и Франс Халс (1582-1666). Интересно, что оба художника к старости перестали получать заказы и умерли в нищете. Дело в том, что их творчество, не похожее на творчество других художников, было нетипично, уникально и тем самым популярно относительно непродолжительное время.
Франс Халс писал портреты представителей народа. На пике своей славы писал двойные портреты. Реформировал групповой портрет, введя туда те самые элементы бытовых сцен, элементы жизненных ситуаций, от которых его портреты выглядели живыми и более человеческими.
Рембрандт добился больших высот. Его слава стремительно неслась ввысь, и так же стремительно померкла. Его работы – гениальная игра со светом, причем светом не естественным, а каким-то внутренним, от которого изображенный герой буквально светится изнутри. О нем надо писать отдельно и больше (обязательно напишу).
Фламандское искусство
Начнем с того, что в отличие от Голландии, во Фландрии продолжалось распространение религиозных заказов на картины. Как мы помним, Фландрия – это католики, в отличие от протестанцев – голландцев. Во Фландрии по-прежнему ценились роскошь и красота, богато украшенные соборы, монументальные алтарные образы, а также оформление замков и домов богачей. Фландрия не была скромной, она требовала монументальности, пафоса, роскоши и яркости. Ценились работы на мифологические и библейские темы, изображения празднеств, парадные портреты, сражения, знаковые события. И совсем было непопулярно изображать жанровые сцены. Разве что натюрморты, только обязательно огромные и пышные, которые лопаются от изобилия и вселенского счастья.
Представители школы фламандской живописи – последователи Микеланджело, Караваждо, Тициана и Тинторетто. Это барокко в истинном его исполнении – жажда жизни, пышность, роскошь, эмоциональность, подчеркнутая идеальность. Богатые интерьеры, яркие цвета, страсть и полнота жизни. Картины фламандских художников живут какой-то возвышенной и слишком чувственной жизнью.
Конечно же, фламандская живопись — это Питер Пауль Рубенс (1577-1640).
Рубенса считают основоположником барокко, и это действительно так. Его творчество – динамизм, энергия, эмоциональность, совмещение реальности и иллюзий, приукрашивание и возвышенность.
Красота тела у Рубенса особая. Мужчины мускулистые, хорошо сложенные и широкоплечи. Женщины – совсем другое дело.
Рубенс идеализирует женскую красоту, но изображает это по-своему, создавая свой собственный идеал, отличный от идеалов итальянского искусства. Тяжелая фигуры, длинные ноги, широкие спины и небольшая грудь. Для современного человека идеал рубеновской красоты кажется абсолютно неидеальным, а наоборот, некрасивым и отталкивающим. В картине «Три грации». Рубенс изображает благодарность к обилию земных благ, передавая ее через тела женщин. Они являются частью природы, не идеальные, но здоровые и наполненные жизнью. Каждая складка, морщинка – это движение и энергия, а значит, жизнь. У него персонажи не могут быть статичны, идеальны, замкнуты и каноничны.
Согласитесь, данные характеристики стиля барокко мало напоминают нам голландскую живопись. Голландцы не пошли по пути барокко, они в некотором роде остановились на своем видении мира. Также, многие голландцы не покидали своей страны, не имея возможности познакомится вживую с произведениями искусства Возрождения, как то было с Рембрандтом. Рубенс же, в силу своей дипломатической работы, постоянно разъезжал по Европе, делая многочисленные копии с шедевров живописи. Кстати, благодаря Рубенсу мы можем познакомится с теми произведениями искусства, которые были утрачены: например, несколько работ Леонардо да Винчи.
Антонис ван Дейк (1599-1641) – фламандский живописец и ученик Рубенса, считающийся создателем нового типа декоративного портрета. Дело в том, что его портреты отличало психологизм, желание выразить на лице то, что творится внутри человека. В отличие от Рубенса, ван Дейк не создавал монументальные композиции на библейские и мифологические темы. Его работы были меньше и немного на другую тематику. Тем не менее, он превзошел своего учителя по части нюансов колорита и пластике линий. Его персонажи более живые и земные, нежели у Рубенса.
Якоб Йорданс (1593-1678) – еще один ученик Рубенса, который после его смерти стал самым знаменитым художником Антверпена. Несмотря на то, что Йорданс продолжал мотивы творчества своего учителя, его картины более реалистичны. Героями часто являются крестьяне, сюжеты берутся из пословиц, изображение не всегда экспрессивное и возвышенное. Тем не менее, Йорданс – истинный представитель барокко с его умением передавать динамизм и страсть, эмоции и колорит красок.
Франс Снейдерс (1579-1657) – мастер натюрмортов и анималистических композиций. Это как раз те самые роскошные фламандские натюрморты, где стол буквально разрывается от обилия еды. Но роскошь и достаток на его картинах не перегружает композицию: нет ощущения переизбытка.
Специализировался Снейдерс и на анималистических картинах, как это можно заметить. Животных рисовал очень хорошо, а вот люди у него плохо получались, поэтому нередко просил помощи у других художников с изображением человека на его картинах. Рубенс, высоко ценивший талант Снейдерса, нередко обращался к нему за помощью в изображении животных или натюрмортов.
Так в чем различия?
Что же получается? Подытожим то, о чем писали раннее, и постараемся вывести главные отличия голландской и фламандской живописи:
1. Фламандское искусство – это жизнь, которая выводит нас из равновесия: страстная, эмоциональная, яркая. Голландское искусство – обыденность, знакомая и бесконечно уютная.
2. Фламандское искусство – это обилие людей, столпотворения. Голландское искусство – небольшие группы и тихие собрания.
3. Фламандское искусство – пышность, изобилие, роскошь и яркость. Голландское искусство – уют, достаток, довольство малым; приглушенные тона, тени и едва заметные отблески солнца.
4. Фламандское искусство – монументальность, библейские и мифологические сюжеты, огромные натюрморты со всеми деликатесами мира и пышные парадные портреты, Голландская живопись – небольшие картины, помещающиеся в дома бюргеров, бытовые сценки и незамысловатые натюрморты. И, конечно же, невероятный свет, исходящий не от физического источника, а откуда-то изнутри человека или чего-либо, что недоступно нашему внимательному взгляду.