Забегая вперёд, не закончив статью о написании песни (ну нет пока вдохновения - хоть убейте), хочу рассказать о том, о чём всегда рассказываю с удовольствием! А именно - хочу поделиться личными наработками приготовления аранжировки. Причём слово "приготовление" - самое точное описание процесса, потому как он сродни приготовлению вкусного блюда. Не думаю, кстати, что эта статья получится большой, потому что технологические детали вам, скорее всего, будут малоинтересны, а вот общие принципы - полагаю будут весьма любопытны, тем более, что я пользуюсь двумя способами создания аранжировки, которые принципиально отличаются, поэтому начнём с первого.
Первое и самое главное, основополагающее - нафантазировать звуковую картину на имеющийся исходный материал. Без этого вступительного этапа ничего не получится, во всяком случае не получается у меня, хотя, признаться, я совершенно не в курсе, как может быть по-другому. Нужно постараться услышать конечный результат. Не обязательно детально, хотя иногда и детально можно, но смысл этого процесса - определить стиль.
Если это песня ваша, то у вас карт-бланш на звуковую картину. если вы делаете для кого-то, то обязательно нужно поделиться своими фантазиями с автором, вдруг он хочет чего-то конкретного и не того, что слышите вы. Если же автор ничего конкретного не хочет - то он вам даёт карт-бланш и высвобождает вашу творческую энергию.
После того, как вы определились со звуковой картиной, со стилем, иными словами, вам нужно детализировать эту звуковую картину, определившись с инструментарием хотя бы приблизительно, потому что, в принципе, при желании вы можете ввести в фактуру любой подходящий инструмент. Однако здесь есть правила некоторые. Инструменты должны быть совместимы стилистически. Ну, например, вы взяли за основу классический струнный квартет (баса, альта, две скрипки - по И.А. Крылову), то как-то странно добавлять в качестве солирующего инструмента, к примеру, домру или балалайку. А если у вас в основе лежит наоборот, фольклорный состав, то туда как-то не очень подойдёт, к примеру, фортепиано. Т.е. желательно, чтоб состав инструментов был логичным, каким вы его можете видеть на реальной сцене.
Однако перед тем, как я делаю партитуру, я выписываю гармонию песни со строгой формой: вступление, куплеты-припевы, проигрыш (соло), модуляции, если есть, концовка, т.е. полный план в виде гармонии и структуры (формы).
На следующем этапе я создаю партитуру. Делаю это в программе Finale, ну, мне в нём удобнее, чем в прочих.
В партитуре у меня всегда есть два рабочих нотных стана, которые я использую только для технического, как говорится, момента, эти треки потом не входят в конечную партитуру - они играют исключительно вспомогательную роль. Это трек фортепиано (piano) и голос (voice). Не скажу, что я всегда эти треки создаю, но иногда без них никак. Для чего они нужны? Для того, чтоб освободить "кэш второго уровня" у себя в голове. Дело в том, что наслаивая контрапункты, т.е. побочные мелодические линии, вам нужно всегда держать в голове основную вокальную мелодию, а это не всегда просто. Лучше, чтоб она была прописана хотя бы приблизительно, а потому на следующем этапе я прописываю вокальную мелодию и очень простыми трезвучиями длинными нотами прописываю гармонию на фортепианном треке.
Это первый базовый этап для подготовки к основной работе. Но не последний. Второй важный подготовительный этап - я прописываю основу басовой партии, если таковая имеется. Почему я говорю основу - потому что на концовках периодов бас чётко синхронизируется с барабанами и подчёркивает свойственные для переходов т.н. сбивки или брейки. Но эту корректировку делаю уже в другой программе.
Примерно на этом же этапе нужно сделать при необходимости ещё одно дело - прописать фоновую гармонию, если таковая нужна и есть инструмент, который будет её играть. Но для того, чтоб вам это сделать правильно, необходимо, всё-таки, знать хотя бы основы гармонии. У меня с этим всё хорошо, если что, чего и вам желаю.
Сейчас будет немного о технологизации творческого процесса. Статья не об этом, в общем-то, но хочу тут поподробнее немного рассказать.
Когда всё это готово, я начинаю гонять проигрывание и записываю возникающие в голове мелодические ходы. Если появляется какой-то удачный продолжительный мелодический ход в контрапункт к вокальной мелодии (а его нужно всегда искать), то я его использую несколько раз в дальнейших куплетах (или припевах), но уже в исполнении другого инструмента. Это очень хороший и проверенный способ развития. Для уплотнения фактуры в следующем проигрывании можно к контрапункту добавлять ещё какой-то третий голос, используя принципы полифонии. Очень важно при этом не допускать одну большую ошибку - не нужно сильно разнообразить мелодические фразы, они очень отвлекают, а наоборот для развития нужно разрабатывать похожие, потому как человеческое ухо любит повторы и ждёт повторы.
Очень важно фактуру уплотнять постепенно. Например, в первом куплете у нас появляется какой-то инструмент, играющий контрапункт, например, флейта, во втором куплете эту же мелодию на две октавы ниже играет виолончель. Флейта при этом может во втором куплете и вовсе молчать, а может и тихонечко добавлять контрастирующий голос. В третьем куплете, к примеру, к ним добавится соло-гитара.
Примерно на рубеже двух третей или трёх четвертей произведения должна быть кульминация. В песне это может быть проигрыш с участием всех инструментов, а последний куплет, к примеру, вообще можно на контрасте буквально оголить, минимизировать там фактуру.
В общем, способов развития много, нужно стараться все их использовать, но не забывать одно из важнейших правил: как бы ни была красива аранжировка, она не должна мешать, вступать в противоречие с основной вокальной мелодией. Аранжировка может обвивать мелодию, может с ней контрастировать, но не должна перечить - это самое важное, иначе - в аранжировке пропадает смысл.
Ну вот как-то так это происходит, так постепенно на гармонический и ритмический скелет наслаивается музыкальная мелодико-гармоническая ткань.
И вот когда примерная партитура у меня готова, я сохраняю партитуру как многоголосный миди-файл и экспортирую его в программу Steinberg Cubase.
Но что-то я скатился в объяснения художественных процессов, хотелось-то о другом. Далее я наделяю каждый трек т.н. VST-инструментом, т.е. проигрываю каждый трек при помощи высококачественно семплированным инструментом, цифровым аналогом живого инструмента.
И вот теперь я делаю саму интересную работу - я подбираю партию ударных инструментов, складывая её буквально по такту, подбирая самые подходящие т.н. лупы или петли.
В процессе выстраивания партии ударных, я корректирую и бас, как писал выше. После того, как всё готово и более-менее звучит, я сохраню каждую дорожку, каждый midi-инструмент в аудиофайл и создаю уже другой, аудиопроект, в который импортирую сохранённые аудиофайлы и делаю сведение трека.
После сведения трека я делаю лёгкий мастеринг, используя шаблонные пресеты, не сильно заморачиваясь на ручном управлении процессов - доверяю разработчикам, тем более, проколов не бывает обычно - обычно всё звучит.
Но это, как я уже сказал, первый способ аранжировки. В следующей статье расскажу про второй, а потом подведём итоги этого увлекательного процесса.
#аранжировка
#сведениетрека
#cubase