В каталоге — произведения Никиты Алексеева, Анатолия Горяинова, Pata (Пааты Мерабишвили), Валерия Мишина, Андрея Мунца, Ольги Оснач, Сергея Радюка, Романа Рахматулина, Светланы Семёновой, Екатерины Сысоевой, Ольги Фадейкиной, Константина Худякова, Анатолия Чечика
Каталог AI Аукциона № 467 и 153-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».
Окончание аукциона в пятницу, 17 февраля, в 12:00.
Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.
В составе аукциона 13 лотов — 7 живописных произведений, два графических листа, две работы в смешанной технике, одна скульптура и одна работа, выполненная цифровой печатью.
Никита Алексеев. Запах горелой картофельной ботвы. 1991
«Если концептуализм, говоря просто, всегда двигался в сторону усложнения смыслов и умножения текстов, то Никита Алексеев, напротив, всегда охотился за чувственным и невыразимым, за легкостью и простотой» (Антон Горленко).
«Художник, писатель, критик, одна из самых важных и противоречивых фигур на отечественной художественной сцене, Никита Алексеев умудряется из самых выигрышных ситуаций выходить аутсайдером. Учился на художника-оформителя в Московском полиграфическом институте, рано познакомился с современным западным искусством, заинтересовался отношениями текста и изображения, вошел в круг московских концептуалистов. Участник медитативных перформансов группы “Коллективные действия”, был одним из одним из организаторов Московского архива нового искусства (МАНИ). Простившись с эзотерикой КД, в 1982 открыл в собственной квартире легендарную галерею “Аптарт” (apartment art) — площадку, на которой второе поколение художников неофициального круга устраивало абсурдистские выставки и отвязные перформансы. В 1985–1987 годах играл в группе симулятивного рока “Среднерусская возвышенность”.
Участник многочисленных зарубежных выставок неофициальных художников за границей, несколько лет провел во Франции.
После возвращения в Москву, разочаровавших в современном искусстве, забросил активную художественную деятельность, заведовал отделом культуры еженедельника “Иностранец”. Вернулся к занятиям искусством растянувшимся на годы проектом “Предсмертные рисунки” — предельно простыми, полными драматических чувств и иронии по отношению к собственным переживаниям изображениями. Критикуя искусство за отказ от визуальности, склонность к анекдотам и провокациям, отвернувшись от актуальных трендов, начал делать простые и ясные, часто автобиографические истории. Активно используя тексты в своих работах, рисует и пишет нечто вроде визуального дневника, маскируя лирику абсурдом, нежные чувства — мрачным сарказмом!» (open-gallery.ru).
Купить работу на Аукционе https://auction.artinvestment.ru/lots/122507
«Он не держался за определенный стиль или манеру, однако не был склонен, особенно в последний период жизни, и к бесконечным авангардным метаниям. Наиболее характерны для него большие графические серии, в которых изображения чаще всего комбинировались с текстами, но нередко жили и автономной, сугубо визуальной жизнью. Искусство Никиты Алексеева всегда было интеллектуальным, даже рафинированным, но не претенциозным и не эпатажным. При виде его произведений у многих само собой в голове всплывало слово “мудрость”» (Дмитрий Смолев, theartnewspaper.ru).
«Для меня жизнь и искусство — одно и то же. То есть это биение сердца, и главное, чтобы пульс был ровным. Вдох — выдох, около восьмидесяти расширений и сжатий в минуту, между ними — плато» (Никита Алексеев).
Читайте о художнике на AI: Художник недели: Никита Алексеев (Алексей Никитин).
Анатолий Горяинов. Первый снег. 2017
Анатолий Петрович Горяинов (1957) — известный российский фотограф, его работы неоднократно публиковались, выставлялись на многих отечественных и зарубежных площадках. В каждом жанре фотоискусства, в котором он работает, — любимом городском пейзаже, сельских пейзажах, натюрмортах, флоральных композициях и т.д. — Горяинов нашел собственный авторский язык. Он всегда разный, и в этом его своеобразие, но объединяет все его фотоработы очевидная композиционная стройность и сделанность (выверенность до миллиметра), а еще — насыщенность каждого снимка действием, движением. Это наполненные воздухом и одновременно удивительно плотные работы: взгляд мастера не терпит неоправданной пустоты. Московские фотографы — люди замечательные и очень интересные, каждый может часами рассказывать о своих профессиональных приключениях, хотя, конечно, есть истории легендарные — о том, например, как Анатолию Горяинову в девяностых удалось перекрыть движение на Тверской, чтобы с самой середины проезжей части сделать красивейшую ночную панораму в огнях от Пушкинской площади к Кремлю.
По образованию Горяинов — профессиональный художник, график, выпускник Московского государственного художественного института им. Сурикова. Как живописец он развивает в своем творчестве достижения европейского модернизма первой трети ХХ века — Парижской школы, фовизма, экспрессионизма, а также наивного искусства.
Купить работу на Аукционе: https://auction.artinvestment.ru/lots/122508
«Русская провинция, Москва и люди — это моя любимая тема творчества, и когда есть возможность, я беру, краски и холсты и с удовольствием делаю композиции города, провинции и людей! Это самое счастливое время, когда находишь тему с удачным светом и композицией. Главное в искусстве — это не объяснение своего творчества, а когда зритель получает творческий контакт с автором, видит его картины глазами и воспринимает сердцем!» (Анатолий Горяинов).
«Первый снег» (2017) Анатолия Горяинова отчасти отсылает зрителя скорее к нидерландской провинции, к зимним пейзажам Питера Брейгеля Старшего. Но пейзаж Горяинова — теплый, уютный, с дымками, поднимающимися из труб к яркому голубому небу, с веселыми сороками, которым ничего не угрожает.
В этой работе мы узнаем чистые цвета художника и его характерную графичность, узнаем тщательно выстроенную композицию, узнаем в чем-то наивную и очень человечную живопись московского мастера.
Pata (Паата Мерабишвили). Обнаженная. Рыжая. 2004
«Любовь к женской фигуре — это в первую очередь уважение и дань красоте. Ничто так не передает красоту пластики, как линия женской формы. Женская фигура вдохновляет и одухотворяет все мое творчество — скульптуру, графику и живопись, и увлечение это постоянно» (Паата Мерабишвили).
Pata (Паата Мерабович Мерабишвили) — скульптор, живописец, график, одинаково свободно чувствующий себя в объеме и на плоскости, в материале, линии и цвете.
«Давно ставшие классикой художественные образы античной Греции, Амедео Модильяни, Пабло Пикассо, Жоржа Брака являются базисом, на котором строится его собственный художественный мир. Они вдохновляют автора на создание образов, полных чувственности и экспрессии, — женских фигур и портретов, композиций и коллажей. Объемно-осязательные формы, мягкая моделировка, лиричность образа, текучесть линии сменяются стилизованными фигурами, пересечением линий и объемов, декоративностью композиции. Полистилизм эпохи постмодернизма как один из методов изображения и достижения художественного целого используется художником во всех видах искусства артистично и выразительно, без потери индивидуальности, и задает направление развития его собственной творческой манеры» (Нана Шервашидзе, искусствовед).
Купить работу на Аукционе: https://auction.artinvestment.ru/lots/122509
«Изучение пластических возможностей человеческого тела, характерное для скульптуры, Pata переносит и в сферу живописи. В частности, в изображении лежащей на диване обнаженной модели заметно выраженное стремление акцентировать объемы и изгибы ее фигуры, добиться обтекаемости форм. В трактовке женского тела наблюдается отказ от натуроподобия. Композиция работы отличается диагональным построением.
Художник создает чувственный образ, в котором ощущается влияние иконографии женских персонажей Амедео Модильяни, о чем свидетельствует и сама поза томно лежащей модели, запрокинувшей руку за голову, и ее стилизованное лицо-маска» (Мария Беликова).
Глубокие знания мировой художественной культуры позволяют художнику блестяще реализовать свою экспериментаторскую страсть. Паата свободно оперирует художественными стилями, придумывает новые техники работы с материалами на плоскости и в пространстве, добиваясь наибольшей выразительности собственного художественного высказывания.
Валерий Мишин. Труба. 2022
На любые вопросы о своем искусстве влюбленный в джаз Валерий Мишин цитирует американского саксофониста Джеймса Картера: «Все играют так, как могут, а я играю как хочу» (smotrim.ru).
Валерий Мишин (1939) — один из крупнейших петербургских мастеров современного искусства, живописец, график, автор серий иллюстраций ко многим классическим произведениям русской и мировой литературы, блестящий мастер офорта и литографии, создатель объектов и инсталляций.
В живописи Мишин не ограничивается конкретным стилем или направлением, создает фигуративные и абстрактные произведения. «Задача художника — преодолеть косность традиционного художественного высказывания, вскрыть подсознательные слои цветового мышления и выйти на уровень сверхсознания», — пишет о творчестве Мишина искусствовед Т. Буковская (obtaz.com).
Купить работу на Аукционе: https://auction.artinvestment.ru/lots/122510
«Художник находит наиболее близким себе немецкое изобразительное искусство — многие его явления от Возрождения до ХХ в., соединяющие жесткость, сухость перечисления, кропотливость и одновременно странность, мистичность. Особо родственна Новая вещественность или Магический реализм, с их скрупулезной ирреальностью. У Мишина странность, “сдвиги” не только в наборе изображаемых вещей и в их соединении, но в самой манере: в сочетании иллюзионизма и условности, в соединении высокой техничности и некоторой примитивизации. “Вещественным” изображение делает объемность, усиленная светотеневая моделировка фигур, но вместо плоти вещей — упорядоченные, монотонные фактуры, заполняющие контуры. Наивное искусство, в частности, югославских примитивистов напоминают упрощенная линия и упрощенный ритм, усиленные повторы в пейзаже, аккуратность пышной растительности на головах и лицах персонажей. Все это служит эффекту. Эффектны также постоянные столкновения противоположностей — полета и тяжеловесности, движения и неподвижности, психологической выразительности лиц и их отвлеченности от изображенной ситуации. <…> Отступление от реальности обычно рационально, обычно имеет прозрачную мотивацию… “Иная реальность” распознается как реальность художественного мышления с присущими ему операциями — отстранением, смешением, метафорами, аллегориями, парадоксами, каламбурами. <…> В любой его фантасмагории остается нечто реальное, точное. Реализм сам по себе как проблема занимает художника. В 1990-е гг. Мишин изобрел направление, названное “остаточным реализмом”, в русле которого создает композиции из отпечатков разных предметов — листьев, трав, тканей, даже рыб» (Любовь Гуревич. Художники ленинградского андеграунда. 2-е изд. СПб. 2019. С. 68).
Андрей Мунц. Упорядоченный хаос. 2021
«Я пытаюсь ощутить себя свободным художником, не ограниченным какими-либо долгосрочными установками, связанными с тем или иным направлением в искусстве. Для меня важен поиск. Я стараюсь быть открытым миру, открытым новым идеям» (Андрей Мунц).
«Будучи архитектором, а также педагогом, Мунц зачастую действует в рациональном творческом поле. Поэтому столь ценна для него становится возможность спонтанного самовыражения, которую дает живопись, не привязанная к натуре. Художник стремится изобразить не то, что видит, а то, что чувствует. Его работы являются отражением свободного и личного эмоционального переживания» (Юлия Волгина, искусствовед).
Купить работу на Аукционе: https://auction.artinvestment.ru/lots/122511
«Как бы ни был логичен и последователен окружающий нас мир, наполненный завершенными формами предметов, он все равно живет по законам содержания. Художники-реалисты, последовательно и скрупулёзно описывая форму за формой и взаимодействия их в пространстве, транслируют свои личные переживания и размышления, связанные с изображаемым.
Андрей Мунц является чистейшим образцом художника поэтического сознания. В его мышлении разрушена эта последовательность и внешняя логика, в нем, как будто, и нет событий. Событием становится само чувство, эмоции. Поводом для их возникновения становятся цвет, цвета, их взаимодействия друг с другом, линии, по которым следуют цвета, и, самое главное, их движения, в, казалось бы, ограниченном двухмерном пространстве холста. Причем движения цветов и линий полностью зависят от физических действий руки и кисти самого художника и скорости их воплощения. Движение, как и пространство, взаимосвязано со временем, и вот здесь Андрей Мунц полностью оказывается в своей стихии. Он работает много и быстро, на холстах больших и не очень, каждый раз доверяя спонтанно возникающим движениям, чувствам и ритмам.
И как результат зрительского взаимодействия с работами Мунца, это палитра ощущений — часто взрыва эмоций или радостного, иногда тревожного возбуждения, веселости и азарта, очень редко сбалансированного покоя» (Наталья Сопова).
Ольга Оснач. Тюльпан. 2021
Ольга Оснач — мастер натюрморта: «… Для меня важно рассмотреть все детали, базовые составляющие этого символического словаря предметов как под увеличительным стеклом, — пишет о натюрморте художник, — вытаскивая их из цельной композиции и создавая множественные варианты, в попытках найти идеальное решение для каждого своего “героя”».
Купить работу на Аукционе: https://auction.artinvestment.ru/lots/122512
«На языке цветов тюльпан — это объяснение в любви. На востоке, родине тюльпанов, он олицетворял мир, спокойствие, обновление и мистические переживания, а во время фашистской оккупации голландцы победили голод, отваривая луковицы этих цветов.
Тюльпаны яркой, переливающейся буйством цветов нитью проходят через все творчество художника. Не теряя любовной символики, они становятся аллегорией искусства — с одной стороны, невероятно прихотливые и требующие постоянного ухода и внимания, а с другой — пробивающиеся даже в горах и пустынях. Все это многообразие идей, страсть и фантазию вкладывает Ольга Оснач в свои работы.
Намеренно увеличивая объект, убеждая зрителя приблизиться и рассмотреть почти фантастические цветы, художник погружает нас в свою “Тюльпаноманию”. Неудержимая энергия картин захватывает и ведет за собой в мир цвета, сложных форм и бесконечных смыслов. Многовековая история, немыслимое разнообразие видов, политические интриги и тюльпанная лихорадка, романтическая поэтика, помноженная на нескрываемую страсть, превращают цветок в символ, а картины — в гимн» (Кристина Крутилина, cultobzor.ru).
Сергей Радюк. Лунная ночь. 1997
«Стиль определяет тема, а многочисленные приемы — способ ее раскрытия» (Сергей Радюк, facebook.com).
«Сергей Радюк считает, что мало быть мастером в чем-то одном, поэтому постоянно экспериментирует. Например, создает картины, изображающие вкус вина. Это чистая абстракция. Или пробует различные технологии в коллажах. Не забывает традиционную живопись, но делает это в разных стилях — импрессионизма, классическом, модернистском. Работает над сюжетными картинами, предпочитая библейскую тему. Такие полотна требуют особой тщательности, поэтому над некоторыми трудится годами. Много времени проводит в творческих командировках по всему миру» (cultinfo.ru).
Купить работу на Аукционе: https://auction.artinvestment.ru/lots/122513
Сергей Радюк родился в 1965 году в Белоозерске (Белоруссия). Окончил Минское художественное училище (1986). Член Союза художников России (1992).
Картины художника находятся в музеях России (в том числе, в ГТГ, Музее русского импрессионизма, Сочинском художественном музее, ЧерМО, ВОКГ, Тотемском музее), Белоруссии, Люксембурга, Южной Кореи, Вьетнама, а также в частных коллекциях 43 стран мира (в коллекции Патриарха Московского и Всея Руси Кирилла, Великого Герцога Люксембурга, короля Камбоджи, в собраниях известных коллекционеров Германии, Люксембурга, Франции, Канады, Вьетнама, Китая, Кореи, Норвегии).
В 2004 году прошла персональная выставка в Европарламенте в Страсбурге (red-bridge.info).
Роман Рахматулин. Ночь на Адмиралтейском проспекте. 2016
«При передаче чего бы то ни было на холсте вы не можете не любить это. Вы можете быть довольны или нет результатом своей работы, но в процессе не можете чувствовать негативные эмоции к объекту изображения, только любовь» (Роман Рахматулин, romulen.ru).
***
«Художник необыкновенно остро чувствует окружающий мир, и пытается выразить свои ощущения только ему свойственным языком. Отсюда поиск необычных приемов и техник, поскольку стандартных технологий классической живописи (которыми Роман, кстати, безукоризненно владеет) ему явно не хватает для выражения всего богатства эмоций.
Здесь и эксперименты с акриловыми смесями, с различными смешанными техниками, с использованием объема и дополнительного материала — иногда травы, иногда потали. В общем, границ у искусства нет и быть не может, если художник страстно любит этот мир и честно пытается передать свои чувства зрителю» (art-gnezdo.ru).
Художник Роман Рахматулин обладает умением деликатно преображать самые узнаваемые городские пейзажи, и в этом преображении свет и вода играют ключевую роль. Свет ночных фонарей или утреннего солнца, свет автомобильных фар или городской иллюминации создает образ города. А вода — поверхность реки, дождевые потоки, лужи на мокром асфальте, морось, туман — рассеивает лучи света, отражает его, разбивает на тысячи новых разноцветных источников и придает ореол волшебства и тайны даже самым знакомым местам.
Ленинградец по рождению, Рахматулин видит родной город особым взглядом. Его необычные питерские пейзажи отличаются от столь же необычных московских — не архитектурой, это было бы слишком просто, а эмоциональной насыщенностью, настроением и еще чем-то, что каждый зритель определяет для себя сам.
Купить работу на Аукционе: https://auction.artinvestment.ru/lots/122514
«…Современное общество введено в заблуждение преступным разжевыванием произведений искусства — о чем они и о чем думал автор. В итоге врут все: сами авторы, искусствоведы, экскурсоводы, журналисты и далее, как хорошо запущенная сплетня, которая изначально была ложью, как снежный ком, обрастает новыми небылицами. В общем, при взаимодействии с произведением искусства советую выстроить замкнутое пространство, где будете только вы и объект. (Пространство должно блокировать исторические, культурологические и прочие пояснения и расшифровки, включая то, что про эту вещь думает критик и ваш сосед по лестничной клетке…) Оказавшись в этом пространстве, вы должны наладить исключительно ваше взаимодействие (прослушивание, просмотр, ощупывание) с объектом. Музыка, скульптура, живопись — становятся таковыми только при наличии зрителя (для природы и физики это все те же элементы, молекулы, колебания волн, а для времени — пыль); таким образом, предмет искусства без вас, без зрителя, пустышка — значит, ТЫ, зритель, — его часть и изволь функционировать как часть произведения, со всей ответственностью, не перекладывая ни на кого своей работы, не облегчая себе жизнь» (Роман Рахматулин, romulen.ru).
Светлана Семёнова. Велосипедистка малая. 2006
Скульптор Светлана Семёнова, автор композиции «Велосипедистка малая» (2006) работает в бронзе и керамике, занимается художественной росписью по керамике, стеклу, дереву. «Скульптура — один из самых сложных видов искусства. Каждый художник старается выразить свое мироощущение, свою идею с помощью формы и пластики. Чем глубже ты изучаешь скульптуру, тем сложнее она тебе представляется. Художник никогда не должен останавливаться на достигнутом, учиться нужно всю жизнь!
Работа с бронзой очень трудоемка: от начала работы до ее завершения скульптор проходит долгий путь. Здесь и формовка, и литье, и обработка металла и тонировка. Керамика менее трудоемка, но не менее ответственна. Ведь идея, которую ты воплощаешь, не зависит от материала, она — от души и “живота”, от всей твоей сути и внутренней энергии. Идея захватывает художника целиком, и освободиться от нее можно, только сделав новую работу.
Мои работы — это мой внутренний мир. Идеи, волнующие меня, я пытаюсь выразить с помощью формы. Получается это не всегда, но когда работа удается, появляется ощущение полета» (Светлана Семёнова, semsvet.wixsite.com).
Купить работу на Аукционе: https://auction.artinvestment.ru/lots/122515
Светлана Семёнова родилась в 1967 году в Калининграде (ныне Королев) Московской области. Окончила Московское художественно-оформительское училище № 75 по специальности художник оформитель (1987).
Член секции скульптуры Московского союза художников и Объединения московских скульпторов (2002).
Участник московских, российских и международных выставок и арт-салонов.
Произведения находятся в мемориальном доме-музее П.П. Бажова (Екатеринбург), в Художественной галерее Сарова (Нижегородская область), а также в частных коллекциях в России и за рубежом (oms.ru).
Екатерина Сысоева. Верхний Ларс. 2022
«В акварели меня привлекает всё! Лёгкость и сложность, импровизация и планирование, задумывание, придумывание и внезапные сюрпризы», — говорит Екатерина Сысоева, автор графической композиции «Верхний Ларс» (2022).
Купить работу на Аукционе: https://auction.artinvestment.ru/lots/122516
Ольга Фадейкина. Дама в сером. Из серии «Дамы». 2021
«Вся серия картин “Дамы”, состоящая на данный момент из 5 картин, начиналась с “Дамы в золотом”, именно после написания этой картины, появилась идея создать серию работ.
На всех холстах этой серии — изображение женских образов. “ДАМЫ”, какие они? Загадочные, яркие, задумчивые, неземные, динамичные, вдохновляющие. Я старалась показать внутренний мир женщины и конечно ее внешнюю красоту, пластику и грацию.
Всю серию объединяет единый графический прием конструктивно-аналитического рисунка, яркие цветовые и тоновые контрасты помогают добавить динамики всему изображению на холсте и конечно выразить характер каждой из “Дам”. Мне очень нравится анализировать форму, дробить ее, объединять или подчеркивать, думать цветом. Создавать смелые образы, цветовые сочетания, контрасты.
Композиционные решения каждого холста тоже выбрано не случайно. В каждой своей работе, я с большим пристрастием выбираю композицию на холсте и совершенно сознательно “режу” фигуру, выбирая интересные ракурсы и пластику.
Мне нравится экспериментировать, нравиться быть смелой! В серии “Дамы” я объединила, мою любовь к аналитическому рисунку и декоративной живописи (Ольга Фадейкина).
Купить работу на Аукционе: https://auction.artinvestment.ru/lots/122517
«Художник работает в стиле и традициях художников-конструктивистов, таких как Сафронова, Степанова, Удальцова. Изучая “предмет”, автор раскладывает его на плоскости, выстраивает формы, оперируя объемами и пространствами, линией и цветом. Обнаженная модель — как матрица времени и действия, в коей время и эпоха всегда современны и актуальны» (Галина Быстрицкая, художник).
Ольга Фадейкина родилась 24 сентября 1982 года в Краснодаре. Окончила отделение театрально-декорационной живописи Краснодарского художественного училища, СПБГХА им. А. Л. Штиглица, факультет монументального искусства, кафедру художественного текстиля (2008).
Константин Худяков при участии Александра Сплошнова. Дама и мух. 2015
Константин Худяков (1945) — академик РАХ, заслуженный художник России, президент Творческого союза художников России. Худяков стоял у истоков развития отечественного цифрового и мультимедийного искусства. В его произведениях соединились архитектурный опыт, занятия живописью, а также интерес к новейшим цифровым технологиям. Запечатленные автором причудливые сцены часто вызывают ассоциации с полотнами сюрреалистов, которые также наполнены символическим подтекстом и иносказаниями, погружая зрителя в ирреальный мир, в котором порой просвечивает знакомая зрителю реальность.
Купить работу на Аукционе: https://auction.artinvestment.ru/lots/122518
«Константин Худяков исследует тотальность пространства через тотальность образа — он инкрустирует образы пространств деталями и фактурами, выводит их за пределы плоскости, дает нам рассмотреть их с разных сторон. Он погружает нас в великолепный ужас новой виртуальной тотальности», — пишет о произведениях мастера художественный критик А. Евангели (web.archive.org).
«Константин Худяков, по сути, является художником-визионером, предвосхитившим цифровой тоталитаризм и порабощение действительности глянцевой эстетикой, транслируемой гаджетами и масштабными рекламными конструкциями, поглощающими городскую среду» (erarta.com).
Анатолий Чечик. Churchkhela (Чурчхела). 2022
«Я хочу узнать тайну, скрывающуюся на границе света и тьмы.
Я видел море в штиль на восходе солнца и белую лошадь в тумане на косогоре у Ферапонтова монастыря» (Анатолий Чечик).
Анатолий Чечик — художник, сценограф, режиссер. Живописные произведения Чечика характеризуются выраженной театральностью образов и наполнены явными или скрытыми отсылками к истории мирового искусства, которую автор воспринимает как единое пространство человеческой культуры.
Купить работу на Аукционе: https://auction.artinvestment.ru/lots/122519
«Творчество А. Чечика вполне вписывается в рамки и трансавангарда, с его новым культивированием высокого ремесла, и иронического постмодернизма, способного эксплуатировать давно открытое. Явное ощущение дуализма мира делает философскую основу его живописи схожей с символистской, а порывистость и звучность колорита, фактурность мазка и интенсивность переживания — с экспрессионистской. Впрочем, тщетны поиски прямых параллелей, следует говорить скорее о духовных истоках, художественном опыте, вобравшем в себя различные культурные слои.
Чечик принадлежит к художникам, чье творчество требует особенной осторожности в определениях и формулировках. Его непоследовательность разрушает границы трагедии и карнавала, гротеска и лирики. Его персонажи (а как было замечено, его <более> интересуют именно персонажи, нежели модели…) и “предметы” несут в себе универсальные идеи. Но легко обнаруживается их частное “я”, которое и взывает к сочувствию. В этом сочетании главный магнетизм его живописи» (Нина Геташвили, achechik.com).
Желаем удачи на 153-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!
