Мир прекрасного многогранен и изменчив, подобно природной стихии он то становится романтично возвышенным, наполненным нежными пастельными тонами и плавными линиями, то превращается в ураган токсичных красок и эксцентричных идей.
В его истории был лишь один краткий миг гармонии, когда эта странная двойственность исчезла, красота была абсолютной, а искусство наполнило все формы человеческого бытия, превратив его в единое царство декора — царство Модерна.
О феномене этого явления написано и сказано очень много — наверное нет ни одного человека, кто не имел бы пусть и весьма отдаленного представления о хрупких драгоценных бабочках Рене Лалика, лесных феях и нимфах Альфонса Мухи или о монументальных творениях Антонио Гауди.
Им Модерн обязан своей славой, но не своей популярностью — настоящую жизнь он обрел благодаря именам более скромных художников, дизайнеров и декораторов. Хотя родиной Модерна по праву считается Англия, в частности так называемое течение «Искусства и ремесла», под эгидой Уильяма Морриса (об этом я подробнее расскажу в одной из следующих частей данного цикла), по-настоящему глобальный размах этот стиль конечно приобрел во Франции.
Да, я уже догадываюсь о том, какие мысли появились в вашей голове: Музей Орсэ — крупнейшая коллекция предметов декоративного искусства эпохи Арт Нуво (именно такое имя Модерн получил во Франции).
Но, спешу вас разочаровать: прелесть виртуального путешествия в том, что его можно не ограничивать рамками одного города, страны или региона, а потому я предлагаю вам отправиться на экскурсию в менее известное, но более значимое в рамках истории модерна место - «Музей школы Нанси».
Когда началось возвышение модерна, Париж без сомнения оказался в центре этой прекрасной революции, но вторым по значимости стал в общем-то скорее промышленный регион — Лотарингия, а конкретнее — город Нанси.
На рубеже веков здесь возникает поначалу относительно спонтанное течение «Провинциальный альянс художественной промышленности» (о том какая связь была между прагматичным техническим прогрессом и утонченным модерном можно подробнее узнать моем сайте), который в 1901 году был переименован в «Школу Нанси».
Главными своими целями представители школы считали поиск и использование таких приемов и сюжетов, которые способны были бы объединить рациональную реальность с утонченной декоративностью, пропаганду нового искусства, повышение значимости художественной индустрии, в том числе за счет создания музеев. И в этом они вполне преуспели.
На сегодняшний день Музей школы Нанси обладает одной из самых выдающихся и масштабных коллекций произведений декоративного и монументального искусства эпохи Модерн. Более того, в его распоряжении целое здание — вилла «Джика» или вилла «Мажорель», над архитектурой, дизайном и обстановкой которой трудилась целая плеяда выдающихся деятелей Арт Нуво.
Конечно, сайт музея не дает возможности изучить все шедевры коллекций, равно как и взглянуть на помещения виллы, но те немногие экспонаты, которые доступны в виртуальном пространстве по-настоящему прекрасны и вполне достаточны для создания представления как о богатствах музея, так и о красоте культурного направления в целом.
Особый интерес лично для меня представляли произведения таких деятелей школы Нанси, как Луи Мажорель, Эмиль Галле и братья Daum.
Луи Мажорель (1859-1926) — один из основателей «Школы Нанси» и наряду с Галле самый яркий ее представитель. Первоначально на своей фамильной мебельной фабрике в Нанси он создавал традиционную мебель с элементами рококо, однако даже этот чрезмерно роскошный стиль был неспособен воплотить все его идеи. Мажорель искал нечто более динамичное и вместе с тем — изысканное и утонченное. Эти поиски в конце-концов привели его в прекрасный мир Модерна.
Превращая деревянную мебель в предметы искусства, благодаря плавным растительным узорам и изящным цветочным рисункам, созданным с помощью многочисленных инкрустациий из драгоценных пород дерева, Мажорель стремился достигнуть совершенства в элегантности и пластичности формы.
К сожалению его мастерские и мебельный завод, восстановленные после первой мировой войны, не смогли пережить первый мировой экономический кризис и сегодня единственные немногие сохранившиеся шедевры этого мастера можно увидеть только в самых крупных музеях (например: в музее декоративного искусства города Парижа). Исключение - музей школы Нанси, в котором собрано сразу несколько произведений Мажореля.
Так, на сайте музея можно полюбоваться мебельным гарнитуром «Водяная лилия» - это строгий образчик изысканной роскоши красного дерева, обрамленного изящной позолотой медных лилий. Даже при очень пристальном изучении сложно понять в какой момент металлические цветки впервые проявляются на деревянном корпусе — кажется, что они в буквальном смысле слова вырастают из него.
Но главным экспонатом, иллюстрирующим творчество Луи Мажореля в эпоху его союза со школой Нанси, так же отчасти доступным для изучения на сайте, безусловно является вилла «Джикка». Хотя Мажорель и поручил ее архитектурный дизайн и строительство своему менее известному компаньону — молодому парижскому архитектору Анри Соважу, внутренний декор, мебель, парадную лестницу он делал сам.
В частности, на сайте представлен один из комплектов мягкой мебели — опять строгий, но по-настоящему элегантный художественный шедевр, каким-то непостижимым образом соединяющий в себе простоту форм, спокойный блеск светлого бархата и изящные изгибы, тонкие плавные линии и причудливые закорючки растительного узора.
А еще на сайте можно увидеть созданные Мажорелем настольные лампы и люстру — с 1898 года он активно сотрудничал с мастерами стекольного производства, и в первую очередь — с братьями Daum. Видимо такой податливый и выразительный материал как стекло, позволял воплощать ему самые смелые фантазии, легкость, пластичность и изменчивость которых не способны были передать ни дерево, ни металл…
Братья Daum. Жан Луи Огюст и Жан Антонин Daum были владельцами стекольной фабрики и подобно Мажорелю принадлежали к классу потомственных ремесленников Лотарингии. Вдохновленные идеями и творчеством Эмиля Галле они в 1891 году открыли на фабрике художественную мастерскую для создания декоративных предметов с использованием разработанной ими новаторской технологии.
В частности ими был разработан метод, при котором разноцветные стекла особым образом сплавлялись, в процессе образуя сложный рисунок и форму. Дополнительно к этому при создании своих шедевров Daum активно использовали и другие, более известные технологии: красящие порошки, аппликации, ковку, гравировку...
В результате получались изысканные предметы декора, сочетающие в себе гибкость, изящность, хрупкость и богатство красок. Более 150 из этих сокровищ, созданных в период с 1891 по 1920гг. сейчас экспонируются в Музее школы Нанси. (более подробно с историей дома Daum можно ознакомится в этой статье)
В числе тех из них, что представлены на сайте, особенное впечатление на меня произвела ваза «Зимний пейзаж» - тонкое прозрачное стекло, лишенное каких бы то ни было красок и скромный рисунок зимнего пейзажа в строгом черном цвете, создают иллюзию оконного стекла, покрытого наледью, через которое можно наблюдать за окружающим пейзажем — одиноко стоящим деревом и несколькими скрюченными кустиками.
Подобный сюжет скорее всего не вызвал бы сочувствия или восхищения, если бы не изящная гравировка в форме прекрасных цветов, оттеняющая общую картину и иллюстрирующая не только красоту и натуралистичность нового стиля в искусстве, но и его глубокий символизм. В итоге простая ваза — хрупкое стеклянное изделие, лишенное всякой утилитарности, превращается в полноценное художественное произведение, иллюстрирующее стойкость и красоту жизни, ее способность к возрождению.
Подобная глубина и символичность была характерной чертой стиля Модерн — так или иначе она присутствует в творчестве практически всех его видных деятелей.
Мебельщики, ювелиры, ткачи, модельеры, кузнецы — все они под влиянием этого прекрасного стиля превратились в художников, стремящихся выразить через доступные им техники и материалы красоту и изменчивость окружающего их мира природы, попытаться примирить его с господствующим рационализмом и промышленным производством.
Они создавали изящные металлические решетки, придавали деревянным изделиям форму причудливых растений, а ткани и ювелирные украшения населяли невероятным количеством цветов, птиц и разноцветных бабочек. Они открывали новые технологии и прибегали к помощи совершенно немыслимых прежде материалов, комбинировали и сочетали их во всех возможных вариантах. Однако ни один из этих самых материалов не смог воплотить всю красоту, легкость, изменчивость и символичность нового стиля так, как стекло.
Одним из тех, кто осознал все преимущества стекла в ряду других художественных средств выражения был великий ювелир эпохи Модерна — Рене Лалик, который предпочтет этот скромный материал куда более роскошному миру ювелирных украшений. Но самым первым художником, открывшим миру всю красоту стекла, всю его многогранность и многоликость без сомнения был Эмиль Галле (1846-1904).
В 1874 году он возглавил отцовскую фирму по изготовлению стеклянных изделий, а уже в 1878 году удостоился признания и славы на Парижской всемирной выставке, которые сопутствовали ему на протяжении всего последующего периода творчества, вплоть до самого конца.
Причиной подобной популярности стали два важных фактора:
- 1 — Эмиль Галле, как и другие гении модерна активно использовал новые техники: «лунный свет» - подкраска оксидом кобальта, придающими стеклу сапфировый оттенок, многослойное стекло, создающее иллюзию камеи из прозрачного камня; «стеклянные маркетри» - инкрустации из фольги, включенной в горячую стеклянную массу, и многие другие;
- 2 — В своих изделиях он чаще всего обращался к растительным и природным мотивам, особенно к цветам, благодаря чему его стеклянные шедевры получали плавную и изящную форму, яркий, насыщенный рисунок и неповторимую красоту.
Однако применительно к истории школы Нанси его имя имеет еще куда более важное значение — будучи одним из самых ярких деятелей французского модерна, Эмиль Галле вместе с тем был еще и представителем промышленников города Нанси. Он родился и вырос в этом городе, здесь же располагалась семейная фабрика Галле, здесь же он создал свои шедевры, и здесь же удостоился чести стать председателем самого яркого художественного объединения эпохи модерн - школы Нанси».
Естественно, что более половины всех экспонатов музея школы посвящены именно творчеству Галле. Из тех же, что демонстрируются на сайте самыми интересными, с моей точки зрения, являются два.
1 — Кубок «Французская роза» - самый прекрасный образчик творчества Эмиля Галле, своеобразная ода известному цветку, запечатленная в изящном блеске разноцветного стекла. В ней странным образом соединились все лучшие качества этого своеобразного материала.
Так, грациозная форма чаши в виде цветочного венчика едва ли могла бы покорить или удивить кого-то, если бы ее холодный блеск не создавал такого завораживающего контраста с ярким красным бутоном, настолько живым и реальным, что кажется будто это настоящий цветок, по воле случая оказавшийся вплавленным в стеклянную массу.
Благодаря этой иллюзии каждый может увидеть в этом шедевре что-то свое: кто-то хрупкий цветок на водной глади, кто-то — символ стойкости и красоты жизни, кто-то — просто рубиновый блеск изящных стеклянных лепестков, а кому-то может почудиться холодное дуновение осеннего ветра и шелест опадающей листвы….
2 — Кровать «Рассвет и сумерки» - это не просто пример, того, что настоящий гении никогда не ограничивает себя в поиске материала и средств самовыражения, а еще и последняя работа Галле. И хотя дизайном мебели он увлекся еще в 1880-х годах (следствие его дружбы с Луи Мажорелем — оба мастера учились друг у друга, заимствовали приемы, технологии и сюжеты), именно этому шедевру была уготована самая долгая жизнь и самая яркая слава.
Благодаря инкрустациям и вставкам из драгоценных пород дерева и перламутра простая кровать превратилась в произведение искусства со своей символикой и эстетикой.
Первое, что обращает на себя внимание — роскошное изображение полудрагоценной бабочки, чьи крылья словно в приветствии распахнуты на встречу новому дню, новой жизни, рассвет которой едва проглядывает между ее роскошных крыльев.
В изголовье же над сумеречным пейзажем в ожидании замер ночной мотылек, словно стражник, охраняющий царство сна и мрака. Галле удалось соединить два пейзажа в одном художественном произведении, наполнить их жизнью, совершенно разным светом, используя при этом лишь дерево и перламутр.
Конечно две эти работы не могут в полной мере отразить всю глубину творчества знаменитого мастера. Но они позволяют увидеть самое главное — декоративность, изящество, символизм и странную двойственность присущую как ему, так и всему стилю Модерн в целом.
Двойственность эта выражалась прежде всего в слепом поклонении Модерна истинно природной красоте с помощью достижений и материалов промышленности.
К сожалению в итоге красота оказалась не способной противостоять силе и напору рациональности, главным оружием которой были практичность и минимализм, в отличии от прекрасных шедевров модерна, доступных любому желающему. И теперь прекрасный мир драгоценных бабочек, стеклянных цветов, металлических деревьев, изящных нимф стал лишь еще одним достоянием истории…
Утешает лишь то, что насытившись доступностью икеевского минимализма, люди все чаще и чаще обращаются к этой эпохи в поисках душевного покоя и красоты….
Для тех, кто прямо сейчас хочет почувствовать легкое обаяние фанцузского модерна ссылка на сайт музея «Школы Нанси»: https://musee-ecole-de-nancy.nancy.fr/accueil-2676.html
🌺Если Вам нравится изучать красоту во всех ее проявлениях, вы можете подписаться на мой канал🌺
Интересные статьи о малоизвестных музеях:
- музей моды города Парижа - путешествие online;
- музей средневековья или музей Клюни - путешествие online;
- музей Рене Лалика.
- музей живой лошади во французском замке;
