Автопортрет- необычный жанр живописи. Автор ставит себя в роль натурщика, а мы - зрители - получаем уникальный шанс увидеть его собственными глазами. Не имеет значения, является ли художник болезненно честным или создает свой идеализированный образ - он почти всегда раскрывает много информации о себе.
Благодаря этому, каждый личный портрет может стать материалом для более длинной истории. На этот раз таких историй будет семь, и отправной точкой для каждой из них будет автопортрет женщины.
1. Клариче
Люди чувствуют необходимость увековечить себя с помощью картины, скорее всего, как только они овладевают рисованием. Примеры, идентифицированные как автопортреты, относятся к древним временам. Обычно это образы людей, которые уже доминировали среди создателей. Единственный древний автопортрет женщины известен только по сообщению Плиния, который упоминает Яй из Кызыкоса, раскрашивая ее изображение в зеркале.
Немного лучше в этом отношении в средневековье, хотя эта эпоха совершенно не способствовала созданию автопортретов. Социальная позиция художников в то время была не очень высокой, к ним относились как к обычным ремесленникам. Большая часть произведений искусства была создана в монастырях - это были богато иллюминированные рукописи, большинство создателей которых остались нам неизвестны.
К счастью, некоторые из них решили оставить след в виде подписи или даже миниатюрного портрета, помещенного среди других иллюстраций. На некоторых из этих изображениях изображены женщины, поскольку Священное Писание также было в женских монастырях.
Именно из таких автопортретов, спрятанных в книгах, мы знаем монахинь 12 века Диемудис и Гуда. Очень интересный образ - это тот, который оставила некая Клариче. Женщина, чей силуэт заменяет хвост, выглядит так, будто в крайне неудобной позе она поддерживала письмо или... качалась на нем. О ее имени нам сообщает надпись, нанесенная на ее голову.
Изображение считается автопортретом одного из, возможно, трех авторов, работавших над рукописью. В этом контексте внимание обращается на женское платье. Она непривычное, светское облегающее платье, и на ней видны светлые косы. Этот костюм доказывает, что она была не монахиней, а светским учеником монастыря.
2. Софонисба Ангиссола
Портрет в современном смысле был фактически создан в эпоху Возрождения, что во многом было обусловлено новым, гуманистическим взглядом на мир. В то же время значительно повысился престиж профессии художника, что, в свою очередь, привело к росту интереса к автопортрету. Теперь художники с гордостью представляют себя миру со своими профессиональными атрибутами, уже не как ремесленники, а как интеллектуалы.
Из художников той эпохи Софонисба Ангиссола рисовала себя чаще всего. Ее творчество в значительной степени сформировало канон женского автопортрета, который мало что изменил до конца 19 века. Художник родился около 1535 года в знатной семье. Ей очень повезло, потому что ее отец - современный гуманист - решил воспитать всех своих детей, независимо от их пола. Благодаря этому она и ее три сестры стали художниками.
Самая талантливая из братьев и сестер, Софонисба рано получила признание как портретистка, а в 1559 году стала художницей при испанском королевском дворе, где провела несколько лет.
Можно назвать все ее собственные портреты представительницами, хотя она сделала акцент на различных аспектах созданного образа. Один из них находится в Польше, в коллекции Ланьцутского замка. Ангиссола показана на ней мольбертом, во время работы. Она здесь очень аккуратная, "скромная девушка" в простом темном наряде, с гладко расчесанными волосами. Работа художника в ее выполнении не кажется ничуть грязной, а наоборот - это достойно молодой леди. В то же время, мы можем четко видеть, что находится на мольберте: это религиозная картина, изображающая Мадонну с Младенцем.
Женщины-художницы относительно редко брались за такие темы, которые, по общему мнению, требовали лучшей техники. Гораздо чаще они занимались изображением или даже копированием других произведений. Работая над религиозной живописью, Софонисба подчеркнула свое мастерство - можно ли представить себе лучшую саморекламу?
3. Артемизия Джентилески
В некотором смысле, противоположность автопортрету Ангиссолы - автопортрет другого известного итальянского художника - Артемизии Джентилески.
Художница родилась в 1593 году и встала на профессиональный путь дочери художника. Она была талантлива, что быстро привело к признанию ее работы. Будучи одной из немногих женщин того времени, она в основном занималась религиозной и исторической живописью.
Стиль ее картин формировался под влиянием собственного отца, и прежде всего Караваджо. Как и он, она извлекла выгоду из сильных контрастных черт, и в ее работах не было недостатка в насилии, которое большинство художников искали до 20-го века.
Джентилески написала эту картину в разгар своей славы, в 1730-е годы. Это один из самых необычных женских автопортретов, нарушающий условности, которые должны были долгое время оставаться в силе среди художников, кроме Атремизии, она не элегантна и не скромна, как это было с Софонисби.
Художница появилась в процессе своей работы настоящей, а не позировала для картины. Динамичным жестом она поднимает правую руку кистью, рукав ее платья закатывается до локтя для комфорта. Используемая в данном случае перспективная аббревиатура является демонстрацией живописного мастерства. Ее волосы небрежно убраны, темные пряди прокрадываются на ее лицо. Женщина не смотрит на зрителя, а только на свою работу, полностью поглощенную ею.
Чтобы понять, почему Джентилески позволила себе так смело уйти от канона, стоит взглянуть на детали картины, особенно на ее название: Автопортрет как "Живопись". Художник ловко использовал здесь популярность аллегорий - абстрактных понятий, воплощенных персонажами с соответствующими атрибутами. Популярное издание "Иконология" Чезаре Рипы - сборник таких символических персонификаций - стало ее образцом.
Согласно ему, "Живопись" - "Красивая женщина, с черными волосами, обильными и расстегнутыми, извращенными различными способами. [...] на шее висит золотая цепь с прикрепленной к ней маской [...] В одной руке она держит кисть, а в другой - доску, одетую в мантии, переливающуюся цветом [...]".
Расчесанные волосы, обозначающие творческий элемент, согласуются с атрибутами - в том числе и с маскообразным кулоном. Поэтому Артемизия Джентилески не просто появилась в роли художника, а отождествила себя с самой идеей живописи. Интересно то, что ни один мужчина не смог бы воспользоваться процедурой, которую она использовала: в итальянском языке живопись - la pittura - это женский тип и поэтому может быть воплощена только женщиной.
4. Элизабет Виже-Лебрен
Опыт, который только женщины могли включить в свои автопортреты, - это материнство. Однако, похоже, что художники предпочитали подчеркивать свою профессиональную позицию, а не традиционные женские обязанности и относительно редко рисовали в компании своего потомства.
Стоит отметить, что тема материнства - "светская", отличная от образов Богородицы - вошла в искусство только во второй половине 18 века на волне просветленного интереса к детям. Эта тема одновременно вошла в женские портреты.
Автором этих очаровательных автопортретов с дочерью была Элизабет Виже-Лебрен. Художница родилась в 1755 году и является еще одним примером блестящей карьеры, которую поддержал ее отец - художник, а позже муж - живописец и продавец картин. Уже в подростковом возрасте она начала делать портреты и вскоре стала любимицей французской аристократии, в том числе и самой Марии-Антуанетты.
С дочерью она изображала себя дважды - в 1786 и 1789 годах, когда девочке было 6 и 9 лет соответственно. На первой картине художница одета в соответствии с актуальной модой, ее волосы искусно завязаны шарфом-тюрбаном. В более позднем автопортрете она носит - в соответствии с тогдашней популярной конвенцией - наряд, относящийся к античной эпохе.
В обоих случаях ребенок крепко обнимал мать, а его силуэты помещались в треугольник. Вероятно, художник взял эту композицию из изображений Мадонны с Младенцем, написанных Рафаэлем. Мать и дочь, хотя и тесно переплетены, смотрят не друг на друга, а прямо, на зрителя. Их образы идеализированы, полны сладостей, даже нежности. Такой красочный взгляд на детство и материнство был связан с философией эпохи, поэтому неудивительно, что картина 1786 года была очень популярна у зрителей, которые увидели ее год спустя в Салоне.
Интересно, что эта ласковая мать сильно сосредоточилась на своей профессиональной карьере. Согласно легенде, которую она создала сама, она не прекращала работать даже во время родов:
"[...] хотя я и счастлива думать, что буду матерью, но на девяти месяцах беременности я никогда не думала о том, чтобы подготовить то, что нужно женщине при родах". В день рождения дочери я не выходила из ателье, а в перерывах между болями работала на Венере, которая сдерживает крылья Любви".
Это не значит, что Виже-Лебрен не интересовалась собственным ребенком. Описывая свое рождение таким образом, она хотела подчеркнуть, что, несмотря на то, что она женщина, она не уступает своим коллегам.