Это вторая часть статьи, а остальные читайте здесь:
Я никогда до конца не понимал, есть ли какой-то самый «приемлемый» путь обучения игре на гитаре — нужно ли начинать со школ Сора или Каркасси, или есть другие определённые логические строительные блоки? Определённые произведения или композиторы изучаются в первую очередь? Вы написали книгу по гитарной педагогике, но в ней используется больше исторический подход, рассказывающий о том, что именно добавлялось к знаниям и технике игры на гитаре в течение каждой исторической эпохи и до наших дней. Не могли бы вы немного рассказать об таком способе исследования предмета?
Ну, очевидно, что педагогика основана как на техническом, так и на музыкальном развитии, поэтому в обучении технике игры есть шаги, отличающиеся от обсуждения истории. Таким образом, наиболее логичным подходом к книге по истории было просто принять хронологический порядок.
Педагогика — это другой зверь в том смысле, что она немного шире просто открытой книги, потому что мы ищем ещё и реального развития двигательных навыков. И последнее не обязательно связано с историческим развитием изучаемых композиций.
Другая проблема состоит в том, что гитара, в отличие от почти любого другого инструмента на земле, почти вымерла целых два раза, и мы полностью потеряли наши традиции. По существу, она исчезла после барокко, а затем снова в конце XIX века, примерно после 1856 года, когда Johann Kaspar Mertz умер в Вене.
С пианино, скрипкой и всеми стандартными классическими инструментами вы можете вернуться назад и пройти весь путь того, как на них учили и какие произведения для этого использовали. Но у нас, с гитарой, нет такой же традиции педагогического прогресса.
Еще в XIX веке, когда мы действительно получили наш инструмент — шестиструнную гитару, настроенную так, как сейчас — большинство школ, которые появлялись, были созданы композиторами и исполнителями. Они, естественно, включали туда преимущественно свои собственные композиции, плюс немного беспорядочно выбранных пьес из более старых руководств. Поэтому эти школы показывают ученику лишь малую часть всего гитарного репертуара.
Теперь мы добрались до места, где педагогическое развитие должно «исторически смешиваться»: либо учитель должен сам составить список пьес, которые следуют одна за другой, чтобы развить ученика, либо использовать несколько таких устоявшихся списков.
Например, в Королевском музыкальном колледже Канады есть поэтапный репертуар, смешанный по истории. Есть также замечательная книга под названием «Dix ans avec le guitar» («десять лет с гитарой») — это основное руководство, которое используется во Франции во всех консерваториях и музыкальных школах. Оно проходит шесть уровней, на каждом из которых есть пять или шесть подуровней — очень рациональное продвижение в соло, камерной музыке, для концертов. Там даже есть немного джаза и аккордов. Таким образом, системы существуют, но они не ориентированы непосредственно на создание репертуара.
Как вы думаете, почему в США не приняли систему «уровней», распространенную в Европе и других местах?
Европа и США имеют разрыв в методике образования. Например, степень бакалавра в Америке традиционно составляет четыре года. В Италии — девять. Франция довольно близка к этому же, но в зависимости от того, как далеко вы пройдете. Но Франция также и совершенно другой зверь, потому что в рамках официальной консерватории вы должны изучать сольфеджио в течение как минимум одного года, прежде чем вам позволят даже выбрать инструмент.
В США нас ждет более быстрое удовлетворение. В Италии репертуар, который они используют во всех начальных консерваториях, идентичен. Он был создан в отделе художественного совета при Муссолини, поэтому в каждой школе вы делаете одно и то же, в зависимости от того, на каком уровне вы учитесь. Некоторые могут назвать это чрезмерно структурированным, я не берусь судить.
Гитара как формальная степень в Соединенных Штатах получила распространение позже. Как и музыка вообще, честно говоря. И колледжи в этой стране уже были широко распространены как четырёхлетние программы. Так что мы немного запутались в этом отношении.
Когда вы работаете со своими учениками, как вы видите или определяете пробелы в их обучении, если не существует согласованной системы, которая определяет «уровни»? Это основано на пьесах? Как они справляются?
Что касается поиска пробелов, есть определенные вещи, на которые смотрю я, и я думаю — большинство учителей. Во-первых, мы обеспокоены тем, что может привести к физическим травмам — от посадки до того, как мы двигаем пальцами. Проблемы могут вызвать довольно серьезные физические недуги — тендинит, очаговая дистония, синдром запястного канала и так далее.
Затем вы начинаете смотреть на любые технические проблемы: палец не возвращается на место так быстро, как должен? Форма ногтя вызывает зацепление пальца при отпускании струны? И тому подобное, что-то в этом роде.
Затем вы переходите к третьему этапу, который является музыковедческим, и смотрите, есть ли какие-либо технические моменты, которые негативно влияют на интерпретацию. Здесь ищется что-то, чего просто не хватает — и это этап обучения.
В конечном счёте, вы проходите три этапа с каждой пьесой: изучаете её, запоминаете её, а затем «полируете». Я стараюсь, чтобы у ученика была хотя бы одна, а лучше две пьесы в каждой из этих категорий — изучение, запоминание или полировка.
Это также делает обучение намного более интересным для студента, потому что он не сидит месяцами, выполняя технические упражнения или «полировку» одного и того же.
Остальные части этой статьи читайте по ссылкам в начале.